Beth Moon es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1955 en Neenah, Wisconsin, vive y trabaja en San Francisco) que se ha ganado el reconocimiento internacional por su fotografía de árboles a gran tamaño impresas al platino.

© Beth Moon

Se yerguen como los monumentos vivientes más grandes y antiguos del mundo, y creo que estos árboles tan simbólicos tendrán más importancia, sobre todo cuando nos concentremos en encontrar mejores maneras de convivir con el medio ambiente.

Biografía

Beth Moon estudió Bellas Artes en la Universidad de Wisconsin antes de mudarse a Inglaterra, donde experimentó con procesos fotográficos alternativos y aprendió a hacer impresiones de platino. Ha pasado los últimos 14 años buscando algunos de los más grandes, raros y antiguos árboles de la Tierra para capturarlos con su cámara. Realiza sus copias con el proceso de platino/paladio, una práctica laboriosa y poco frecuente que consigue una tremenda gama tonal y una duración con calidad de las copias que rivaliza con la longevidad de los árboles que inmortaliza.

Una colección de 60 fotografías de árboles en duotono se ha recogido en el libro titulado Ancient Trees: Portraits of Time. Las especies retratadas incluyen a desde enmarañados tejos a baobabs de Madagascar, pasando por los dragones de sangre de la isla de Socotra, en Yemen.

Desde 1999 su obra ha formado parte de más de sesenta exposiciones individuales y colectivas en Estados Unidos, Italia, Inglaterra, Francia, Israel, Brasil, Dubái, Singapur y Canadá. También forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, como el Museum of Fine Arts de Houston, Museum of Photographic Arts de San Diego y el Fox Talbot Museum de Wiltshire, Inglaterra. Sus fotografías han sido publicadas en diversos medios impresos de gran prestigio internacional como The Wall Street Journal, The Huffington Post, The Guardian y The independent.

Moon trabaja en una nueva serie de árboles fotografiados en color bajo la luz de las estrellas llamado Diamond Nights.

Referencias

• su página web bethmoon.com (EN [?f]),
• Beth Moon en vervegallery (EN [+130f]),
• Beth Moon: Bridging Earth and Sky en visiongallery (EN [14f]),
• Beth Moon en cordenpottsgallery (EN [22f]),
• Beth Moon's Majestic Photographs Of Ancient Trees Will Make You Feel Very, Very Small en huffingtonpost (EN [11f]),
• Beth Moon: Retratos del tiempo en fotofestin [10f],
• Beth Moon’s 14-Year Quest to Photograph the World’s Most Majestic Trees en thisiscolossal (EN [10f]),
• Ancient Trees: Woman Spends 14 Years Photographing World’s Oldest Trees en boredpanda(EN [20f]),
• Beth Moon en mastersofphotography (EN [17f]),
• Beth Moon en territoriofoto [14f],
• The Beth Moon Interview: Between Earth and Sky en lenscratch (EN [21f]),
• Photographer's Incredible 14-Year Quest to Document the World's Oldest Trees en mymodernmet (EN [15f]),
• Africa`s ancient trees, surrounded by a blanket of stars en wired (EN [11f]),
• Beth Moon en facebook (EN [?f]).

Libros

• La Lange Verte, 2015
• Ancient Trees: Portraits of Time2014
• Between Earth and Sky2013.

Jordi Guillumet es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona, 1953), miembro del movimiento que revitalizó la escena fotográfica en los años 80, y que participó en el grupo impulsor de la Primavera Fotogràfica en Barcelona.

© Jordi Guillumet

Biografía

Jordi Guillumet estudió Diseño Industrial en la Escuela de Diseño Elisava de Barcelona, que compaginó con la práctica de la escenografía. Posteriormente se licenció en Fotografia en la Facultat de Belles Arts de la Universidad de Barcelona y desde 1982 enseña fotografía en esta facultad, siendo el responsable del laboratorio de fotografía de la misma..

Su obra va desde el documentalismo poético de sus inicios, pasando por elaboradas puestas en escena, hasta montajes que incorporan otras disciplinas, apostando siempre por la experimentación y la reflexión sobre el propio medio. Utiliza fotografía en blanco y negro, procedimientos fotográficos del XIX, como la goma bicromatada y la cianotipia, cámaras construidas por él e instalaciones con complejos dispositivos técnicos.

Es autor del proyecto La càmera gegant (1984), con una cámara esteniopeica de formato 100x150 cm, en el que invitó a participar a artistas de distintos campos. En Toulouse enCaméra Obscura fotografía la ciudad usando un camión transformado en cámara.

Desde 1995 trabaja conjuntamente con la fotógrafa Mònica Roselló, en diversos proyectos. De esta colaboración destacan las instalaciones: L’Armari de l’Arquitecte, presentada en los Rencontres photographiques d’Arles de 1996, en la que se construye la imagen de una ciudad a partir de los objetos personales aportados por veinte arquitectos; Objecte d’Observació (1998) donde se invierte el rol del espectador, que es observado por actores de cine; Tabula rasa (2000), una reflexión sobre los mecanismos de la memoria a partir de un dispositivo fosforescente que retiene temporalmente la luz.

Ha realizado las exposiciones individuales Musa/Museu, en La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona en 1992, Toulousse en càmera obscura en Toulouse en 1992, Objecte d’observaciò en el Tadeimuseo en Jyvaskila, Finlandia, en 1998 y Tabula rasa en la Sala Metrònom de Barcelona en 2000.

Su obra se encuentra en colecciones como el Centre Pompidou, Maison Europeénne de la Photographie, Centro de Arte Reina Sofía, MNAC, Ivam, Centro Cultural Arte Contemporáneo de México, Biblioteca Nacional de Francia, la fundación Miró, Jyväskylä Museum  y el Instituto Valenciano de Arte Moderno, entre otros.

Referencias

• su página web guillamet.es (EN [?f]),
• su página con Mònica Roselló [?f],
• Jordi Guillumet en wikipedia,
• Jordi Guillumet en colectania [1f],
• Jordi Guillumet en museunacional [2f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• Los objetos de este espejo están más cerca de lo que parece, (varios) 1996.
• Retrats. Fotografía espanyola 1848-1995, 1996.
• Historia de la fotografía en España, de Publio López Mondejar, 1999
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Marisa González es una artista multimedia vasca (nacida en Bilbao en 1945, reside en Madrid) reconocida pionera en España y en el panorama internacional por su trayectoria en el ámbito del arte y nuevas tecnologías desde los años 70 hasta la actualidad.

© Marisa González

Biografía

Marisa González estudió en Bilbao en el Conservatorio de Música la Carrera Superior de Piano, una formación decisiva para ella, ya que la música, tanto clásica como contemporánea, ha influido de forma muy importante en su vida y en su profesión. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Madrid, master en el Art Institute de Chicago en el Departamento de Sistemas Generativos y graduada en B.F.A. en la Corcoran School of Art de Washington, en 1976.

Para sus creaciones, recurre al uso de aparatos tecnológicos como fotocopiadoras, faxes, ordenadores y vídeos. Desde sus trabajos de principios de los 70, Marisa apela a una conciencia social.

Sus proyectos mas reconocidos son sus trabajos sobre arquitectura industrial, como La Fabrica de la Fundacion Telefónica de Madrid (2.000), o la central nuclear de Lemoniz en 2004. También Clónicos (1993-97), Naturaleza agredida, expuesto en PhotoEspaña 2006, y el más reciente Filipinas en Hong Kong, con el que acudió a PhotoEspaña 2010 y a la Bienal de Venecia de Arquitectura en 2012.

Ha realizado mas de 40 exposiciones individuales, 100 colectivas, y ha participado en ferias internacionales  de arte contemporáneo como ARCO, Feria de Arte Contemporáneo de Kolonia, Fiac de Paris, Paris Photo, S M L Feira de SP Arte en Sao Paulo, Feria de Arte Contemporaneo de Pekín, LOOP Feria de Arte Contemporáneo de Barcelona.

Sus trabajos han sido incluidos en importantes exposiciones colectivas como El discreto encanto de la tecnología en el ZKM de Karlsruhe  y en el MEIAC, Arquitecturas de la vida cotidiana en el Museo de la Revolución de Hanoi en Vietnam, El Paisaje Humano en el Museo Nacional de Kinsasa en la Republica Democrática del Congo, y muchas otras.

Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo Nacional centro de Arte Reina Sofía de Madrid, ARTIUM de Vitoria, Cab de Burgos, Museo Municipal de Bellas Artes de Santander. Chase Manhattan Bank de New York., Colección de Arte de Telefónica de España, Colección Paul Bianchini, Museés de Sens en Francia, Colección Helga de Alvear, CGAC Centro Gallego de Arte Contemporáneo, MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid.

Referencias

• su página web www.marisagonzalez.com (EN, ES [?f 18v]),
• Marisa González en elpactoinvisible [+20f 5v],
• Marisa González en galeriavanguardia [11f],
• Marisa González en galeriaevelynbotella [+20f],
• Marisa González en m-arteyculturavisual [8f],
• Marisa González en fotomuseo [11f],
• Marisa González. Registros domesticados en promociondelarte [5f],
• Marisa González. Naturaleza agredida en fundaciontelefonica [11f],
• Marisa González en fundaciontelefonica [7f],
• Marisa González en artekogaleria [3f],
• Marisa González en fondation-langlois (EN [1v]),
• Marisa González en mariagimenez [1f],
• Entrevista a Marisa González en elcultural [3f].

Libros

• La fábrica, 2000
• Desviaciones-transgénicos, 1986-2002, 2002
• Nuclear Lemoniz, mecanismos de control, 2004;
• Critical Cities: Volume 3: Ideas, Knowledge and Agitation from Emerging Urbanists,  2011.
  

Nicolas Janowski es un antropólogo, fotógrafo y editor argentino (nacido en 1980, vive en Buenos Aires).

© Nicolas Janowski

La Amazonía no es ni hombre ni animal. Es híbrida por naturaleza.

Oro, petróleo, tráfico de especies animales, monocultivos, deforestación a gran escala y la introducción de ganado bovino son algunos de las actividades que amenazan la sostenibilidad de la Amazonia, con grave riesgo de contaminación de los cursos de agua dulce, y por ende, de la vida misma. En esa transformación del curso de la vida, paulatina pero constante, la Amazonía también modifica al que se acerca a ella.

Biografía

Nicolas Janowski obtuvo una licenciatura en Antropología por la UAB de Barcelona y estudió fotografía en el Centro de Iris en París y en ARGRA en Argentina.

En 2011 recibió una Beca Nacional del INCAA para desarrollar un proyecto sobre sitios arqueológicos en Argentina. En 2011, empezó el proyecto La serpiente líquida. El nombre es una metáfora de lo que "parece el Amazonas visto desde el cielo". En viajes periódicos, Janowski ha explorado la Amazonía ecuatoriana, boliviana y peruana, descubriendo no solo su belleza, sino también la depredación que atenta a la serpiente líquida, transformando su arte como una especie de denuncia.

En el camino que ha recibido varios premios, como el primer premio en el Repsol Lima Foto 2014, fue finalista en Fotógrafos Emergentes en Burn en 2012 y Top Finalista en la edición de FotoVisura de 2013.

Su trabajo ha sido presentado en festivales y muestras individuales y colectivas en Argentina, Brasil, Chile, Perú, Venezuela, Holanda, España, Francia, Rusia, Alemania, Estados Unidos, India, y China. Sus ensayos han sido publicadosen revistas nacionales e internacionales como TIME, New York Times, Le Monde y DeSpiegel.

Vivió 10 años entre Barcelona y París. Ahora, Buenos Aires es para él una base estratégica para proyectar viajes por Latinoamérica trabajando como fotógrafo freelance. Al mismo tiempo trabaja en proyectos fotográficos personales. Es también comisario en Photographic Museum of Humanity, un museo de fotografía en línea.

Referencias

• su página web nicolasjanowski.net (EN [+65f]),
• The Amazon, Through an Anthropologist’s Eye en nytimes (EN [20f]),
• Nicolas Janowski en visura (EN [23f]),
• Nicolas Janowski: The State of Things (2012-2013) en noorderlicht (EN [5f]),
• Nicolas Janowski. La serpiente líquida en camaraoscura [30f],
• Nicolas Janowski, ganador de LimaPhoto 014: Redescubrir la ciudad en paperblog [4f],
• Nicolas Janowski. Buenos Aires en fnpi [10f],
• Nicolas Janowski en hoyhayfoto [17f].

Lorenzo Meloni es un fotógrafo italiano (nacido en 1983) que ha centrado su atención en países de Oriente Medio y el Norte de África, en particular en los conflictos causados por las intervenciones occidentales y sus consecuencias sobre los territorios y poblaciones.

© Lorenzo Meloni

Biografía

Lorenzo Meloni estudió en la Scuola Romana di Fotografia durante tres años. Ha documentado sobre los refugiados palestinos y el Yemen, Líbano, Siria, Libia y Turquía. Otros trabajos suyos incluyen retrospectivas de la juventud tecno-rave y hip-hop en escenarios italianos.

Su obra ha sido exhibida en el Museo de Prehistoria de Luigi Pigorini Nacional Etnográfico de Roma y en el Festival Fotoleggendo. Sus fotografías han sido publicadas en L'Espresso, The Telegraph, Le Figaro, Courrier International, Vanity Fair, Internazionale, La República y TIME.

En 2015 ha sido admitido como miembro de Magnum Photos.

Referencias

• su página web www.lorenzomeloni.com [1f],
• Lorenzo Meloni: Kobani Aftermath en magnumphotos (EN [36f]),
• Lorenzo Meloni: Moonlight Yemen en burnmagazine (EN [19f]),
• Lorenzo Meloni: Il paese dei Curdi en fotoleggendo (EN [4f]),
• A Dark Descent: The Streets of Yemen at Night en time (EN [20f]),
• Lorenzo Meloni en vervephoto (EN [1f]),
• Lorenzo Meloni: Breach of the Peace en aksgar (EN [15f]).

Andrew Moore es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1957 en Old Greenwich, Connecticut, vive en Nueva York) conocido por sus imágenes de colores vivos de escenas arquitectónicas y urbanas particularmente de Cuba, Rusia y Detroit.

© Andrew Moore

Biografía

Andrew L. Moore busca la dramática evidencia visual del paso del tiempo. En sus fotografías capta la belleza imponente de la grandeza y de su disolución. Detroit, La Habana y Rusia son algunos de los lugares en los que el tiempo es más tangible gracias a fábricas medio derrumbadas, el revoltijo de señales de tráfico en Times Square o el esplendor desvanecido de La Habana.

Sus fotografías forman parte de las colecciones del Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art, Yale University Art Gallery, Museum of Fine Arts de Houston, George Eastman House y de la Library of Congress..

Ha obtenido becas de la National Endowment for the Humanities, The New York State Council on the Arts y de varias fundaciones privadas. Ha realizado nueve exposiciones en solitario en la ciudad de Nueva York, así como en Minneapolis, Moscú, París, San Francisco, San Petersburgo, Nebraska y Ámsterdam.

Además, sus fotografías han aparecido en Art and Auction, Art in America, ArtNews, Conde Nast Traveler, Departures, Fortune, Harpers, National Geographic, New York Magazine, The New York Times Magazine, New York Review of Books, The New Yorker, TIME y Wired.

Moore fue productor y director de fotografía de How to draw a bunny, un documental sobre el artista Ray Johnson. La película se estrenó en el Festival de Sundance, donde ganó un premio especial del jurado, y más tarde fue nombrada una de las mejores películas de 2002 por New York Magazine.

En los próximos días a la publicación de este artículo hará la presentación de su libro Dirt Meridian, que recoge su trabajo de 10 años sobre las llanuras de la región de High Plains, en EEUU.

Enseña un seminario de posgrado en la MFA Photography Video and Related Media en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Anteriormente, fue profesor de fotografía en el Visual Arts Program de la Universidad de Princeton desde 2001 hasta 2010.

Referencias

• su página web andrewlmoore.com/ (EN [+400f]),
• Andrew Moore en instagram (EN [+80f]),
• Andrew Moore en jacksonfineart (EN [98f]),
• Andrew Moore en yanceyrichardson (EN [12f]),
• Andrew Moore en dkgallery (EN [8f]),
• Andrew Moore en reflexamsterdam (EN [30f]),
• Capturing the Idling of the Motor City en nytimes (EN [2f]),
• Along the Hundredth Meridian en newyorker (EN [11f]),
• Andrew Moore en cubaabsolutely (EN [57f]),
• Andrew Moore en all-about-photo (EN [17f]),
• Andrew Moore: Dirt Meridian en artbook (EN [1f]),
• Andrew Moore en facebook (EN [?f]).

Libros

• Dirt Meridian  septiembre 2015
• Cuba 2012
• Detroit Disassembled 2010
• Making History 2010
• Russia: Beyond Utopia2005
• Inside Havana 2002
• How to Draw a Bunny 2002.

Robert Hutinski es un fotógrafo esloveno (nacido en Celje en 1969, donde vive y trabaja) que trata de crear narrativas fotográficas sobre la ciudad, las historias de sus habitantes, la memoria y el olvido.

© Robert Hutinski

Lo que hay en las fotos es lo que creo que veo.

Biografía

Robert Hutinski tiene una forma de trabajo organizada: observar, documentar, comunicar, advertir, para finalmente tomar posición. Cree que hoy en día, la política impregna la mayoría de las prácticas en la vida cotidiana del individuo desde la cuna a la tumba sin que, en la mayoría de los casos, el individuo sea consciente de ello. Estas prácticas e ideas están en constante conflicto y se traducen y asimilan a través de diversos campos diariamente. La fotografía de campo tiene su poder en ser políticamente incorrecta en su práctica y sólo así puede ser moralmente y éticamente pura, y un factor de reflexión y sensibilización.

Robert Hutinski trabaja en su libro Atavism la sustancia etérea de los recuerdos con  la materia prima de imágenes medio destrozadas encontradas en los archivos de la ciudad, elaborando un cuento de recuerdo y desaparición con sacerdotes, médicos, soldados, clientes de tabernas y bellas durmientes, y creando un mapa de memoria colectiva, cuyos actores desaparecen poco a poco sin dejar rastro, aunque los  lugares permanezcan.

Las series Family Album, de la que forma parte Atavism, son una confrontación entre la memoria y la pérdida de la misma, y la reflexión del autor sobre esta confrontación. Recuerdos cuidadosamente escogidos, así como su destrucción, son de hecho un mundo en blanco y negro que se queda en nuestra conciencia. Se dice que los recuerdos se desvanecen, pero tal vez sería más exacto decir que los recuerdos se van virando poco a poco al blanco y negro, porque nosotros, como individuos y como sociedad, sólo recordamos los acontecimientos más negros o más blancos.

Hutinski ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en su país y en el extranjero.
He recibido diversos galardones como PX3, International Photography Awards, Kontinental Award y fotografía del año de la Photographic Association of Slovenia.

Referencias

• su página web robert-hutinski.com (EN [+400f]),
• Robert Hutinski en flickr (EN [+800f]),
• Robert Hutinski en ndmagazine (EN [12f]),
• Robert Hutinski en all-about-photo (EN [17f]),
• Robert Hutinski: Atavism en akinabooks (EN [7f]),
• Atavism (Family Album or Seminar on Youth) en fkmagazine (EN [15f]),
• Robert Hutinski en artupfront (EN [8f]),
• Za-bris, by Robert Hutinski en dodho (EN [14f]),
• Robert Hutinski en eyemazingedition (EN [8f]),
• Robert Hutinski Interview en photowhoa (EN [9f]),
• Robert Hutinski. Sociedad desnuda en klimtbalan [12f],
• Robert Hutinski en thequietfront (EN [6f]),
• Robert Hutinski en facebook (EN, SL [?f]).

Libros

• Atavism, 2013
• Sekvence – Sequences.

Joris Hermans es un fotógrafo belga (nacido en Geel el 11 de abril de 1983, vive en Mol) que realiza pausados documentales que reflejen la vida desde hospitales y gentes del Congo, a las calles de Bankog o de ciudades de Estados Unidos, pasando por pueblos aislados del Norte de California.

© Joris Hermans

Biografía

Joris Hermans estudió fotografía en Amberes en Karel de Grote Hogeschool y después empezó a trabajar como diseñador gráfico hasta que se decidió empezar como fotógrafo freelance en paralelo a su profesión principal a comienzos de 2013.

Desde hace poco tiempo, es un Redhorse Rider.

Sus más recientes exposiciones han sido: en 2015 Behind The Redwood Curtain en Warande Turnhout en Bélgica, en 2013 Mosango  en Brussels Airlines b.Foundation, Zebra Coffee y TWENS (en grupo).

Sus fotografías se han mostrado en televisiones como Eén (Missie Mosango), revistas en papel como Knack, De Morgen, De Standaard, Suiker, Humo, P-magazine, DigiFotoPro, SHUTR, …y revistas online como Posi+tive Magazine, STAMPSY, Apache.be, … 

Referencias

• su página web www.jorishermans.com (EN [+130f]),
• Joris Hermans en redhorse (EN [?f]),
• Joris Hermans en all-about-photo (EN [17f]),
• Joris Hermans en stampsy (EN [+40f]),
• Joris Hermans en facebook (EN [?f]).

Philip F. Metcalf es un fotógrafo estadounidense (nacido en la zona de Finger Lakes, en el estado de Nueva York, vive en Santa Fe) que realiza principalmente paisajes infrarrojos en blanco y negro.

© Philip F. Metcalf

Biografía

Philip F. Metcalf se graduó en la Universidad de Princeton. Aprendió fotografía en los 70 principalmente con Charles Harbutt y Kate Carter.

Su pasión es registrar e interpretar la naturaleza, ya sean aguas cristalinas o entornos alterados por el hombre, especialmente en el suroeste de Estados Unidos, cuyas vastas extensiones con horizontes sin obstáculos en kilómetros y kilómetros son una experiencia muy especial. Su paisaje termina por tener un gran grado de abstracción. También, cada vez más, las preocupaciones medio ambientales influyen en su trabajo.

En 2015 es artista en residencia en el Bandelier National Monument, y ha participado en la muestra en grupo Fire Season en el New Mexico Museum of Art, donde explora la devastación y la belleza inesperada causada por los incendios forestales de 2011 en Las Conchas, Nuevo México.

En 2013 obtuvo el LensCulture Exposure Award, en 2014 fue nominado doblemente en los Black & White Spider Awards y en 2015 y 2014 tuvo el Merit Award de la revista Black & White. Ha expuesto en grupo en 2014 en Road to Nowhere; Southwest Sojourns  en la Santa Fe University of Art and Design, yen 2013 en The Art of Photography en el San Diego Art Institute.

Philip y su esposa, la también fotógrafa Patricia Galagan, viven en Santa Fe, Nuevo México.

Referencias

Libros

Autophotography: Self-Portraits by New Mexico Photographers 2013 (Varios).

Cristina Lucas es una artista multidisciplinar y fotógrafa andaluza (nacida en 1973 en Jaén, vive y trabaja en Madrid) cuyas fotografías, vídeos, dibujos e instalaciones reflexionan sobre las estructuras de poder desde el punto de vista cultural y de género.

Peinado de mujer voladora © Cristina Lucas

Es fundamental cuestionar lo establecido. Al artista le toca ir más allá.

Biografía

Cristina Lucas se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (1998), ha realizado un máster en la Universidad de California Irvine y ampliado estudios en el International Studio and Curatorial Program de Nueva York (2003) y en la Rijksakademie de Ámsterdam (2006-07).

En sus inicios realizó arte de acción, siendo la performance y el happening sus primeras vías de expresión. Poco a poco, su trabajo fue derivando en la utilización de registros que permitiesen a sus obras tener una existencia menos efímera. Comenzó así a trabajar con la pintura, la fotografía y el vídeo, aún sin perder el carácter de perfomance que nunca va a desaparecer de su obra, y es más bien el elemento que le confiere un carácter definidor. De hecho, sus piezas parecen siempre funcionar como documentos de acciones determinadas por la artista.

Mediante la instalación, la fotografía, el vídeo o el dibujo, Lucas, que ha abordado a través del lenguaje plástico cuestiones como el patriarcado, el feminismo, la religión, la democracia occidental y el deseo del hombre de dominar la naturaleza, escarba en la memoria colectiva para subvertir significados socialmente aceptados y proponer un relato corrosivo, muchas veces iconoclasta, contra los discursos que perpetúan la desigualdad y la violencia.

Entre sus exposiciones individuales destacan Caín y las hijas de Eva (Galería Juana de Aizpuru, Madrid, 2008), Talk (Stedelijk Museum, Schiedam, Holanda, 2008), Light Years (Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2009 y Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, 2010) y On Air (Centro de Arte Caja de Burgos, 2013). Ha estado presente en la 28 Bienal de São Paulo (2008) y en la X Bienal de Liverpool (2010).

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las Centre Pompidou en París, KIASMA en Helsinky, MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, IVAM Institut Valencià d'Art Modern,Museo Patio Herreriano en Valladolid, ARTIUM Museo de Arte Moderno de Vitoria, FNAC Fondo Nacional de Arte de Francia, Colección ALTADIS Francia-España, Obra Social Caja Madrid, Fundación Coca Cola, Fundación NMAC, L´Oreal España, LUMC Collection en Leiden,  Comunidad de Madrid, Frac Lorraine en Metz, ...

Referencias

• Cristina Lucas en juanadeaizpuru [31f],
• Cristina Lucas en oralmemories [16f 1v],
• Cristina Lucas: Es Capital en mataderomadrid [10f],
• Cristina Lucas en theclinic[4f 1v],
• Metrópolis: Cristina Lucas en rtve [1v],
• Cristina Lucas: On Air en m-arteyculturavisual [5f],
• Cristina Lucas. Invisible nude en olemiarte [3f],
• Cristina Lucas en fundacionnmac [1f],
• Cristina Lucas: Es Capital en xunta [1f],
• Cristina Lucas: Es Capital en duran-subastas [7f],
• Cristina Lucas, una hija de Eva en arquiscopio [7f 1v],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,
• Cristina Lucas en elcultural [3f].

Libros

• Cristina Lucas. Light Years, 2009
• On Air, 2013.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
• Es capital (eBook), 2015.

Espen Rasmussen es un fotógrafo noruego (nacido en 1976, vive en Nesodden, cerca de Oslo) que trabaja en proyectos personales que a menudo relacionan cuestiones humanitarias y el cambio climático.

© Espen Rasmussen

Biografía

Espen Rasmussen estudió fotografía en la Universidad de Oslo, y ha trabajado posteriormente como fotógrafo independiente para varias revistas y periódicos noruegos. También ha estado trabajando con Médicos Sin Fronteras desde 2004. Ha viajado por todo el mundo, cubriendo eventos como el conflicto maoísta en Nepal, el tsunami en Asia, el terremoto en Pakistán y el conflicto de Somalia.

En 2007, recibió 60.000 dólares de la Freedom of Expression Foundation para continuar su proyecto a largo plazo sobre refugiados y desplazados internos en todo el mundo, que se publicó como libro TRANSIT en 2011, así como fue objeto de una gran exposición.

Rasmussen ha obtenido varios premios por su trabajo, entre ellos 2 premios World Press Photo, 7 Picture of the Year International y 32 premios Norwegian Picture of the Year.

Sus fotografías han aparecido en National Geographic, Time, The Economist y Der Spiegel, y en periódicos como el New York Times y Financial Times, y se han exhibido en el Nobel Peace Center (Oslo), The Humanity House (La Haya), UNHCR headquarter (Ginebra) y DokuFest international film festival (Kosovo),

Rasmussen es docente independiente en fotografía en el Oslo University College y en la Bilder Nordic school of Photography. Participa con frecuencia dando presentaciones en festivales de fotografía. Durante los últimos dos años, ha sido uno de los tres editores / mentores del Norwegian Journal of Photography (NJP).

Está representado por Panos Pictures en Londres. En los últimos años, ha sido editor de fotografía en VG Helg, la revista de fin de semana más importante de Noruega.

Referencias

• su página web www.espenrasmussen.com (EN [+750 11v]),
• Espen Rasmussen en photoshelter (EN [+1.100f 10v]),
• Transit Project (EN [?f]),
• Espen Rasmussen en panos (EN [?f]),
• Espen Rasmussen en epeaphoto (EN [2f]),
• Espen Rasmussen en BBC (EN [8f]),
• WPP: 2006, Espen Rasmussen, 1st prize, Arts & Entertainment en worldpressphoto (EN [1f]),
• WPP: 2006, Espen Rasmussen, 3rd prize, People in the News stories en worldpressphoto (EN [11f]),
• Espen Rasmussen en phmuseum (EN [5f]),
• Espen Rasmussen en 500photographers (EN [7f 1v]),
• In Transit with Espen Rasmussen en wsj (EN [4f]),
• Sony Ambassador Espen Rasmussen en sony (EN [20f]),
• Espen Rasmussen en facebook (EN [?f]).

Libros

• TRANSIT 2011.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Lukas Holas es un fotógrafo checo cuya obra más conocida son los retratos de animales en zoos con un fondo negro.

© Lukas Holas

Biografía

Lukas Holas es diseñador gráfico y vive en un pueblo pequeño de la República Checa. Ha sacado fotos de todo tipo: personas, animales, macro y paisaje ... durante unos 6 años. Su sueño es poder fotografiar animales salvajes y exóticos en su entorno natural, pero no ha podido hacerlo por motivos de trabajo y familiares.

Tiene que compaginar su trabajo principal con el placer de la vida y de la fotografía y va a menudo con toda su familia (tiene tres hijos) a los parques zoológicos de su pequeño país. Y allí a veces se  queda atascado ante un animal que posa de buen grado. A pesar de los cristales manchados, las fuertes barras de acero, la apatía frecuente de los animales aburridos y las multitudes omnipresentes de turistas, a veces consigue una buena foto.

Busca hacer las fotos de los animales contra un fondo natural oscuro, pero la forma final está ajustada con Photoshop. La experiencia y la práctica diaria en su trabajo de diseñador gráfico le es útil para ello.

Sus imágenes no tienen ningún mensaje específico, pero lo mismo que los retratos de personas sus retratos de animales en blanco y negro presagian una historia más profunda de los animales retratados.

Colabora con la Unión Checa y Eslovaca de Zoológicos (que ha estado diseñando sus informes anuales durante varios años utilizando sus fotos en blanco y negro), y con algunos jardines de la República Checa. Espera que esa cooperación continúe en el futuro y que los animales que retrata imágenes hagan las delicias e inspiren a las personas de otros países.

Referencias

• Lukas Holas en behance (EN [+80f]),
• Lukas Holas en fineartamerica (EN [29f]),
• Lukas Holas en all-about-photo (EN [17f]),
• Breathtaking Black & White Animal Portraits by Lukas Holas en mymodernmet (EN [14f]),
• Lukas Holas en vacioesformaformaesvacio [20f],
• Lukas Holas: Portraits of Animals en bonexpose (EN [13f]),
• Monochrome Animal Photography by Lukas Holas en inspirationhut (EN [23f]).

Birney Imes es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1951 en Columbus, Mississippi, donde vive y trabaja) mayormente conocido por sus fotografías de los Estados Unidos del Sur, sobre todo de su estado natal, Mississippi.

© Birney Imes

Biografía

Birney Imes III estudió en escuelas públicas de Columbus y se graduó de la Universidad de Tennessee en Knoxville con una licenciatura en Historia en 1973. Comenzó a fotografiar después de graduarse de la universidad y es en gran parte autodidacta. A mediados de los 70, trabajó como fotógrafo en el periódico The Commercial Dispatch del que era propietario su padre Vinton Birney Imes, Jr.

Más tarde, abrió su propio estudio encima del Princess Theater en Columbus. Junto con su trabajo personal, Imes trabajó comercialmente para clientes locales y en encargos para revistas como Rolling Stone, The Village Voice y Texas Monthly. Inspirándose en las fotografías de otros artistas del sur como Eudora Welty y William Eggleston, su trabajo se concentra en el sur de Estados Unidos, especialmente en las poblaciones negras del delta del Mississippi.

Durante más de 20 años ha recorrió el campo de su Mississippi natal fotografiando las personas y lugares que encontró en el camino. Trabajando tanto en blanco y negro como en color, sus fotografías capturan a gente en puntos de reunión y restaurantes en ruinas esparcidos por el paisaje de esas tierras, mostrando personajes y lugares que permanecen en los márgenes de la memoria y la cultura del Sur.

Sus fotografías forman parte de las colecciones del The Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art, ambos en Nueva York, Art Institute de Chicago, la Bibliothèque Nationale de France en París y numerosos museos y colecciones privadas en Estados Unidos.

Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en exposiciones individuales y colectivas, como The Art Institute de Chicago, Museum of Modern Art y Whitney Museum of American Art en Nueva York, Center for Creative Photography en la University of Arizona, y Ogden Museum of Southern Art en Nueva Orleans, Luisiana.

Referencias

• Birney Imes en wikipedia (EN),
• Birney Imes en jacksonfineart (EN [27f]),
• Birney Imes en blueskygallery (EN [6f]),
• Birney Imes en moma (EN [4f]),
• Birney Imes: Cameras I have owned (and loved) en cdispatch (EN [1f]),
• Birney Imes en mastersofphotography (EN [15f]),
• Birney Imes: Juke Joint en upress (EN [1f]),
• Life in the Mississippi Delta in the 1980s and 90s en pbs (EN [16f]),
• Birney Imes en artsy (EN [3f]).

Libros

• Juke Joint1990
• Whispering Pines1994
• Partial to Home1994.

Fang Tong es una artista y fotógrafa canadiense de origen chino (reside en Vancouver, Canadá) en cuyo trabajo intenta conseguir algo entre lo realista y un poco surrealista capturando momentos de la vida real.

© Fang Tong

Biografía

Fang Tong ha explorado durante mucho tiempo diversos aspectos de las artes plásticas como pintura al óleo, escultura, instalaciones y medios digitales tanto 2D como 3D. Pero poco a poco, se fue adentrando en la fotografía. A través de la lente, se abre un gran mundo en el que siente una gran pasión.

Su trabajo intenta conseguir algo entre lo realista y un poco surrealista, y no lo consigue con el post-proceso sino con una adecuada iluminación. Quiere que el espectador sienta el mismo estado de ánimo que ella trata de conseguir en su foto.

Todo lo que sucede en sus fotos se basa en la vida real, pero todavía hay algunas pequeñas cantidades de elementos extraños que incluye en su imagen.

Ha obtenido diversos premios, entre los que podemos citar su más reciente primer premio en la categoría C Open en el Nikon Photo Contest de 2015 con su fotografía Swimming pool.

Referencias

• su página web www.fangtongphotography.com (EN [+80f]),
• Fang Tong en flickr (EN [+500f]),
• Fang Tong en 500px (EN [+120f]),
• Fang Tong en 1x.com (EN [+30f]),
• Fang Tong en behance (EN [?f]),
• Fang Tong en fotoblur (EN [+70f]),
• Fang Tong en all-about-photo (EN [17f]),
• Photographs From ‘Love Illusion’ Border On The Surreal en mutantspace (EN [7f]),
• Fang Tong en vogue (EN [+140f]),
• The stunning photos of Fang Tong en art-spire (EN [13f]),
• Fang Tong en facebook (EN [?f]).

Tamara Reynolds es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1960 en Nashville, Tennessee, donde vive y trabaja) especialista en retrato, lifestyle y en series documentales.

© Tamara Reynolds

Biografía

Tamara Reynolds es la hija más joven de una familia católica irlandesa. Creció como un marimacho, pero le gustaban las cosas bonitas. Vio fotos de National Geographic. Las monjas le obligaban a leer, pero ella seguía mirando fotografías. Comenzó a hacerlas e hizo un grado BFA en fotografía.

Seguía viendo más y más fotos, y también libros de fotos. Ayudaba a otros fotógrafos a hacer sus fotos y miraba las fotografías que hacían. Luego ya empezó a hacer sus propias fotos y ha seguido viendo fotos y más fotos y haciendo las suyas.

Durante 25 años ha trabajado como fotógrafo comercial y editorial para revistas y agencias de publicidad, centrándose principalmente en el retrato y en imágenes lifestyle, mientras continúa sus proyectos personales.

Su trabajo ha recibido numerosos premios y ha realizado exposiciones colectivas e individuales a nivel nacional. En dos ocasiones ha sido Critical Mass Finalist y ha sido seleccionada  en  Review Santa Fe 100  este año. Su trabajo ha sido presentado en Lenscratch, Light Leaked, Oxford American, One One Thousand y otros sitios en línea.

También ha filmado, dirigido y editado pequeñas historias documentales, así como ha trabajado como director de fotografía en dos cortometrajes independiente titulados Don’t’ Wake the Baby y The Hair Cut.

Su proyecto fotográfico Southern Route echa un vistazo a sus propios y encontrados sentimientos sobre el sur de Estados Unidos y su historia.

Referencias

• su página web tamarareynoldsphotography.com (EN [+170f 5v),
• su blog (EN [?f]),
• Southern Route, by Tamara Reynolds en oneonethousand (EN [15f]),
• Tamara Reynolds: Southern Route en lenscratch (EN [16f]),
• Nashville photographer’s dreamy snaps expose hidden truths in the Deep South en pbs (EN [10f]),
• Interview: Tamara Reynolds en fototazo (EN [11f]),
• Tamara Reynolds and her “Southern Route” en resourcemagonline (EN [9f]),
• How “Southern Route” Speaks to Our Purpose en bittersoutherner (EN [7f]).

Libros

• Talladega Short Track Edit. (gratis digital) 
• Talladega Dirt Track (gratis digital)
• Southern Route.

Eduardo Nave es un fotógrafo español (nacido en Valencia en 1976) cuya obra parte del documentalismo tradicional, pues vuelve la mirada hacia escenarios con carga histórica o social importante, para reinventarlo mediante la propuesta de nuevas narraciones que van más allá de las evocadas por el espacio retratado.

Normandie: les rivages du débarquement © Eduardo Nave

Mis proyectos personales tratan sobre lugares donde han ocurrido hechos relevantes y la posibilidad de que los espacios guarden recuerdos de lo que en ellos ocurrió.

Biografía

Eduardo Nave estudió fotografía en la Escolad d´Art i Superior de Disseny de Valencia y realizó talleres de periodismo y fotoperiodismo. En 2005 fundó junto a otros 13 fotógrafos, el colectivo de fotografía contemporánea NOPHOTO. Interesado por la fotografía documental y colaborador habitual para medios editoriales nacionales e internacionales.

Es autor de varios reportajes, como En La Línea, una visión actual del Sida en un país occidental, Camino a la inserción, es el día a día de niños con deficiencias físicas y psíquicas, Campos de Arroz, Normandie: les rivages du débarquement, una visión actual de las playas del desembarco de Normandía, T(t)ierra callada, que propone una reflexión sobre la vulneración del entorno natural. A la hora, en el lugar, recoge los espacios donde la banda terrorista ETA cometió un atentado, fotografiándolos el mismo día y a la misma hora en que los atentados fueron cometidos, en un trabajo sobre la memoria y el olvido.

Ha obtenido diversos premios y becas por sus trabajos entre los que destacan la beca del Colegio de España en París, beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín, el Fujifilm Euro Press Photo Awards 2004 y el premio Revelación PhotoEspaña entre otros.

Ha expuesto en los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arles (Francia), en la Feria ARCO (Madrid), en el Palazzio de Venecia (Roma), en el Canal de Isabel II (Madrid), en la Casa de Velázquez de Madrid, en el Macuf (A Coruña), en la Feria Maco (México), en la Real Academia de BBAA de San Fernando (Madrid), en el Instituto Cervantes (Paris), en el Salón Internacional de Fotografía Paris Photo… 

Su obra forma parte de colecciones privadas e instituciones como el Museo de la Fotografía Española, la Universidad Complutense de Madrid, el Ayuntamiento de Madrid, el Banco de Sabadell, el Congreso de los Diputados, el Ministerio de Cultura, la familia Cartier-Bresson, la Fundación Ordóñez-Falcón, la colecciçon Circa XX, la colección DKV, Patrimonio Nacional, …

Sus trabajos son representados por la galería Pilar Serra (Madrid).

Referencias

• su página web eduardonave.com (EN [+350f],
• www.alahoraenellugar.com (EN, ES [?f]),
• Eduardo Nave en nophoto [?f],
• Eduardo Nave en Pilar Sierra (EN, ES [15f]),
• Eduardo Nave: SOLO VOL. IV en ajggallery [11f],
• Eduardo Nave en juansilio [11f],
• Eduardo Nave: A la hora. En el lugar en vimeo [1v],
• Eduardo Nave en materiac [7f],
• Eduardo Nave. PHE15 en Efti [3f],
• Eduardo Nave en ahmagazine [8f 2v],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• “Ab aeterno”. Eduardo Nave en la galería Pilar Serra en plataformadeartecontemporaneo [24f],
• Eduardo Nave– A la hora y en el lugar en 30y3 [20f],
• España en 4.000 kilómetros de fotografías en elpais [2f],
• Phree [?f],
• Eduardo Nave en facebook [?f].

Libros

• En la línea, 2002.
• Península, 2013
• A la hora, en el lugar, 2013.
• DÚO 01. Sobre el 11 de marzo, 2014
• This is Spain, 2014
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Ángel Marcos es un fotógrafo español (nacido en Medina del Campo, Valladolid, en 1955) que ha convertido el género del paisaje en una constante en su trabajo, fijándose inicialmente en los campos de Castilla, en las huellas de la crueldad, pasando por la Babilonia contemporánea, Nueva York, Cuba o China, y llegando recientemente a Madrid y Barcelona.

© Ángel Marcos

Biografía

Ángel Marcos se dedicó en sus inicios a la fotografía publicitaria e industrial. Su primera exposición individual la realizó en 1982 en la galería Siena de Valladolid. Sin embargo, en 1997, tras su proyecto Un viaje por el teatro Calderón decidió dedicarse por completo a la fotografía artística y, desde esa fecha, no ha cesado de exponer en ferias y bienales así como en los más importantes centros y museos nacionales e internacionales.

En sus obras el paisaje suele ser el protagonista principal, de hecho, sus fotografías están íntimamente ligadas a la idea del viaje y al diálogo con el territorio recorrido. Esta idea la ha desarrollado a lo largo de toda su producción, desde sus primeras series en las que captaba los paisajes de los alrededores de Medina del Campo (su pueblo natal) hasta sus últimas obras en las que se aleja de España cada vez más y recorre medio mundo para mostrarnos su visión personal de lugares tan diferentes como pueden ser: Nueva York, China, Cuba o Las Vegas en las que el principal protagonista es siempre el paisaje. Marcos nos enseña la ciudad y sus alrededores, pasando, en el caso de que aparezcan, las personas a un discreto segundo plano.

Usando la fotografía como técnica principal de expresión artística, nos sitúa delante de lo cotidiano haciéndonos reflexionar sobre nuestra propia condición. Estas imágenes nos invitan a disfrutar en una primera mirada, luego el espectador se sentirá sumergido en una especie de desazón o al menos de interés inquietante. Sus obras cargadas de un gran atractivo plástico, nos devuelven al mundo con una realidad crítica poco común.

Sus trabajos han sido presentados en exposiciones, tanto individuales como colectivas. Destacan las celebradas en la 55º Bienal de Venecia en 2013, The Margulies Collection en Warehouse en Miami en 2012, Artium en Vitoria con Rabo de lagartija en 2011, la X Bienal de La Habana en 2009, el Mücsarnok Kunsthalle de Budapest en 2009, el Museo Stenersen de Oslo y el Kulturhuset de Estocolomo en 2009, el MUSAC de León con Existencias y China en 2008 y 2007, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 2007, el Museu de Arte Brasileira de São Paulo con CO2 en 2007, la Maison Européenne de la Photographie de París con À Cuba en 2006, el Naples Museum of Art de Florida con En Cuba en 2006 y la Bienal del Fuego en 2006.

Su proyecto Alrededor del sueño, iniciado con Nueva York, ha sido completado con Madrid, exposición inaugurada en 2014 y Barcelona que lo hará el próximo 1 de octubre en la galería Trama de Barcelona.

Su obra se encuentra en las colecciones de museos e instituciones como el MUSAC, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Margulies Collection, el Naples Museum of Art y la Siemens Foundation de Viena, entre otros muchos.

Referencias

• su página web angelmarcos.com (EN [+500f]),
• Ángel Marcos en wikipedia,
• Ángel Marcos en hilger (DE, EN [+200f]),
• Ángel Marcos y el sueño perdido de las ciudades en jaquealarte [3f],
• Ángel Marcos y sus 'sueños' de Madrid en madridiario [10f],
• El fotógrafo Ángel Marcos lleva a la Bienal de Venecia su "Subversión Íntima" en eldiario [1f],
• El fotógrafo Ángel Marcos en la Bienal del Fin del Mundo en tamtampress [2f],
• La visión de Madrid de Ángel Marcos en fotoviajes [4f],
• Ángel Marcos en revistafusion [1f],
• El fotógrafo español Ángel Marcos exhibe en Lima sus trabajos en serperuano [1f],
• Ángel Marcos en facebook [?f].

Libros

• Alrededor del sueño, 2011
• ULTREIA e SUSEIA
• Coup de parole, 2012.
• La Tierra más hermosa Cuba (varios), 2006
• Rabo de lagartija, 2011
• El deseo del otro
• Alrededor del sueño (escenarios para el vacío)
• Desiderátum [ La Habana vs Las Vegas ]
• UN COUP DE DÉS
• China
• En Cuba
• Ángel Marcos. PHotoBolsillo, 2005
• Metoikesis, con Fernando Castro Flórez, 2005
• PLAZA MAYOR espacio y representación
• La chute
• Catálogo China
• Obras póstumas
• Los Bienaventurados, 1997.

Fabrizio Q es un fotógrafo italiano (nacido en 1970 en Nápoles, vive en Londres) que realiza fotografía documental, de calle y de bodas,

© Fabrizio Q

Biografía

Fabrizio Quagliuso, después de graduarse en Ingeniería se trasladó al Reino Unido, donde vive actualmente. Autodidacta, también fue inspirado en gran medida por un tío suyo que era fotógrafo profesional.

Durante los últimos años se ha dedicado principalmente a la fotografía de calle, una pasión que surgió de su curiosidad natural y su afición a la observación de la vida que se desarrolla a su alrededor y que llegó a florecer durante sus frecuentes estancias en Japón. Es miembro del colectivo italiano de fotografía callejera SPontanea.

Como fotógrafo de calle, Fabrizio pasa su tiempo en las calles observando a la gente, escuchando el pulso del mundo y siguiendo su ritmo, en busca de la belleza también en la imperfección, siendo siempre consciente de texturas y formas, de lo que es revelado por la luz y escondido por las sombras y persiguiendo esos momentos que pueden parecer, a primera vista, comunes e intrascendentes pero que, de alguna manera, encapsulan una verdad fundamental sobre la forma en que vivimos nuestras vidas e interactuamos con nuestro mundo.

Ha realizado diversas exposiciones en grupo y en solitario en Londres y Nápoles. Sus fotografías y textos han aparecido en numerosas revistas de fotografía en el Reino Unido, Italia, Japón y China, en los blogs de prestigio y su Shine on, Japan, un homenaje a Japón después de los trágicos acontecimientos de marzo de 2011, se expuso dos veces en Londres en 2011.

Referencias

• su página web www.fabrizioq.com (EN [?f]),
• su blog (EN [?f])
• Fabrizio Q en flickr (EN [+400f]),
• Fabrizio Quagliuso. 160yen – A day on Tokyo Yamanote Line en spontanea (EN, IT [12f]),
• Photo Essay: 160yen, by Fabrizio Quagliuso en invisiblephotographer (EN [15f]),
• Human Interactions en topphotographyfilms (EN [6f]),
• Out of Sight, Out of Time en lensculture (EN [32f]),
• Fabrizio Quagliuso en wird (EN [16f]),
• Street Photography Essay: “160 Yen” by Fabrizio Quagliuso en erickimphotography (EN [10f]),
• Interview with Fabrizio Quagliuso en alexcoghe (EN [11f]),
• Fabrizio Quagliuso en streephers (EN [34f]),
• Fabrizio Quagliuso en google+ (EN [?f]),
• Fabrizio Quagliuso en facebook (EN [?f]).

Libros

• 160yen.
• faceless.
• Japan Fragments.

Max Pinckers es un fotógrafo belga (nacido en Bruselas en 1988, donde vive y trabaja) cuyoenfoque principal es el estudio de las diferentes posibilidades de la fotografía documental y las estrategias visuales que forman el lenguaje de esta fotografía con el fin de definir los limites de este medio. El papel manipulativo de la imagen fotográfica y su poder para definir la historia así como los temas de actualidad son los conceptos que más destacan en su obra, que principalmente explora la función de la estética y las convenciones en fotografía en relación con su objeto de estudio y la influencia y relevancia de la ficción en la fotografía documental.

© Max Pinckers

Biografía

Max Pinckers pasó su niñez y adolescencia en Asia. A los 5 años marchó con su madre a Bali, donde vivió varios años antes de trasladarse a India y Australia. Después vivió 6 años con su padre en Singapur. Volvió a su país natal  y obtuvo su licenciatura y un master en fotografía en la Real Academia de Bellas Artes (KASK) de Gante, Bélgica.

Su obra toca temas de la cultura asiática. Ahora, en su país natal, retoma la europea y es posible que alguno de sus trabajos pueda tener lugar allí.

Su obra ha sido expuesta internacionalmente, incluyendo BOZAR en Palacio de Bellas Artes de Bruselas, el Fotomuseum de Amberes, L'Escale en Levallois, Francia, y el Flandes Center de Osaka, entre otros.

En 2013, fue nominado por Martin Parr al Best Photobook en el Fotobookfestival Internacional de Kassel, Alemania, y fue finalista en los premios Aperture Foundation de Photobooks del  Paris Photo de 2013. Ha obtenido diversos premios por su fotografía, como el City of Levallois Photography Award,Photographic Museum of Humanity Grant en Buenos Aires y el M. Hans Vossen de Bruselas.

En 2015 ha sido admitido como nominado en la prestigiosa agencia Magnum Photos. También en este año ha fundado la distribuidora y editora independiente Lyre Press y en 2014 el colectivo creativo De Bedoeling vzw en Bruselas.

Referencias

• su página web www.maxpinckers.be (EN [+450f]),
• Max Pinckers en magnumphotos (EN [+150f]),
• Max Pinckers en stieglitz19 (EN [9f]),
• Max Pinckers en 44gallery (EN [11f]),
• Max Pinckers en sofievandevelde (EN [8f]),
• Max Pinckers en hanstheys (EN [13f]),
• Max Pinckers wins Photographic Museum of Humanity 2014 Grant en bjp-online (EN [1f]),
• 2014 Aperture Portfolio Prize Runner-up: Max Pinckers en aperture (EN [1f]),
• Love in India en newyorker (EN [10f]),
• Max Pinckers. Will They Sing Like Raindrops or Leave Me Thirsty en chobimela (EN [6f]),
• Max Pinckers en fkmagazine (EN [24f]),
• Max Pinckers. The Fourth Wall en actualcolorsmayvary (EN [9f]).

Libros

• 2014, Will They Sing Like Raindrops or Leave Me Thirsty,
• 2013, Rheum,
• 2012, The Fourth Wall,
• 2012, Mamihlapinatapai,
• 2011, Lotus.