Ananké Asseff es una artista visual argentina (nacida el 30 de julio de 1971 en Buenos Aires, donde vive y trabaja) cuya obra diversa incluye fotografía, instalación, video, interactividad, escultura, objeto e instalación en espacio específico, creando escenarios cargados que evocan miedo y amenaza, imaginada y/o promovida, en la construcción social y personal.

El secreto tenía que desvelarse © Ananké Asseff

Biografía

Ananké Asseff  inició su carrera como fotógrafa en 2001 con una serie en la que inmortalizó una de las peores crisis económicas y sociales de la Argentina, a la que irónicamente tituló Mi presente perfecto y se hizo conocida en todo el mundo cuando retrató a personas de clase media cargando armas, en un trabajo dedicado a la inseguridad y a la violencia.

Su obra forma parte de las colecciones de la Tate Modern de Londres, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam de La Habana y el ARTER de Estambul, además de en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Fondo Nacional de las Artes, el Museo Castagnino + MACRO de Rosario, el Palais de Glace, el Museo E. Caraffa de Córdoba y el Museo Nacional de Bellas  Artes, todos éstos en Argentina.

Ha recibido distinciones como la beca en la Academy of Media Arts KHM de Alemania y la residencia en el Banff Centre for the Arts en Canadá (2004 - 2005), otorgadas ambas junto con la Fundación Antorchas, el Premio Leonardo a la Fotografía 2002 (otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte) y la Beca de Perfeccionamiento en Medios Audiovisuales del Fondo Nacional de las Artes (2001). También obtuvo el primer premio en el Premio Rioplatense de Artes Visuales 2004 de la Fundación OSDE, el segundo premio del Salón Banco Ciudad en 2002,  el segundo  premio del Premio Federico J. Klemma las Artes  Visuales  en 2009, y el segundo premio del Premio Mamba -Fundación Telefónica, Arte y Nuevas Tecnologías en 2011, entre otros.

En 2007 recibió el subsidio del Fondo Metropolitano de las Artes de Buenos Aires y la Beca Nacional para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes, en 2012, el premio Konex a la Fotografía, otorgado por la Fundación Konex y en 2014 la Beca para Proyecto (Fotografía) del FNA.

Ha participado en numerosas exposiciones  individuales y colectivas en Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Bolivia, Perú, México, Colombia, Cuba, Alemania, Holanda, México, España, Estados  Unidos, Francia, Suiza y China. Sus trabajos han sido presentado en diversas publicaciones especializadas como TIME Magazine, Photoworld Magazine China, Auto Focus, THAMES & HUDSON, Fotografía en la Argentina 1840-2010, Fondo Nacional de las Artes, IMAGE Francia, VISURA MAGAZINE y EXIT en España, entre otras.

Referencias

• su página web www.anankeasseff.com [80f],
• su blog de talleres [?f],
• Ananké Asseff en visuramagazine (EN [19f]),
• Ananké Asseff. El miedo al viento en lavoz [1f],
• Ananké Asseff en arte-sur [5f],
• Ananké Asseff: Potencial en getxophoto [2f],
• Ananké Asseff en macromuseo [2f],
• Ananké Asseff en boladenieve [13f],
• Ananké Asseff en galeria-oscarcruz [4f],
• Ananké Asseff, vanguardia visual en mujercountry [10f],
• Ananké Asseff en fundacionkonex [1f],
• Ananké Asseff en facebook [?f].

Libro

• Ananké Asseff 2010.

William Gaye es un fotógrafo francés (nacido en 1982 en París, donde vive y trabaja) cuyos proyectos documentales toman principalmente a Camerún y a sus habitantes como referente visual.

© William Gaye

Biografía

William Gaye realizó estudios en la Escuela Nacional Superior de Física y Química de Burdeos, y posteriormente ingresó en l´École Nationale Supérieure Louis-Lumière, donde se diplomó en 2008.

Su trabajo se articula en torno a una reflexión sobre la naturaleza del medio fotográfico, tanto desde el punto de vista de las experiencias que surgen en la toma como desde el sentido de la imagen capturada o la relación que se establece con el público.

La inspiración que encuentra en Camerún le permite hacer sus fotografías como una imagen distante de la sociedad occidental donde vive. Organiza sus imágenes en diversas formas (collage urbano, trabajo en grupo, exposiciones participativas y viajes, ...) con el deseo del eco constante del público.

Referencias

• su página web williamgaye.com (FR [+200f]),
• su blog (FR [?f]),
• William Gaye en afriqueinvisu (FR [2f]),
• William Gaye. Ancienne Pharmacie Mendong en getxophoto [4f],
• Allers / Retours en afriqueinvisu (FR [?f]).

Vassi Koutsaftis es un fotógrafo griego (nacido en 1952 en Atenas) que ha explorado el mundo durante más de 30 años, especializándose en fotografía de viajes de tipo extremo, especialmente a las regiones montañosas del Himalaya, Karakorum, Hindu Kush y otras zonas remotas de Asia.

© Vassi Koutsaftis

Biografía

Vassi Koutsaftis nació en Atenas, Grecia, y cruzó los océanos del mundo trabajando en cruceros y cargueros. Siguió viajando a zonas remotas de nuestro planeta por su cuenta, y luego desde el aire, estudiando aeronáutica y convirtiéndose en piloto en los EEUU.

Lidera trekings y recorridos exploratorios en Afganistán, Mongolia, Tíbet, Nepal, Pakistán, Irán, Bután, Birmania, Turquía y la India, y contribuye a la investigación esencial de itinerarios insólitos y remotos para Geographic Expeditions, una de las mejores y más respetadas compañías de expedición en los EEUU.

Sus fotografías han sido publicadas en revistas como Geo (edición europea), Photografos, USA Today, Asia Week, National Geographic Traveler y Marin Magazine. Trabaja como experto en el Tíbet de Conde Nast y es bien conocido por sus imágenes del Dalai Lama.

Su experiencia fotográfica y viajera ha sido fundamental en la exploración para películas como las producciones de la cadena CBS, PDI y Dreamworks y para una serie de cineastas independientes. Su obra forma parte de las colecciones de la U.C. Berkeley’s Blum Center, Steve Wynn Casinos, Stanford University’s Center for Buddhist Studies.

Koutsaftis ha expuesto su obra ampliamente en galerías en los Estados Unidos y del extranjero incluyendo The Hellenic American Union en Atenas, y disfruta haciendo presentaciones de sus fotografías y compartiendo sus historias de largos viajes por el mundo.

Referencias

• su página web arclight-pictures.com (EN [?f]),
• Vassi Koutsaftis en all-about-photo (EN [9f]),
• Vassi Koutsaftis en geoex (EN [?f]),
• His Holiness the 14th Dalai Lama in San Francisco, April 29, 2007 en himalayan-foundation (EN [4f]),
• Vassi Koutsaftis en picassomio (EN [25f]),
• Vassi Koutsaftis en allposters [56f].

Ferit Kuyas es un fotógrafo turco (nacido en Estambul, vive y trabaja en Wädenswil, cerca de Zúrich, Suiza) que trabaja principalmente en proyectos personales, varios de ellos centrados en China.

© Ferit Kuyas

Biografía

Ferit Kuyas estudió arquitectura y leyes en Zúrich, donde se graduó en jurisprudencia en la Universidad de Zúrich. En 1986 comenzó su carrera en la fotografía. Sus temas principales son las bellas artes, arquitectura, interiores, publicidad y editorial.

Después de visitar Shanghai por un encargo, ha viajado a menudo a China. Publicó en 2009 Chongqing: City of Ambition con grandes paisajes urbanos de la megalópolis de 32M de habitantes de Chongqing, China, creada en 1997, con fotografías que muestran su rápido crecimiento y la omnipresente niebla (y algo de polución) de la zona. Fue su primer trabajo en color.

Ha trabajado con máquinas de gran formato, en los años 90 principalmente en 8x10”, pero empezó a sentir que su fotografía era demasiado estática y se pasó al medio formato y al 4x5”. Ahora puede hacer un 8x10” más dinámico, pero se siente más cómodo con el 4x5”. City of Ambition está hecha con 4x5” y parte en digital con Alpa xy y no hay diferencias entre unas fotos y otras.

En 2011 comenzó a trabajar en Aurora, un proyecto con paisajes urbanos y retratos en la Ciudad de Guatemala, que ya ha visto la luz en el libro Aurora – Guatemala City Habitat.

Sus fotografías también se han mostrado en museos, galerías y festivales en Europa, América y Asia. Su obra está representada en colecciones privadas, corporativas y públicas en los Estados Unidos, Inglaterra, Bélgica, Suiza, Alemania y Turquía. Ha recibido varios premios, entre ellos el Kodak Photobook-Award, GuatePhoto y el Masters Hasselblad en 2002.

Referencias

• su página web www.feritkuyas.net (EN [?f]),
• Ferit Kuyas en catherinecouturier (EN [+170f]),
• Ferit Kuyas en blueskygallery (EN [24f]),
• Ferit Kuyas en thomaskellner (EN [4f]),
• Ferit Kuyas en lenscratch (EN [17f]),
• Ferit Kuyas: Aurora en lenscratch  (EN [16f]),
• Reflections on Chongquing - City of Ambition en visuramagazine (EN [34f]),
• Ferit Kuyas en bau-xi (EN [14f]),
• Ferit Kuyas en 500photographers (EN [8f]),
• Ferit Kuyas: City of Ambition en elpatiodeldiablo [19f],
• Ferit Kuyas en landscapestories (EN [15f]),
• Ferit Kuyas en facebook (EN [?f]).

Libros

• Aurora – Guatemala City Habitat
• Chongqing - City of Ambition2010
• Shanghai2000
• Industrial Interiors1999
• Bauplatz – Schauplatz 2004.

Edouard Fraipont es un fotógrafo brasileño (nacido en 1972 en Sao Paulo, donde vive y trabaja) que desarrolla trabajos de expresión personal en la fotografía, explorando los movimientos de su propio cuerpo. Su investigación más reciente explora evocaciones de lo sobrenatural en el paisaje y transfigura su cuerpo para crear testimonios fotográficos distorsionados.

© Edouard Fraipont

Biografía

Edouard Fraipont se graduó en cine en la Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP) en 1997, y y en filosofía en la Universidad de Sao Paulo. Su formación inicial en la fotografía fue en fotografía documental, en la Escola Focus (1991-1992) y asistió a cursos de arte contemporáneo y de fotografía artística en la Oficina de Arte (1996-1999). Trabaja como fotógrafo freelance desde 1992 y fue director de cortometrajes de 16 y 35 mm en la Universidad.

Edouard pasó un año estudiando el mundo de los aymaras, etnia nativa de los Andes, seguido de 4 años de estudios libres y capacitación extracurricular en artes visuales bajo la tutela de Eduardo Brandão.

Desde 1996, ha desarrollado un estilo artístico personal que combina la experimentación en el lenguaje fotográfico con la producción de películas y perfomances. Ha realizado exposiciones individuales en la Galeria Triángulo (Sao Paulo), FotoArte (Brasilia), Centro Cultural Banco do Brasil (Sao Paulo) y Joaquim Nabuco, Fundación Recife, entre otras. Su obra forma parte de colecciones como la de la Coleção Pirelli del Museo de Arte de Sao Paulo / MASP de Fotografia, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, y en el Museo del Estado de Sao Paulo. En 2007 fue galardonado con una residencia por el programa British Council's Artist Links, durante la cual realizó la serie A Period in Britain.

Referencias

• su página web edouardfraipont.com (EN, PT [+100f]),
• Edouard Fraipont en colecaopirellimasp (PT [3f]),
• Edouard Fraipont en 1500gallery (EN [13f]),
• Edouard Fraipont en 1500babilonia (EN [12f]),
• Edouard Fraipont en all-about-photo (EN [17f]),
• Edouard Fraipont en wird (EN [10f]),
• Edouard Fraipont’s Photographs Explore The Body Through Light And Movement en mutantspace (EN [8f]).

Libros

• Figuras Autônomas, 2010
• Um indeterminado, 2006.

Anusorn Charoensuk es un fotógrafo tailandés (nacido en 1985) que realiza fotografía para intentar convertir en realidad sueños imposibles, como, por ejemplo, el viajar a otras partes del mundo para las personas humildes.

© Anusorn Charoensuk

Biografía

Anusorn Charoensuk comenzó su carrera como fotógrafo en 2001 y desde entonces su trabajo ha sido expuesto en varias ciudades de Asia como Bangkok o Singapur. En 2010 fue seleccionado en el Month of Photography de Tokio y en 2006 fue premiado con el Young Thai Artist Award, por fotografías de familias del mundo pintadas por él mismo en paredes.

Su serie World Tour está formada por fotografías tomadas durante un período de cinco años en el contexto de pinturas, realizadas sobre un muro de su garaje, de los destinos turísticos más populares, delante de la cual posa él y su familia, con la misma alegría que si estuvieran en los lugares reales que se representan. Durante esos viajes virtuales, el padre de familia falleció. A partir de ese momento, aparece en las imágenes bajo la forma de un pequeño ángel, a veces perdido en un ángulo del cuadro, que acompaña a sus allegados en la eternidad fotográfica.

Charoensuk puede tener una instalación interactiva en sus exposiciones, donde invita a los visitantes a fotografiarse delante de un lugar típico también pintado.

Su trabajo parte del deseo común de realizar lo que no puede ser posible en la realidad. En este fondo pintado de nuevas realidades, el propio artista, los miembros de su familia y a veces, los visitantes a sus exposiciones, participan en el proceso de hacer creer, de buscar una manera de acceder a lo inaccesible. Pero para que el sueño se cumpla debe ser inmortalizado por la fotografía.

Referencias

• Anusorn Charoensuk: Romantic Poses en gallerynumthon (EN [15f]),
• Anusorn Charoensuk: Voyages en getxophoto [4f],
• Anusorn Charoensuk en scgfoundation (EN [3f]),
• Sacks of rice, a hooded heroine and blond brooms on a Sunday afternoon en thelongnwindingroad (EN [?f]).

Isa Leshko es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1971 en Rahway, Nueva Jersey, vive en Salem, Massachusetts) cuyo trabajo se centra en temas relacionados con el envejecimiento, la mortalidad y los derechos de los animales.

Sophie, Domestic Shorthair Cat, Age 19 © Isa Leshko

Biografía

Isabell Carmella Leshko creció en Carteret, Nueva Jersey, en una familia de clase trabajadora italo-americana. Obtuvo su BA en el Haverford College, donde realizó estudios de psicología cognitiva, neurobiología y estudios de género. Después de graduarse, trabajó como asistente de investigación para el neuropsicólogo Robert Stern.

Escribió regularmente para la revista mensual feminista Sojourner ya desaparecida. Luego pasó una década trabajando para nuevas empresas punto.com como director de proyecto e ingeniero de software antes de descubriera su pasión por la fotografía.

Isa ha creado una serie de fotografías documentales llamada Elderly Animals bellamente ejecutadas en el que se enfrenta a los problemas del envejecimiento y la mortalidad. La inspiración para el proyecto fue el diagnóstico de su propia madre con la enfermedad de Alzheimer.

Previamente, su serie Thrills and Chills, mostraba fotografías de parque de atracciones, un lugar que le aterroriza, y que por ello fotografió, para mostrar cómo esta experiencia combina la euforia con el miedo, emociona con escalofríos, viendo cómo la gente se entrega a estas bestias mecánicas, que les permiten hacer cosas imposibles como volar. Utilizó una cámara Holga para darles un toque vernáculo y un sentido de inmediatez. Trabajar con una cámara tan imprecisa y errónea puede ser una experiencia tan aterradora y liberadora como montarse en una montaña rusa.

Su obra forma parte de numerosas colecciones como Boston Public Library, Haverford College y Museum of Fine Arts de Houston. Su trabajo ha sido publicado en The Atlantic, The Boston Globe, Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung, The Guardian, Harper's Magazine, The New York Times, NPR, y Süddeutsche Zeitung Magazin (SZ-Magazin).

Consiguió en 2012 la beca Houston Center for Photography Fellow y el premio Silver Eye Center for Photography Keystone Award. En 2011 también fue nominada para el Santa Fe Prize for Photography y finalista en el New Orleans Photo Alliance Clarence John Laughlin.

Su obra está representada por la Corden | Potts Gallery en San Francisco, California, y Richard Levy Gallery en Albuquerque, Nuevo México.

Referencias

• su página web isaleshko.com (EN [43f]),
• Isa Leshko en cordenpottsgallery (EN [11f]),
• Isa Leshko en levygallery (EN [20f]),
• Isa Leshko: Thrills and Chills en catherinecouturier (EN [20f]),
• A Conversation with Isa Leshko en nymphoto (EN [11f]),
• Isa Leshko en utata (EN [5f]),
• Isa Leshko en hcponline (EN [12f]),
• Isa Leshko en all-about-photo (EN [9f]),
• Incredible Black-And-White Photos Of Elderly Animals Will Break Your Heart en huffingtonpost(EN [14f 1v]),
• Isa Leshko: Elderly Animals (10 photos) en pdnonline (EN [10f]),
• Isa Leshko en artsake (EN [9f]),
• Isa Leshko en facebook (EN [?f]).

Libros

• Thrills and Chills.

Ferràn Freixa es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1950) que ha sabido combinar la actividad profesional en el mundo de la imagen del diseño, del interiorismo y de la fotografía arquitectónica e industrial, con su propia trayectoria personal como fotógrafo artístico, en el que reflexiona sobre el tiempo, el espacio y los objetos inertes.

© Ferràn Freixa

Mis emociones están en la huella que deja el tiempo en los espacios y los objetos. Esto es lo que me motiva.

Biografía

Ferràn Freixa estudió dibujo y pintura en Barcelona entre 1965 y 1968, año en el que comenzó a hacer fotografías, al principio de un modo autodidacta. A los 19 años abrió su primer estudio de fotografía y diseño gráfico, convirtiéndose en uno de los más jóvenes del panorama español en dedicarse a la fotografía industrial, de publicidad y de moda. Desde 1978 ha centrado su trabajo en la fotografía de arquitectura e interiorismo.

Un trabajo muy reconocido es el El foc, darrer acte (El fuego, último acto) que consistió en una documentación exhaustiva de los restos del Teatro del Liceo de Barcelona tras el incendio que lo destruyó en 1994. También, su serie de 1979 sobre los comercios de Barcelona, y otra sobre mesas de restaurantes.

Observador paciente, dominador de luces y sombras, suele evitar la presencia del ser humano en sus imágenes, dotando a los objetos y a las formas de un nuevo sentido de vida. Cuando aparecen personas éstas están empequeñecidas, como remarcando su insignificancia en un escenario, tanto a nivel espacial como temporal.

Siempre trabaja con trípode y nivel -la cámara ha de estar absolutamente nivelada- y está bastante tiempo encuadrando. Le gusta que la imagen esté lo más impecable y bien compuesta que pueda. Un milímetro más a la izquierda o la derecha ya no es la misma foto.

En su fotografía está omnipresente el formato cuadrado, pues desde muy joven empezó a trabajar con una Rolleiflex de doble objetivo. Se acostumbró a componer dentro del cuadrado y lo encuentra muy equilibrado. La sobriedad de este formato, con su inherente estabilidad, armonía y equilibrio, da lugar a composiciones exquisitas, en las que los objetos relativizan el tiempo.

Su obra se ha expuesto en distintos lugares de Europa y Estados Unidos, destacando especialmente las exposiciones realizadas en la Universidad de Salamanca en 1994 y en La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona en 1996. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelona) y la Bibliothèque Nationale de France (París), entre otras.

En 2013 se realizó su retrospectiva Ferran Freixa. Fotografia 1973-2013, con 135 fotografías que muestran 40 años de vida y profesión de este fotógrafo barcelonés con mirada en blanco y negro que centró buena parte de su obra en buscar la belleza de la arquitectura e interiorismo.

Referencias

• Ferràn Freixa en wikipedia,
• Ferràn Freixa en museunacional [2f],
• Ferràn Freixa en palaurobert [4f],
• Ferràn Freixa en museoreinasofia [3f],
• Ferràn Freixa en artium [12f],
• Ferràn Freixa en colectania [24f],
• Luz, presencia (Ferran Freixa, 1973-2013) en edicticafoto [10f],
• Ferràn Freixa en quesabesde [12f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f],

Libros

• Ferran Freixa (Campo de Agramante), 1994
• Gran Teatre del Liceu: el foc, darrer acte, 1996
• Ferràn Freixa(La fábrica) 2001
• Ferran Freixa. Fotografia 1973-2013, 2013
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

John Chiara es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1971 en San Francisco, California, donde vive y trabaja) cuyas fotografías son fuertemente perceptuales, provocando una respuesta visceral, a través de tonos suaves que muestran la viscosidad del material empleado y lo efímero de la presencia.

© John Chiara

Biografía

John Chiara tuvo su primera cámara con 7 años, regalo de su padre fotógrafo. Se crió en y alrededor del cuarto oscuro de su padre, y sus recuerdos de la infancia forman parte de su obra. Obtuvo su BFA en Fotografía por la Universidad de Utah en 1995, y su MFA en Fotografía por el California College of the Arts en 2004. Chiara ha disfrutado de residencias artísticas en Crown Point Press en San Francisco en 2006, Gallery Four en Baltimore en 2010 y en Marin Headlands Center for the Arts en 2010.

En 1995, después de pasar un largo periodo dedicado a hacer impresiones de contacto de sus  negativos, Chiara decidió que se perdía demasiada información en el proceso de ampliación en el cuarto oscuro y, durante los siguientes 6 años desarrolló su propio equipo y procesos para hacer fotografías únicas directamente en papel, sin película.

Chiara realiza fotografías irrepetibles con diversas cámaras construidas por él, la mayor de las cuales es una cámara 50x80" del tamaño de un remolque y que él remolca para colocar en el punto adecuado de la toma. A continuación, entra físicamente en la cámara, maniobrando el papel fotográfico color-positivo en la oscuridad total cerca de la pared trasera de la cámara. A lo largo de la exposición, puede usar sus manos para sub o sobre exponer partes de la imagen. Luego estas fotografías a gran escala se revelan a mano en un tambor giratorio que agita los productos químicos sobre el papel fotográfico que recubre el interior del tambor. Este proceso manual, que puede durar más de un día, deja a menudo huellas imperfectas en la imagen resultante.

Su obra se ha publicado en diversas revistas, como Artforum, New York Magazine, New Yorker, BlackBook Magazine, Village Voice, Time Out Chicago y Blind Spot.

Referencias

• su página web johnchiara.com (EN [150f 4v]),
• John Chiara en rosegallery (EN [7f]),
• John Chiara en hainesgallery (EN [18f]),
• John Chiara en parisphoto (EN [5f]),
• John Chiara en crownpoint (EN [7f]),
• John Chiara's camera obscura captures big picture en fgate (EN [4f]),
• John Chiara en lenscratch (EN [11f 1v]).

Biografía

• Su serie primera de autorretratos es Early Days (1996-1997) y fueron realizados por Sawada en su adolescencia, cuando el autorretrato le daba autoestima a una muchacha regordeta.
• ID400, fue creada en el transcurso de 4 años, de 1998 a 2001, utilizando una cabina pública de la estación central realizando la clásica foto-matón en blanco y negro, alterando su apariencia a través de cambios de vestido, pelo y maquillaje, junto con la alteración de su expresión facial o incluso cambios de peso.
• En OMIAI♡ (2001) construye álbumes de fotos de jóvenes para buscar matrimonio. Están realizas en un estudio profesional.
• En cover, cover/Face (2002) se muestra convertida en ganguro, idol y otras tribus urbanas de jovencitas japonesas.
• En Costume (2003) viste uniformes y ropas de trabajo asociadas a trabajos diversos.
• En School Days (2004) se presenta en las clásicas fotos de grupos escolares, con diversos uniformes, y donde el milagro de la edición gráfica le permite ser cada una de las escolares e incluso la maestra.
• En Decoración (2008) se disfraza de chica Gothloli (lolita gótica), como las que se dan cita los domingos en Takeshita Dori, una conocida calle de Tokio. Las muchachas aspiran a parecer muñecas de porcelana y tratan de dar con la postura más Kawaii
• En Mirrors (2010), se muestra en imágenes aparentemente duales, pero donde existen diferencias.
• …

Referencias

• su página web e-sawa.com (EN [?f]),
• Tomoko Sawada en wikipedia (EN),
• Tomoko Sawada en rosegallery (EN [+50f]),
• Tomoko Sawada en zabriskiegallery (EN [35f]),
• Tomoko Sawada en brooklynmuseum (EN [5f]),
• Tomoko Sawada en mem-inc (EN [+50f]),
• Tomoko Sawada: complejo de multiplicidad en oscarenfotos [50f],
• Tomoko Sawada en connoisseurcontemporary (EN [68f]),
• Tomoko Sawada en asianartnewspaper (EN [6f]),
• Tomoko Sawada en christies (EN [6f]),
• Tomoko Sawada: SIGN en parisphoto (EN [4f]),
• Tomoko Sawada en japaneseartshowcase (EN [+40f]),
• Tomoko Sawada en facebook (EN [?f]).

Libros

• ID400 2004
• OMIAI 2005
• School Days 2006
• Masquerade 2006
• Facial Signature 2015
• Kawaii: Cover And Decoration 2015.

Hong Menea es un fotógrafo camboyano (nacido en 1990 en Phnom Penh, ciudad donde vive) que trabaja dando soporte fotográfico a las noticias de su país en la prensa.

© Hong Menea

Biografía

Hong Menea trabaja desde 2011 como fotógrafo para el diario camboyano The Phnom Penh Post, y sus fotos acompañan a muchas noticias de este periódico. Se formó en el Studio Image del Centro Cultural Francés de Camboya, donde ha exhibido su trabajo Passing Time, y en la Build Bright University de Tailandia.

También estuvo presente en el festival  Photo Phnom Penh de 2011,

En Phnom Penh hay más de un millón de motos, y constituyen el medio de transporte mayoritario en la ciudad utilizándose para todo. Situándose durante meses en un balcón y adoptando como punto de vista el picado, Hong propone un retrato de la capital camboyana lleno de vida y de humor en su serie Passing Time, mostrando todo un universo sobre dos ruedas, en perpetuo movimiento, que desfila ante nuestros ojos lleno de sorpresas y situaciones inverosímiles.

Referencias

• Hong Menea en phnompenhpost (EN [28f]),
• Hong Menea: Passing Time en getxophoto [4f],
• Hong Menea en yourshot (EN [3f]).

Tim Franco es un fotógrafo franco-polaco (vive en Shanghái, China), ferviente defensor del arte en la fotografía documental.

© Tim Franco

Mi objetivo era documentar cómo las personas tienen éxito y se adaptan cuando el desarrollo de la ciudad a su alrededor es tan radical.

Biografía

Tim Franco llegó por primera vez a China en 2005, y quedó fascinado por la rápida transformación social y urbana que las ciudades chinas han pasando. Ha documentado el crecimiento a través de la fotografía urbana, y también mediante el estudio de los cambios sociales, como en el mundo del arte underground y los problemas sociales relacionados con la evolución de las ciudades.

Entre sus proyectos está una representación integral del crecimiento de la escena musical alternativa en China y en particular de Shanghai. Este proyecto se sintetizó y se publicó en el libro Shanghai Soundbites, lanzado en 2008, en respuesta a la actitud hacia la expresión cultural que se manifestó en el período previo a los Juegos Olímpicos de Beijing. Posteriormente, sus imágenes han sido incluidas en numerosas publicaciones de noticias y estilo de vida, tanto en China como en el extranjero.

Ahora continúa su trabajo documentando el desarrollo urbano de las ciudades chinas y su impacto social en la población local.

Shanghái, Pekín, Hong Kong y muchas de las ciudades costeras de China son famosas por todo el mundo. Se desarrollaron cuando la economía floreció en China. Tim tenía muchas ganas de presenciar el rápido desarrollo urbano del país, pero vio que llegaba tarde en Shanghái: todas las imágenes famosas de la ciudad se habían sacado ya.

Por eso, en 2009 se embarcó en un viaje por carretera al centro de China para visitar otras ciudades en desarrollo secundarias, como Wuhan, Chengdu y Chongqing. Después de unos días en Chongqing, rápidamente comprendió que era la ciudad que quería documentar. La razón más obvia es que esta megalópolis cada vez mayor se encuentra justo en medio de montañas y ríos gigantes, lo que le da una escala muy singular. La mayoría de las grandes ciudades de China son planas y extensas, pero debido a su ubicación geográfica única, Chongqing se está urbanizando a través de elementos con una estética muy particular. La segunda razón es que, debido a las condiciones especiales consecuencia del megaproyecto de la presa de las Tres Gargantas, Chongqing hace frente a una de las tasas más rápidas de urbanización en el mundo, convirtiendo a millones de campesinos en urbanitas a la fuerza.

También está involucrado en la juventud local y en los movimientos clandestinos tanto en China como en Asia.

Tim Franco es un colaborador habitual de Le Monde y su trabajo también ha sido publicado en el New York Times, International Herald Tribune, Bloomberg, Financial Times, Le Point, NRC, Wiwo, Global Journal, Architecture d’Aujourd’hui, The Fader, CNN online, Time Out y Urban.

Ha trabajado con Moet Hennessey Diageo (LVMH), Hermes, Tiffany & Co., Pininfarina, GDF Suez, ACCOR, Henkel, Bentley, Apple y Nokia, entre otros.

Ha obtenido los premios NX Pass Grand Prize y Flash Forward | Magenta Festival Award en 2013 y el Samsung NX Programm en 2012.

Ha expuesto en Urban Shift en Carte Blanche Gallery de San Francisco, High Rises (en grupo) en el Zurich Design Museum y Shanghai Soundbites  en YY Underground.

Referencias

• su página web www.timfranco.com (EN [+200f 1v]),
• su blog (EN [?f]),
• su compañía Propaganda Studio (EN [?f]),
• su libro Metamorpolis (EN [?f]),
• Shanghai sound en Flickr (EN [+800f]),
• In Western China, Steep Highs and Steep Lows en nytimes (EN [15f]),
• Tim Franco en all-about-photo (EN [17f]),
• Tim Franco Captures the Overscaled Urbanization of Chongqing en archdaily (EN [14f 1v]),
• Tim Franco en ndmagazine (EN [12f]),
• Tim Franco en domusweb (EN [7f]),
• Metamorpolis. El surgimiento de una mega ciudad china, por Tim Franco en espina-roja [11f]),
• Tim Franco en roadsandkingdoms (EN [9f]),
• JUE Fest: Tim Franco & Photographers' Night en creativehunt (EN [12f]),
• Tim Franco en google+ (EN [?f]),
• Tim Franco en facebook (EN [?f]).

Libros

• Metamorpolis, 2015
• Made by Chinese, 2013
• Urban Shift, 2011
• High Rises, (en grupo), 2011
• Shanghai Soundbites, 2008.

Gustavo Lacerda es un fotógrafo brasileño (nacido en Belo Horizonte, vive en São Paulo) que compagina su premiado trabajo profesional en publicidad con proyectos personales.

Italo y Renan © Gustavo Lacerda

Biografía

Gustavo Lacerda obtuvo su licenciatura en Medios de Comunicación en la Universidad Federal de Minas Gerais (UFMG). Vive en São Paulo desde el año 2000.

Empezó a fotografiar en los años 90 como fotógrafo de prensa y luego se pasó a la fotografía publicitaria. Al mismo tiempo, siempre ha desarrollado sus propios proyectos de autor.

Ha obtenido diversos premios como el Conrado Wessel Art Award (en 2011, 2007, 2006 y 2005), Porto Seguro Photography Award (2010), el León de Plata en Cannes (2010), D & AD Global Awards en Londres (2004) y la Medalla de Oro en New York Festivals International Advertising Awards (2002).

Mi obra ha sido expuesta en Francia, Alemania, Bélgica, España, Estados Unidos, Corea, Angola, Uzbekistán y Singapur, y forma parte de la colección permanente del Museo de Arte de São Paulo (Pirelli / MASP) y está representado por Catherine Edelman Gallery de Chicago, Arte 57 en São Paulo y Quadrum Galería en Belo Horizonte. Su trabajo profesional está representado por Superimages.

Referencias

• su página web gustavolacerda.com.br (EN, PT [?f]),
• Gustavo Lacerda: Albinos en edelmangallery (EN [37f]),
• Gustavo Lacerda en arte57 (PT [1f]),
• Gustavo Lacerda's Haunting Photographs Of Albinos en huffingtonpost (EN [23f]),
• Gustavo Lacerda. No hay color en lamiradadelmamut [19f],
• Gustavo Lacerda: Albinos en wonderlandmagazine (EN [6f]),
• Gustavo Lacerda: Albinos en lamonomagazine [20f],
• Gustavo Lacerda en dresslab [8f].

Libros

• Gustavo Lacerda: Albinos.

Kim Kyung Soo es un fotógrafo coreano (nacido en 1975 en Seúl, Corea del Sur, donde vive y trabaja) que realiza fotografía de moda.

© Kim Kyung Soo

Durante las festividades tradicionales coreanas llamadas Chuseok, muchas personas visten el hanbok. Quería mostrar este ambiente típico tanto con un toque lírico como moderno. Quería un escenario neutral, sólo las sombras y los reflejos me importaban: colores, caras y modelos fueron realzados por tonos fríos y luminosos para crean una sensación casi surrealista.

Biografía

Kim Kyung Soo estudió fotografía en la Sangmyung University de Seúl.

Cuando Vogue Corea pidió a Kyoungsoo, un reconocido fotógrafo de moda, realizar una serie de retratos de moda que podrían re-actualizar el traje tradicional coreano (hanbok), éste decidió hacer también su serie Full Moon Story.

Sus modelos están elegantemente vestidos con elegantes hanboks, con sus cortes de pelo y maquillaje hechos a la perfección. Hay una serenidad, poesía y suavidad que emana de las fotos que asombra y de inmediato pone al espectador en un estado contemplativo …

Referencias

• Kim Kyung Soo en all-about-photo (EN [13f]),
• Kim Kyung Soo for Korean Vogue en trendland (EN [6f]),
• Kim Kyung Soo – la splendeur des hanboks en cahierdeseoul (FR [10f]).

Carolyn Hampton es una fotógrafa estadounidense (nacida en el sur de California) que realiza una obra surrealista y onírica basado en recuerdos de la infancia, rituales, pesadillas y fantasías.

© Carolyn Hampton

Biografía

Carolyn Hampton nació y se crió en el sur de California, enamorándose de la fotografía a la edad de 10 años cuando sus padres le regalaron una cámara Pentax para su cumpleaños. Con su cámara siempre en la mano, Carolyn pasó a vivir en dos países europeos, viajar por el mundo, y aprender a hablar varios idiomas. En un largo viaje de 5 semanas por el África subsahariana, disparando 50 rollos de película con esa hermosa luz en medio de un paisaje salvaje e impredecible, su chispa artística se encendió.

Esa pasión por la fotografía creció con el nacimiento de su hija, con la que Carolyn se inspira para recrear sueños de la infancia, recuerdos, rituales y fantasías. Con su hija como musa, y el uso de objetos que se han transmitido de generación en generación de su familia, el trabajo de Carolyn es intensamente personal y, a menudo tiene un significado simbólico. Su intención es crear una imagen intemporal que recuerde el comienzo de una historia de inocencia infantil, en el que el espectador puede determinar lo que sucede después.

Su obra ha sido expuesta en todo el mundo y forma parte de colecciones privadas, como las de Jock Sturges, Kim & Gina Weston y el Center for Fine ArtPhotography. Sus imágenes se han publicado en libros y en portadas de discos, y en periódicos, revistas y blogs populares.

Carolyn está representada por Miller Duncan Galleryen Santa Mónica, California.

Referencias

• su página web Carolyn Hampton (EN [+70f]),
• Carolyn Hampton en flickr (EN [+300f]),
• Carolyn Hampton en duncanmillergallery (EN [4f]),
• Carolyn Hampton en all-about-photo (EN [17f]),
• Carolyn Hampton en lensbaby (EN [8f]),
• Carolyn Hampton en vogue (EN [3f]),
• Dreams and Memories,The Photography of Carolyn Hampton en rfotofolio (EN [3f]),
• Carolyn Hampton: Childhood Dreams and Memories en lenscratch (EN [15f]),
• Carolyn Hampton en facebook (EN [?f]).

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Amparo Garrido es una fotógrafa levantina (nacida en Valencia en 1962, vive y trabaja en Madrid) que, prescindiendo a menudo de la figura humana en sus composiciones,  crea una realidad simbólica con la que el espectador se identifique.

© Amparo Garrido

Biografía

Amparo Garrido estudió Arte Dramático y se dedicó al cine, comenzando su carrera profesional en el mundo de la fotografía tras obtener en 1986 el III Premio en el Certamen Nacional de Fotografía “Los jóvenes vistos por los jóvenes” del Ministerio de Cultura. Desde entonces ha mantenido un espíritu de formación continua a través de cursos y seminarios relacionados con la cultura visual, el análisis textual, y más recientemente, el lenguaje y la creación audiovisual. Desde 2000 también se dedica a la docencia.

Sus series fotográficas Sobre perros, la mirada y el deseo (1998) y De lo que no puedo hablar (2006) muestran la soledad, comunicación e introspección a través de las miradas de los animales.
En la misma línea pero jugando con elementos de la realidad cotidiana, se inscriben Ventanas, papeles y el hombre del saco (2000), Vacaciones en el mar (2001) y Una casa es un texto (2004), hasta llegar a Tiergarten. Un jardín romántico alemán (2010), donde de nuevo se dan cita las contradicciones entre lo salvaje y lo doméstico.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo y en solitario. Entre éstas podemos citar las más recientes:

• 2015. Soy Tú, Galería TRINTA, Santiago de Compostela.
• 2012. Tiergarten. Un jardín romántico alemán”. Museo del Romanticismo, Madrid.
• 2010. De lo que no puedo hablar, Estudio Ameba, Atenas, Grecia
• 2006. De lo que no puedo hablar, Galería Travesía Cuatro, Madrid.
• 2004. Una casa es un texto, Galería Travesía Cuatro, Madrid.
• …

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como Fondos del Ministerio de Educación Cultura y Deportes, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Colección de Alcobendas “Géneros y Tendencias en los albores del S.XXI” , Colección Circa XX - Colección Pilar Citoler, Colección Ordóñez-Falcó, y otras varias.

Referencias

• su página web www.amparogarrido.com [?f],
• La mirada de Amparo Garrido en labuhardilladesam [6f],
• Amparo Garrido en alcobendas [1f],
• Tiergarten. Un jardín romántico alemán en felixmaocho [5f],
• Tiergarten. Un jardín romántico alemán en mcu [1pdf],
• Amparo Garrido en esferadelarte [7f],
• Amparo Garrido en revistavanityfair [1f],
• Exposición “Soy Tú” de Amparo Garrido en movolcolor [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [3f].

Libros

• Sobre perros, la mirada y el deseo, 1998
• Una casa es un texto, 2004
• Tiergaten. Un jardín romántico alemán, 2012
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
• Soy Tú, 2013.

Julia Galán es una fotógrafa levantina (nacida en Castellón en 1963) que, en su desarrollo cronológico, ha tratado los temas de identidad, incomunicación, manipulación del cuerpo y del yo, y la ruptura y violencia que suponen.

© Julia Galán

Biografía

Julia Galán es Doctora en Bellas Artes por el Departamento de Pintura de la Universitat Politècnica de Catalunya (Barcelona) y profesora titular del Grado de Ingeniería en Diseño Industrial y Desarrollo de Productos de la Universitat Jaume I de Castellón.

Sus obras fotográficas, de gran dramatismo, destilan una clara conciencia social.  Sus series más recientes son

• Acha, una instalación fotográfica y audiovisual que parte de las posibilidades fotográficas del arte floral para reflexionar sobre las consecuencias de las tradiciones, la manipulación del cuerpo de la mujer y la violencia de género.
• Ro, un proyecto consta de un video y de una serie de fotografías. Partiendo de un remake de la película El sabor de la sandía del director Tsai Ming-Liang, Julia descontextualiza y reinterpreta ciertas imágenes de la citada película para crear otra historia.
• …

Ha expuesto recientemente Acha en La Gallera en Valencia, Ro en Galería Collblanc en Castellón y Galería Ferran Cano en Palma de Mallorca. Fue seleccionada en Descubrimientos de PHotoEspaña 2002, y ha participado en diversas ferias Art Chicago, Art Miami, Art Bolonia, Arco, …

Su obra forma parte de colecciones como las Ordóñez Falcón,Juan Redón, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Museo de Arte Moderno de Tarragona, Caja de Ahorros del Mediterráneo, Universidad Politécnica de Valencia y Universitat Jaume I de Castellón, entre otras.

Referencias

• su página web juliagalan.com [1f 1pdf],
• Julia Galán en colectania [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• Padshima, 1998
• Fune2001
• ¿Qué tal estás?, 2010
• Acha, 2012.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Ambroise Tézenas es un fotógrafo francés (nacido en París en 1972, donde vive y trabaja) que compagina sus trabajos comerciales con proyectos personales a largo plazo, Sus trabajos más recientes tratan del turismo a zonas de desastre, muerte y destrucción.

© Ambroise Tézenas

Biografía

Ambroise Tézenas se graduó de la Escuela de Artes Aplicadas de Vevey, Suiza, en 1994. Primero con sede en Londres y luego en París, trabajó como fotorreportero, tanto para revistas francesas como internacionales, pasando gran parte de su tiempo viajando en el sur de Asia, América Central y del Sur.

Desde 2001, ha dedicado esencialmente su tiempo a la fotografía de paisaje y comenzó un proyecto de 5 años para documentar los cambios que ocurren en Pekín antes de la celebración de los Juegos Olímpicos. Trabaja normalmente con cámaras de gran formato, 2 objetivos y película

En 2006 se ganó el reconocimiento internacional a través de su primer libro, Pekín, Teatro del Pueblo, serie realizada mayoritariamente con fotografías nocturnas, que ganó el premio del Editor Europeo de Fotografía. Publicado en siete idiomas, este proyecto fue exhibido en muchos lugares de Europa y Asia, entre ellos el Museo Kunsthal de Rotterdam y el Festival de Fotografía de Arles en Francia.

En 2009 ganó el premio Nikon Story Teller por sus fotografías de Cuba por encargo de New York Times Magazine y fue finalista del Prix de Académie des Beaux-Arts y del Pictet Prize en 2012. Representado por la Galerie Mélanie Río (Francia), su trabajo forma parte de colecciones como las de la Bibliothèque Nationale de Francia, Artothèque de Pessac, Musée Français de la Photographie en Bièvres y de otras colecciones privadas.

Su último libro, I Was here, capta el creciente interés de la gente en visitar y fotografiarse en lugares vinculados a la muerte y la destrucción.

Sus más recientes exposiciones son:

• 2015. I was here, tourisme de la désolation, en Les Rencontres d'Arles de la Photographie
• 2012. Dark tourism, en Galerie Mélanie Rio en Nantes.
• 2010. Pékin, théâtre du peuple, en Arkéa en Brest.
• …

Su trabajo presenta regularmente en reconocidas publicaciones internacionales, incluyendo el New York Times Magazine y The New Yorker.

Referencias

• su página web www.ambroisetezenas.com (FR [?f]),
• su blog (FR [?f]),
• Ambroise Tézenas en instagram [600f],
• Ambroise Tézenas en time (EN [13f]),
• The Allure of Dark Tourism en newyorker (EN [13f]),
• 10 preguntas para Ambroise Tézenas en juandejimenez [2f],
• Ambroise Tézenas en parisphoto (EN [4f]),
• Ambroise Tézenas: I was here en getxophoto [4f],
• Ambroise Tézenas: Beijing – “Theatre of the People” en azurebumble (EN [6f]),
• Ambroise Tézenas en thestrandgallery (EN [4f]),
• Ambroise Tézenas. Documentando el espacio en foco [8f],
• Ambroise Tézenas en fubiz (EN [12f]),
• Ambroise Tézenas en 500photographer (EN [6f 1v]),
• Ambroise Tézenas en facebook (EN [?f]).

Libros

• I Was Here: Photographs of Dark Tourism 2014
• Tourisme de la désolation, 2014
• Pekin: Teatro Del Pueblo(en 7 idiomas) 2006.

Wiktor Franko es un fotógrafo polaco (nacido en Kielce en 1983) cuya obra, fuertemente influida por el surrealismo, puede ser a menudo definida como pictórica. Para él lo más importante en la fotografía es el ambiente, el estado de ánimo y la sorpresa, en particular.

© Wiktor Franko

Biografía

Wiktor Franko realizó estudios de filología polaca en la Academia Swietokrzyska. Luego se involucró en la fotografía que, desde entonces, ha sido su ocupación. Trabaja tanto la fotografía comercial como la artística.

Inicialmente, su desarrollo como fotógrafo corrió paralelo a su estancia en Londres, donde fotografiaba jazz y a estrellas de la música rock como Marillion, King Crimson, Porcupine Tree, Archive, Chic Corea, Jan Garbarek, … Actualmente, Wiktor se dedica también a hacer portadas de álbumes de música de artistas polacos, como Strefa Ciszy, Lebowski.

Es un apasionado de algunas de las técnicas clásicas de su profesión: cámaras Polaroid, cámara tradicional de formato medio y cámaras Lomo. Consigue ese grado propio de pictorialismo gracias a la aplicación de métodos de post-producción específicos para sus obras.

En sus fotografías, Franko utiliza con frecuencia motivos literarios y alusiones (tiene una serie dedicada a las novelas de Milan Kundera).

Sus fotografías han sido publicadas en varias revistas profesionales, como Prism Magazine, Camerapixo, Pokochaj Fotografie, Fabrikon Magazine, Musli Magazine, Confashion y Chinese Prime Magazine.  Ha sido colaborador de la revista Charaktery, y un buen número de sus imágenes han sido portadas de dicha revista. Sus fotografías también se pueden encontrar en las portadas de diversos libros.

Ha expuesto colectiva e individualmente, y sus fotografías han sido premiadas en varios concursos de fotografía, como dos veces en los Viva Photo Awards y en los premios locales Zycie Jest Piekne y Kielce Inaczej.

Ha tomado fotografías de personajes famosos del mundo de los negocios, la cultura y la política, incluyendo una foto de Malgorzata Tusk, la esposa del primer ministro polaco para un calendario filantrópico.

Referencias

• su página web www.wiktorfranko.com (EN [?f]),
• Wiktor Franko en all-about-photo (EN [13f]),
• Wiktor Franko en plfoto (PL [+100f]),
• Wiktor Franko en reykjavikboulevard (EN [15f]),
• Wiktor Franko en noclue-mag (EN [+30f]),
• Wiktor Franko en cleptafire (FR [13f]),
• Wiktor Franko. Esposición en Varsovia en zpaf (PL [5f]),
• Wiktor Franko en facebook (PL [?f]).