Samuel Fosso es un fotógrafo camerunés (nacido en 1962 en Kumba) que ha trabajado la mayor parte de su carrera en la República Centroafricana. Su obra utiliza autorretratos que toman la forma de una serie de personajes, a menudo relatando la historia de África.

© Samuel Fosso

Utilizo el autorretrato para romper los clichés que tiene el mundo sobre los africanos.

Biografía

Samuel Fosso nació en Kumba, Camerún, cerca de la frontera con Biafra, entonces un estado independiente de facto dentro de Nigeria. Creció en este país vecino hasta que tuvo que huir a Bangui en la República Centroafricana en 1972 a causa de la Guerra Civil de Nigeria.

Allí comenzó a trabajar como asistente de fotógrafo cuando tenía doce años, y un año más tarde como fotógrafo de retratos con su propio estudio en Bangui, Studio Foto Nationale. Inicialmente se hacía autorretratos para terminar los rollos de las películas fotográficas, y las enviaba a sus padres y abuela, que se habían quedado en Nigeria. Al final, la realización de autorretratos se convirtió en un objetivo en sí mismo, y Fosso comienza a tomar conciencia de lo que puede expresar con su cuerpo. Él es la materia prima que, disfrazado y caracterizado, puede transformarse para contar distintos sentimientos y emociones. Poco a poco va evolucionando y pasa de lo más personal a lo social, y más tarde al compromiso histórico, replicando a los líderes africanos.

Por sus autorretratos utilizaba fondos especiales de tela, en frente de los que se vestía con trajes que variaban enormemente: trajes europeos auténticos, trajes típicos africanos, uniformes de la marina, calzoncillos, etc. , pero siempre esbelto y elegante.

En 1994 se dio a conocer en el extranjero al ganar la primera edición de los Encuentros de Fotografía Africanos en Bamako, Malí, el festival de fotografía más importante de África. También ganó premios internacionales, entre ellos el premio Prince Klaussen Den Hague de Holanda en 2001.

En febrero de 2014, en medio de saqueos por violencia sectaria, mientras Fosso estaba en París, su estudio en Bangui, que contenía su archivo completo, fue saqueado. Esto fue descubierto por casualidad por el fotoperiodista Jerome Delay, quien, junto con el también fotoperiodista Marcus Bleasdale, y Peter Bouckaert, Director de Emergencias de Human Rights Watch, rescataron la mayoría de su contenido, que se estima en 20 mil negativos y de 150 a 200 copias, aunque sus cámaras fueron robadas.

Referencias

• Samuel Fosso en wikipedia (EN),
• The Spirits of Samuel Fosso en newyorker (EN [16f]),
• The Makings of Me Samuel Fosso's Self-portraits en db-artmag (EN [11f]),
• Photographer Samuel Fosso's best shot en theguardian (EN [1f]),
• Looted, but Not Lost: An African Artist’s Life Work en nytimes (EN [15f]),
• Samuel Fosso en academia (EN [1pdf]),
• Borrowed Identities Of Cameroonian Self-Portrait Photographer Samuel Fosso en okayafrica(EN [16f]),
• “African Spirits” by artist Samuel Fosso en happeningafrica (EN [?f]),
• Samuel Fosso en lafabrica [1f],
• Rescued from war-torn Bangui: photographer Samuel Fosso's life work en theguardian (EN [6f]),
• Samuel Fosso en quesabesde [1f],
• Stuart Hall on Samuel Fosso en phaidon (EN [5f]).

Libros

• Samuel Fosso. La fábrica.

Jens Juul es un fotógrafo danés (nacido en 1963 en Copenhague, donde reside y trabaja) que se caracteriza por sus fuertes retratos.

© Jens Juul

Me encanta conocer gente. Me encanta comunicarme y escuchar historias, y con la cámara, que es una manera maravillosa de conocer gente.

Biografía

Jens Juul creció en un suburbio de Copenhague con su hermana y su madre. Se formó como pintor en Billedskolen en Copenhague yen la New York Arts Students League. Su transición de la pintura la realizó con una formación fotográfica formal en el Technical College de Copenhague, donde se graduó en 2012 y adquirió una serie de habilidades técnicas, que caracterizan su obra. También ha realizado diseño gráfico varios años

Su paseo de la mañana en bicicleta para llevar a sus hijos a la escuela le sirve a menudo de inspiración, pues las historias están justo a nuestra puerta. Es sólo una cuestión de verlo y de ver realmente las personas que forman parte de la vida diaria, y luego de encontrar el ángulo y el coraje para traspasar la frontera entre uno y las otras personas, extrañas, que a veces pueden parecer peligrosas e intimidantes.

Como ejemplo, cada día pasaba en bicicleta delante de un pequeño salón de peluquería muy antiguo. El tipo de lugar donde las ancianas van a teñirse y peinarse, un elemento social para muchas personas en el barrio. Un día se presentó con su cámara y preguntó si podía disparar algunas fotos. Desde entonces, ha tomado fotos en muchos tipos diferentes de salones, creando su serie Hair.

Ganó la categoría de retrato en los Sony World Photography Awards con su serie Six Degrees in Copenhague, en la que el fotógrafo se acerca a gente en la calle de esta ciudad y le pregunta si le puede retratar en su propio entorno privado. El proyecto nació de la hipótesis de los seis grados que dice que cualquiera está separado por apenas seis saltos de cualquier otro habitante del planeta, y es el resultado de la búsqueda de víctimas y su posterior disección (fotográfica).

Ha obtenido, entre otros, los premios Sony World Photography Awards en 2013 en la categoría de retrato, y en 2015 el tercer premio en esta misma categoría.

Referencias

• su página web jensjuul.com (EN, DK [+100f]),
• Jens Juul: examining everyday life inside hair salons en leica-camera (EN [15f]),
• Jens Juul en all-about-photo (EN [17f]),
• Jens Juul, el fotógrafo que te asalta en modo ‘random’ en joseangelgonzalez [14f],
• This Is What Happens When You Ask to Take a Stranger’s Photograph en slate (EN [9f]),
• Winners Exposed: Jens Juul on Six Degrees of Copenhagen en worldphoto (EN [10f]),
• Jens Juul: Six Degrees of Separation Sony Award Portraiture en imagesource (EN [7f]),
• Jens Juul en phmuseum (EN [12f]),
• Six Degrees of Copenhagen by Jens Juul en dodho (EN [21f]).

Niki Feijen es un fotógrafo holandés (nacido en 1977 en Eindhoven) especializado en la documentación y la captura de la arquitectura histórica y edificios abandonados.

© Niki Feijen

¿Nunca te has preguntado qué se esconde más allá de un muro o de un “Prohibido el paso”? Hay todo un mundo detrás.

Biografía

Niki Feijen es un fotógrafo autodidacta que siempre ha estado experimentando con la fotografía, desde niño. Inicialmente con película y finalmente con digital. Hizo paisaje, deporte, conciertos, hasta que descubrió la fotografía Urbex, la fotografía de exploración urbana, con especial debilidad por las escaleras. En sus fotos, fusiona las nociones contradictorias de la belleza y la decadencia, para capturar y comunicar con su público acerca de la esencia misma de los temas que trata en silencio.

Las malas condiciones de luz, con muchas zonas oscuras, son problemáticas al no usar iluminación artificial, y con la técnica HDR utiliza diferentes exposiciones para capturar un espectro de luz mucho más amplio que el de una fotografía tradicional.

El resultado es una foto hiperrealista con un inusualmente alto rango dinámico que otro modo no podrían lograrse en una sola fotografía y que replica lo mismo que uno mismo vería de pie dentro de la ubicación.

En 2010 Feijen visitó el lugar abandonado por excelencia: la zona de exclusión de Chernobyl. Después del accidente nuclear ocurrido en 1986 toda la ciudad de Pripyat, sus 50.000 habitantes, fueron evacuados en 48 horas. La mayor parte de las pertenencias de los habitantes evacuados se quedaron atrás. El increíble silencio ensordecedor de este lugar, en su ausencia de seres vivos, impregna los sentidos y la mente de los visitantes que se aventuran a allí hasta hoy.

Actualmente viaja por todo el mundo en busca de joyas ocultas escondidas detrás de un 'prohibido el paso’. Tiene curiosidad de ver lo que se encuentra al otro lado: pueblos fantasmas, asilos, hospitales en descomposición, castillos abandonados y hoteles olvidados, y tiene la intención de preservar lo que queda del pasado encapsulando estas obras maestras olvidadas en una foto antes de que se desmoronen y colapsen definitivamente.

Además de en 2 libros publicados recientemente, sus fotografías se exhiben en galerías de arte y ferias de arte internacionales varias veces al año. Sus trabajos han sido presentados por la NBC, BBC, The Huffington Post, ABC News, The Daily Mail yChase Jarvis, entre otros. En los días de su publicación en el blog, hasta el 20 de julio, expone en solitario VIDI en la Oxholm Gallery de Copenhague.

Referencias

• su página web www.nikifeijen.com (EN [?f]),
• Niki Feijen en 500px (EN [+200f]),
• Niki Feijen en instagram (EN [+500f]),
• Niki Feijen en artofurbex (EN [+400f]),
• Niki Feijen en 1x.com (EN [14f]),
• Niki Feijen en galerie-lauth (EN [8f]),
• Family life frozen in time en dailymail (EN [16f]),
• Niki Feijen, Disciple Of Decay en trendland (EN [18f]),
• Niki Feijen, hermosa decadencia en elmundo (EN [16f]),
• Niki Feijen en all-about-photo (EN [9f]),
• Stunning Pics Of An Abandoned Farmhouse Where The Bed Is Still Made en huffingtonpost (EN [+30f]),
• Niki Feijen’s Interiors of Intrigue en chasejarvis (EN [11f]),
• Finding beauty in decay – Niki Feijen en cillamint (EN [24f]),
• Niki Feijen en tweedlandthegentlemansclub (EN [17f]),
• Niki Feijen en google+ (EN [?f]),
• Niki Feijen (Art of Urbex) en facebook (EN [?f]).

Libros

• Disciple of Decay, 2013
• Frozen, 2014.

Lidia Benavides es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1971, donde vive y trabaja) que centra su investigación en la luz como lenguaje visual autónomo.

© Lidia Benavides

Una estancia por un año en las distintas islas de Grecia en el Mar Egeo durante 1996 me obligó a dejar el material de estudio y a trabajar con cuadernos de viaje y la cámara fotográfica. Hasta entonces mi obra transitaba entre la pintura y la escultura y tenía como objeto la investigación en la luz como lenguaje visual, como hecho físico que condiciona nuestras emociones y altera nuestra percepción de las cosas. Descubrí entonces que la cámara era el procedimiento privilegiado para mi trabajo. Desde entonces he tratado de construir una fotografía abstracta mediante la utilización de fuentes distas de luz: calor, luz ultravioleta, luz solar, filtrados de líquidos, luz cinérea, fuego, la luz de las ciudades, organismos biolumínicos para ir cristalizando una obra que se diversifica a medida que va madurando mi relación con el mundo y sus acontecimientos.

Biografía

Lidia Benavides es Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su tesis se tituló “La luz como lenguaje visual y su significación: espacio, movimiento y percepción” y lleva desde 1998 incidiendo en este tema, mediante series de fotografías, cajas de luz, vídeos e instalaciones.

Ha recibido becas del Ministerio de Cultura y del Ministerio de Asuntos Exteriores de España para desarrollar diferentes líneas de investigación y realizar publicaciones y exposiciones. Desarrolla su actividad docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

Ha realizado numerosas exposiciones en grupo. Entre sus exposiciones individuales caben destacar:

• 2008. The Sun Oven en Galería Estiarte, Madrid.
• 2007. Supraficciones. Fundación La Caixa, Lérida.
• 2004. Cosmorama. Galería Estiarte, Madrid.
• 2001. Mellow Glance. Galería El sol, Alicante.
• 2000 Infrarrojo - ultravioleta. Galería Espacio F, Madrid.
• 1998. Objetos lumínicos.Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid.
• 1996. El destello destilado. Sala de exposiciones del C.C. Galileo, Madrid.

Como podemos adivinar por sus nombres, sus series atacan el tema de la luz de diversas formas, ya sea recurriendo al modelado de haces, reflejos y refracciones, utilizando tomas de luz día y fuentes de luz eléctrica, indagando en las longitudes de onda invisibles al ojo humano.

En su búsqueda del universo lumínico, Lidia se trasladó a la Plataforma Solar de Almería, situada en el desierto de Tabernas de Almería, realizando diversas visitas a las instalaciones y realizando su serie The Sun oven iniciando una etapa menos abstracta, con instalaciones de grandes proporciones formadas por un mosaico de imágenes fotográficas, reflejando el sol en los espejos de plata del propio Horno Solar y que dan la sensación de una hermosa y espectacular superficie de oro.

Dos años más tarde fue el Instituto Astrofísico de Canarias, con sus telescopios e instalaciones del Roque de los Muchachos en la isla de La Palma el que dio lugar a su serie Gamma. Al año siguiente estuvo en Berlín visitando diversas instalaciones y plataformas solares de la ciudad y sus alrededores, transformando la austeridad de las instalaciones en un universo lleno de color y energía con un tratamiento del color y pictórico de las imágenes. Esta serie Berlin Solar Energy Productionse expuso en la Vierter Stock Galerie de Berlín y en la Galería Pilar Serra posteriormente.

Su obra está en las colecciones de Artium, Caja Burgos, Circa XXI Colección Pilar Citoler, Colección Munich Re, Ministerio de Cultura y Ministerio de Asuntos Exteriores así como en la Biblioteca Nacional y en el Congreso de los Diputados.

Referencias

• su página web www.lidiabenavides.com [120f],
• Lidia Benavides, la luz y el vacío en masdearte [5f],
• Lidia Benavides, "Clear Light of Emptiness" en la Galería Pilar Serra en lamiradaactual,
• Pilar Serra. Lidia Benavides en la Galería Pilar Serra: Clear light of emptiness en iac [1f],
• Lidia Benavides en arteenlared [1f],
• Lidia Benavides: The Sun Oven en elcultural [1f],
• Lidia Benavides en elcultural [1f],
• Galería Pilar Serra. Lidia Benavides. PHOTOESPAÑA en bangoarte [4f],
• Lidia Benavides en evalayna [4f].

Eugenia Maximova es una fotógrafa austriaca (nacida en Ruse, Bulgaria) que explora de manera obsesiva, la permanencia de una estética kitsh en los territorios de la antigua Unión Soviética y sus satélites.

© Eugenia Maximova

Mirar a través del visor y pulsar el botón de la cámara me ayudó a escapar de la realidad desgarradora de la pérdida de mi madre, para superar el shock y disminuir el dolor ardiente. A medida que pasaba el tiempo, la fotografía se convirtió en mi medio preferido de comunicación: un nuevo punto de vista de expresión creativa, por cómo me siento conmigo misma y por mi percepción del mundo que me rodea.

Biografía

Eugenia Maximova se graduó de la Universidad de Viena en periodismo y ciencias de la comunicación. Se interesó en la fotografía en 2005 después de la muerte repentina de su madre, una conocida pintora búlgara. Un anciano le entregó su vieja cámara analógica, una Hasselblad, para venderla en Austria, donde Eugenia iba a estudiar. En los Balcanes ya era difícil revelar película, y el anciano le enseñó a manejarla y ella comenzó a hacer fotografías y se la quedó.

Sus influencias de periodismo impregnan muchos de sus proyectos, pero éstos suelen diferir del concepto tradicional que éste tiene. El objetivo de sus imágenes es sacar a la luz la vida de los demás y comunicar tendencias y examinar modelos socio-políticos y sus consecuencias para la sociedad y la cultura.

En 2010 participó en la master classSEE NEW PERSPECTIVES organizada y financiada por World Press Photography y la fundación Robert Bosh. En 2011 fue seleccionada y participó con éxito en la master class Noor-NIKON en Fotografía Documental. En 2011 en la de Alec Soth en Italia, en 2012 la de Gerhard Steidl en PHotoEspaña  y en la de Christian Caujolle.

Como consecuencia de See New Perpectives produjo su serie The Balkan Kitchen, que se ha publicado en 2014 en forma de libro. Tras haber documentado cocinas, objetos decorativos y papeles pintados, ha incorporado a su repertorio, a partir de numerosos viajes, una extraña novedad: los cementerios, que muestra en Destination Eternity en GetxoPhoto 2015.

Eugenia trabaja actualmente como fotógrafo freelance. Sus clientes incluyen: GEO, National Geographic, Die Zeit, Moscow News, The Guardian. Está representada por Anzenberger Gallery/Agency.

Referencias

• su página web emaxphotography.com (EN [+220f]),
• Eugenia Maximova en anzenbergergallery (EN [48f]),
• Eugenia Maximova en europeanprospects (EN [+60f]),
• A home from home: traces of a shared past in post-Soviet interiors en calvertjournal (EN 15f]),
• Eugenia Maximova’s Associated Nostalgia en bjp-online (EN [4f]),
• Eugenia Maximova: Destination Eternity en getxophoto [4f],
• Balkan kitchens by Eugenia Maximova en thetripmag (EN [11f]),
• Eugenia Maximova en graffica [10f],
• Eugenia Maximova’s Destination Eternity en ignaciovargasmartinez [5f],
• Kitchen Stories from the Balkans Photographed by Eugenia Maximova en featureshoot (EN [14f]),
• Eugenia Maximova en paducahartsalliance (EN [3f]),
• Eugenia Maximova en ilikethisart (EN [3f]),
• Eugenia Maximova "Destination Eternity" en exposare (EN [10f]),
• Eugenia Maximova's Glance Into Balkan Kitchens en finedininglovers (EN [3f]).

Libros

• Kitchen stories from the Balkans. 2014
• Associated Nostalgia. 2015

Sergio Belinchón es un artista plástico y fotógrafo levantino (nacido en 1971 en Valencia, vive en Berlín) cuya obra gira en torno a la ciudad como espacio (des)habitado, la transformación del territorio y entornos reales que se convierten en artificiales.

© Sergio Belinchón

Biografía

Sergio Belinchón cultiva la fotografía desde 1997. Tras su formación en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y su estancia con una beca en la Escuela de España en París, ha trabajado para el arquitecto Santiago Calatrava y posteriormente consiguió la beca de la Academia de España en Roma. A partir de 2003 trabaja también el vídeo como forma de expresión, realizando proyectos en los que ambos medios se retroalimentan.

Los temas sobre los que gira su obra son la ciudad como escenario de la vida de sus habitantes, la transformación del territorio, el turismo y los espacios donde la realidad y la artificialidad se confunden. Muchos de sus proyectos, hablan de la relación que el ser humano establece con este entorno desde su ausencia, así sucede en:

• Ciudades efímeras (2000-01), donde crítica a las construcciones costeras;
• Suburbia (2002), que trata sobre el crecimiento de las nuevas ciudades a medio habitar;
• Atacama (2002), donde retrata el deshabitado desierto chileno;
• Paraíso (2003), que se centra en la reconstrucción de lugares exóticos en parques temáticos, enfatizando de nuevo la ausencia del hombre;
• Público (2005), centrándose en los espacios destinados al ocio o el trabajo, de nuevo vacíos;
• Western (2007),con fotografías y videos de los lugares de grabación de spaghetti wéstern en Almería;
• Adiós Amigo! (2011), con fotografías recolocadas en el paisaje de Huesca imitando escenas de spaghetti wéstern.
• Take 1 (2011), con fragmentos editados y ensamblados de videos Super 9 encontrados y unas 20 fotografías extraídas de sus fotogramas.
• Venus Grotto (2013),donde retrata la cueva que tanto le gustaba al príncipe Ludwing de Baviera.
• …

En 2005, junto con los artistas Santiago Ydáñez, Noé Sandas, Antonio Mesones, Paul Ekaitz y Rui Calçada Bastos, fundó en Berlín el espacio Invaliden1 Galerie, concebido como plataforma desde la cual mostrar sus trabajos y los de la comunidad internacional de artistas establecidos o de paso por la capital alemana.

Realiza numerosas exposiciones en solitario, donde sus series se han mostrado en Madrid, Barcelona, Huesca, Berlín, París, Lisboa, Río de Janeiro, Sao Paulo, Monterrey, …

A nivel colectivo, ha participado recientemente en los Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid (Centre Pompidou en París en 2010, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2011 y Haus der Kulturen der Welt en Berlín en 2011, en el Circuito Berlín  del Instituto Cervantes en Berlín en 2012 y en The Marvelous Real en Tokio en 2014, entre otros.

Su trabajo ha sido reconocido con premios y becas de creación artística como Generación 2009. Premios y Becas de Arte Caja Madrid, la beca de la Casa de Velázquez o la de la Academia de España en Roma, y con el XVIII Premio de Arte Contemporáneo L’Oreal en 2002. Posee obra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fisher Gallery de Los Ángeles y el Fonds national d’art contemporain en Puteaux, Francia, MUSAC, Artium, entre otras.

Referencias

• su página web www.sergiobelinchon.com (EN [?f 17v]),
• Sergio Belinchón en wikipedia.
• Sergio Belinchón en invaliden1 (EN [+10f]),
• Sergio Belinchón en gegaleria [20f],
• Sergio Belinchón en Silos en museoreinasofia [1f],
• Sergio Belinchón en juansilio [26f],
• Sergio Belinchón presenta 'Metropolis' en Las Naves en lasprovincias [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f],
• Sergio Belinchón. Take 1 en lacajanegra [3f],
• Sergio Belinchón, paraíso artificial en elcultural [1f],
• Western. Sergio Belinchón en dphuesca [6f].

Libros

• Ciudades efímeras, 2001
• Suburbia, 2002
• Ciudad, 2003
• Some Space, 2004
• Silos, 2004
• The Good, the Bad and the Ugly, 2010
• Western, 2011.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Reinaldo Loureiro es un fotógrafo gallego (nacido en Santiago de Compostela en 1970, vive en Londres) que trabaja con imágenes encontradas y de archivo, junto con su propia fotografía, para crear ensayos fotográficos que abordan la complejidad de los movimientos migratorios en el contexto actual de desigualdad política y económica.

© Reinaldo Loureiro

Biografía

Reinaldo Loureiro tiene un máster en Fotografía Documental y Fotoperiodismo por el London College of Communication. Sus proyectos han aparecido en medios como Foto8, ELSE, Du Magazine, La maleta de Portbou, EFE24, The British Journal of Photohtography y National Geographic. Ha participado también en diversas exposiciones colectivas en Argentina (Biblioteca Nacional), Reino Unido (Host, Space, Photofusion, Diemar/Noble) y España (Kursala, Círculo de Bellas Artes y CGAC).

Siempre le han interesado los lugares fronterizos y la influencia que ejercen sobre quienes los habitan y transitan. Su proyecto Farhanatrata del viaje de aquéllos que han puesto su destino en manos de un traficante de personas en la frontera de Melilla. Muchos son descubiertos en su intento de atravesarla y es en ese momento cuando un fotógrafo de la Guardia Civil toma varias fotografías del hallazgo. Estas imágenes quedan disponibles on-liney sirven para documentar las operaciones de control de la inmigración pero también para ser puestas a disposición de agencias de noticias y periódicos. Reinaldo recoge estos materiales e interviene en ellos para crear un nuevo contexto que propicie su reevaluación a la luz de las prácticas de representación de las migraciones en la sociedad española contemporánea.

Loureiro también ha documentado la industria de invernaderos localizada en la costa de Almería. Su trabajo, Hothouse, explora los efectos de esta industria sobre el ecosistema y el tejido social de la región poniendo especial énfasis en la situación de vulnerabilidad en la que se encuentran sus trabajadores.

Referencias

• su página web www.reinaldoloureiro.com (EN [+120f 3v]),
• su blog (EN [?f]),
• su otro blog (EN [?f]),
• Reinaldo Loureiro: Out of Season en lensculture (EN [20f]),
• Farhana. Melilla: Traficantes de personas en lamaletadeportbou [1f],
• Reinaldo Loureiro: Farhana en getxophoto [4f],
• Reinaldo Loureiro: Farhana en 30y3 [19f],
• Reinaldo Loureiro: Hothouse en landscapestories (EN [12f]),
• Reinaldo Loureiro en jmcolberg (EN [1f]).

Daniel Canogar es un artista visual y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1964, donde vive) que trabaja con fotografía, video e instalaciones. Además de su actividad artística, desarrolla también una importante tarea en el terreno teórico, a través de cursos y publicaciones.

© Daniel Canogar

Biografía

Daniel Canogar comenzó con la fotografía con 15 o 16 años, con una visión muy cerrada. Se fue a Nueva York como vivencia a mitad de los 80, cuando la fotografía vivía un momento muy importante allí. Trabajó inicialmente como colgador de abrigos y por las tardes-noches estudiaba. Venía a Madrid a hacer los exámenes finales de su licenciatura en Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Luego hizo un master con especialización en fotografía en el International Center for Photography de la New York University en 1990. Estuvo 10 años y volvió a Madrid.

Comenzó a exponer su trabajo fotográfico a principios de los 80. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1985, en la Galería Aele de Madrid. Utilizando siempre como hilo conductor la fotografía, su trabajo se ha ido abriendo hacia la utilización de soportes translúcidos, como el metacrilato, los cables de fibra óptica o los focos de luz, en la configuración plástica de ambientes, en instalaciones.

Ha realizado diversos trabajos en espacios públicos, entre ellos:

• Waves, una pantalla escultórica de LEDS instalada permanentemente en el atrio del 2 Houston Center en Houston,
• Travesías, una escultura de LEDs realizada para el atrio del Consejo de la Unión Europea en Bruselas con motivo de la presidencia española de la Unión Europea en el 2010,
• Constelaciones, el mosaico fotográfico más grande de Europa creado para dos puentes peatonales que cruzan el río Manzanares en el Parque MRio en Madrid,
• Helix, una pantalla escultórica permanente de LEDS hecha para Quantum of the Seas, crucero de Royal Caribbean
• Clandestinos, una video proyección sobre monumentos emblemáticos, presentado sobre los Arcos de Lapa de Rio de Janeiro, la Puerta de Alcalá de Madrid y la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma.
• Storming Times Square, una intervención de vídeo en 47 de las pantallas de Times Square,
• la exposición individual Small Data en bitforms en Nueva York, y en la galería Max Estrella de Madrid,
• Quadratura en el Espacio Fundación Telefónica de Lima,
• Vórtices, una exposición sobre agua y sostenibilidad para la Fundación Canal de Isabel II de Madrid
• Synaptic Passage para la exposición Brain: The Inside Story, en el American Museum of Natural History de Nueva York.

Sus trabajos se han expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofia, Palacio de Velázquez y Galería Max Estrella en Madrid, Galerie Guy Bärtschi en Ginebra, Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea en Milán, Museo de Historia Natural en Nueva York, el Museo Andy Warhol en Pittsburgh, Oboro en Montreal y otros muchos museos y galerías.

Actualmente alterna su estancia entre Madrid y Montreal, Canadá.

Referencias

• su página web www.danielcanogar.com (EN, ES [?f]),
• Daniel Canogar en vimeo [65f],
• Daniel Canogar en maxestrella [11f 15v],
• Daniel Canogar en museoreinasofia [9f],
• Daniel Canogar: "Con la tecnología buscamos burlar el tiempo" en elcultural [4f],
• Daniel Canogar en rtve [1v],
• Daniel Canogar en elmundo [?f],
• Daniel Canogar: “Mentalmente, ya hemos abandonado la Tierra” en elpais [3f],
• Daniel Canogar en artnet (EN [23f]),
• Daniel Canogar en facebook [?f].

Libros

• Ciudades Efímeras: Exposiciones Universales, Espectáculo y Tecnología, 1992
• Ingrávidos, 2003
• y diversos ensayos sobre la arquitectura de la imagen, fotografía contemporánea y el arte de los nuevos medios.

Chuck Kimmerle es un fotógrafo estadounidense (con base en Casper, Wyoming) que se considera o un fotógrafo de paisajes de estilo tradicional. Los temas que trata son amplios: naturaleza, paisajes influido por el hombre, estructuras, etc.. Trabaja exclusivamente en blanco y negro, dando más fuerza a la forma y trama que al color, consiguiendo una obra reticente, formal, y equilibrada, presentando una visión honesta y directa en lugar de la belleza tradicional.

© Chuck Kimmerle

Biografía

Chuck Kimmerle supo que iba a ser fotógrafo cuando le regalaron su primera cámara, una Canon Canonet QL17 GIII, que aún guarda, como regalo de graduación. Todo el proceso de la fotografía le hipnotizó, pero su ingreso en la infantería del ejército de los Estados Unidos, puso ese sueño en un segundo plano durante algunos años.

Después de dejar el ejército se inscribió en el programa de Tecnología de Ingeniería Fotográfica en la St. Cloud State University, lo que le proporcionó una sólida formación en la ciencia fotográfica, química, procesos y sensitometría. Al mismo tiempo, comenzó a trabajar en el periódico de la escuela, y posteriormente en el St. Cloud Times, otros periódicos en Pennsylvania y, finalmente, Dakota del Norte, donde en un equipo de cuatro personas fue finalista para el premio Pulitzer de 1998 en la categoría Spot News Photography. En 2000 dejó el errático mundo del fotoperiodismo por el trabajo más cómodo de fotógrafo en la University of North Dakota, donde permaneció 10 años.

En 2010 se trasladó  por motivo del trabajo de su mujer al estado menos poblado de los EEUU, Wyoming, donde trabaja como fotógrafo freelance.

Ha compaginado su trabajo comercial con el personal, que ha sido mayoritariamente paisajes,  tranquilos y reticentes paisajes agrícolas de las llanuras, en particular las llanuras del norte. Estas zonas escasamente pobladas, sin pretensiones y carentes de grandiosidad, son a menudo poco apreciadas por su belleza tranquila y convincente.

En consonancia con la estética de la tierra, sus imágenes son a menudo directas, formales y equilibradas. Como son la forma y la textura, por encima de color, las características que las definen, trabaja casi exclusivamente en blanco y negro, a pesar de dominar la tecnología digital.

Desde que tomó la decisión en 2000 de convertirse en fotógrafo de paisajes a tiempo completo ha disfrutado del éxito y premios, viendo publicada su obra en revistas como Lenswork, Outdoor Photographer, B&W, Outdoor Photography, Black and White, Neutral Density, Fotoritm (Turquía), f11 (Nueva Zelanda), entre otras. Además, ha conseguido 4 residencias en parques naturales en Zion, Glacier, Joshua Tree y North Cascades.

Referencias

• su página web chuckkimmerle.com (EN [‘f]),
• su blog (EN [?f]),
• Interview with Chuck Kimmerle en ndmagazine (EN [7f]),
• The Reticent Landscape en outdoorphotographer (EN [6f]),
• Chuck Kimmerle en bandwmag (EN [22f]),
• Chuck Kimmerle en mastersofphotography (EN [12f]),
• Chuck Kimmerle en all-about-photo (EN [17f]),
• Landscape and silence by Chuck Kimmerle en dodho (EN [18f]),
• Chuck Kimmerle en singh-ray (EN [16f]),
• Dakota Winter by Chuck Kimmerle en lenswork (EN [13f]),
• National Park Artist Residencies en outdoorphotographer (EN [4f]),
• Chuck Kimmerle en momentummagazineonline (EN [5f]),
• Chuck Kimmerle en facebook (EN [?f]).

Libros

• A Reticent View.

Thomas Jorion es un fotógrafo francés (nacido en 1976, vive en París) cuya obra trata el campo específico de los edificios en ruinas o abandonados, lugares en desuso, intentando inducir una reflexión sobre la materialidad y la temporalidad.

© Thomas Jorion, Blikza - 2010

Trabajo desde la inspiración, no desde la preparación. Lo que me importa es el lugar, la luz y los colores.

Biografía

Thomas Jorion estudió leyes, y tardó aún 10 años en darse cuenta de que lo que realmente quería era ser fotógrafo profesional. Trabaja con cámaras fotográficas de 4x5” y negativos en color.

Su obra ofrece un buceo en los corazones de “islas atemporales". Explora las relaciones construidas con el medio ambiente, centrándose en espacios abandonados, y  nos anima a reflexionar sobre la materialidad y la temporalidad.

Palacios, villas, lugares de recreo y de olvido, casinos, hoteles castillo ... grandes cristaleras para una jornada de puertas abiertas añorando otro ayer. El artista descubre los fastos de esplendor voluptuoso y voyeur en el corazón de las construcciones de la vanidad.

Referencias

• su página web www.thomasjorion.com (FR [+160f]),
• Photographer Thomas Jorion's 'Forgotten Palaces' Capture Ghosts of Once-Beautiful Structures en realestate (EN [30f]),
• Thomas Jorion en artsper (FR [28f]),
• Temple of the Vanities en placesjournal (EN [18f]),
• Thomas Jorion: Forgotten Palaces en anothermag (EN [7f]),
• Thomas Jorion: "Forgotten Palaces", where beauty meets decay en trouvaillesdujour (EN [8f]),
• Thomas Jorion en oldskull [10f],
• Thomas Jorion en galerie-insula (FR [10f]),
• Thomas Jorion en google+ (FR [?f]),
• Thomas Jorion en facebook (FR [?f]).

Libros

• Ilots intemporels, 2010, 2012
• Timeless Islands, 2011
• Silencio, 2013
• Molitor, ceci n'est pas une piscine, 2014
• Silencio (Edición japonesa), 2015.

Andy Fabrykant es un cineasta y fotógrafo argentino (nacido en 1984 en Buenos Aires, vive en Arcueil,París) que realiza principalmente fotografía de calle y urbana.

© Andy Fabrykant

Biografía

Andy Fabrykant estudió cine en la Universidad del Cine (FUC) de Buenos Aires  y un master en Animación en la FAMU de la República Checa. Desde el principio de sus estudios tuvo un marcado interés en la fotografía y está se fue desarrollando con el tiempo.

Hoy vive en París y ha realizado 5 exposiciones:

• 2011 - París, des lieux et de gens en París,
• 2011 - Nomade en Bourg-en-Bresse.
• 2012 - Tremplin Jaunes Talentos en Saint-Mandé.
• 2013 - Besares en Buenos Aires.
• 2014 - L'Argentine à l'honneur en Neuilly-sur-Seine.

Después de muchos años de caminar perdido por su propia ciudad de Buenos Aires (y después por la República Checa y Francia) con su cámara como una herramienta para conseguir relaciones con la gente y la ciudad, sin saber exactamente lo que estaba buscando, al examinar la taxonomía de su trabajo pudo encontrar el significado de la misma: se siente atraído por la relación entre el sujeto y el espacio. A veces es un enfoque arquitectónico donde hay una falta de actividad humana y, a veces es todo lo contrario. Trata de dejar todas las variables al azar.

La fotografía callejera es probablemente donde encuentra más libertad. Viene del mundo del cine en donde todo es un ambiente controlado. La fotografía callejera nos permite ser espontáneos y no decidir tanto sobre lo capturado. Es la vida misma que decide por nosotros.

Ha estado trabajando en torno a este tema los últimos 5 años creando diferentes actividades o como le gusta llamarlos: juegos. Cada juego tiene su propia regla y Andy trata de cambiarlos por lo que siempre hay un enfoque fresco y nuevo. Por ejemplo, sigue a alguien en la calle y le deja que le lleve a lugares desconocidos, sin hacer fotos la mayor parte de las veces.

Sigue trabajando con cámaras de película y principalmente en blanco y negro.

Referencias

• su página web andyfabrykant.com (EN [+150f]),
• Andy Fabrykant en ndmagazine(EN [18f]),
• Andy Fabrykant en alexcoghe (EN [9f]),
• Andy Fabrykant en all-about-photo (EN [17f]),
• Andy Fabrykant: Games en positive-magazine (EN [10f]),
• Andy Fabrykant’s Black and White Images Have a Shy, but Beautiful Look en thephoblographer(EN [11f]),
• Andy Fabrykant en streetshootersbloges [6f],
• Andy Fabrykant’s Empty Streets and Photographic “Games” en theinspiredeye (EN [12f]),
• Andy Fabrikant e Ignacio Torres: Fotografía y Pintura en Besares Club de Cultura en arteenlared [1f],
• Andy Fabrykant, A Collector Of Images en getaddictedto (EN [8f]),
• Andy Fabrykant en wird (EN [13f]),
• Andy Fabrykant en facebook [?f].

Eric Kim es un fotógrafo coreano (reside en Berkeley, California) que realiza fotografía de calle y es un divulgador online y educador en este tipo de fotografía.

© Eric Kim

Biografía

Eric Kim estudió Sociología en UCLA y combina su pasión por la fotografía con hacer ensayos sociológicos a través de la fotografía de calle.

Cuando con 18 años empezó con la fotografía callejera, le fue difícil encontrar información en Internet sobre el enfoque de este tipo de fotografía. Preguntas como: ¿Puedo tomar una fotografía de un extraño sin su permiso / y no ser golpeado en la cara? ¿Qué debo buscar cuando disparo en las calles? ¿Qué hace buena a una fotografía de la calle? no tenían respuesta. Tuvo que aplicar todo lo que había aprendido de sus experimentos personales y antecedentes en Sociología.

Kim ha creado un blog  divulgativo por su pasión por la fotografía de la calle y el deseo de compartir su amor y conocimiento de este tipo de fotografía con otros. Despedido de su trabajo anterior, tuvo la oportunidad de viajar por el mundo y enseñar la fotografía de calle en talleres a tiempo completo para los que quieren conquistar su miedo a rodar en las calles, yendo a caminar fuera de su zona de confort.

Ha enseñado por todo el mundo, incluyendo ciudades como Beirut, Londres, París, Zúrich, Ámsterdam, Praga, Estocolmo, Venecia, Dubái, Bombay, Tokio, Singapur, Hong Kong, Seúl, Saigón, Manila, Kuala Lumpur, San Francisco, Nueva York y Chicago. En el pasado ha colaborado con marcas como Leica, Fujifilm, Olympus, Ricoh, Samsung  y Ford.

Referencias

• su página web erickimphotography.com (EN [+65f]),
• su blog (EN [?f]),
• Eric Kim en Flickr (EN [+60f]),
• Eric Kim en 500px (EN [+20f]),
• Eric Kim en instagram (EN [+800f]),
• Eric Kim en leica-camera (EN [9f]),
• Interview with Street Photographer Eric Kim en petapixel (EN [14f]),
• Eric Kim: What to consider when buying a new camera for street photography en dpreview (EN [7f]),
• Para romper con el "Mito del momento decisivo" en zonezero [?f],
• Eric Kim en digital-photography-school (EN [9f]),
• Eric Kim en stevehuffphoto (EN [10f]),
• Eric Kim en google+ (EN [?f]),
• Eric Kim en facebook (EN [?f]).

Marcio Scavone es un fotógrafo brasileño (nacido en Sao Paulo el 8 de diciembre de 1952) reconocido como uno de los mejores retratistas brasileños, por su capacidad de revelar el carácter de sus modelos a través de sutiles gestos o de la mirada.

© Marcio Scavone

Biografía

Marcio Scavone comenzó a fotografiar de niño con la Rolleiflex de su padre. A los 20 años ya era un fotógrafo publicitario. En los años 70 estudió fotografía profesional en el Ealing College de Londres, una experiencia que dejó marcas profundas en su mirada fotográfica todavía en formación.

En los años 80 fue uno de los máximos exponentes de la escena de la fotografía publicitaria brasileña. Volvió a residir y publicar en Europa en los años 90 (Londres y Lisboa) donde prosperó su obra personal. Publicó su primer libro E Entre a Sombra e a Luz, un viaje alrededor de su mundo personal y el geográfico, con textos del novelista italiano Antonio Tabucchi.

Su segundo libro, Luz Invisível, se dedicaba a retratos de celebridades y de gente común, su marca reconocida en la fotografía editorial brasileña, con textos del escritor Luiz Fernando Verissimo.

Por sus lentes han pasado Oscar Niemeyer, Pelé, Fernanda Montenegro, Burle Marx, Jo Soares, Caetano Veloso, Fernando Henrique Cardoso y otros muchos.

Realizó el libro de retratos de Louis Vuitton, Rebounds, publicado en París en 1999. Fue uno de los 50 fotógrafos del libro conmemorativo de los 50 años de las cámaras Hasselblad en 1998.

De 1994 a 2001, mantuvo una sección fija de retratos en la revista Carta Capital. Ha recibido diversos premios en el área de publicidad, como el Clio Awards y el León de Oro en Cannes.

En agosto de 2004 publicó A Cidade Ilustrada, un retrato colorido de su ciudad natal a través de sus grafitis callejeros y que se expuso en Pinacoteca do Estado. Su proyecto más reciente, Viagem à Liberdade, exposición y libro sobre la presencia japonesa en São Paulo, fue publicado como un ensayo en la revista National Geographic ganando el premio al mejor texto y foto de fuera de los Estados Unidos.

Sus obras forman parte de la colección Pirelli/MASP y en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y en colecciones privadas en Brasil y en el extranjero. Desde su estudio en São Paulo, Scavone trabaja en fotografía publicitaria, editorial y proyectos personales.

Referencias

• su página web www.marcioscavone.com.br (EN, PR [+500f]),
• Marcio Scavone en wikipedia (PT),
• Marcio Scavone en colecaopirellimasp (PT [3f]),
• Marcio Scavone en clicrbs (PT [6f]),
• Marcio Scavone en fotoempauta (PT [5f]),
• Marcio Scavone en clickdefinicion.

Libros

• E Entre a Sombra e a Luz, 1997
• Luz Invisível, 2002
• A Cidade Ilustrada, 2004
• Viagem à Liberdade.

Javier Esteban es un fotógrafo levantino (nacido en 1963 en Alcora, Castellón, vive en Madrid) que utiliza un lenguaje visual propio, equidistante del collage y del poema objeto, que transforma cada negativo fotográfico en una pieza única, en un ejercicio de investigación personal.

© Javier Esteban

Siempre me gustó jugar con la arena y con los caballitos de mar. Sólo cuando me fui a vivir lejos de las costa entendí lo que significaba aquella pasión.

Biografía

Javier Esteban se licenció en Ciencias de la Imagen por la Universidad Complutense de Madrid, inició su carrera fotografiando sombras en las playas que luego positivaba sobre la misma arena. Obtuvo el Premio Jóvenes Fotógrafos del Injuve en 1988. En ocasiones combina la fotografía con el trabajo en vídeo y la instalación. Trabajó como asistente de Alberto García-Alix, época en la que desarrolló sus sándwiches de «Madonnas» y su «cámara cutre», poniendo de manifiesto una voluntad de ruptura con el hecho fotográfico tradicional.

Es conocido por su impresiones fotográficas sobre arena emulsionada. Cuando la arena queda limpia de sales y productos orgánicos, se fija al lienzo, que es sometido a un proceso químico para que sea sensible a la luz. A lo largo de su trayectoria ha ido añadiendo elementos a sus creaciones, como anzuelos, sardinas o estrellas de mar. Así, se sirve del collage para crear nuevas realidades que luego fotografía y de las que solo realiza una única  copia. En este sentido se inscriben sus series Naturalezas muertas, Tempus fugit y Bodyscapes.

Ha colaborado con las revistas Diorama, Visual, La Fotografía, Matador, Aquí Imagen y El Canto de la Tripulación, de la cual es miembro fundador. En 1996 expuso Bestiario en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y Naturalezas muertas se mostró en la Galería Moriarty de Madrid durante PHotoEspaña 1998 y en 1999 en Toulouse (Francia), en la Galerie du Forum. Su instalación Bodyscapes ha podido verse en las galerías H2O y Spectrum (Barcelona y Zaragoza) y más recientemente en Claustro y Pictograma (Segovia y Castellón, 2007).

Contemplaciones, en Pictograma de Castellón (2015) está formada por 18 obras compuestas de una doble imagen que, a través de dos espejos, confluyen de modo que el cerebro las integra como una sola imagen en tres dimensiones.

Referencias

• Javier Esteban en elangelcaido [9f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f],
• Javier Esteban en phedigital [2f],
• Javier Esteban en elperiodic [5f].

Libros

• Naturalezas muertas, La Fábrica, 1996
• Naturalezas muertas, 1998.
• 100 Fotógrafos Españoles / 100 Spanish Photographers, 2005
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Robb Johnson es un fotógrafo estadounidense (vive entre Carmel, California, y Santa Fe, Nuevo Méjico) que crea inquietantes y misteriosas fotografías en blanco y negro que recuerdan el estilo claroscuro de los viejos maestros italianos. Las condiciones atmosféricas inusuales que encuentra fotografiando en la oscuridad de la noche imbuyen sus fotografías de misterio.

© Robb Johnson

Biografía

Robb Johnson fue estudiante becado en el Art Center College of Design en Pasadena, California, y obtuvo un BFA en Fotografía. Allí fue asistente de John Zimmerman, Co Rentmeester y Dan Wolfe. Asistió a talleres de Ansel Adams, Oliver Gagliani, Keith Carter, Joyce TennesonyLucien Clergue.

Trabajó en fotografía publicitaria durante 30 años, especializándose en la creación de entornos visuales de hoteles nacionales con su esposa Dale.

Decidió dirigir su foco visual hacia el interior y dedicarse a su obra personal y artística. Evoca en sus fotografías un mundo donde el espectador es libre para explorar con sus propias emociones y conciencia, un drama que no conocen, pero que es suyo.

Su trabajo ha sido premiado varias veces y ha sido publicado en revistas como B&W Magazine Spotlight, B&W Single Image, Silvershotz Folio, LensWork Magazine y Exel Magazine.

Ha expuesto en solitario en la Joseph Bellows Gallery y en la Weston Gallery. Su trabajo también ha sido mostrado en exposiciones en grupo de EEUU, Argentina y Europa. Está representado por la Weston Galley en Carmel.

Referencias

• su página web www.robb-johnson.com (EN [51f]),
• Robb Johnson en westongallery (EN [8f]),
• Robb Johnson en josephbellows (EN [18f]),
• Robb Johnson en all-about-photo (EN [17f]),
• Allegorical landscapes by Robb Johnson en dodho (EN [20f]),
• Robb Johnson en bandwmag (EN [4f]).

Libros

• Robb Johnson Photographs, 2008.

Irina Werning es una fotógrafa argentina (nacida en Buenos Aires, donde reside) reconocida principalmente por sus series de fotografía Back to the Future, donde reproduce fotografías antiguas en la actualidad y las muestra como dípticos.

© Irina Werning

Me encantan las fotos antiguas. Admito que soy una cotilla. En cuanto llego a casa de alguien, empiezo a husmear en sus cosas y fotografías antiguas. A la mayoría de nosotros, nos fascina su aire retro, pero para mí, es más imaginar cómo se sentiría la gente y cómo serían si se les fotografiara ahora… Hace unos meses, me decidí a hacerlo. Así que fui invitando a la gente con mi cámara a volver a su futuro.

Biografía

Irina Werning estudió Economía en la Universidad de San Andrés en Buenos Aires. Dos años después terminó un posgrado en historia en la Universidad Di Tella de la misma ciudad. Se trasladó a Londres, en 2006 hizo un master en Photographic Journalism en la Westminster University, y ese mismo año obtuvo las becas Ian Parry y Gordon Foundation.

Un año después fue elegida para la Joop Swart Masterclass organizada por la organización del World Press Photo. Posteriormente ha obtenido los premios Flash Forward de The Magenta Foundation en Canadá en 2011, Winner BURN 2011 Emerging Photographer Grant de la Magnum Foundation y Winner Fine Art Portraits en los SONY World Photography Awards de 2012.

Su trabajo más conocido, son una serie de retratos titulado Regreso al futuro y que consiste, en gran medida,  en dípticos compuestos por una fotografía antigua del sujeto y otra moderna, trascurridos 10 o más años, del mismo sujeto imitando la anterior en estilo, vestido y postura. Es una reformulación de una fotografía de la infancia o juventud.

Este proyecto ha resultado en más de 200 imágenes tomadas en países como Argentina, Israel, la India, Uruguay, Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia, Alemania, Dinamarca, Islandia, Eslovaquia, Austria, República Checa, España, Italia, Holanda, Suiza y Grecia. Irina contactaba vía mail con las personas a quien iba a retratar, los convocaba a regresar a un pasado que también era futuro. Muchas veces dormía en sus casas y los acompañaba en ese emotivo viaje en el tiempo.

En esta aventura también participan varios famosos, como la duquesa de Alba, Rafa Nadal, Mazarine Mitterrand, Mike Conley (NBA), el modelo Brad Kroenig o el torero Cayetano Rivera. A todos invitó a buscar en viejos álbumes, encontrar el instante justo, aceptar el reencuentro con objetos, espacios, poses, actitudes, climas y percepciones.

Referencias

• su página web www.irinawerning.com (EN [+120f]),
• Irina Werning en luzphoto (EN [4f]),
• Irina Werning: Back To The Future 2 en burnmagazine (EN [28f]),
• Behind The Scenes & 'Back To The Future' With Irina Werning en npr (EN [2f 1v]),
• …Irina Werning: Back to the future… en momentodecisivo [15f],
• Irina Werning en boredpanda (EN [46f]),
• Irina Werning en dailymail (EN [6f]),
• Back to the Future with Irina Werning en worldphoto (EN [5f]),
• Irina Werning en booooooom (EN [10f]),
• Irina Werning's Back to the Future en facebook (EN [?f]).

Libros

• Back to the Future2014.

Maggie Cardelús es una artista y fotógrafa española y estadounidense (nacida en Alexandria, Virginia, en 1962, vive en Milán) que ha recurrido a la fotografía, el vídeo, el dibujo, la pintura y las manualidades, entre otros itinerarios estéticos, para reflexionar sobre la que ha sido una de sus grandes preocupaciones: la potencialidad de la vida familiar y doméstica como vía de arte.

© Maggie Cardelús

Biografía

Maggie Cardelús nació en Estados, tiene también la nacionalidad española y vive en Italia desde 1993. Estudió Bellas Artes en Wellesley College, especializándose en las disciplinas de Historia del Arte y Dibujo e Impresión, y obteniendo la Medalla de Plata de la London Royal Academy of Arts.

En 1988 finalizó un máster en Arquitectura en la Universidad de Columbia, en Nueva York, recibiendo el Premio de Arquitectura Lucille Smyser Lowenfish, y en 1990, la Beca Harriet Shaw. En 1992, se licenció en Bellas Artes por el Hunter College de Nueva York, siéndole concedidas las becas MobilierNationale et Manufactures des Gobelins, en París, en 1994, y Via Farini en Milán en 1997.

La mayor parte de su obra actual se centra en la instalación de fotografías recortadas, aunque también trabaja la escultura con diversos materiales y el vídeo.

Ha realizado varias exposiciones individuales entre las que podemos citar: Maggie Cardelus en Galeria F2 en Madrid, y Total Environment en Museo Patio Herreriano de Valladolid (2014), This Was Meant To Be en Milán (2012), Brigth Flasehs and Unreachble Things en la Galería Fúcares de Madrid (2011), Looking for Time en la Galería Francesca Kaufmann de Milán (2007), etc. También ha participado en diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales.

Ha sido profesora en la Academia de Bellas Artes de Bérgamo y en la Academia de Bellas Artesde Santa Giulia, Brescia.

Referencias

• su página web maggiecardelus.com (EN [+170f]),
• Maggie Cardelús en wikipedia,
• Maggie Cardelús en kaufmannrepetto (EN [48f]),
• Maggie Cardelús: Total Environment en mmoma (EN [6f]).
• Maggie Cardelús en fucares [13f],
• Maggie Cardelús en f2galeria [9f],
• Total Environment de Maggie Cardelús en voa-gallery [18f],
• Maggie Cardelús en brooklynmuseum (EN [7f]),
• Maggie Cardelús en museoph [10f],
• Maggie Cardelús, en el Museo Patio Herreriano de Valladolid en revistadearte [2f].

Libros

• Maggie Cardelús: Total Environment2012.

Tomy Ceballos es un fotógrafo español (nacido en Caravaca de la Cruz, Murcia, en 1959) que mantiene un lenguaje propio mediante el  desarrollo de series fotográficas realizadas mayoritariamente con la técnica del fotograma.

© Tomy Ceballos

Biografía

Tomy Ceballos descubre a través de su obra una mirada profunda, hacia el interior de los objetos más comunes y desconocidos. Propone una visión inteligente de la realidad, más allá de la simple apariencia, cuyo estimulo llegue al cerebro por la vía directa de las pupilas. De formación autodidacta, profundizó en sus conocimientos estudiando fotografía y diseño grafico, cine y video, electrónica digital, tratamiento de la imagen por ordenador, y ha asistido a diversos talleres de pintura, escultura, fotografía y artes plásticas.

Tomy ha obtenido diversos premios y becas como diferentes premios y becas, entre los que destacan

• 1987.- Premio Nacional "Jovenes Fotógrafos". Ministerio de Cultura. Madrid.
• 1988.- Beca de investigación "Ámbitos de la fotografía". Ministerio de Cultura. Madrid.
• 1992.- "Synchronia". Simposio Internacional. Creta. Artista invitado.
• 1995.- Museo Internacional de Electrografía Digital. Cuenca.
• 1997.- Premio Adquisición. Bienal Internacional de Cádiz. Premio ADUANA.
• …

Su obra forma parte de las siguientes colecciones: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS), Circulo de Bellas Artes, Fundación Arte y Tecnología, todos ellos en Madrid, Universidad Politécnica de Valencia, Museo Internacional de Electrografía en Cuenca, Incontros da Imagem en Braga, …

Referencias

• su página web www.atomyc.com [25f 1v],
• Tomy Ceballos en picassomio [31f],
• Tomy Ceballos en galerialaaurora [3f],
• Tomy Ceballos, el rey del fotograma en fotografodigital [3f],
• Tomy Ceballos en visionarte [6f],
• Muestra "Folía Lógica" de Tommy Ceballos en movilae [1f],
• Tomy Ceballos en angelpescaraphoto [25f].

Libros

• Tomy Ceballos: Iglesia de San Esteban, Murcia1991.

Naia del Castillo es una escultora y fotógrafa vasca (nacida en 1975 en Bilbao) cuya obra trata principalmente del mundo de la mujer desde la metáfora, sin usar elementos combativos propios de otras épocas, resaltando en sus manifestaciones la ambivalencia entre la superioridad de la mujer como seductora y su posición de inferioridad en lo cotidiano.

Cortejo © Naia del Castillo

… la imagen de la mujer en el arte tiene mucha carga cultural. Me interesa también como autorreferencia, mis obras son casi replanteamientos de mis relaciones con el mundo. La mujer aparece en mi obra porque soy mujer y me siento reflejada

Biografía

Naia del Castillo es licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Escultura por la Universidad del País Vasco, realizó un master por el Chelsea College of Art & Design de Londres. Ha obtenido numerosas becas y residencias, como Beca Caja Madrid en 1999, BBK en 2000, Injuve en 2004, Fine Arts Grant del Gobierno Vasco en 2013 y 14. Ha sido premiada en el Festival Off de PHE05, en Generación 2006 de Caja Madrid, y seleccionada para representar a España en ParisPhoto en 2005.

Ha realizado múltiples exposiciones entre las que destacan las llevadas a cabo en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza (2003), ARTIUM (Vitoria, 2004), PHotoEspaña y varias itinerantes en Alemania, Estados Unidos y Austria con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior dentro del ciclo Pasión: Diseño Español (2002).

Su obra forma parte de colecciones de museos y otras instituciones, como ARTIUM en Vitoria, CAC en Málaga, Comunidad de Madrid, Fundación Bancaixa en Valencia, Fundación Caja Madrid, Fundació “la Caixa” en Barcelona, Fundación Ordoñez-Falcón, Fundación Würth en La Rioja, Maison Européene de la Photographie en París, Museo de Bellas Artes de Santander y Museum of Fine Arts en Houston, entre otros.

Referencias

• su página web naiadelcastillo.com (EN, ES [?f]),
• Naia del Castillo en wikipedia [?f],
• Naia del Castillo en euskomedia,
• Naia del Castillo en amigosmuseoprado [2f],
• Naia del Castillo en desantosgallery (EN [12f]),
• Primero es el objeto y luego la fotografía en quesabesde [6f],
• Naia del Castillo en thegreatoh [17f],
• FLUJOS, exposición de Naia del Castillo en tartestudio [6f],
• Naia del Castillo en bilbaoarte [1f 1v],
• Naia del Castillo en facebook [?f].

Libros

• Trampas y, 2004
• Naia del Castillo (Catálogo Artium) 2004.