John Cohen es un musicólogo, cineasta y fotógrafo estadounidense (nacido el 02 de agosto 1932 en Queens, Nueva York, vive en Putnam Valley en Nueva York) que, a través de la fotografía, documentó una de las eras más transformadoras del arte estadounidense.

Bob Dylan © John Cohen

Una idea temprana que tenía era ser pintor, pero entre la perspectiva de una vida frente a un caballete o fotografiar por todo el mundo, la fotografía ganó. La fotografía podría convertirse en personal, subjetiva y documental. La lente se convirtió en el centro de una ecuación con el mundo visible en un lado y el mundo interior en el otro.

Biografía

John Cohen fue miembro fundador de los New Lost City Ramblers. Algunas de sus mejores imágenes conocidas documentan la escena expresionista abstracta centrada en Cedar Bar de Nueva York; donde actuaban diversos artistas emergentes, como la llegada del joven Bob Dylan a Nueva York, los escritores de la Generación Beat durante el rodaje de la película de Robert Frank y Alfred LesliePull My Daisy y los músicos folk de los Apalaches.

Ha sido uno de los descubridores más importantes de músicos y cantantes tradicionales estadounidenses, como Dillard Chandler, Roscoe Holcomb, y muchos banjistas, sobre todo en el álbum High Atmosphere.

John Cohen ha estado haciendo fotografías desde 1954. Su visión fotográfica se formó antes de que hubiera galerías de fotografía. En ese momento el único trabajo de un fotógrafo se encontraba en el fotoperiodismo o en la publicidad, y no era esto lo que quería hacer. En su lugar, hizo sus propias fotografías personales, así como documentación de cosas que eran importantes para él: en su mayoría artistas y músicos. Sus investigaciones fotográficas lo llevaron a los Andes y a los Apalaches, donde fotografió músicos tradicionales en sus propios lugares de origen. Sus fotografías se han empleado en portadas de discos, y sirvieron como prueba preliminar para sus proyectos cinematográficos posteriores.

Fuera de los Estados Unidos, Cohen viajó mucho al Perú, fascinado por la vestimenta y el estilo de vida de la población indígena andina. Su grabación de campo de una canción de boda peruana se incluye en el Voyager Golden Record, que llevan las naves espaciales Voyager.

Se casó con Penny Seeger, el miembro más joven de la familia musical Seeger. Ha realizado 15 documentales.

Ha sido profesor de fotografía y dibujo en Purchase College. donde organizó una exposición de retablos peruanos. La Biblioteca del Congreso ha adquirido recientemente su archivo, incluyendo sus películas, fotografías, grabaciones de música y otros materiales.

Referencias

• su página web www.johncohenworks.com (EN [?f]),
• su página web  www.johncohenworksnow.com (EN [75f]),
• John Cohen en wikipedia (EN),
• John Cohen en lparkerstephenson (EN [12f]), 
• John Cohen in Eastern Kentucky en southernspaces (EN [+30f 4v]),
• The Revivalist en forward (EN [3f]),
• There is no eye: Photographs by John Cohen en tfaoi (EN [3f]),
• John Cohen's photographs and film stills of Bob Dylan en popspotsnyc (EN [+40f 4v]),
• John Cohen en artbook (EN [4f]).

Libros

• There Is No Eye: John Cohen Photographs 2001.
• The Shape of Survival: Photographs by John Cohen2002
• Young Bob: John Cohen's Early Photographs of Bob Dylan, 2003
• Past, Present, Peru 2010.
• The High and Lonesome Sound 2012.
• John Cohen: Here and Gone, Bob Dylan, Woody Guthrie & the 1960s 2014
• Walking in The Light, 2015.
• Cheap Rents ... and de Kooning 2015.

Christophe Jacrot es un fotógrafo francés (nacido en 1960, vive y trabaja en París) que está fascinado por el enfrentamiento entre dos fuerzas masivas: el clima y la gente.

Hong Kong in the rain© Christophe Jacrot

En mi opinión, hay dos maneras de capturar el mundo para un fotógrafo: por un lado, captar su horror, y por el otro, sublimarlo. He elegido la segunda. Más específicamente, me gusta la forma en la lluvia, la nieve y el "mal tiempo" despiertan una sensación de ficción romántica dentro de mí, sobre todo en las grandes ciudades. (los excesos climáticos son otro tema).
Veo estos elementos como un terreno fabuloso para la fotografía, un universo visual infrautilizado con un fuerte poder evocador, y con una riqueza de luces sutiles. Este universo escapa a la mayoría de nosotros, ya que estamos demasiado ocupados poniéndonos a cubierto. El hombre se convierte en una silueta fantasmal errante y obedece a los peligros de la lluvia o de nieve, en la eternidad del clima ...
Mi enfoque es deliberadamente pictórico y emocional.

Biografía

Christophe Jacrot comenzó en la industria cinematográfica, dirigiendo varios cortometrajes, la mayoría de los cuales obtuvieron premios. Sintiendo las restricciones financieras que la industria cinematográfica a veces puede imponer, se pasó a la fotografía, su primera pasión.

Comenzó a fotografiar la lluvia por accidente. Tuvo un encargo de realizar un libro de viajes sobre París, y el sol era un prerrequisito para las fotos. Pero el tiempo le llevó desesperadamente la contraria en este trabajo, y finalmente pudo apreciar la diferencia estética del mal tiempo en las fotografías. En 2007, siguió a este trabajo una primera exposición en Lucernaire que condujo muy rápidamente a Jacrot a la publicación del  libro Paris Under the Rain.

Después buscó una ciudad muy diferente para fotografiar, pero también muy urbana. Hong Kong se convirtió rápidamente en su elección número uno debido a su temporada de lluvia y a su loca vida urbana. Nueva York, Londres y muchas otras ciudades les han seguido después, desarrollado su principal cuerpo de trabajo basado en fotografía urbana con mal tiempo.

En 2012 fotografió de nuevo Nueva York mostrando distritos enteros sin electricidad y sumidos en la oscuridad después del huracán Sandy. Después ha fotografiado Islandia y sus paisajes naturales y la costa de Normandía bajo una gruesa capa de nieve y en medio de una tormenta.

Referencias

• su página web christophejacrot.com (EN [+190f]),
• Christophe Jacrot en flickr (EN [+100f]),
• Christophe Jacrot en artemiss-contemporary (EN [47f]),
• Christophe Jacrot en lumas (EN [25f]),
• Christophe Jacrot en artistics (EN [32f]),
• Rain by Christophe Jacrot en ignant (DE, EN [10f]),
• Christophe Jacrot en heist-online (EN [+20f]),
• Christophe Jacrot en all-about-photo (EN [17f]),
• Christophe Jacrot en loeildelaphotographie (EN [16f]),
• Christophe Jacrot en obsessionphoto (EN [20f]),
• Christophe Jacrot en mymodernmet (EN [13f]),
• Christophe Jacrot en facebook (FR [?f]).

Libros

• Paris sous la Pluie 2008.

José Spreafico fue un fotógrafo italiano afincado en España (nacido en Oggiono, Norte de Italia, el 5 de junio de 1831, falleció en Málaga en 1880) que fue uno de los pioneros de la fotografía en Málaga y el primero en tomar imágenes de pueblos de la provincia.

José Spreafico

Biografía

Giuseppe Carlo Domenico Spreafico Antoniani llegó a Málaga hacia 1850, iniciando su actividad como fotógrafo en la ciudad andaluza. En 1867 realizó un reportaje de la línea de ferrocarril Córdoba-Málaga, como fotógrafo del cuerpo de ingenieros de la provincia. Se trata de uno de los mejores ejemplos de fotografía industrial y tecnológica de la España de la época. Centrándose en las construcciones, dejó constancia de la tecnología empleada.

Realizó igualmente fotos de corte más artístico, compatibilizando los retratos de estudio con la realización de estereoscopias de Málaga, Sevilla, Granada, Gibraltar, Ronda … o reportajes sobre obras públicas, como fotógrafo del cuerpo de ingenieros de la provincia, como el citado anteriormente y otro otro sobre La Rábida, preparado para la Exposición Universal de Filadelfia de 1876. Además realizó y editó retratos de tipos malagueños con gran realismo, destacando el reportaje Recuerdo histórico 1486-1492, La Rábida-Palos-Cristóbal Colón, fechado en 1875 y compuesto por cinco fotografías con un acusado estudio de la composición.

Cronista gráfico de la época, documentó la visita de Alfonso XII en 1877, así como el inicio y conclusión de las obras de la traída de las aguas de Torremolinos a la ciudad y la inauguración de la nueva plaza de toros de la Malagueta.

Su obra se encuentra repartida entre diversas colecciones y archivos, como la Colección Fernández Rivero, que reúne unas 160 piezas, el Archivo Narciso Díaz de Escovar  de Málaga, el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF) en Pamplona, el Harry Ransom Center  de la Universidad de Texas y el Archivo del Palacio Real de Madrid, donde están los reportajes sobre el ferrocarril de Córdoba a Málaga y el de La Rábida.

Referencias

• José Spreafico en cfrivero [4f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f],
• José Spreafico en rclis [1pdf],
• José Spreafico, Enrique Facio y Sabina Muchart. Nuevos datos sobre fotógrafos malagueños del siglo XIX en academia [1pdf],
• Las joyas de los pioneros de la cámara en elpais [1f],
• José Spreafico Antoniani en picassiano [4f],

Libros

• La obra fotográfica de José Spreafico, 2012.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Thomas Dodd es un artista visual y fotógrafo estadounidense (con sede en Atlanta, Georgia) que ha desarrollado un estilo (que él llama fotomontaje pictórico) ​​con el que trata principalmente temas míticos y cuasi-religiosos que rinden homenaje a las tradiciones artísticas de los Antiguos Maestros, elaborando al mismo tiempo arquetipos psicológicos que evocan una fuerte respuesta emocional del espectador.

Echo, 2011 © Thomas Dodd

Definitivamente estoy más influenciado por los pintores que por los fotógrafos. Adoro a Rembrandt y Caravaggio por la forma como representan la luz y los tonos de piel, Giuseppe Arcimboldo por su fusión de plantas y formas humanas, los prerrafaelitas por su representación de los mitos y la belleza femenina y quizá la mayor influencia sobre mí viene de los simbolistas, porque unieron perfectamente lo metafórico y la belleza en sus obras.

Biografía

Thomas Dodd comenzó su carrera como artista visual en 2005. Antes de eso, era conocido como el arpista y compositor del grupo musical Trio Nocturna en la década de los 90, un conjunto de música céltica gótica que sacó tres álbumes muy apreciados por la crítica (Morphia, Tears of Light y Songs of the Celtic Night). También participó en los bailes de Halloween anuales de la autora Anne Rice en Nueva Orleans, así como en la banda Changelings. Thomas también tocó el arpa en dos álbumes de Michael Gira.

Fue su padre quien le enseñó lo que hace que una fotografía sea buena. De él aprendió los fundamentos de composición, profundidad de campo, iluminación y lo más importante, cómo capturar un buen retrato. Había dejado la fotografía por la música, pero la llegada del mundo digital e Internet, lo volvieron a atraer.

Las imágenes que crea son básicamente un equivalente visual de la música que compuso en los años 90. Temas míticos y su relación con las emociones y los estados psicológicos siguen siendo sus temas principales y motivaciones. Aunque su obra se asemeja a las pinturas, sus imágenes son totalmente fotografía de elementos de naturaleza, fusionando muchas imágenes en un todo coherente. En sus obras más grandes utiliza una técnica mixta para añadir profundidad y textura que complementen la fotografía.

Thomas ha realizado numerosas exposiciones en muchas ciudades de EEUU y en todo el mundo, como su exposición permanente en París en la Galerie L'Oeil du Prince, en el New Britain Museum of American Art y en el Museo de Arte Contemporáneo de Sicilia. Ha expuesto recientemente en Alemania, Rumania, Argentina, Nueva York, Ciudad de México, Orlando, Miami, San Antonio, Seattle, París y en su ciudad natal de Atlanta.

Sus fotografías han aparecido en muchas revistas, en portadas de libros y discos y con frecuencia imparte talleres y seminarios de fotoedición y auto-marketing para artistas.

Referencias

• su página web www.thomasdodd.com (EN [+100f]),
• Thomas Dodd en flickr (EN [33f]),
• Thomas Dodd en deviantart (EN [11f]),
• Thomas Dodd en elhurgador (EN, ES [22f]),
• Thomas Dodd en redbubble (EN [29f]),
• Thomas Dodd en culturainquieta [17f],
• An Interview with Thomas Dodd - People & Portraiture Group en redbubble (EN [6f]),
• Surreal Photography with Thomas Dodd en styleblueprint (EN [14f]),
• Thomas Dodd en google+ (EN [?f]),
• Thomas Dodd en facebook (EN [?f]).

Antonio Palmerini es un fotógrafo italiano (vive en Roma) que en su obra nos muestra dobles personalidades, melancolía, el trastorno bipolar, depresión, paranoia y sociopatía, todo a través de dobles exposiciones, exposiciones de larga duración, y un revelado muy contrastado.

© Antonio Palmerini

En lugar de ofrecer una imagen convencional de un rostro o un paisaje, prefiero coger un pañuelo, retorcerlo hasta que me guste, y fotografiarlo en consecuencia.

Biografía

Antonio Palmerini camina meditabundo entre dos horizontes creativos, el de dibujo y el de la fotografía. El primero para ampliar lo que no puede ser fotografiado, la segunda para testificar situaciones y evocar la existencia misma de las personas.

Las técnicas que utiliza para crear este efecto de ensueño a través de la fotografía son dobles exposiciones, exposiciones largas y un alto contraste en el revelado de películas. Cuando se encuentra con temas que no se pueden capturar en la película, como sueños o impulsos subconscientes, entonces recurre al dibujo y la pintura.

Para este artista romano la fotografía es el espejo de la imaginación, y en la suya, los sujetos se convierten en fantasmas vagabundos, proyecciones de un mundo imaginario y distante.

Referencias

• su página antoniopalmerini.tumblr.com (EN [?f]),
• Antonio Palmerini en flickr (IT [+800f]),
• Antonio Palmerini en artlimited (EN [+150f]),
• Antonio Palmerini en all-about-photo (EN [17f]),
• Dream catching, in the photography of Antonio Palmerini en lanciatrendvisions (EN [14f]),
• Antonio Palmerini en theenglishgroup (EN [10f]),
• Antonio Palmerini en almightypublishinggroup (EN [23f]),
• Antonio Palmerini en wanderingstorytellers (EN [11f]).

Henry Diltz es un músico y fotógrafo estadounidense (nacido el 6 de septiembre de 1938 en Kansas City, Missouri, vive en California) activo desde la década de los 60, historiador visual de las últimas cuatro décadas de la música popular estadounidense. Su relación con sus amigos músicos, junto con su pies en la tierra, su sonrisa y risa frecuente, le ha permitido capturar fotos naturales que transmiten una rara sensación de confianza e intimidad con los artistas fotografiados.

Crosby, Stills and Nash, Los Angeles, CA, 1969 © Henry Diltz

Estoy contento con las fotos que he tomado en mi vida, ya que todas me recuerdan cosas que vi, gente que conocía y momentos que disfruté.

Biografía

Henry Stanford Diltz tocó en el Modern Folk Quartet con que incluye Chip Douglas, Jerry Yester y Cyrus Faryar, lanzando dos álbumes en 1963 y 1964 y realizando numerosas giras de conciertos en Universidades y clubs por todo el país en la década de los 60.

Estando todavía en el cuarteto, Diltz se interesó en la fotografía y sus primeras imágenes fueron con una cámara barata japonesa de segunda mano. Se unió a The Monkees, tocando con ellos en algunas de sus sesiones de grabación, y realizando numerosas fotografías de la banda, muchas de los cuales han sido publicadas. A pesar de su falta de formación formal, se sumergió fácilmente en el mundo de la música: la carretera, los conciertos, el humor, la conciencia social, la psicodelia, …

Su trabajo atrajo la atención de otros músicos que necesitaban publicidad y fotos para las portadas de sus álbumes. En 1971 él y compositor Jimmy Webb estuvieron a punto de morir en un accidente de avión de planeador. Webb pilotaba y Diltz grababa película de cine desde el asiento trasero. Ambos sufrieron lesiones importantes y la película se perdió.

Diltz realizó todas las fotografías del libro de 1978 California Rock, California Sound, que documenta la escena musical de Los Ángeles de los años 70, con artistas como Crosby Stills & Nash, Joni Mitchell, Dan Fogelberg y JD Souther. El texto es del escritor británico Anthony Fawcett.

Durante más de 40 años, su trabajo ha aparecido en cientos de portadas de discos y ha aparecido en libros, revistas y periódicos. Su estilo artístico único ha producido poderosos ensayos fotográficos de Woodstock, el Monterey Pop Festival, el de Miami, The Doors, Crosby, Stills, Nash & Young, Jimi Hendrix y decenas de otros artistas legendarios.

Diltz es cofundador de las 2 galerías Morrison Hotel (en Nueva York y en Los Ángeles), junto con Peter Blachley y Rich Horowitz, especializadas en fotografía artística relacionada con la música, incluyendo sus propias obras. Diltz continúa su carrera, generando fotografías nuevas y vibrantes que despiertan el rock n 'roll que cada uno de nosotros lleva dentro.

Referencias

• su página web www.henrydiltz.com (EN [+60f]),
• Henry Diltz en wikipedia (EN),
• Henry Diltz en morrisonhotelgallery (EN [?f]),
• Henry Diltz: Legends of the canyon - in pictures en theguardian (EN [12f]),
• Henry Diltz Q&A: the story of Laurel Canyon and LA folk en telegraph (EN [5f]),
• Photographer Henry Diltz Presents Classic Shots Of The Doors At The Standard Hotel en thedoors (EN [11f]),
• Henry Diltz en hungertv (EN [12f]),
• Henry Diltz: The TVD Interview en thevinyldistrict (EN [13f]),
• Henry Diltz en experiencewoodstock (EN [4f]),
• Henry Diltz en takegreatpictures (EN [6f]),
• Henry Diltz' Musical Legends en photoworkshop (EN [6f]),
• Henry Diltz en facebook (EN [?f]).

Libros

• Rock on: The Photographs
• Jim Morrison & the Doors
• UC Archive: Henry Diltz 2014
• An Angel Among Us: We called Him Michael Jackson... a spiritual journey2010
• Crosby, Stills & Nash: The Biography 2008
• California Dreaming.2008
• California Dreaming: Memories and Visions of LA 1966-19752007
• The Photography of Henry Diltz2003
• Crosby Stills & Nash Five and Twenty Tour Book1995
• Crosby, Stills and Nash: The Authorized Biography1984
• California Rock. California Sound. The Music of Los Angeles and Southern California.1978
• …

Alejandro Chaskielberg es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires en 1977) cuya obra más conocida está tomada expuesta durante largos minutos en el corazón de la noche, nadando en el borde difuso entre el documental y la composición, y que resplandece con una luz tan antigua como inspiradora: la que da la luna en sus noches de plenitud.

© Alejandro Chaskielberg

Invité a los isleños a ser los protagonistas inmóviles de largas exposiciones nocturnas. Retratando sus vidas cotidianas, juntos abrimos una puerta hacia lo atemporal: caminar en la noche sobre aguas quietas y plantas enmarañadas. Los sonidos de los insectos crecen en la oscuridad y la palidez lunar tiñe de gris el agua y la piel.

Biografía

Alejandro Chaskielberg comenzó su carrera de fotoperiodismo en periódicos y revistas locales a la edad de 18 años, desarrollando un cuerpo clásico de trabajo en la cobertura de temas sociales y retratos. Después de estudiar en el Instituto Nacional de Cinematografía comenzó a trabajar como director y guionista en la televisión, realizando más de cuarenta documentales.

Chaskielberg ha conseguido la beca Emerging Photographer Grant otorgada por la prestigiosa Magnum Foundation y el premio L’Iris d’Or – Sony World Photographer of the Year otorgado por la World Photography Organization. También ha obtenido los premios All Roads – National Geographic Society of America, Leopold Godowsky Jr. en la Boston University. premio Talent Latent como parte del festival SCAN, el premio POYI Pictures of the Year al mejor retrato latinoamericano,  premio Curriculum Cero en Argentina y ha sido nombrado como uno de los 30 New and Emerging Photographers to Watch por la revista neoyorquina PDN.

Su sensibilidad para transmitir la magia que rodea a las personas en los ambientes de Naturaleza es extrema. Los lugareños que viven y trabajan en el delta del río Paraná, en Argentina, el Norte de Kenia, el post tsunami en Japón, o la selva de Bolivia han sido fotografiados por su cámara. El resultado es reconocible en todos los casos por mostrar un universo etéreo y casi sobrenatural. Un efecto producido por la técnica utilizada por Chaskielberg, fotografías nocturnas de larga exposición en las que se vale de su buen pulso y la luz de la Luna como fuente de iluminación.

Imágenes insólitas en las que la belleza de la fotografía contrasta en muchas ocasiones con el valor documental que éstas realmente ofrecen, siendo un valioso documento de denuncia de situaciones de gran dureza, desarraigo y pobreza.

Sus fotografías han sido presentadas en la Bienal de Brighton comisariada por Martin Parr y en la 1st Biennale Online. Ha expuesto en el festival Paraty en Foco, en la Bienal de Fotografía de Córdoba, El Ojo Salvaje de Paraguay, el New York Photo Festival, Nordic Light Festival en Noruega y el festival Noortherlicht en Holanda. Su exposición más reciente ha sido en la galería 916 de Tokio.

Ha publicado sus trabajos en revistas de todos los continentes, como The New Yorker, The New York Times, la BBC de Londres, RTE de Irlanda, The Guardian (Inglaterra), la Folha de San Pablo, La Reppublica de Italia, el Boston Globe, Fotoforum de Alemania, Traveller de China y Phap Photo de Japón.

Referencias

• su página web www.chaskielberg.com (EN, ES [+100f]),
• su blog [?f],
• Alejandro Chaskielberg en michaelhoppengallery (EN [6f]),
• Alejandro Chaskielberg en yossimilo (EN [8f]),
• Alejandro Chaskielberg, fotografías bajo la luz de la Luna en graffica [9f],
• Alejandro Chaskielberg's pictures by moonlight en bbc (EN [2f 1v]),
• Devastatingly Beautiful Photos of Japanese Tsunami Victims in the Ruins of Their Homes en slate (EN [11f]),
• Alejandro Chaskielberg. The Sweet and Sour Story of Sugar - The Exhibition en noorderlicht(EN [5f]),
• Alejandro Chaskielberg. The High Tide en burnmagazine (EN [16f]),
• Alejandro Chaskielberg’s The High Tide en time (EN [13f]),
• Alejandro Chaskielberg – Cuando el río suena en cursobasicodefotografia [?f],
• Unbelievable photographs taken only in moonlight by Alejandro Chaskielberg en itsnicethat (EN [9f]),
• Alejandro Chaskielberg en boladenieve [18f],
• Alejandro Chaskielberg: Otsuchi Future Memories en fence (EN [6f]),
• Alejandro Chaskielberg en facebook (EN [?f]).

Libros

• La creciente.

Steven Klein es un fotógrafo estadounidense (nacido el 30 de abril de 1965 en Rhode Island, vive en Nueva York) que ha llegado a ser una celebridad en el mundo de la moda y publicidad gracias a ser transgresivo y comercial al mismo tiempo.

© Steven Klein

Pongo mis fotos por ahí con buenas intenciones, de manera neutral. Pero me parece que la gente reacciona en función de sus miedos y deseos.

Biografía

Steven Klein estudió pintura en la Escuela de Diseño de Rhode Island, y luego se pasó al campo de la fotografía, trabajando para grandes campañas publicitarias de diversos clientes, como Calvin Klein, Dolce & Gabbana, Alexander McQueen y Nike. También colabora permanentemente con revistas como Vogue, i-D, Numéro, W y Arena.

Su obra ha sido presentada en numerosas exhibiciones, recientemente en la Galería Gagosian de California y en la Galería Brancolini Grimaldi de Florencia, Italia. Klein es reconocido por sus trabajos sobre Lady Gaga, Madonna, Tom Ford y Brad Pitt publicadas en la revista de modas W. A menudo trabaja con el director de iluminación David Devlin.

En 2003 colaboró ​​con Madonna en la creación de una instalación llamada X-Static PRO=CESS, con motivo de su álbum American Life, que incluía las fotografías de la sesión de fotos en W Magazine y siete segmentos de video. La instalación estuvo en la galería Deitch Projects de Nueva York, y luego viajó por el mundo en una forma editada. Se publicó un libro de gran tamaño para acompañar la exposición, edición limitada a 1.000 copias. Ha colaborado con Madonna en diversos proyectos.

Más tarde trabajó con Lady Gaga en numerosas ocasiones, con vídeos musicales y portadas de álbumes y con Tony Bennett en su álbum Cheek to Cheek.

Klein es representado por Todd Shemarya Artists como fotógrafo y por Anonymous Content como director de anuncios televisivos.

También ha trabajado en el departamento de artes dePhantasmagoria: The Visions of Lewis Carroll, la primera película dirigida por el músico Marilyn Manson.

Referencias

• su página web kleinstudio.us (EN [?f]),
• Steven Klein en wikipedia,
• Fashion Photographer Seeks Models/Celebrities for a Little Rough Play en nymag (EN [4f]),
• Tom Ford: Fordbitten en wmagazine (EN [10f]),
• Steven Klein  es uno de los fotógrafos más solicitados por artistas como Madonna en centroadm [8f],
• Steven Klein en businessoffashion (EN [?f]),
• Steven Klein: la glamurosa realidad de la fotografía en filmfictioncine [3f 1v],
• El gamberro de la fotografía de famosos, Steven Klein, expone 'USAnatomy' en Brasil en 20minutos [6f],
• Steven Klein en facebook (EN [?f]).

Libros

• Steven Klein (Portfolio (teNeues Numbered)) 2006.

Biografía

Referencias

• su página marcoguerrastudio.com (EN [+170f]),
• Marco Guerra en instagram (EN [?f]),
• 1001 Dreams en yasminaalaoui (EN [8f]),
• Marco Guerra's photography en trendsnow (EN [?f]),
• Marco Guerra en photogrist (EN [12f]),
• Body art and photography by Marco Guerra and Yasmina Alaoui en thechive (EN [20f]),
• Marco Guerra en culturainquieta (EN [9f]),
• Art Photography from Yasmina Alaoui & Marco Guerra en eclectitude (EN [5f]),
• Marco Guerra en mashkulture (EN [19f]),
• Yasmina Alaoui & Marco Guerra en slideshare (EN [30f]),
• Marco Guerra en google+ (EN [?f]).

Genín Andrada es un fotógrafo extremeño (nacido en Cáceres el 16 de junio de 1963, vive en Madrid) de dilatada carrera profesional cuyo trabajo abarca el ensayo fotográfico, el retrato y la fotografía documental. Su obra se caracteriza por un juego de luces, color y volumen inspirados por el Barroco español.

© Genín Andrada

Biografía

Genín Andrada se inició en la fotografía en 1985 de manera autodidacta, entrando a trabajar en El Periódico de Extremadura al año siguiente. Años después se trasladaría a Madrid, combinando su labor fotográfica con la docencia.

Su primer proyecto de profundidad, gracias a una beca de La Caixa, fue el reportaje Sida, entre el dolor y la esperanza, que documentaba los efectos del VIH en más de 200 personas afectadas por toda Europa, expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (MNCARS) en 1996 y Premio Especial del Jurado en la Semana Negra de Gijón al año  siguiente.  En el 2000, su reportaje sobre los pasos de los conquistadores españoles por el continente americano, América, la ruta del Nuevo Mundo, obtuvo el premio Paris Photo de la Maison Européenne de la Photographie. Para componer este proyecto, en el que se pasó al color, desde 1995 Andrada realizó seis viajes a Latinoamérica. En cada uno de ellos siguió los pasos de uno de los grandes conquistadores españoles (Cristóbal Colón, Vasco Núñez de Balboa, Hernán Cortés, Pedro de Alvarado, Francisco Pizarro, Francisco de Orellana), y recorrió y fotografió las rutas que les llevaron a los primeros asentamientos de El Nuevo Mundo (La Española, el Mar del Sur, el Imperio Azteca, los Quetzales, el Imperio del Sol, El Dorado). Además del Paris Photo, ha obtenido 6 premios Fotopress y el FotoCAM 2009.

El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz (MEIAC) adquiriría 60 obras para sus fondos en 1999. También posee obra en las colecciones del MNCARS, el Fonds national d’art contemporain (Puteaux, Francia), el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, el Museo Pedrilla de Cáceres, …

Andrada ha evolucionado hasta llegar a un documentalismo muy personal, cargado de simbolismo y capacidad creativa, como demuestran sus trabajos Costa da Morte (2001), Saharauis, Benidorm y La fragua de Vulcano (2003) y Microcosmo (Premio Purificación García en 2005). En 2013 inició el proyecto interdisciplinar Deconstrucción, reflexión sobre el ser humano a partir de la crisis del ladrillo.

Colaborador de medios de prestigio como The New York Times, Geo, National Geographic, El País Semanal, Suplemento Dominical del Diario La República, …, de entre sus numerosas exposiciones, destaca su paso por Les Rencontres d’Arles en 1999,  su participación este mismo mismo año en el proyecto Una visión de Puerta Europa; la exposición de América, la ruta del Nuevo Mundo durante PHotoEspaña 2000 y la muestra Regreso a los sentidos, comisariada por La Fábrica en 2001.

De 2002 a 2004 su serie Sida, entre el dolor y la esperanza formó parte del proyecto Pandemic: Facing aids, inaugurado por Bill Clinton y Nelson Mandela y que itineró por todo el mundo.

Referencias

• su página web www.geninandrada.es [?f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f],
• Genín Andrada en phedigital [5f],
• Genín Andrada en margencero [20f],
• Genín Andrada. El triángulo del Arte en juansantiso [17f],
• Genín Andrada en facebook [?f].

Libros

• Descubrir España. Andalucía, 1999
• Descubrir España. Extremadura, 1999
• Descubrir España. Castilla y León, 1999
• Genín Andrada. Regresar a los sentidos 2001
• El esplendor del paisaje, 2005;
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Armineh Johannes es una fotoperiodista iraní (nacida en Teherán, vive en Francia) que ha trabajado principalmente en el Cáucaso y Oriente medio.

© Armineh Johannes

Biografía

Armineh Johannes estudió en Francia, Inglaterra y los Estados Unidos, ganando premios en cada uno de estos lugares. Ha trabajado principalmente en los países del Cáucaso y de Oriente Medio, como Tayikistán, Uzbekistán, Georgia, Armenia, Karabaj, Egipto, Siria, Irán  .... También ha trabajado en historias en Inglaterra, EEUU, Italia, España ....

Durante once años ha estado trabajando en Armenia y Karabaj,  tanto en encargos como en Trabajos personales, comenzando en 1989 (últimos años del régimen soviético), y sigue trabajando en este proyecto. Trata de mostrar el proceso de transición de la era soviética a una forma de vida capitalista .... tradiciones que persisten, evoluciones, desesperación y frustración, fe, esperanza, alegría .... tanto en color como en blanco y negro.

Sus fotografías han sido publicadas en las principales revistas y periódicos de todo el mundo: Los Angeles Times, Washington Post, Newsweek, L'Express, Le Point, La Libération, Asahi Graph, Marie Claire, Popoli, Grands, Reportages, Terres Lointaines, Peuples du Monde, Le Monde, AIM, Catholic Narear East, France-Arménie, Les Nouvelles d'Arménie, ...

Referencias

• Armineh Johannes en oocities (EN, FR [11f]),
• Armineh Johannes en corbisimages (EN [28f]),
• Armineh Johannes en all-about-photo (EN [9f]),
• Armineh Johannes en iranian (EN [15f]),
• The Arts of Photography, Poetry, and Translation en aiwainternational (EN [9f]),
• Armineh Johannes en facebook (EN [?f]).

Mario Ayguavives es un escultor y fotógrafo aragonés (nacido en Zaragoza en 1968) que nos muestra una naturaleza no natural, rehecha y fabricada al gusto del consumidor, una imagen teóricamente más agradable al ojo humano, donde el gusto por la simetría y la repetición del hombre se exprime hasta crear un paisaje perturbador. Sus imágenes nos muestran una naturaleza globalizada, hecha al gusto del hombre, seriada y fabricada hasta la infinitud.

© Mario Ayguavives

He querido mostrar a la ciudad completamente vacía y deshumanizada. Busco acentuar los volúmenes y despojarlos hasta dejarlos como una maqueta. Sin ninguna referencia al ser humano que es el que ha creado esa ciudad.

Biografía

Mario de Ayguavives se licenció en Bellas Artes en la especialidad de Escultura por la Universidad de Barcelona. A lo largo de los años 90 consiguió numerosas becas y premios en esta disciplina. Posteriormente se ha volcado en la fotografía como medio de expresión, para reflexionar sobre la idea del progreso y su repercusión en la vida cotidiana del individuo, no siempre positiva. Este progreso se ve reflejado tanto en el tema fotografiado, como en la técnica y tecnología empleada por el autor, que es profesor de diseño por ordenador en la Escuela de Arte de Zaragoza.

En su primer trabajo fotográfico trabajó sobre los caminos abiertos en el campo de la genética (Otro cuerpo, 1997-99), aunque el grueso de su obra trata sobre la relación entre las personas y su entorno, como:

• los problemas y la ausencia de signos de identificación en el espacio urbano contemporáneo (Otros caminos, 2001, y Orthez, 2001),
• la relación entre el ser humano y los elementos del entorno creado por él (Construcciones, 1999-2002, Otra ciudad, 1999-2004),
• las heridas que el ser humano ha causado en el paisaje (Em-bálsamo, 2004, y Otro paisaje, 2004-05),
• anotaciones visuales aleatorias de una ciudad (Cuaderno de Lisboa, 2007),
• la transformación de los espacios (Algo preocupado, con Javier Peñafiel, 2008),
• los recuerdos olvidados de personas en transición (Lost in transition, 2008), donde el paisaje urbano se traslada al interior del hogar.

Su último trabajo (Sous les pavès, la plage, 2013) hace referencia a la grave situación de crisis actual provocada por la sociedad de consumo, tomando como referencia el Mayo de 1968.

Expone habitualmente en galerías españolas como Mas Art (Barcelona), Van der Voort (Ibiza) y Spectrum Sotos (Zaragoza).

Referencias

• su página web www.marioayguavives.com (EN, ES [+130f]),
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f],
• Mario Ayguavives en artocontemporaneo [3f],
• Mario Ayguavives  y su obra del Pablo Serrano en luzyartes [1f].

Libros

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
• El ocho dormido2009.
• Zapatario2009.
• Otro paisaje, 2005.
• Una ciudad, otra ciudad, 2004.
• Ciutats, 2002.
• Miradas cruzadas = Regards croisés, 2002.

Rainer Elstermann es un fotógrafo alemán (nacido en Berlín en 1965) que en sus trabajos personales muestra normalmente mundos anacrónicos, ya sea replicando cuadros famosos sustituyendo los personajes por niños, o simulando un estudio rural keniata en su propio estudio berlinés.

© Rainer Elstermann

Biografía

Rainer Elstermann hizo sus primeros autorretratos cuando tenía 17 años. En 1983, con18 años comenzó a trabajar con Teufelsberg Produktion, una productora de cine de vanguardia y experimental en super-8. En 1984 empezó a involucrarse seriamente con la fotografía después de que su tío le diera un equipo de cuarto oscuro completo.

Un fuerte impulso le vino gracias al famoso fotógrafo de moda Paolo Roversi que le fotografió para Vogue Italia en 1985. Después de ver su portafolio le dijo a Rainer que debía ser un fotógrafo de moda en París. En vez de ello, Elstermann se trasladó a Londres en 1988, donde permaneció hasta 1992, realizando pequeños proyectos de arte y explorando la fotografía, llegándole los primeros  encargos.

En 2000 volvió a Berlín y lanzó su propio estudio como fotógrafo publicitario. Hacia 2006 sus proyectos se fueron moviendo movieron de nuevo hacia la fotografía artística y desde 2009 se ha concentrando exclusivamente en este tipo de fotografía. En 2006 conoció a Andreas Stamm y han trabajado juntos desde entonces.

En algunas de sus series, como Old Masters, se aproxima sus fotografías como si fueran pinturas, recreando cuadros clásicos, pero sustituyendo los modelos originales por niños, consiguiendo una sensación extraña y casi inquietante.

En otra serie, Photo Studio, imaginó un estudio fotográfico de época en zonas rurales de Kenia en su estudio en Berlín. Vistió modelos con trajes de época, consiguiendo una película de 17 minutos y una serie de 40 fotografías inspiradas en la obra los fotógrafos africanos Samuel Fosso y Malick Sidibé, así como en el fotógrafo estadounidense, Irving Penn.

Referencias

• su página web www.rainerelstermann.de (EN [+90f]),
• Rainer Elstermann en barbarapaciartgallery (IT [30f]),
• Rainer Elstermann en artloveaffair (EN [81f]),
• Rainer Elstermann en all-about-photo (EN [9f]),
• Rainer Elstermann en ostenwart (EN [4f]),
• Rainer Elstermann en theredlist (EN [30f]),
• Rainer Elstermann en 500photographers (EN [7f]),
• Rainer Elstermann en wird (EN [+40f]),
• Photo-Studio by Rainer Elstermann en homotography (EN [20f]),
• Rainer Elstermann en jouetjou [8f].

Ilan Wolff es un fotógrafo israelita (nacido en Nahariya, Israel, en 1955) que se ha especializado en crear fotografías usando la técnica de la Cámara Oscura, con cámaras hechas a partir de viejas cajas o latas. Actualmente el usa principalmente su furgoneta y habitaciones comunes para crear imágenes de mayor formato. Y también crea fotos con las típicas latas, pimientos, cavadas en la tierra o usando la luz de la luna.

© Ilan Wolff

Mi idea es que, con la fuerza del ser humano y la energía de la naturaleza, puedo crear fotografías. Y ahí está la base de la fotografía.

Biografía

Ilan Wolff en 1973 obtuvo el O.R.T. en la Arte High School de Israel. Desde 1976 hasta 1977 trabajó como freelance para la revista Graphic Designer. Entre 1977 y 1978 realizó un trabajo sobre agricultura y desde este año hasta 1981 fue el responsable del Departamento de Fotografía de la N. Bloomfield Academy of Art en Haifa. A partir de este momento y hasta 1997 continuó su actividad como fotógrafo independiente en Ámsterdam, Nueva York, gracias a una beca concedida por la empresa Kodak, para realizar fotografías de los rascacielos de la ciudad, y París, utilizando la cámara estenopeica.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Sus fotografías se han expuesto en los más prestigiosos museos y salas de todo el mundo: desde la Biblioteca Nacional de París, el Museo de Tel-Aviv, el Museo de Bellas Artes de Long Island en Nueva York, el Museo del Eliseo en Suiza o el Victoria & Albert de Londres,  …. Ilan Wolff ha sido el fotógrafo estrella en la Bienal Moix de la Photo de París, en noviembre de 2000, con su exposición Camera Obscura à Paris.

En España participó en el Proyecto IMAGINA de Almediterránea’92. Este proyecto se llevó a cabo en Almería de 1990 a 1992 con motivo de la celebración del Centenario del Descubrimiento de América. Las fotografías realizadas por Wolff para este proyecto pasaron a formar parte de los fondos del Centro Andaluz de la Fotografía, que fue creado con sede en Almería tras la finalización de IMAGINA. Una selección de este trabajo se presentó en el stand de Babelia en la edición de ARCO 2001.

Desde 1993 Ilan Wolff imparte talleres sobre la técnica de la cámara oscura pero también sobre la utilización de emulsiones fotográficas para la creación de imágenes en diferentes superficies. También interviene en proyectos fotográficos de carácter artístico y comercial.

Referencias

• su página web www.ilanwolff.com (EN, ES [+140f]),
• Ilan Wolff en quesabesde [10f],
• Ilan Wolff: la aventura como forma de vida en dobleobjetivo [7f 3v],
• Ilan Wolff en lonsdalegallery [10f],
• Ilan Wolff en fueradeimprenta [5f],
• Ilan Wolff en revela-t [3f],
• Ilan Wolff. La mirada de un fotógrafo en us [1v],
• La aventura de Ilan Wolff para capturar la luz de la luna en Cabo de Gata en fueradeimprenta[3f],
• Ilan Wolff: Segovia a través de la cámara oscura (I) en oscarvegafotografia [13f 2v],
• Ilan Wolff: Segovia a través de la cámara oscura (II) en oscarvegafotografia [11f],
• Ilan Wolff en facebook [?f].

Libros

• Andalucía estenopeica2015
• Segovia a través de la Camera Oscura, 2011
• The Magic of Photography, 2010
• Camera Obscura- Ilan Wolff, 2007
• Camera Obscura at Work 1982-1997, 1998
• Voyage en Seine et Marne, 1990

David Johndrow es un fotógrafo estadounidense (vive en Austin, Texas) con más de 30 años de carrera, que imprime él mismo sus copias. Busca texturas en el mundo de la naturaleza, realizando fotografías a corta distancia  y/o con macros.

© David Johndrow

Una cosa que me esfuerzo en todas mis imágenes es la simplicidad extrema. Rindo mucha atención a la luz y el contraste del medio ambiente. Mediante el uso de enfoque selectivo, soy capaz de aislar los detalles sutiles que no se ven normalmente, mientras que al mismo tiempo intento transmitir la presencia efímera de los sujetos.

Biografía

David Johndrow ha sido fotógrafo desde 1982. Después de estudiar fotografía en la Universidad de Texas, montó su propio laboratorio en casa, trabajó en un fotolaboratorio, y después comenzó a realizar trabajo comercial, así como una obra más personal en lo que llamaríamos fotografía artística.

Durante muchos años ha sido dueño de su propio laboratorio fotográfico donde se especializó en la impresión personalizada en blanco y negro.

Su serie Blue Alembic, se compone de cianotipias de fotogramas de objetos de vidrio que ha recogido a través del tiempo. Cada imagen es un estudio de la textura y el diseño del objeto, así como la calidad cristalina de las sombras grabadas emitidas por el sol.

En su serie Terrestrials, combina su pasión por la jardinería y la fotografía y muestra fotografías de naturaleza macro de animales y plantas que habitan en su jardín de Hill Country, Texas. Trabaja normalmente con una Hasselblad con película de 120, que posteriormente edita en su ordenador, para conseguir los negativos con los que positivar en gelatina de plata, platino/paladio, cianotipia, gumoil y.goma-bicromatada, que es su medio favorito.

Su trabajo ha sido incluido en diversas exposiciones en EEUU y en varias revistas internacionales como Black and White Magazine y Silvershotz. Sus fotografías son parte de la Wittliff Collection of Southwestern and Mexican Photography, así como de numerosas colecciones privadas.

Referencias

• su página web davidjohndrow.com (EN [+80f]),
• David Johndrow, Bill Hicks and Jim Beam (An Interview)en glasstire (EN [6f]),
• David Johndrowen all-about-photo (EN [17f]),
• Entrevista a David Johndrowen ndmagazine (EN [6f]),
• David Johndrowen photomethode (EN [22f]),
• David Johndrow. Platinum printsen pdnbgallery (EN [30f]),
• David Johndrow. Blue Alembicen pdnbgallery (EN [12f]),
• David Johndrow — Macro photographyen photography (EN [4f]).

Jörg Colberg es un escritor, fotógrafo y educador (nacido el 15 de febrero 1968 en Alemania, vive en Estados Unidos) que escribe sobre fotografía contemporánea, juzga concursos de fotografía y comisaría exposiciones. Es el fundador y editor de Conscientious, un premiado blog dedicado a la fotografía artística contemporánea.

Untitled, from American Pixels (2009-2010) © Jörg Colberg

Mi práctica como fotógrafo abarca una amplia variedad de enfoques trabajando con imágenes. En parte, esto se debe al hecho de que soy alguien que escribe sobre fotografía de forma regular, y veo mucha fotografía y pienso mucho en ella. Como consecuencia, la fotografía en sí misma ha llegado a significar un montón de cosas para mí, diversos aspectos que se excluyen entre sí, y hablan de cosas diferentes, pero sólo en la superficie. En realidad, lo que una fotografía es o de dónde viene, no me importa. Lo que hace, lo que uno siente cuando la contempla, eso es lo que me preocupa.

Biografía

Jörg M. Colberg después de una aburrida infancia y ser un joven geek, estudió física y astronomía en la Universidad de Bonn, obteniendo un doctorado en física (cosmología teórica) en el instituto Max Planck de Astrofísica. Se trasladó a los Estados Unidos en 2000. Después de una experiencia corta y poco satisfactoria en la industria del software, Colberg volvió como postdoctorado a la Universidad de Pittsburgh. Trabajó como investigador científico en astronomía hasta 2010.

Comenzó a interesarse en la fotografía en 1999.  Es fotógrafo autodidacta, y utiliza una variedad de enfoques para la creación de imágenes, desde la captura de imágenes mayoritariamente en película de formato medio, a trabajar con imágenes encontradas, de su archivo o apropiadas.

Su práctica artística deriva de tratamiento de las fotografías como parte de un repositorio, del que se pueden extraer para diferentes propósitos. Esta declaración es cierta tanto para las fotografías que toma con sus propias cámaras (su fotografía directa), como para las imágenes que se apropiar de otras fuentes (apropiación de trabajo/experimental). En su forma de trabajo, todas y cada una de las fotografías terminan viviendo en un archivo, antes de que se elijan para formar parte de un proyecto. Rara vez toma fotografías para usarlas inmediatamente. En cambio, produce fotografías sobre una base regular y las incluye en el archivo para luego trabajar con ellas más tarde.

Su blog, Conscientious, lo comenzó en 2002 para ir mostrando sus propias fotografías, y los primeros artículos eran cortos mensajes de texto (similar a los de Twitter). El primer artículo de calado fue un artículo sobre la fotografía de Steve Pyke. y el blog cambió para decir poco o nada acerca de su propia fotografía y hablar de la de otros, y realizar extensas entrevistas a fotógrafos, convirtiéndose en un referente mundial. Actualmente se ha transformado en Conscientious Photography Magazine.

Desde 2010 ha sido miembro de International Limited-Residency MFA Program de la Hartford Art School y profesor visitante asistente desde el año 2012. También ha trabajado como profesor visitante en el Massachusetts College of Art and Design y en la Rhode Island School of Design

Colberg ha publicado ensayos en revistas de fotografía como Foam Magazine, British Journal of Photography y Creative Review. Ha escrito prólogos para monografías de fotografía, comisariado exposiciones de fotografía y libros de fotos y juzgado concursos de fotografía.

Junto con Andrés Marroquín Winkelmann, es uno de los fundadores de la editorial de libros de fotografía Meier & Müller.

Referencias

• su página web jmcolberg.com (EN [?f]),
• Conscientious Photography Magazine (EN [?f]),
• Conscientious (hasta 2013)  (EN [?f]),
• Jörg Colberg en wikipedia (EN),
• Writing on Photography: Q & A with Jörg Colberg en onwardphoto (EN [2f 1v]),
• Domande a Jörg Colberg en hippolytebayard (EN, IT [6f]),
• Jörg Colberg en lenscratch (EN [13f]),
• Uncle Ralph by Jörg Colberg en getaddictedto (EN [?f]),
• Jörg Colberg en google+ (EN [?f]).

André Cypriano es un  fotógrafo documental y artístico brasileño (nacido en Piracicaba, São Paulo, el 14 de mayo de 1964, vive en las ciudades de Nueva York y de Río de Janeiro) conocido por su fotografía de estilo de vida y prácticas de las sociedades menos conocidas en los rincones más remotos del mundo tradicionales.

© André Cypriano

Biografía

André Cypriano se licenció en Administración de Empresas en el Centro Universitário das Faculdades Metropolitanas Unidas en São Paulo. Preocupado por cuestiones ambientales, contribuyó con su tiempo y esfuerzo como administrador de la organización brasileña Salva Mar dedicada a salvar a las ballenas en el norte de Brasil.

En 1990, un año después de mudarse a Estados Unidos, André comenzó a estudiar fotografía en el City College de San Francisco. Ha realizado diversos proyectos que han sido expuestos en varias galerías y museos de América del Sur, América del Norte y Europa.

André ha sido el destinatario de la primera beca del departamento de fotografía del San Francisco City College en 1992, del World Competition Image Award promovido por Photo District News en Nueva York en 1992, New Works Awards promovido por In Focus en Nueva York en 1998, Fondo Internacional Mother Jones de Fotografía Documental en 1999, Vitae Artes de São Paulo Stock Exchange en 2002, Think Tank Caracas en 2003, así como el All Roads Photography Program de National Geographic Society en 2005.

Como proyecto a largo plazo, Cypriano comenzó a documentar los estilos de vida y las prácticas de las sociedades tradicionales menos conocidas en los rincones más remotos del mundo con una inclinación hacia lo único e inusual. Hasta el momento, ha fotografiado a la gente de Nias, una isla frente a la costa noroeste de Sumatra (Nias - Jumping Stones), los perros de Bali ((Spiritual Quest), la infame penitenciaría de Candido Mendes de Río de Janeiro (Devil's Caldron), el mayor barrio de chabolas en Brasil, Río de Janeiro (Rocinha), los 10 barrios más importantes de Rio de Janeiro, las barriadas de Caracas (The Culture of the Informal Cities), así como la cultura de la resistencia del pueblo Quilombo (Quilombolas).

En 2010, Cypriano participó en Cultures of Resistance, una película documental dirigida por Iara Lee. Una retrospectiva de 20 años de su trabajo fue expuesta en FredericoSève Gallery / latincollector en 2012. Sus proyectos en curso también se han utilizado en talleres educativos.

Referencias

• su página web www.andrecypriano.com (EN [+200f]),
• André Cypriano en wikipedia (EN),
• André Cypriano. Dos Décadas en fredericosevegallery (EN [34f]),
• In Brazil, Finding Dignity in Horror en nytimes (EN [15f]),
• What Andre Cypriano has to say about working in “no-go-zones” en fiftycrows (EN [5f]),
• André Cypriano en latinamericanart (EN [9f]),
• André Cypriano en all-about-photo (EN [8f]),
• André Cypriano | Rocinha, una ciudad huérfana en inkultmagazine [9f],
• André Cypriano en mariaxhe [29f],
• André Cypriano en facebook (EN, PB [?f]).

Libros

• O Caldeirão do Diabo 2001.
• Rocinha 2005.
• Quilombolas. Tradições e Cultura da Resistência 2006
• Capoeira: Luta, Dança e Jogo da Liberdade, 2009.

Evgenia Arbugaeva es una fotógrafa rusa (nacida en 1985 en Tiksi, Rusia, un pequeño pueblo en el Océano Ártico) cuyos proyectos tratan principalmente de las desoladas tierras del norte de Rusia en el Ártico.

© Evgenia Arbugaeva

La nieve es tan blanca, el cielo es tan blanco y el viento es tan fuerte, que literalmente se puede volar en el aire como si estuvieras en el espacio exterior. No hay un punto de referencia. Sin horizonte. No hay árboles. Podrías estar al revés, y no darte cuenta.

Biografía

Evgenia Arbugaeva ha tenido a la fotografía como su hobby desde que era una adolescente. Después de graduarse de la Universidad Internacional de Moscú, se suponía que debía trabajar en la industria de la publicidad, pero eso no le interesaba mucho. Se decidió a ir de viaje con los pastores de renos en su tierra natal, la República de Yakutia. Quería tomar algún tiempo para entender lo que quería de la vida. Se suponía que iba a ser un viaje corto, pero terminó siendo alrededor de un año viajando con diferentes tribus nómadas. Empezó a fotografiar y tomarlo muy en serio. Quería intentar ser un fotógrafo real, para poner toda su energía en la captura de esa fascinante vida nómada. Este fue su primer proyecto y estaba claro para mí que quería ser fotógrafo. Se decidió obtener algún tipo de educación en fotografía y se graduó en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York en 2009. Desde entonces ha trabajado como fotógrafo independiente, viajando entre Nueva York y Rusia.

En 2012 recibió el premio Bright Spark en la Flash Forward Competition para fotógrafos emergentes de la Magenta Foundation, y una beca Magnum Foundation Emergency Fund. En 2013 fue nombrada uno de los 30 New and Emerging Photographers por PDN y ganó el Premio Leica Oskar Barnack en el International Festival Rencontres de Arles. En 2015 ha obtenido el Young Photographer Infinity Award de la ICP.

Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, y ha aparecido en National Geographic, Le Monde Magazine, Marie Claire y Io Donna, entre otros.

Referencias

• su página web evgeniaarbugaeva.com (EN [48f]),
• Evgenia Arbugaeva y Tiksi en rbth [20f],
• Evgenia Arbugaeva en worldpressphoto (EN [7f 1v]),
• Evgenia Arbugaeva: Leica Oskar Barnack Award Winner 2013 en leica-camera (EN [12f]),
• Evgenia Arbugaeva’s Painterly Siberia en americanphotomag (EN [9f]),
• Evgenia Arbugaeva. 2015 Infinity Award: Young Photographer en icp (EN [1v]),
• Evgenia Arbugaeva. Tiksi en picturagallery (EN [33f]),
• Weather Man en newyorker (EN [10f]),
• Evgenia Arbugaeva: Following the Reindeer en lensculture (EN [19f]),
• Evgenia Arbugaeva en escapeintolife (EN [10f]),
• Evgenia Arbugaeva en seekingmagazine [10f),
• Of Mammoths and Men en nationalgeographic (EN [18f]),
• Evgenia Arbugaeva en parisphoto (EN [6f]),
• Evgenia Arbugaeva took an icebreaker through the Arctic Ocean en bjp-online (EN [7f]),
• Evgenia Arbugaeva en all-about-photo (EN [17f]).

José María Díaz Casariego fue un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1897 y fallecido en 1967, también en Madrid) especializado en fotoperiodismo, que cubrió principalmente la Guerra de Marruecos y la Guerra Civil española.

© José María Díaz Casariego

Biografía

José María Díaz Casariego comenzó desde muy joven a colaborar con Nuevo mundo pero en 1911 junto a Verdugo Landi, Mariano Zabala y Pepe Campúa abandonó dicha revista y fundó Mundo Gráfico que llegó a ser la publicación con mayor tirada entre las que empleaban la fotografía como elemento central. En 1913 comenzó a colaborar también en La Esfera que acababa de fundarse.

Fue amigo de Alfonso Sánchez Portela con el que pudo realizar fotografías de Abd el-Krim y su campamento en la guerra de Marruecos a pesar de la censura existente, lo que les supuso un gran reconocimiento al ser los únicos que lo consiguieron. Entre los hechos destacados de esa cobertura Díaz Casariego fue el único reportero gráfico que consiguió acercarse y fotografiar al líder rifeño Raisuni.

Desde los años veinte estuvo considerado entre los mejores reporteros gráficos españoles junto a Alfonso Sánchez Portela, Luis Ramón Maríny Pepe Campúa que estuvieron trabajando en equipo en la publicación Mundo Gráfico pero sin embargo su obra sobre la guerra civil estuvo oculta más de cincuenta años.

Tras la guerra civil española fue condenado a muerte y después indultado ya que había conocido a Francisco Franco, al General Mola y a otros militares del ejército colonial durante la campaña de África. Sin embargo, no pudo volver a ejercer de reportero gráfico por lo que estuvo trabajando como funcionario, perteneciente al servicio microfilmador, en la Hemeroteca Municipal de Madrid.

Su archivo fotográfico fue requisado por el gobierno franquista y desapareció prácticamente en su totalidad. Sólo se ha conservado un conjunto de fotografías sobre la guerra de África (1921-1925) que la agencia EFE compró a su viuda en 1977, y alrededor de 800 placas que se encontraron en la Hemeroteca Municipal de Madrid. Con la intención de sacar a la luz todo el importante material gráfico escondido o requisado durante décadas de éste y cada uno de los reporteros de la revista Mundo Gráfico, en 2010 vio la luz el proyecto Héroes sin armas, documental producido por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales con la colaboración de La Fábrica y estrenado en la Academia de Cine de Madrid.

Referencias

• José María Díaz Casariego en wikipedia,
• José María Díaz Casariego en bne [15f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f],
• José María Díaz Casariego en lavanguardia [1v],
• José María Díaz Casariego en sbhac [4f],
• La historia de los otros Robert Capa en elpais [1f 1v].

Libros en los que aparece

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
• Fotoperiodistas de guerra españoles, 2011.
• Héroes sin armas. Fotógrafos españoles en la Guerra Civil, 2009.
• Diccionario de historia de la fotografía,2003.
• Historia de la fotografía en España,1999.

Maximino Reboredo fue un fotógrafo gallego (nacido en  Outeiro de Rei, Castro de Riberas de Lea en 1876 y fallecido en 1899 en Lugo) que, en su corta carrera, recopiló una vasta colección de retratos que permiten conocer la iconografía de la época, así como los vestidos y fisonomías de la clase urbana de finales del siglo XIX. Se centró en personas humildes o de clase media, como pequeños comerciantes y campesinos, aunque también fotografió a personajes de la alta burguesía, militares y curas. Mención aparte, por su temática y calidad, merecen los retratos post mortem, hechos tanto a adultos como a niños.

Bebé morto con coroa. Maximino Reboredo.

Biografía

Maximino Reboredo Blanco se fue con 1 año con sus padres a vivir a Lugo, a la calle de san Marcos. Su padre había hecho dinero en Cuba y al regresar se casó y se fue a Lugo a establecerse como comerciante.

Maximino estudió Teología en el Seminario Conciliar de San Lorenzo (Lugo), pero quizá por estar aquejado de tuberculosis hubo de dejarlos. No se le conocen obras, pero fue también pintor. Estudió posteriormente en la Escuela de Artes y Oficios, en donde sin duda tuvo contacto con el catedrático don Sotero Bolado Alonso, quien estaba muy interesado en la fotografía y sus aplicaciones. Es posible que de ahí le viniese a Maximino la idea de dedicarse casi profesionalmente a este arte, en el que, aunque no llegó a cumplir los 25 años, dejó un legado fotográfico de gran importancia, que incluye imágenes de paisaje urbano y rural, temas de actualidad y retrato.

En su estudio ambulante, en la Galicia rural, trató de imitar el estilo de la fotografía de estudio que venía de Francia, reproduciendo las poses de los daguerrotipos y las cartes de visite que realizaba la burguesía y la nobleza parisina, pero enseguida creó su estilo propio, adaptado a una clientela mucho más humilde.

Registró desfiles, ferias, construcciones de edificios y procesiones de su tierra natal, así como importantes acontecimientos históricos que permiten establecer una cronología en su obra. Captó la entrada del obispoBenito Murua en Lugo en 1894, el embarque del Regimiento Luzón para la Guerra de Cuba en 1896 y, en ese mismo año, la Exposición Regional de Lugo. Además, su cámara inmortalizó otros escenarios como La Coruña o Ferrol, en Galicia, o la Plaza de San Pedro en Roma, tomada con motivo de su participación en la Peregrinación Obrera de 1894. Llama la atención la gran preparación de sus fotos grupales, que recuerdan a retratos familiares o de una compañía de teatro.

En 1997, su sobrino nieto Julio Reboredo Pazos descubrió más de 400 placas de cristal del fotógrafo ocultas tras una pared de escayola en el ático de su domicilio. La mayoría de ellas están realizadas en 13×18 cm y el resto en 9×13 cm. En 2003, la Fundación Caixa Galicia organizó una exposición sobre su obra, y publicó un libro.

Referencias

• Maximino Reboredo, el retratista de estudio rural en salesdeplata [11f],
• El retrato de estudio: artilugios, artefactos y simulacros. Fotografías de Maximino Reboredo en aaviladonga [1pdf. 19 f],
• Maximino Reboredo en cgai [14f],
• Maximino Reboredo en urbancidades [4f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [4f],

Libros

• Maximino Reboredo. Fotografías 1892-1899 2003.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.