Fausto Podavini es un fotógrafo italiano (nacido en Roma, donde actualmente vive y trabaja), que realiza un trabajo personal de documentación de temas sensibles, en África, Sudamérica y su país natal Italia.

© Fausto Podavini

Biografía

Fausto Podavini estudió en el Instituto Técnico de Electrónica, y después hizo un master en Reportaje Fotográfico en la Academia Jonh Kaverdash de Milán. Comenzó su camino en la fotografía primero como asistente y fotógrafo de estudio para acercarse poco a poco al foto reportaje.

Podavini también ha sido parte de Mifav, el museo fotográfico de la Universidad de Tor Vergata, donde llegó a conocer y estuvo en contacto con muchos fotógrafos. Después de abandonar la fotografía de estudio para dedicarse exclusivamente al reportaje, se embarcó como freelance, trabajando con varias organizaciones sin fines de lucro para la realización de informes documentales en Italia, Perú, Kenia y Etiopía, donde actualmente se encuentra cursando algunos proyectos fotográficos personales.

En 2009 comenzó una colaboración con el colectivo fotográfico WSP, al que se unió de forma permanente en 2010, donde, además de trabajar como fotógrafo en proyectos colectivos, trabaja como profesor de Fotoperiodismo.

Además de sus diversos documentales en África, América del Sur y la India, Podavini ha llevado a cabo una importante labor en el territorio italiano, trabajando en deporte para discapacitados, sobre una prisión juvenil y sobre la enfermedad de Alzheimer.

Ha obtenido numerosos premios como los conseguidos en Goldencamera International Photo Awards en 2015, MIFA en 2014, PX3 en 2014, Kolga TBILISI PHOTO en 2014, World Press Photo en 2013 en la categoría Daily Life, etc. Y ha realizado diversas exposiciones en Italia y Europa. Su trabajo más icónico, Mirella, relata de forma convincente la historia de una mujer que con amor y devoción ayuda a Luigi, su marido por más de 40 años, afectado por el síndrome de Alzheimer.

Referencias

• su página web www.faustopodavini.eu (EN [+150f 4v]),
• Fausto Podavini en worldpressphoto (EN [?f 1v]),
• WPP: 2013, Daily Life, first prize stories, Fausto Padavini en worldpressphoto  (EN [12f]),
• Fausto Podavini en worldphoto (EN [10f]),
• Fausto Podavini: Mirella en socialdocumentary (EN [24f]),
• A love stronger than a disease en fotografiamagazine (EN [6f]),
• Fausto Podavini en all-about-photo (EN [?f]),
• Fausto Podavini: Emerging Photographer Fund – 2013 Finalist en burnmagazine (EN [25f]),
• Exposición de Fausto Podavini en gungo [6f],
• Photo Insight with Fausto Podavini – Living with Dementia en amateurphotographer (EN [2f]),
• Fausto Podavini en facebook (EN, IT [?f]).
  

Libros

• MiRelLa.

Shuwei Liu es un fotógrafo chino (nacido el 2 de febrero de 1986 en Tangshan, vive en Pekín).

© Shuwei Liu

Biografía

Liu Shuwei nació y creció en el campo al norte de China. A los 7 años comenzó a cultivar plantas. Después de un tiempo se volvió muy bueno cultivando rosas chinas. Le gustaba mucho regalar las flores que cultivaba a mis vecinos, le hacía profundamente feliz expandir la belleza… el amor por las plantas siempre ha tenido un rol positivo en su vida. Ingresó a la universidad para estudiar ingeniería, pero rápidamente se dio cuenta de que no era lo que le apasionaba y en cuarto año decidió dedicarse a la fotografía.

Dentro de su trabajo destaca la serie The third hand para la diseñadora de vestuario Momo Wang. Realiza proyectos personales que incluyen fotografías de amigos, viajes y naturaleza.

Referencias

• su página web www.liushuwei.com (EN [180f]),
• Shuwei Liu en flickr (EN [+500f]),
• Shuwei Liu en instagram (EN [+900f]),
• Shuwei Liu en all-about-photo (EN [17f]),
• Shuwei Liu en pupamag [8f],
• Shuwei Liu en worbz (EN [7f]),
• Shuwei Liu en clikclk (FR [8f]),
• Shuwei Liu en kireei [17f],
• Shuwei Liu en facebook (EN [?f]).

Óscar Molina es un artista multidisciplinar y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1962, donde vive y trabaja) que lleva sus propuestas a los márgenes de la fotografía, planteando cuestiones centrales del proceso creativo que exploran el papel y estatus del autor e implican a un espectador activo.

© Óscar Molina

Biografía

Óscar Molina realiza estudios de vídeo, fotografía, diseño gráfico y música desde comienzos de los 80. Durante esa década se dedicó fundamentalmente a la realización de vídeos y fotografías por encargo, trabajando para varias empresas, así como a sus primeras series fotográficas. En el año 87 empezó a trabajar en su propio estudio de fotografía y a desarrollar la serie Objetos.

A principios de los años 90 comenzó Fotografías de un diario, su primer proyecto abierto e indefinido en el tiempo. Es a principios de los 90 cuando empieza a organizar y coordinar talleres y seminarios especializados de fotografía invitando a reconocidos fotógrafos, actividad que comienza a desarrollar en su estudio de Madrid, posteriormente en Cabo de Gata, y en colaboración con la asociación Mestizo desde el año 1997 hasta el 2000.

En el año 96 presenta el proyecto Silencio abierto. En ese mismo año imparte por primera vez su curso Detrás de la cámara en colaboración con la fotógrafa suiza Jeanne Chevalier. En el año 97 se traslada a vivir a Cabo de Gata (Almería), y en el 98 comienza a desarrollar el proyecto Photolatente.

Ha vivido y trabajado durante 15 años en Almería donde, en paralelo a sus proyectos fotográficos, sigue organizando los Talleres de fotografía de Cabo de Gata coordinando cursos con los más prestigiosos fotógrafos actuales.

También imparte habitualmente el taller Detrás de la cámara. Ha escrito textos sobre la práctica de la fotografía entre los que destacan Para qué fotografiar, entre la intención, el azar y la resonancia o Photolatente, tres historias y un proyecto.

Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, como el Instituto Valenciano de Arte Moderno, Artium de Vitoria, el Musée-Promenade en Digne (Francia), el Centre Pasquart en Biel (Suiza), la Colección de Fotografía de la Comunidad de Madrid y la colección del Ayuntamiento de Alcobendas, entre otras.

En 2010, presenta el proyecto Ammonites en colaboración con el Musée Gassendi en Digne-Les-Bains, Francia.

Vive actualmente en Madrid, donde trabaja en sus proyectos Ser espectador y Petite histoire du temps y prepara la edición de la Variation IV del proyecto Caja de acuarelas. En paralelo a su actividad como autor, imparte clases y conferencias en escuelas de fotografía, centros de arte y universidades españolas.

Referencias

• su página web www.oscarmolina.com [+150f],
• su blog agenda [?f],
• photolatente.com (EN, ES, FR [?f]),
• Talleres de fotografía en Cabo de Gata [?f],
• Hablando con Óscar Molina en salesdeplata [16f],
• El fotógrafo Oscar Molina participará en el curso Pixeladas en uca [1f],
• 15 aplausos: Óscar Molina en fotoaplauso [1pdf],
• Óscar Molina en dalpine [?f],
• Oscar Molina en LENS y Show Room en lensfotografia [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f],
• Óscar Molina en facebook [?f].

Libros

• Fotografías de un diario, 1995
• Silencio abierto, 1996
• El fondo, 1997
• Visión Mediterránea (varios), 1999
• Oscar Molina PhotoBolsillo, 2001
• Monografico Photolatente, 2002
• Hallar las siete diferencias, 2004
• Fotografías de un diario, 2004
• Óscar Molina. DF Alava, 2006
• Photolatente. Culturarte, 2006
• Photolatente (Libro sobre las dos ediciones), 2007
• La imagen latente, 2008
• Caja de acuarelas_variación III, 2009

También su trabajo ha aparecido en diversas publicaciones y textos de referencias, entre los que podemos citar:

• 100 fotógrafos españoles (EXIT), 2005
• Figures d'artistes. 14 artistas europeos. (Archibooks París), 2008
• 15 años de Fotografías Española Contemporánea (Ayto. de Alcobendas) 2008
• La Cámara de Pandora-La imagen invisible (Joan Fontcuberta- Gustavo Gili) 2011
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
• …

Xanti Rodríguez es un fotógrafo vasco (nacido en 1978 en Azpeitia, Gipuzkoa, donde vive y trabaja) que complementa la fotografía con posproducción e imágenes diseñadas por ordenador (CGI) para conseguir impactantes imágenes.

© Xanti Rodríguez

Lo mas inimaginable es posible. Sólo una idea está de por medio entre lo que pueda parecer imposible y lo que podemos crear.

Biografía

Xanti Rodríguez Zumárraga ha estado siempre estrechamente ligado a la fotografía, pues su padre ha sido muy aficionado a la fotografía y al nacer ya tenia un objetivo delante suyo. Mezclaba  el dibujo con la fotografía, y en 1994 se fue a Barcelona a estudiar Fotografía e ilustración en las escuelas IDEP y JOSO. De vuelta a su localidad natal empezó a trabajar en el estudio fotográfico de su padre realizando fotografías de boda y revelando fotografías de ByN.

Al poco tiempo empezó a realizar trabajos de autor mezclando fotografía con aerografía. En 1997  Photoshop se convertiría en una herramienta indispensable y en 2005 decidió saltar al mundo del 3D.

Xanti Rodríguez es pionero en creatividad e integración en entornos 3D, habiendo conseguido desde premios en la FEPFI (Federación Española de Profesionales de la Fotografía y la Imagen) a nominaciones en los Premios Europeos del principado de Asturias, el Lucus Augusti,Dertamen Europeo de la AFPV  y primeros premios  en la sección de Arte 2D en Renderosity Art Communitym y el Goya en Publicidad 2015, la Cámara de Oro en la categoría de Retrato del FEP European Professional Photographer of the Year en 2012, …

En su estudio ubicado en Azpeitia, en el corazón del País Vasco, se dedica a cubrir editoriales de moda, encargos de publicidad (Apple, Repsol, Nissan, Mapfre, Irízar, Anaya Multimedia, Mausoleum Records, Bodega Gorka Izagirre, Bodega Rioja Alta,  Restaurante Azurmendi, …), portadas de discos (sobre todo de rock duro, campo donde ha hecho sus pinitos) e ilustraciones de libros …todo ello, con el dominio del retrato en estudio, apoyado por la postproducción y el uso e integración de CGI que le permite crear unas imágenes únicas y vanguardistas.

También imparte talleres y cursos de diversos programas de CGI, principalmente Cinema 4D, en cuyo uso es una referencia a nivel nacional.

Referencias

• su página web www.xantirodriguez.com (EN [+90f]),
• Entrevista a Xanti Rodríguez en puntomagazine (EN, ES [6f]),
• Xanti Rodríguez en fotoplatino [50f],
• Xanti Rodríguez. Mas Allá de la Creatividad en bilboargazki [?f],
• Xanti Rodríguez, Goya de fotografía publicitaria en elpais [1f],
• Entrevista a Xanti Rodríguez en xatakafoto [5f 1v],
• Xanti Rodríguez en articularte [25f 1v],
• Xanti Rodríguez. Cámara de Oro en diariovasco [2f],
• Xanti Rodríguez. Premio Europeo de Fotografía Profesional de 2014, en gipuzkoadigital [1f],
• “Surrealismoaren mugetan”, de Xanti Rodríguez Zumárraga en Galería Zazpi de Zarautz en kooltureh [2f],
• Xanti Rodríguez. Fotógrafo en eitb [1vf],
• Xanti Rodríguez en facebook [?f].

Libros

• Fotografía y cine de animación.

Barton Silverman es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1942) que es ampliamente admirado por la captura fotográfica de algunos de los mejores momentos de la historia del deporte, con una carrera como fotógrafo deportivo que abarca 5 décadas en The New York Times, con miles de fotos publicadas y numerosas portadas.

© Barton Silverman

Tienes que ser rápido o estás muerto. No puedes pedirles que lo repitan.

Soy un fotorreportero. Al día siguiente, el evento, el momento, tiene que estar en el periódico.

Biografía

Barton Silverman creció en Bensonhurst, Brooklyn. Cuando tenía 6 años su padre murió y fue criado por su madre y hermanas. Un día, con 12 años, mientras que limpiaba un armario descubrió las cámaras y flashes que su padre había utilizado. Para él fue como encontrar un tesoro.

Desde entonces desarrolló una gran pasión por la fotografía, convirtiéndose en el presidente del club de fotografía durante la escuela secundaria. Luego fue el editor de fotografía del periódico estudiantil y del anuario del Brooklyn College.

Su primer trabajo fue como técnico de laboratorio fotográfico en The New York Times en 1962. Sin embargo, él quería fotografiar deportes por lo que se ofrecía a las tareas que los otros fotógrafos no querían, como subirse al mástil de un velero en una carrera nocturna, lo que le permitió hacer una fotografía con la que ganaría el premio Times Publisher. En 1964, obtuvo el Premio de La Haya, el primero de sus importantes galardones, con fotos de la construcción del puente Verrazano y así entró finalmente en la plantilla del The Times.

Su determinación para capturar lo que él llamó el "peak of action" o el momento más significativo de un evento deportivo o una personalidad deportiva, además de su sentido del arte, hizo que publicara miles de sus fotos en las páginas de The New York Times, con muchas de ellas en las primeras páginas de la sección de deportes y de la portada de la revista.

Silverman ha cubierto 41 Super Bowl, ​​12 Juegos Olímpicos y tres Triple Crowns. Fue nombrado Fotógrafo del Año por la New York Press Photographers’ Association en 1971 y fue fotógrafo del The New York Times desde 1962 hasta 2014.

Es autor de tres libros, colaborador en más de 100 libros y sus fotografías han aparecido en la revista Sports Illustrated, Life, Look, Time, Newsweek, American Photo y Sunday Evening Post. Su obra se encuentra en colecciones permanentes como las del Museo de Arte Moderno (MOMA) y el Museo de La Haya.

Referencias

• Barton Silverman en lucies (EN [1f]),
• Barton Silverman. A Career in Pictures en nytimes (EN [25f]),
• Barton and the Jet en nytimes (EN [3f]),
• Barton Silverman. Dodging the Police at the 1968 Democratic Convention en nytimes (EN [14f]),
• Barton Silverman en gettyimages (EN [17f]),
• Barton Silverman en moma (EN [2f]),
• Barton Silverman’s close call with the Verrazano en fotophile (EN [2f]),
• Barton Silverman en thephotobrigade (EN [5f 1v]).

Libros

• Capturing the Moment: The Sports Photography of Barton Silverman 1996.

Héctor Pichi de Benedictis es un músico, fotógrafo, gestor cultural y periodista argentino (nacido en Rosario, Santa Fe, el 1 de enero de 1955).

© Pichi de Benedictis

Soy uno de los que está ahí, en la foto. Demasiado inquieto como para estar en foco.

Biografía

Héctor Pichi de Benedictis es un creador inquieto y multifacético, que ha realizado una destacada labor como músico, fotógrafo, docente, periodista y gestor cultural. Su inquietud por la fotografía viene desde su infancia. Tras algunos años dónde realizó experiencias con la pintura y la xilografía que influencian su obra actual, en los años 80, produjo ya fotos para discos y medios de comunicación. En el año 2010 realizó su primera muestra y desde ese momento no ha dejado de exponer en distintos espacios de la Argentina.

Ha sido Secretario de Cultura, Educación y Turismo de la Municipalidad de Rosario entre 1993 y 1995. En ese año fundó el Centro de Expresiones Contemporáneas (CEC), espacio que dirigió entre 2004 y 2011.

En el año 2008 el municipio le encargó el diseño del proyecto Franja Joven (hoy Ciudad Joven), que buscaba reconvertir la zona central portuaria de la ciudad de Rosario en un multiespacio destinado a las economías creativas y el desarrollo de la juventud.

También ha sido el creador de la feria de arte La Fugaz. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en distintos puntos del país y trabajos fotográficos para medios de comunicación, discos, libros y sitios web.

Referencias

• su página web www.pichidb.com.ar [1f] (en construcción).
• Pichi De Benedictis en wikipedia [5f],
• Pichi De Benedictis en visura [17f],
• Pichi De Benedictis en fotodng [25f],
• De Benedictis muestra sus fotos en elciudadanoweb [2f],
• Pichi De Benedictis en creativedebuts [8f],
• Samara, Sonali y los otros en clubdefun [2f],
• Samara, Sonali y los otros, fotografías de Pichi De Benedictis en viarosario [1f],
• Pichi De Benedictis en pandorama-art [2f],
• Pichi De Benedictis en google+ [?f],
• Pichi De Benedictis en facebook [?f].

Manjari Sharma es una fotógrafa india (nacida en Bombay en 1979, vive en Brooklyn, Nueva York) cuya obra tiene sus raíces en el estudio de las relaciones, la mitología personal y la experiencia.

© Manjari Sharma

Biografía

Manjari Sharma tiene una licenciatura en Comunicación Visual por la Universidad de SNDT de Bombay y otra en Bellas Artes en fotografía fija en el Columbus College of Art and Design de Columbus, Ohio.

Su obra forma parte de diversas colecciones privadas, como la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Houston y ha sido exhibida en grupo y en solitario tanto en los Estados Unidos como por todo el mundo.

Manjari ha sido galardonada con el 1er premio del The CENTER's Curator's Choice award 2014,   una mención honorífica en el Santa Fe Prize en 2012. The School of Museum of Fine Arts en Boston, The Rubin Museum of Art, AsiaSociety Museum y The School of Visual Arts se encuentran entre los lugares donde Manjari ha sido invitada a dar conferencias y talleres.

Sus imágenes han aparecido en la prensa, en revistas como Monocle, Forbes India, Vogue India, Geo y Nueva Luz y en revistas y blogs online como CNN, Los Angeles Times, New York Times Lens, Wired Raw File, Nikon Asia, NPR, Time, PDN, Huffington Post, CNBC, The Times of India y Leica de China, entre otros.

Sus series más representativas son, por el momento:

• Showers, retratos de sus amigos y conocidos tomando una ducha en su apartamento de Brooklyn.
• Darshan, donde recrea fotográficamente nueve imágenes clásicas de dioses y diosas del hinduismo.

Manjari está representada por ClampArt Gallery en Nueva York y Richard Levy Gallery en Nuevo México.

Referencias

• su página web manjarisharma.com (EN [?f]),
• su www.projectdarshan.com (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• su antiguo blog (EN [?f]),
• Manjari Sharma en instagram (EN [+1.400f]),
• Manjari Sharma en levygallery (EN [26f]),
• Manjari Sharma en clampart (EN [69f]),
• Manjari Sharma en latimes (EN [24f]),
• Manjari Sharma: Darshan en fence (EN [6f]),
• Manjari Sharma en mezmagazine (EN [10f]),
• Manjari Sharma. The Shower en leica (ZN [13f]),
• Manjari Sharma en kopeikingallery (EN [12f]),
• Manjari Sharma en lti-lightside (EN [3f]),
• Manjari Sharma en lenscratch (EN [6f 1v]),
• Manjari Sharma: The Beauty and Chaos of the Gods en nytimes (EN [5f 1v]),
• Photographer Manjari Sharma Transforms Hindu Deities Into Contemporary Photographs en huffingtonpost (EN [13f]),
• Manjari Sharma en facebook (EN [?f]).

Begoña Montalbán es una escultora y fotógrafa vasca (nacida en Bilbao en 1956) cuya obra está caracterizada por la variedad de soportes y técnicas que utiliza, y por la reflexión sobre el cuerpo, el dolor, la enfermedad y la acción terapéutica sobre el sufrimiento, en su doble vertiente física y mental, con una atención especial hacia la mujer,

© Begoña Montalbán

Biografía

Begoña Montalbán comenzó en 1986 un periodo de aprendizaje artístico en la Escola Massana de Barcelona, en la especialidad de escultura. Al mismo tiempo, durante tres años se especializó en Procesos Contemporáneos de la Imagen (PCI) en la citada escuela.

Su punto de arranque se sitúa en la escultura y el objeto para continuar con las instalaciones, la fotografía, el vídeo y las instalaciones sonoras, así como algunas incursiones intermitentes en el collage y el dibujo.

Su trabajo ha sido reconocido con varios galardones, como el Premio de la Crítica Arco (2001), una ayuda a la promoción del Arte Español concedida por el Ministerio de Educación y Cultura de Madrid (1998), beca de intercambios Europeos, Cataluña / Rhône-Alpes (1996), el Premio XIV Sala d'Arts Plástiques Baix Camp de Reus (Tarragona, 1994), el proyecto Kalidoscopic, otorgado por la Unión Europea con los fondos sociales europeos para estancias de trabajo en Irlanda, Francia y Cataluña (1993).

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las de Unicaja de Málaga, Diputación de Málaga, colección Testimoni de La Caixa de Barcelona, Museo de Arte Contemporáneo Artium de Vitoria y colección del Ayuntamiento de Alcobendas de Madrid.

A lo largo de su trayectoria artística ha participado en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales. Entre las últimas podemos citar las realizadas en la Galería Alejandro Sales de Barcelona (2008) con Stances, Begoña Montalbán en Galerie Raphael12 en Frankfurt y Sala CAI Luzán de Zaragoza (2007), Stances en Galería Tomás March de Valencia (2006), Sensaciones Blancas en Swinger Art Gallery de Verona (2004), Reflections in the mirrow en Nueva York (2003), Interiores en Galería Tomás March de Valencia (2002), Caricias Mudas en Museo Pablo Serrano en Zaragoza (1998), …

Referencias

• su página web www.begonamontalban.com [150f],
• Begoña Montalbán en euskomedia.
• Begoña Montalbán en alfredovinas [14f].
• 100 fotógrafos españoles en w3art.
• Begoña Montalbán. Identidad y espejos en elcultural [1f].
• Begoña Montalbán en artnet (EN [2f]).
• Begoña Montalbán en intervestigacion [1f].

Libros

• 100 fotógrafos españoles, Revista EXIT, 2005.
• Begoña Montalbán 2001 - 2002. 2002.

Julia Montilla es una artista contemporánea y fotógrafa catalana (nacida en Barcelona en 1970) cuya obra incluye medios visuales muy variados: vídeo, escultura, fotografía, instalaciones, ediciones, libros de artista, proyectos web, etc.

Sun Dance© Julia Montilla

Me interesa la religión en tanto en cuanto es uno de los elementos más importantes en la configuración de la identidad, tiene un fuerte arraigo cultural y juega un papel crucial en los procesos de socialización y control social.

Biografía

Julia Montilla es licenciada en Bellas Artes y máster en Producciones artísticas e Investigación por la Universidad de Barcelona.

Su trabajo está conformado a través de múltiples medios de expresión que se han interrelacionado en el seno de la cultura de masas, desde el vídeo a la fotografía pasando por las publicaciones. En su enfoque metodológico se cruzan la semiología, la historia del arte y la antropología.

Su obra aborda los contextos sociales, políticos o culturales que propician la construcción e implantación de imágenes estereotípicas. Desde finales de 2008 años ha centrado su investigación entorno al papel que juegan las creencias religiosas y, en concreto, los iconos femeninos en la construcción y preservación de los mitos nacionales. Las características de los fenómenos visionarios y sus paroxismos religiosos, así como las ideologías que se destilan de ellos y su repercusión en la vida de los individuos y las comunidades, conforman el corpus de producción presente en buena parte de su portafolio. La génesis de parte de sus trabajos es fotográfica, disciplina que concibe de una forma muy amplia.

Ha recibido numerosas becas de creación y publicación, como la beca MoMA - ps1 (2002-03) y las otorgadas por la Generalitat de Catalunya (2004-05, 2006-07 y 2009) o la Fundación Botín (2011-12). Su obra forma parte de las colecciones del Centro Galego de Arte Contemporánea en Santiago de Compostela, Artium en Vitoria-Gasteiz y el MUSAC de León, entre otras.

Ha residido temporalmente en Nueva York, Bombay y Berlín, donde ha desarrollado parte de su producción. Ha participado en exposiciones en el PS1-MoMa de Nueva York, con Los milagros de la voluntad y su fuerza plástica en el Centro de Fotografía de Salamanca, en La Virreina. Centre de la Imatge en Barcelona, entre otras, y las más recientes El «cuadro» de la «calleja» en la Fundació Joan Miró en Barcelona e Ídolos e idolillos en el Palacio de la Magdalena en Santander en 2013.

Está representada por la galería Toni Tàpies.

Referencias

• su página web www.juliamontilla.com (EN, ES [+250f]),
• Julia Montilla en tonitapies [+7f],
• Ezkiozaleak. Julia Montilla en dalpine [10f],
• El “cuadro” de la Calleja- Julia Montilla (Espai 13) en morirdefrio (CA, ES [3f]),
• Julia Montilla, otros escenarios en elcultural [1f],
• La Virgen se ‘aparece’ en la Fundación Miró en elpais [1f],
• Julia Montilla en latinamericanart [5f],
• Entrevista a Julia Montilla, artista de la pista en afaromareda [1f],
• Julia Montilla en artdiscover [4f].

Libros

• Precipitados, 1999
• Double Feature, 2004
• Bioart, 2005
• Try again,  2006
• Novembro, 2006
• Attachement to the clixé,  2007
• Los Milagros de la Voluntad y su Fuerza Plástica, 2009
• Ezkiozaleak. A photographic account of the followers of the Ezkioga apparitions, 2009
• Garabandalistas. Un relato fotográfico sobre los seguidores de las apariciones de San Sebastián de Garabandal. 1961-1965, 2009
• El «cuadro» de la «calleja», 2009.

Josephine Sacabo es una fotógrafa estadounidense (nacida en Laredo, Texas, en 1944) que utiliza  la poesía como la génesis de su obra, que presenta generalmente collages oníricos realizados con procesos alternativos como el fotograbado y los ambrotipos.

The writer © Josephine Sacabo

Creo en el Arte como medio de trascendencia y conexión. Mis imágenes son simplemente lo que he hecho a lo que se me ha dado. Espero que hayan hecho justicia a sus fuentes y que, por un momento, 'se mantengan a la sombra de una alegría de demasiado corta duración’ (Sor Juana Inés de la Cruz).

Biografía

Josephine Sacabo se educó en el Bard College de Nueva York. ha vivido y trabajado durante mucho tiempo en Francia e Inglaterra, y su trabajo inicialmente fue en la tradición foto periodística bajo la influencia de Robert Frank, Josef Koudelkay Henri Cartier-Bresson.

Inspirada por S. Gayle Stevens que realizaba ferrotipos a partir de negativos preexistentes, comenzó a experimentar con collages, distorsionando las imágenes fotográficas creando una nueva serie de imágenes de colodión húmedo sobre metal.

Sacabo divide su tiempo actualmente entre Nueva Orleans y San Miguel De Allende en México. Ambos lugares influyen fuertemente en su trabajo, dando lugar a imágenes oníricas, surrealistas y románticas como son los lugares que ella llama hogar.

Ahora trabaja en un estilo introspectivo muy subjetivo, utilizando la poesía como la génesis de su obra. Muchas de sus imágenes son manifestaciones visuales de la palabra escrita, y señala como sus influencias más importantes a poetas como Rilke, Baudelaire, Pedro Salinas, Vicente Huiobro, Juan Rulfo, Mallarmé y Sor Juana Inés de la Cruz.

Durante su carrera de más de 35 años su trabajo ha aparecido en más de 40 galerías y museos, con exposiciones individuales en París, Londres, Madrid, Toulouse, Buenos Aires, Ciudad de México, Nueva York, Chicago, Los Ángeles y otras grandes ciudades de Estados Unidos.

Ha conseguido numerosos premios y su obra forma parte de colecciones permanentes como las de la George Eastman House, el Centro Internacional de Fotografía, La Bibliotheque Nationale de París, Whitney Museum of American Art,  The Museum of Modern Art de Nueva York, The Smithsonian en Washington D.C., The Library of Congress, etc.

Joséphine también ha realizado talleres en el Center for Photography en Woodstock, Rencontres Internationales de la Photographie en Arles y en los Santa Fe Workshops.

Referencias

• su página web josephinesacabo.com (EN [+250f 2v]),
• Josephine Sacabo en vervegallery (EN [170f]),
• Josephine Sacabo en galeriebmg (EN [19f]),
• Josephine Sacabo: Fotografías en agallery (EN [125f]),
• Josephine Sacabo: Salutations en noma (EN [4f]),
• Josephine Sacabo, the Muse of the Moon en rfotofolio (EN [4f]),
• Josephine Sacabo: Salutations en lenscratch (EN [14f]),
• Josephine Sacabo en all-about-photo (EN [17f]),
• Josephine Sacabo en thewittliffcollections (EN [3f]),
• Josephine Sacabo: Tinitypos y ambrotipos en agallery (EN [52f]),
• Sor Juana, a través de la lente de Josephine Sacabo en paperblog [13f],
• An evening with Josephine Sacabo: Hear Me with Your Eyes en cpw (EN [1f]),
• Josephine Sacabo en facebook (EN [?f]).

Libros

• Une Femme Habitee1991
• Pedro Páramo 2002
• Cante Jondo, 2002
• Elegía de Duino, 2002.
• Óyeme con los Ojos2011.
• Nocturnes 2012.
• Gilded Circles and Sure Trouble: The Art of Josephine Sacabo and Keagan LeJeune, 2012.

Iulian Ignat es un fotógrafo rumano (nacido en julio de 1972 en Bucarest) atraído por la clásica fotografía de calle, así como por las formas abstractas y las nuevas aproximaciones al retrato.

© Iulian Ignat

Biografía

Iulian Ignat comenzó a tomar en serio la fotografía con 20 años animado por su padre. No es un fotógrafo profesional, pero la fotografía es para él mucho más que una afición. Desde 1994 ha estado trabajando en estrecha colaboración con diferentes periódicos, revistas y estaciones de radio;.

También, desde 1998 ha sido el editor y fotógrafo de la revista Formula As, para la cual viajó mucho por las zonas rurales de Rumanía, por lo que las fotos de su primera exposición, en 2000, fueron principalmente retratos de campesinos y gitanos. Después ha fotografiado danza, teatro, festivales de jazz, el carnaval de Venecia, y la vida en un monasterio.

Es uno de los cinco autores del libro de fotografía Răzvan Mazilu - Espejos. y también ha realizado muchas portadas de discos. Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones en solitario y en grupo, en Austria y sobre todo en Rumanía. Sus 12 exposiciones en solitario son todas basados en película y en blanco y negro. La más reciente, FE, es una búsqueda del aura y los secretos de la feminidad y representa un cambio en la manera en que fotografía Iulian.

Todavía usa cámaras y películas analógicas, sólo porque no encuentra la alegría en la toma de fotografías en digital.

Referencias

• su página web www.iulianignat.ro (EN [?f]),
• su blog (RO [?f]),
• ‘FE’ Photography exhibition, by Iulian Ignat en tnb (EN [1f]),
• Iulian Ignat en all-about-photo (EN [17f]),
• Iulian Ignat en ndmagazine (EN [8f]),
• Fotograf de concerte: Iulian Ignat en metropotam (RO [12f]),
• Iulian Ignat en nikonisti (RO [5f]),
• Iulian Ignat en formula-as (RO [4f]),
• Iulian Ignat en facebook (RO [?f]).

Libros

• Răzvan Mazilu – Mirrors (varios).

Richard Ross es un fotógrafo, investigador y profesor de arte estadounidense (con sede en Santa Bárbara, California) conocido principalmente por su cuerpo de trabajo sobre el sistema de justicia para jóvenes en EEUU, en el que ha trabajado los últimos 8 años.

© Richard Ross

Biografía

Richard Ross estudió en la University of Florida en Gainesville, y en la University of Vermont en Burlington, Vermont. Ha sido el destinatario de galardones del National Endowment for the Arts y de las fundaciones Annie E. Casey y MacArthur. También de las  becas Fulbright y Guggenheim.

Su trabajo más reciente, las series In Justice, se interesa en la colocación y el tratamiento de los menores estadounidenses alojados por la ley en instalaciones de justicia que tratan, confinan, castigan, asisten y, en ocasiones, les hacen daño. Dos libros y exposiciones itinerantes de esta obra continúan teniendo un gran éxito, mientras que Ross colabora con las partes interesadas en la justicia de menores, utilizando sus imágenes como un catalizador para el cambio.

Su trabajo ha sido expuesto en la Tate Modern de Londres, National Building Museum en Washington D.C, Santa Monica Museum of Art en Los Angeles, Aperture Gallery de Nueva York; ACME Gallery en Los Ángeles y el San Francisco Museum of Modern Art.

Ha sido el principal fotógrafo del Getty Conservation Institute y el Getty Museum en muchos de sus proyectos arquitectónicos. Ha fotografiado ampliamente para el New York Times, Los Angeles Times, San Francisco Examiner, Vogue, COLORS, Time, Newsweek, Le Monde y otros.

Ross es un distinguido profesor de arte en la University of California en Santa Bárbara, donde ha enseñado desde 1977.

Está representado por Ronald Feldman Fine Arts en Nueva York.

Referencia

• su página web richardross.net (EN [?f]),
• Juvenile in justice (EN [?f]),
• Richard Ross en wikipedia (EN),
• Richard Ross en feldmangallery (EN [8f]),
• Richard Ross en clarkgallery (EN [15f]),
• Richard Ross en all-about-photo (EN [17f]),
• Juvenile In Justice en huffingtonpost (EN [15f]),

Libros

• 2015 JUVIE TALK: Unlocking the Language of Lockdown,
• 2015 The Parent of Last Resort: Child Welfare in America,
• 2015, Girls in Justice
• 2012, Juvenile in Justice 
• 2007, Architecture of Authority 
• 2004, Waiting for the End of the World
• 2001, Gathering Light
• 1990,Museology.

Mikeila Borgia es una fotógrafa argentina (nacida un 3 de noviembre de 1988 en San Miguel, Buenos Aires), especializada en retratos poéticos, y en la creación de mundos oníricos y conceptuales, por medio del retoque digital.

© Mikeila Borgia

Biografía

Mikeila Borgia se interesó en la fotografía, la pintura y todo lo relacionado a la imagen, desde su adolescencia y de una manera autodidacta, sin saber en ese momento que la fotografía se convertiría en su pasión.

A los 18 años comenzó estudiando Técnicas Fotográficas en el Centro Argentino Fotográfico, para luego entrar en la Escuela de Fotografía Creativa Andy Goldstein, que abrió todo un canal expresivo y poético enorme. Más adelante estudió Dirección de Arte en Brother, pintura y técnicas de expresión corporal.

Inicio su trabajo artístico como fotógrafa y luego como docente. Sus habilidades artísticas incluyen la fotografía digital intervenida, las instalaciones lumínicas y la intervención de espacios, pintura y performance. Es la protagonista de muchas de sus obras conceptuales.

Su proyecto más reciente, Expandiendo Universos, ha sido publicado en el Diario Clarin y en revistas de Nueva York, San Francisco, Bélgica, España y Taiwán, entre otras.

Su trabajo ha sido publicado por Art People Galley de San Francisco. Sus obras han sido portadas de Wetransfer, y ha recibido menciones en Fotorevista.

Actualmente trabaja como fotógrafa freelance y como docente en 2 escuelas de fotografía. Realiza talleres de Iluminación y producción artística, revelado, retoque digital y efectos especiales.

Referencias

• su página web mikeilaborgia.wix.com (EN [?f]),
• Mikeila Borgia en 500px [39f],
• Mikeila Borgia en flickr [22f],
• Photograph by Mikeila Borgia en vogue (EN [3f]),
• Mikeila Borgia en paellacreativa [6f],
• Mikeila Borgia en scorpiojin (EN [18f]),
• Mikeila Borgia en lamonomagazine [10f],
• ‘Expanding Universes’ by Mikeila Borgia en kockmag (EN [8f]),
• Mikeila Borgia. El espacio interior en clarin [2f],
• Mikeila Borgia en advancedphotoshop (EN [6f]),
• Mikeila Borgia en crispme (EN [20f]),
• Mikeila Borgia en facebook [?f].

Newsha Tavakolian es una fotógrafa iraní (nacida en 1981 en Teherán, donde vive y trabaja) que realiza trabajos documentales principalmente centrados en temas sobre la mujer.

© Newsha Tavakolian

Biografía

Newsha Tavakolian nació y se crió en Teherán. A los 16 años, hizo un curso de fotografía de 6 meses, y a partir de entonces comenzó a trabajar como fotógrafo profesional en la prensa iraní, primero en el diario para mujeres Zan, y más tarde trabajó para otros nueve diarios reformistas, todos finalmente prohibidos.

Cubrió el levantamiento estudiantil julio de 1999, y sus fotografías fueron publicadas en varias publicaciones. En 2001 conoció a JP Pappis, fundador de Polaris Images en un festival de fotografía en Perpignan, Francia. A partir de entonces, trabajó en Irán para ellos y también comenzó a trabajar como freelance para The Times en 2004.

Con los años, ha trabajado a nivel internacional, cubriendo guerras, desastres naturales e historias documentales y sociales en Irak, Líbano, Siria, Arabia Saudita, Pakistán y Yemen. Su trabajo ha sido publicado por revistas y periódicos internacionales como en Time Magazine, Newsweek, Stern, Le Figaro, Colors, New York Times Magazine, Der Spiegel, Le Monde, NRC Handelsblad y National Geographic.

Un tema común en su trabajo son las historia de mujeres, amigos y vecinos de Irán, la evolución del papel de la mujer en la superación de las restricciones basadas en el género, y el contraste con los estereotipos sobre Irán que aparecen en los medios de comunicación occidentales. Tras la dureza de la campaña de las elecciones presidenciales en 2009, ha dejado el fotoperiodismo para trabajar en proyectos documentales con un toque más artístico.

Entre sus proyectos fotográficos están Madre de los Mártires (2006), Las mujeres en el eje del mal (2006), El día que me convertí en mujer (2010) y Look (2013), que se inauguró en la Thomas Erben Gallery de Nueva York.

Ha sido alumna de la Joop Swart Masterclass de 2006 organizada por World Press Photo. En 2007 fue finalista del Premio Inge Morath. En 2014 obtuvo el Carmignac Gestion Photojournalism Award y en 2015 el Prince Claus Foundation.

Su trabajo ha sido expuesto en el British Museum, Victoria and Albert Museum, Los Angeles County Museum of Art, Museum of Fine Arts de Boston  y  Somerset House en Londres, donde fue una de los ocho fotógrafos iraníes destacados en la exposición Burnt Generation.

En 2015 se ha convertido en miembro nominado de Magnum Photos.

Referencias

• su página web www.newshatavakolian.com (EN [?f]),
• Newsha Tavakolian en wikipedia (EN),
• Newsha Tavakolian en ingemorath (EN [45f]),
• Newsha Tavakolian en lacajablanca [20f],
• Newsha Tavakolian en roadsandkingdoms (EN [10f 1v]),
• Newsha Tavakolian en fondation-carmignac (EN [10f]),
• Newsha Tavakolian's portraits of Iran's middle-class youth en theguardian (EN [8f]),
• Newsha Tavakolian en worldpressphoto (EN [1f]),
• Newsha Tavakolian en leica-camera (EN [14f]),
• El Irán invisible de Newsha Tavakolian en 20minutos [10f],
• Keeping True to an Iranian Vision, Minus Big Money en nytimes (EN [8f]),
• Newsha Tavakolian en 500photographers (EN [9f]),
• Meet the Women Taking the Battle to ISIS en time (EN [16f]),
• Photos of Women Who Could Go to Prison for Singing for Men en slate (EN [6f]),
• Newsha Tavakolian en facebook (EN [?f]).

Libros

• The Fifth Pillar: The Hajj Pilgrimage 2013.

Jorge Pozuelo es un fotógrafo español (nacido en León en 1977, vive en Madrid) que busca el lado más humano en todas sus fotografías, jugando con la agresividad visual y el silencio de los espacios para intentar que el espectador forme parte de sus imágenes.

© Jorge Pozuelo

Biografía

Jorge Pozuelo inició su trayectoria fotográfica en los años 90. Dejó su trabajo como técnico en telecomunicaciones para dedicarse de lleno a una pasión que tenía de siempre, trabajando en Casanova Fotografía y realizando un master en fotografía por la Universidad de Cantérbury.

Trabajó durante un año como técnico digital fotográfico, conociendo todos los equipos profesionales digitales y de medio formato del mercado y solucionando problemas de gestión de color a diversos estudios.

Posteriormente pasó un año viajando para encontrarse a sí mismo y escribió un libro de fotografía, Fotografía Fácil, para hacer asequible todas las reglas fotográficas a cualquier persona que comience en el mundo de la fotografía.

A partir de ahí ha compaginado sus trabajos personales, con clases en varias academias y finalmente ha montado junto con la fotógrafa María Nieto una pequeña escuela de fotografía en el centro de Madrid. Ha realizado numerosos talleres y es tutor especialista para viajes fotográficos organizados por Marruecos, Cuba, Vietnam y Camboya, Nueva York, África y Europa.

Ha realizado trabajos fotográficos para empresas como Unidental, Philips, Hoteles Silken, Tinkle, Adecco, AD, Truhko Make Up, BodyOn, Gobierno de Qatar, FX Magazine, Smile Life y el Festival de Cuerpos Artísticos de España.

Ha realizado diversas exposiciones fotográficas: BodyArt, TattooArt o Los muros del silencio, exposición conjunta sobre la cárcel de Carabanchel, en Madrid, Bruselas, Copenhague y San Diego.

Ha realizado un proyecto conjunto con el fotoperiodista Ervin Sarkisov titulado Back to Life donde se hizo un seguimiento a personas drogodependientes. Su presentación fue en el Photofestival AlAndaluz Granada 2011 y es un proyecto en curso.

Desde finales de 2012 es codirector y editor de la revista de fotografía online EntreCámaras Magazine.

Referencias

• su página web www.jorgepozuelo.com [?f],
• su blog [?f],
• su escuela: www.blancoynegroestudio.com [?f],
• Jorge Pozuelo en 500px [26f],
• Jorge Pozuelo en instagram [+120f],
• Revista Entrecámaras [?f],
• Jorge Pozuelo en allrss [18f],
• Jorge Pozuelo en google+ [?f],
• Jorge Pozuelo en facebook [?f].

Libros

• Fotografía fácil 2009.

Sandrine Hermand-Grisel es una fotógrafa francesa (nacida en París en 1973, vive en San Francisco, Califorinia), que tiene un estilo muy personal, donde construye y da forma a las historias que acuden a su mente, a menudo en sus sueños, y que quiere compartir con los demás. 

... in Mexican Hat, Utah© Sandrine Hermand-Grisel

Biografía

Sandrine Hermand-Grisel es un fotógrafa freelance desde 1997. Se trasladó a San Francisco en 2006. Autodidacta, ha ganado numerosos concursos de fotografía (incluyendo el Premio Kodak de la crítica fotográfica).

Sus fotografías han sido expuestas en numerosas exposiciones colectivas (Francia, Bélgica, Luxemburgo), publicadas en revistas como ELLE, Réponses Photo, PHOTO, Photo et Vidéo numérique, ZOOM, Le Photographe, y son ampliamente difundidas por Internet. Su obra forma parte de diversas colecciones privadas en Nueva York, San Francisco, Londres, París, Berlín y Milán.

Utiliza indistintamente película o digital, según los proyectos.

Es la creadora en 2013 de la magnífica revista digital All-about photo.

Referencias

• su página web www.hermandgrisel.com (EN, FR [+240f]),
• Sandrine Hermand-Grisel en all-about-photo (EN [17f]),
• Sandrine Hermand-Grisel en see.me (EN [9f]),
• Sandrine Hermand-Grisel en coopimage (EN [22f]),
• America, From the Edge en viewpointgallery (EN [3f]),
• The Great Disruption en raykophotocenter (EN [1f]),
• Sandrine Hermand-Grisel en shashingallery (EN [6f]),
• Sandrine Hermand-Grisel en charlet-photographies (EN [13f]),
• Sandrine Hermand-Grisel en best-of-photography (EN [9f]).

Libros

• Nudes.
• Nude Bible(varios) 2007.

Rosa Muñoz es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1963) considerada una de las creadoras más importantes dentro del panorama de la fotografía contemporánea en España. En su obra, entre el retrato y los escenarios hay espacio para escenas oníricas, espejismos visuales, montajes rococó, coreografías, ... elaborando un trabajo que “logra la trasgresión de la realidad para hacerla más sugerente”.

© Rosa Muñoz

Biografía

Rosa Muñoz comenzó su carrera documentando el Madrid de los años 80 para el periódico municipal Villa de Madrid. Comenzó haciendo retratos en blanco y negro que fueron evolucionando hacia un punto de vista tan personal que consiguió definir un estilo y un lenguaje fotográfico extremadamente particular. Posteriormente el color ganó la batalla, para ser su forma de vida. Desde entonces, ha compaginado su trabajo en distintos medios y revistas como El País Semanal primero y actualmente El Magazine de El Mundo, con proyectos más personales.

Realiza una obra basada en la escenificación, trabajando el ambiente, la puesta en escena y los colores para dotar al conjunto de una irrealidad propia del poema visual, en la que la lógica visual se subvierte y la escena llega a ser surrealista. Con dicha transgresión de la realidad y la desubicación de los objetos se suscita un lenguaje plagado de fantasía misteriosa, entre la realidad y la ensoñación.

En sus series: Casas, Objetos encontrados y El bosque habitado, propicia un diálogo creativo entre ficción y realidad que pone a prueba la asociación entre fotografía y realidad, y lanza una reflexión sobre la complicada relación entre la naturaleza y la forma de vida occidental, y sobre la dialéctica entre el mundo privado y la realidad exterior. En Paisajes del futuro (2010-12), que trata de una reflexión sobre la pérdida y la destrucción, da una vuelta de tuerca más al realizar, a través de la superposición de fotografías, un documento visual de lugares fuera del tiempo y el espacio.

En los últimos años ha presentado las exposiciones Mentiras verdaderas en el Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (MACUF) en La Coruña en 2010 y Memorias construidas, en la que bucea en sus archivos y rescata del olvido desde sus primeras fotografías hasta las mejores obras de sus últimas series (Centro Tomás y Valiente de Fuenlabrada y Canal de Isabel II en Madrid, en el marco de PHotoEspaña 2012), entre otras muestras.

Ha participado en varias ediciones de la Feria ARCO, en PHotoEspaña y en Ferias de arte MACO (México), Lisboa, Berlín así como en el Instituto Cervantes en Latinoamérica y Roma, Centro Andaluz de la Fotografía en Almería o en el Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa en A Coruña, Expo 98, Art-Miami, Dfoto, … En 2011 participó en el Seoul Photo Festival, con obra expuesta en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Seúl.

Su obra forma parte de colecciones de museos e instituciones como las del Centre National d’Art Georges Pompidou, Comunidad de Madrid, Colección pública de Fotografía de Alcobendas (Madrid), Colección Estampa, entre otros.

Referencias

• su página web www.rosamunoz.com [+150f],
• Rosa Muñoz en m-arteyculturavisual [1f],
• Rosa Muñoz en magonixundra [12f],
• Rosa Muñoz. Memorias construidas en centroandaluzdelafotografia [1pdf],
• Las construcciones fotográficas de Rosa Muñoz en elcultural [10f],
• La memoria de una ciudad que ya no existe en elmundo [7f],
• Rosa Muñoz en notodo [5f],
• Rosa Muñoz. Imaginario construido en mariagimenez [1f],
• Rosa Muñoz en ceumedia [1v],
• Rosa Muñoz, serie "Casas" en setdart [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f],
• Rosa Muñoz en facebook [?f].

Libros

• Rosa Muñoz - fotografias, 2006
• El paisaje desintegrado, 2008
• Rosa Muñoz. PHotoBolsillo, 2010
• Mentiras verdaderas, 2010
• Memorias construidas, 2012.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

José Luis Gea es un óptico y fotógrafo levantino (nacido en Orihuela, Alicante, en 1967) que realiza principalmente fotografía de calle.

© José Luis Gea

Biografía

José Luis Gea Arques descubrió en la universidad, en 1989, su pasión por la fotografía y desde entonces la ha estado practicando con regularidad. También comenzó su colección de cámaras antiguas, principalmente de 35 mm, que todavía funcionan y que pueden ser utilizadas por él mismo con película en blanco y negro.

Después de algunos años de ausencia de la fotografía volvió a ella en 1999, trabajando en otros estilos y técnicas. Se interesó en la fotografía de calle y ésta temática ha llegado a ser su preferida, cuando su trabajo principal lo permite. Utiliza tanto la película como lo digital, aunque prefiere todavía lo analógico. Su autor favorito es Francés Catalá-Roca.

Ha realizado diversas exposiciones, todas ellas en Orihuela, como:

• La otra mirada (colectiva) en 2011.
• El color dormido, (colectiva) en 2012.
• Murales de San Isidro, homenaje a Miguel Hernández, (colectiva) en 2012.
• Muestra de fotografía Urbana, en 2013.

Pertenece al colectivo de autores CEPA, grupo dedicado a la fotografía en Orihuela, que realiza exposiciones con fines culturales y artísticos con proyectos anuales. Fue también administrador y cofundador de Street View Photograpy Spain y cofundador del colectivo Street Soul Photograpy colectivo de seis fotógrafos dedicado exclusivamente a la fotografía de calle.

En mayo de 2014 participó con 4 fotos en el libro La mirada impar, un trabajo de fotógrafos en blanco y negro orquestado por la CEPA como compendio de la labor de fotógrafos oriolanos.

En abril de 2015 Street Soul Photography organizó en Orihuela el primer Encuentro Fotográfico Ibérico donde durante una semana se realizó una exposición de 7 fotógrafos españoles y 6 portugueses, con conferencias y paseos fotográficos por Orihuela y Alicante.

Referencias

• su página web cargocollective.com/rue67 [+60f],
• José Luis Gea en instagram [+140f],
• Streets soul photography en streetsoulphotography [10f],
• Rue 67 de José Luis Gea Arques en fotodng [1f],
• B&W Street Photography Essay – Europe en edgeofhumanity [10f],
• Fotografías a pie de andén en elmundo [3f],
• Interview | Street Photographer Jose Luis Gea Arques enstreetphotographylondon (EN [6f]),
• Rue 67 de José Luis Gea Arques en fotodng [1f],
• StreetViewPhotography.es en facebook [?f],
• Rue 67. The Street Photography by Jose Luis Gea en facebook [?f],

Libros

• Murales de San Isidro 1976-2012
• Al son de campana, en prosa y verso, 2012
• De Orihuela para Orihuela, Los pastores de Belén, 2013
• La mirada impar, 2014 (varios)

Ionut Caras es un artista digital y fotógrafo rumano (nacido el 6 de febrero de 1978, vive en Iasi) que realiza fotografías surrealistas, a veces encantadoras, otras más oscuras,  mediante el collage y retoque digital.

© Ionut Caras 

Fotografío una escena al azar, capturando lo que la naturaleza me da. Más tarde trataré de construir algo más. Es lo mismo con mi trabajo con la gente, nunca hablo con ellos, los observo hasta que hacen un movimiento conveniente para mí, una pose que pueda servirme en alguno de mis trabajos.

Biografía

Ionut Caras trabajó mas de 10 años en el mar, antes de llegar a ser un "mecánico de fotos" que comparte sus creaciones en la red con gran éxito, y que también ofrece cursos en línea donde enseña la forma en que crea algunas de sus manipulaciones de fotos. Compila digitalmente paisajes surrealistas y retratos, usando sus propias fotografías que de manera apropiada compagina, componiendo y ajustando el color. Tiene un stock de más de 200.000 fotografías, para encontrar los fondos y componentes adecuados para la escena que imagina.

En sus obras oníricas surgen físicamente escenas imposibles, como una niña que está balanceándose en un columpio a cientos de metros sobre el suelo, un elefante que anda en bicicleta, una niña cabalgando sobre el lomo de un pez enorme, … A menudo son niños pequeños (la niña que aparece en muchas de sus obras es su propia hija), otras veces son personas fuera de la norma de la sociedad. como vagabundos, mendigos, comediantes. Su imagen se ve reforzada por el paisaje con árboles centenarios, cielos oscuros, niebla, paisaje de montaña o un clima húmedo. A menudo, en su trabajo se repiten elementos como paraguas, barcos, agua, rocas o aves.

Ionut se inspira para su trabajo en la noche de sus sueños y en los colores del otoño y el invierno. Trabaja como fotógrafo profesional y retocador, ofrece cursos y programas de formación para los que quieren aprender a manipular digitalmente las fotografías.

Muchas de sus imágenes se han utilizado en portadas de libros, CDs, publicidad, sitios web, publicaciones locales, … También ha obtenido diversos premios, entre ellos varias medallas de oro en los Super Circuit de 2012 y 2013.

Referencias

• su página web www.carasdesign.com (EN [?f]),
• Ionut Caras en wikipedia (RO),
• Caras Ionut en 1x.com (EN [80f]),
• Caras Ionut en 500px (EN [+1.300f]),
• Caras Ionut en 35photo (EN [?f]),
• Caras Ionut en photodom (EN [+500f]),
• Caras Ionut en photigy (EN [13f]),
• Stunning Photo Manipulations by Ionut Caras en pxleyes (EN [49f]),
• Caras Ionut en dailymail (EN [15f]),
• 20 Dream-Like Photo Manipulations by Caras Ionut en boredpanda (EN [20f]),
• Ionut Caras en fotoblur (EN [+50f]),
• Ionut Caras en mymodernmet (EN [18f]),
• Ionut Caras en google+ (EN [?f]),
• Ionut Caras en facebook (EN [?f]).

Juan Pablo Cardona es un fotógrafo mexicano (nacido en Ciudad de México en 1979) cuyo trabajo se define como Realismo Mágico, dentro de una corriente documental, centrándose en una visión de México que captura la nostalgia, lo atemporal y lo contemporáneo, intentando recuperar un México que desaparece, dando importancia a un momento preciso de un acontecimiento intrascendente.

© Juan Pablo Cardona

Biografía

Juan Pablo Cardona estudió Diseño Industrial en la Universidad Anahuac y posteriormente fotografía en el Centro de Arte Fotográfico de Saúl Serrano, complementando esta formación con la de otros grandes en este terreno como Francisco Mata, Vida Yovanovich, Federico Gama y Yolanda Andrade.

Fue elegido para  inmortalizar las Festividades del Bicentenario y Centenario 2010 organizadas por el Gobierno Federal, siendo el único fotógrafo documental participante de esta importante conmemoración.

Cuenta con 2 exposiciones individuales, 10 exposiciones colectivas nacionales y 2 internacionales (Suecia y Toronto en 2015), además de una exitosa participación en el Affordable Art Fair 2014 en Ciudad de México. Actualmente ha expuesto en la Galería Punctum del Centro Histórico además de las Rejas de Reforma en Chapultepec, dentro del proyecto El México de los Mexicanos de Fomento Cultural Banamex. También ha sido reconocido por CONACULTA en su última Convocatoria 2014.

La serie Circo se abre a dos lecturas complementarias: el circo como el espacio de la maravilla y el circo como un espacio de trabajo. Este trabajo ha sido realizado cuando está a punto de entrar en vigor la ley que prohíbe el uso de animales en los circos en México, y documenta lo que puede significar el fin de una era en el mundo del espectáculo y, para muchas familias, una nueva crisis en el modo en que se ganan la vida.

Fotografiando siempre fuera del espectáculo, no busca la ilusión que se produce en la arena del circo, sino la ilusión fotográfica, producida por medio de contrastes, claroscuros  y contraluces. Al ver estas fotos nos sumergimos en los lugares comunes de ese universo fascinante que es el circo: su atmósfera de seducción, el ilusionismo y la magia, la libertad y la fantasía y, también, el rastro de tristeza que deja en la memoria.

Referencias

• su página web juanpablocardona.com.mx [+50f],
• su blog [?f],
• Juan Pablo Cardona en instagram [+1.100f],
• Juan Pablo Cardona en flickr [+100f],
• Juan Pablo Cardona: El circo y la melancolía en punctumespacio [4f],
• Juan Pablo Cardona en farimaging [20f],
• Juan Pablo Cardona en centrodelaimagen [20f],
• Juan Pablo Cardona: El circo en cuartoscuro [3f],
• Juan Pablo Cardona en facebook [?f].