Biografía

Referencias

• su página web www.oriolsegontorra.com (CA, EN, ES [?f]),
• War games all too real for ‘Young Patriots’ en cnnphotos (EN [14f]),
• World.Report Award 2014 – Spot Light Award en festivaldellafotografiaetica [4f],
• Oriol Torra Segon en all-about-photo (EN [13f]),
• JÓVENES PATRIOTAS: un excelente trabajo de Oriol Segon Torra en rebecapardo [6f],
• Oriol Segon Torra en geaphotowords [1f],
• Libro Young Patriots en etsy [1f],
• Oriol Segon Torra: Young Patriots en vimeo (EN [1v]),
• Oriol Segon Torra en encontrosdaimagem (EN, PT [4f]),
• Souvent, il n’y a pas de père en 6mois (FR [8f]),
• Oriol Segon Torra en facebook [?f].

Libros

• Young Patriots.

Biografía

Referencias

• su página web www.gabrielecroppi.com (EN [?f]),
• Bold and beautiful: famous buildings emerge from the shadows – in pictures en theguardian (EN [9f]),
• Shoah and postmemory en postmemory (EN [1pdf]),
• Gabriele Croppi, NEW YORK, Metaphysics of the Urban Landscape en vimeo (EN [1v]),
• Gabriele Croppi: Urban Landscapes in Black and White en reelfoto (EN [9f]),
• Gabriele Croppi en epeaphoto (EN [5f]),
• Gabriele Croppi en charlet-photographies (EN [14f]),
• Stunning High Contrast Photos of World Famous Landmarks en mymodernmet (EN [21f]),
• Gabriele Croppi en hkphotographs (EN [5f]),
• Gabriele Croppi en photoawards (EN [5f]),
• Photographer Gabriele Croppi Captures New York in the Shadows en complex (EN [18f]),
• Gabriele Croppi en facebook (EN [?f]).

Libros  

• New York, Metaphysics of the Urban Landscape
• Cuba Last Minute
• Piemontesi.

Ori Gersht es un artista anglo-israelí que trabaja con el vídeo y la fotografía (nacido en Tel Aviv en 1967, vive y trabaja en Londres) que, a lo largo de su carrera de quince años, ha tratado la historia y la metáfora, los viajes y el lugar geográfico y la interrelación constante del espacio metafísico.

© Ori Gersht

Biografía

Ori Gersht se graduó en Fotografía, Cine y Video por la Universidad de Westminster, Londres, y realizó un master en fotografía en el Royal College of Art de Londres.

Tanto como fotógrafo como video artista Gersht dirige su lente a sitios de trauma colectivo, de violencia y pérdida, examinando los poderes del tiempo y del paisaje para preservar y borrar la historia. Sus sutiles, silenciosos y hermosos videos y fotografías realizados en Bosnia, Auschwitz, Ucrania e Hiroshima muestran paisajes aparentemente normales con un aura misteriosa que insinúa su pasado.

En series recientes Gersht ha imaginado la confluencia de la tecnología y la producción artística en sus extremos lógicos, reconstruyendo composiciones clásicas de bodegones de flores y frutas que explotan y capturando el momento de la destrucción con una cámara de alta velocidad.

Sus obras han sido expuestas en exposiciones individuales y colectivas como Afterglow en Tate Britain in 2002, The Clearing en la Photographers' Gallery de Londres en 2005/06, Black Box en el Hirschhorn Museum Washington en 2008/09 y Lost In Time en el Santa Barbara Museum de California en 2011. En 2012, se expuso su serie History Repeating en el Museum of Fine Arts de Boston.

Ha participado recientemente en exposiciones colectivas como Eating Art, La Pedrera/Casa Milà en Barcelona en 2011, Ori Gersht, Idris Kahn, Boo Ritson en el Centro Andaluz de la Fotografia de Almería en 2008/09, In Focus: Living History en el Tate Modern de Londres en 2007, Twilight: Photographyin the Magic Hour en el Victoria & Albert Museum de Londres e Inside-Out, Contemporary Artists from Israel en MARCO en Vigo, ambos en 2006.

Está representado por Angles Gallery en Los Ángeles, CRG Gallery en Nueva York, Mummery + Schnelle Gallery en Londres, y NogaGallery en Tel Aviv.

Referencias

• Ori Gersht en wikipedia (EN),
• Ori Gersht en crggallery (EN [+40f]),
• Ori Gersht en mummeryschnelle (EN [+100f]),
• Ori Gersht en anglesgallery (EN [40f]),
• Ori Gersht en nogagallery (EN [21f 11v]),
• Ori Gersht: History Repeating en mfa (EN [8f 2v]),
• Ori Gersht: Lost in Time en x-traonline (EN [3f]),
• Beauty, Tender and Fleeting, Amid History’s Ire en nytimes (EN [9f]),
• Ori Gersht en artsy (EN [22f 2v]),
• Ori Gersht en brandnew-gallery (EN [44f]),
• Ori Gersht en guggenheim (EN [1f]),
• On the Wall: Ori Gersht's Haunting Lives, Still and Otherwise en americanphotomag (EN [9f]),
• War blossoms into art: Ori Gersht at the Imperial War Museum – in pictures en theguardian(EN [12f]).

Libros

• Ori Gersht: History Repeating 2012.

Maxine Helfman es una fotógrafa estadounidense (vive en Houston, Texas) que realiza fotografía de publicidad, moda y editorial, además de proyectos personales donde coloca al ser humano con ropa o en situaciones distintas de las normales, atendiendo a la raza y la desigualdad.

© Maxine Helfman

Biografía

Maxine Helfman trabajó años como estilista y directora artística, pero se dio cuenta de que la única manera de crear realmente su visión era conseguir estar detrás de la cámara. Desde entonces, ha estado fotografiando en el mercado de la publicidad y en editoriales mientras trabaja también en proyectos personales.

Fotógrafa autodidacta, su trabajo ha sido reconocido por PX3, IPA, Foto DC, Flash Forward Boston, Critical Mass, British Journal of Photography, Photo News, se ha publicado en diversas revistas y se puede contemplar en la colección permanente del Santa Barbra Museum of Art y en el Museum of Fine Art de Houston.

Su serie Forefathers (dentro de una serie de proyectos sobre la raza y la desigualdad a través de una perspectiva histórica) muestra a 8 presidentes de los EEUU que eran propietarios de esclavos en un collage de su retrato histórico con retratos de personas de raza negra.

En Historical Correction se Inspira en la pintura flamenca, reinterpretando estos viejos maestros desde un punto de vista más contemporáneo. Las poblaciones cambian, el género y la raza se redefinen, las definiciones anteriores son desafiadas, y los rostros de las culturas y las costumbres cambian.

Su serie Fabrication muestra a niños varones vestidos con ropa de niña, sorprendiendo con el doble significado que emerge de alto tan simple como un trozo de tela.

En Geisha habla de expectativas y sumisión, a través de fotografías de mujeres negras en traje de geisha.

Su serie más reciente, Summertime, nos recuerda el exuberante paisaje del sur de EEUU a través de objetos incorporados, pero sus retratos nos participan del poder y la gracia inherente de las mujeres que se sienten cómodas en su piel.

Referencias

• su página web www.maxinehelfman.com (EN [?f]),
• Maxine Helfman en wall-spacegallery (EN [55f]),
• Maxine Helfman en griffinmuseum (EN [15f]),
• Maxine Helfman en lenscratch (EN [19f]),
• Maxine Helfman en atlengthmag (EN [4f]),
• Maxine Helfman en all-about-photo (EN [17f]),
• Maxine Helfman: Forefathers en lenscratch (EN [6f]),
• Rethinking the Flemish portrait en cnn (EN [14f]),
• Boys In Dresses en pdnonline (EN [8f]),
• Historical correction by Maxine Helfman en dodho (EN [12f]),
• Maxine Helfman en galerievu (FR [1f]),
• Entrevista a Maxine Helfman en jrphoto (EN [5f]),
• Maxine Helfman en facebook (EN [?f]).

Biografía

Referencias

• Joaquim Pla Janini en wikipedia,
• Joaquim Pla Janini en museunacional [+20f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f],
• Joaquim Pla Janini en juannaranjo [1f],
• Joaquim Pla Janini en pmssttt [10f],
• Joaquim Pla Janini en senciales [3f],

Libros

• El doctor don Joaquín Pla Janini, figura representativa de la fotografía contemporánea. Art de la llum nº 17,  de Claudi Carbonell, 1934
• Pla Janini: Axe de la Photographie Catalane 1906-1936, de Joan Fontcuberta, 1980
• Joaquim Pla Janini: la fotografia apassionada, de Pere Formiguera, 1995
• La fotografia pictoralista a Espanya 1900-1936, de Cristina Zelich, 1998
• Fotografia Catalana 1900-1940: el Camí vers la modernitat,de Joan Fontcuberta, 2000
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI  2013.

Nathan Wirth es un fotógrafo estadounidense (nacido en San Francisco, California, vive en Marin County) que utiliza una variedad de técnicas, como la larga exposición, infrarrojos o el movimiento intencional de cámara para expresar su asombro interminable del hecho fundamental de la existencia.

© Nathan Wirth

Biografía

Nathan Wirth es un fotógrafo autodidacta que obtuvo su licenciatura en Arte y un master en Literatura Inglesa por la San Francisco State University, nos regala una profunda apreciación de la poesía en sus exploraciones de bellos lugares (sobre todo marinos).

Poetas como George Oppen, James Schuyler, Seamus Heaney, Lorine Niedecker, Elizabeth Bishop, William Wordsworth, Robert Frost y George Mackay Brown han jugado un papel fundamental en la conformación de su atención a las cosas y lugares que fotografía. A menudo, volviendo a los mismos lugares muchas veces, Wirth busca explorar el silencio y la sublimidad de esos lugares.

Además de por la poesía, Wirth está profundamente influenciado por las pinturas de Edward Hopper, Mark Rothko, Caspar David Friedrich y Camille Pissarro y la fotografía deMichael Levin, David Burdeny, Michael Kenna, Edward Weston y Ansel Adams, así como sus amigos Ian Graham, Joel Tjintjelaar y Hilary Anne Stephens.

Recientemente, Nathan ha estado estudiando e integrando en su trabajo tradiciones japonesas de Zen, piedras de jardín y caligrafía, así como la fugacidad, la impermanencia, y las imperfecciones de wabi-sabi. Sus estudios de caligrafía y de textos de Zen le han llevado a la práctica de tratar de lograr, mientras trabajaba en su fotografía, una mente sin pensamiento (mu-shin no shin), una mente no preocupada con emociones ni pensamientos, de manera que pueda con la mayor libertad posible simplemente crear.

Nathan también es el editor de su blog slices of silence, un sitio en línea para conversar sobre fotografía.

Después de haber vivido en San Francisco durante sus primeros 44 años, se trasladó a Marin County yse gana la vida enseñando Composición inglesa en la San Francisco State University y en el City College de San Francisco.

Referencias

• su página web nlwirth.com (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• Nathan Wirth en flickr (EN [+180f]),
• Nathan Wirth en 500px (EN [+180f]),
• Nathan Wirth en behance (EN [?f]),
• Nathan Wirth en thegreathighway (EN [29f]),
• Poetic Nature Photography by Nathan Wirth en 121clicks (EN [24f]),
• Legendary Black and White Seascape Photography by Nathan Wirth en photographyoffice(EN [15f]),
• Nathan Wirth | A Slice of Silence en integrallife (EN [25f]),
• Nathan Wirth’s Stunning Infrared Landscape Photographs of the San Francisco Bay Area en featureshoot (EN [7f]),
• Nathan Wirth - Self & en doctorojiplatico [11f],
• Nathan Wirth en ndmagazine (EN [19f]),
• Photographer In Focus: Nathan Wirth en fstoplounge (EN [10f]),
• Nathan Wirth en monastry (EN [19f]),
• Nathan Wirth en dodho (EN [9f]),
• Nathan Wirth en google+ (EN [?f]),
• A Slice of Silence Photography (Nathan Wirth) en facebook (EN [?f]).

Libros

• a slice of silence.

Biografía

Referencias

• Otho Lloyd en wikipedia (EN [1f]),
• Otho Lloyd en museunacional (CA, EN, ES [30f]),
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• Otho Lloyd Fundación “la Caixa”, 1992.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI  2013.

Biografía

Referencias

• Heribert Mariezcurrena i Corrons, retratista de Jacint Verdaguer i pioner del fotoperiodisme a Espanya (1847-1898) en lespincesdelfotograf (CA [4f]),
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f], de la que he obtenido buena parte de esta biografía.
• Álbum pintoresch-monumental de Catalunya en todocoleccion [7f],
• Heribert Mariezcurrena en observatorifotograficbalears [2f].

Libros

• Heribert Mariezcurrena i la introducció de la fototipia i del fotogravat a Espanya, 1900
• Heribert Mariezcurrena i Corrons, retratista de Jacint Verdaguer i pioner del fotoperiodisme a Espanya (1847-1898), 2011.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI  2013.

Biografía

Referencias

• Mariano Rawicz en wikipedia [3f],
• Recordando a Mariano Rawicz en lahistoriadelapublicidad,
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f],
• El último abrazo en elplanetadeloslibros [1f],
• Mariano Rawicz en educastur,
• Sueño y Mentira de Franco: más allá del propio Picasso en blogmuseupicassobcn [2f],
• Confesionario de papel en minernm [2f],
• El chiquito en minernm [1f].

Libros

• Confesionario de papel: memorias de un inconformista, 1997.
• Impresos de vanguardia en España, 1912-1936, 2009.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Biografía

Referencias

• Arja Katariina Hyytiäinen en agencevu (EN [+300f]),
• Arja Katariina Hyytiäinen en epeaphoto (EN [3f]),
• Arja Katariina Hyytiäinen: Journey en lensculture (EN [24f]),
• Arja Katariina Hyytiäinen en all-about-photo (EN [17f 1v]),
• Arja Katariina Hyytiäinen en beristain [12f],
• Arja Katariina Hyytiäinen: Lost en noorderlicht (EN [6f]),
• Arja Katariina Hyytiäinen: Distance Now en galerijafotografija (EN [7f]),
• Arja Katariina Hyytiäinen en edit-revue (EN [19f]),
• Arja Katariina Hyytiäinen en morethanblog [8f],
• Arja Katariina Hyytiäinen en best-of-photography (EN [10f]),

Libros

• Arja Hyytiäinen | Carnet d'artiste.
• Distance Now.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Biografía

Puede considerarse su trabajo como un híbrido entre la fotografía y la pintura, en lo que él llama “pinturas de energía”, una fusión de la estética y preocupaciones visuales de la pintura con la inmediatez de registro visual y los dilemas propios de la fotografía actual. Construye sus fotos en papel japonés montado en lienzo o bastidores de pintor y luego los trabaja manualmente con acrílicos y barnices para desarrollar tanto la textura como el detalle.

Referencias

• su página web solhill.com (EN [+140f]),
• su blog (EN [?f]),
• Sol Hill en ndmagazine (EN [15f]),
• Sol Hill en all-about-photo (EN [17f]),
• Sol Hill. Signal for Noise en mopla (EN [1f]),
• Sol Hill, abstract figurative art photography en figurativeartist (EN [4f]),
• Sol Hill en parisphoto (EN [1f]),
• Sol Hill en artslant (EN [62f]),
• Sol Hill en facebook (EN [?f]).

Libros

• Sublime Noise, 2010.

Biografía

Referencias

• su página web alanhenriksen.com (EN [+250f]),
• Alan Henriksen en klotzgallery (EN [+100f]),
• Alan Henriksen. Acadia - Upper Hadlock Pond en lensculture (EN [20f]),
• Alan Henriksen: Contrapuntal Vision en photographyinterviews (EN [8f]),
• Alan Henriksen en bandwmag (EN [12f]),
• Alan Henriksen, photographer en thinklongislandfirst (EN [6f 1v]),
• Alan Henriksen en all-about-photo (EN [17f]),
• Alan Henriksen en installationmag (EN [4f]),
• Alan Henriksen en facebook (EN [?f]).

Biografía

Referencias

• su página web www.nicolasdhervillers.com (FR [?f]),
• Nicolas Dhervillers en schoolgallery (EN [+70f]),
• Nicolas Dhervillers en lenscratch (EN [14f]),
• Trends: Nicolas Dhervillers en loeildelaphotographie (EN [8f]),
• Nicolas Dhervillers en all-about-photo (EN [16f]),
• Nicolas Dhervillers en 500photographers (EN [9f 1v]),
• Nicolas Dhervillers en artsper (EN [7f]),
• Nicolas Dhervillers en parisphoto (EN [1f]),
• Nicolas Dhervillers en elpatiodeldiablo [5f],
• Displaced History and the Art of Collective Memory en time (EN [10f]),
• Nicolas Dhervillers en hkphotographs (EN [7f]),
• Nicolas Dhervillers en ozartsetc (EN [20f]).

Libros

• Behind the future 2012.

Roxanne Lowit es una fotógrafa estadounidense (con sede en Nueva York) que ha trabajado en la moda y en el retrato de celebridades y de la que se dice que "ha llegado a ser tan celebridad como las que fotografiaba”. Durante más de tres décadas ha captado los rostros, personalidades y espacios de la cultura moderna. Ver sus imágenes es ser testigo de la creación y la celebración de la moda y el arte y el teatro y el cine, el placer y la alegría y el deleite estético.

Iman, Paris, 1990 © Roxanne Lowit

Biografía

Roxanne Lowit se graduó en el Fashion Institute of Technology de Nueva York con una licenciatura en Historia del arte y diseño textil. Durante su exitosa carrera como diseñadora textil se dio cuenta de las posibilidades de la imagen instantánea, y comenzó a hacer fotos a finales de los años 70 con una Instamatic 110, fotografiando sus propios diseños en los desfiles de moda de Nueva York.

En poco tiempo estuvo cubriendo todos los diseñadores de París, donde sus amigos modelos, como Jerry Hall, le dejaban colarse entre bastidores, y fue allí donde encontró su lugar (y su carrera) en la moda, detrás de las pasarelas.

Lowit ha fotografiado miles de celebridades, como Andy Warhol, Salvador Dalí, Kate Moss, Yves Saint-Laurent, Johnny Depp, Madonna y George Clooney.

Su trabajo se ha exhibido en muchos de los principales museos del mundo, como el Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art, Victoria & Albert Museum,  Warhol Museum y el Museum of Modern Art de Moscú. Sus fotografías son parte de la colección permanente del prestigioso Kobe Fashion Museum de Japón. Ha expuesto de forma individual en Nueva York, París, Berlín, Ámsterdam y Londres, así como en exposiciones colectivas en Gagosian Gallery, Colette y Art Basel Miami.

Sus fotografías también han aparecido en muchas revistas, como Vogue, Vanity Fair, Elle francesa, V Magazine, Tatler, GQ, W y Glamour. Su innovador trabajo de publicidad ha incluido campañas memorables para marcas como Acura, Armani, Coca-Cola, DeBeers, Dior, Land Rover, Moët & Chandon y Vivienne Westwood.

Referencias

• su página web www.roxannelowit.com (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• Roxanne Lowit en wikipedia (EN),
• Roxanne Lowit en stevenkasher (EN [24f]),
• Roxanne Lowit en izzygallery (EN [15f]),
• Roxanne Lowit en gallery-kps (EN [34f]),
• Roxanne Lowit en younggalleryphoto (EN [60f]),
• Roxanne Lowit en preissfinearts (EN [32f]),
• Roxanne Lowit en dailymail (EN [10f]),
• Roxanne Lowit, cronista de lo fabuloso en 20minutos [8f],
• Roxanne Lowit, the first Backstage Photographer & her new Book about Yves Saint Laurent en agnautacouture (EN [20f]),
• Instagram Spotlight: Roxanne Lowit's Celebrity Skin en huffingtonpost (EN [14f 1v]),
• Roxanne Lowit's Shots of Kate Moss, Gisele en papermag (EN [12f]),
• Roxanne Lowit en facebook (EN [?f]).

Libros

• Moments (1990)
• People (2001)
• Backstage Dior(2009)
• Yves Saint Laurent(2014).

Marcel Giró fue un fotógrafo catalán (nació en Badalona el 20 de octubre de 1913, fallecido en Mirasol, Barcelona, el 24 de julio de 2011) que se exilió a Brasil y se convirtió en uno de los principales miembros de la llamada Escuela Paulista, pioneros de la fotografía moderna en el Brasil de los años 50. Considerado un gran modernista con especial interés por los claroscuros y el disfrute por la abstracción y la búsqueda de nuevas formas, predominando composiciones sencillas pero potentes.

© Marcel Giró

Biografía

Marcel Giró fue hijo de un industrial del ramo textil, y desde muy joven aficionado a la montaña y a la fotografía. Estudió la Escuela Industrial de Tarrasa mientras ayudaba en el negocio familiar.

Al inicio de la Guerra Civil española se movilizó como voluntario del Regimiento Pirenaico, dependiendo de la Generalitat de Cataluña. En 1937, decepcionado por los constantes enfrentamientos entre las diferentes facciones que luchan contra Franco, decidió exiliarse, atravesando los Pirineos a pie, desde Berga hasta Francia donde vivió casi dos años haciendo todo tipo de trabajos.

Finalmente en 1940 pudo viajar hasta Colombia con dos compañeros catalanes, donde montaron un pequeño negocio textil. Se casó con la catalana Palmira Puig y se trasladaron a Brasil donde fijaron su residencia. En Brasil Giró retomó su afición y acabó dedicándose profesionalmente a la fotografía. En 1953 abrió su propio estudio en Sao Paulo, Estúdio Giró.

Marcel Giró se convirtió en uno de los principales fotógrafos del país, miembro destacado de lo que se conoció como Escuela Paulista. Este movimiento, pionero de la fotografía moderna en Brasil nació alrededor del Foto Cine Club Bandeirante, en los años 50, con fotógrafos como José Yalenti, Thomaz Farkas, Benedito Junqueira Duarte, Gertrudes Altschul, Eduardo Salvatore, Chico Albuquerque, Geraldo de Barros, Rubens Teixeira Scavone, Ademar Manarini, Willian Brigata, Emil Issa, German Lorca, Moacir Moreira, Alfio Trovato y Gaspar Gasparian entre otros.

Expuso sus obras por todo el Brasil y alrededor del mundo. Una de sus fotografías Luz e força, fue seleccionada para la exposición Photography in the Fine Arts (Nueva York, 1968) y forma parte de la colección del Metropolitan Museum de Nueva York.

Giró fue también uno de los pioneros de la fotografía publicitaria en Brasil. En su estudio trabajaron jóvenes asistentes que después serían grandes fotógrafos mundialmente reconocidos como JR Duran y Marcio Scavone.

Tras la muerte de su esposa en 1978, que tuvo una gran importancia en su trabajo y su obra, como compañera, musa e inspiración, dejó la fotografía profesional y la fotografía artística. Vendió el estudio y volvió a Cataluña, donde durante los años 80 y 90 se dedicó a viajar junto con su compañera Paquita Raigal y comenzó a pintar con un criterio muy cercano al de sus fotografías de los 50.

Referencias

• su página web www.marcelgiro.com (CA, EN, ES, PB [+50f 1v]),
• Marcel Giró en wikipedia [?f])
• Badalona expone las fotografías de Marcel Giró en lavanguardia [1f],
• Marcel Giró en revistaojosrojos [8f],
• Marcel Giró en estudiomadalena (EN, ES, PB [6f 1v]),
• La mirada implacable de Marcel Giró en ara (CA [?f]),
• Marcel Giró moderno: Fotografias vintage dos anos 50 en galeriabergamin (PB [12f]),
• Marcel Giró en facebook [?f].

Libros

• Marcel Giró. Fotografies/Fotografias.
• Marcel Giró moderno.
• Marcel Giró. fotògraf.

Madhur Dhingra es un fotógrafo indio (nacido en Delhi) que trabaja en publicidad y fotografía editorial. También hace fotografía de viajes y retratos en la calle.

© Madhur Dhingra

Biografía

Madhur Dhingra nació en Delhi como hijo único en una familia desgarrada por la separación India/Pakistán previa a la independencia. Proveniente de una familia acomodada en Pakistán ahora su familia estaba luchando por la supervivencia en la ciudad amurallada de Delhi como refugiados sin dinero.

Con el tiempo, las cosas mejoraron económicamente en todo el país y también en su familia. Sin embargo, su padre nunca podría borrar las cicatrices de la partición y Madhur la vivió para bien o para mal a pesar de nacer mucho más tarde en Nueva Delhi. Su época de estudiante se convertiría en la parte más memorable de su vida, disfrutada a fondo, sobre todo por las actividades extracurriculares: excursiones, acampadas, nadar y montar en bicicleta con los boy scouts. Después se incorporó a la Universidad de Delhi, pero quería viajar por el mundo y se fue a la marina de guerra con 17 años, viendo mundo y acumulando experiencias sorprendentes en poco tiempo.

Después de 5 años de navegación la novedad había desaparecido y finalmente volvió a su casa y negocio familiar y se casó y tuvo 2 hijos. Al tiempo intentó aprender escultura en Triveni Kala Sangam pero no cuajó y finalmente llegó a sus manos una réflex Ricoh 500 y empezó a tomar clases de fotografía con el que finalmente ha sido su gran amigo Satyasri Ukil. Pronto montó su propio cuarto oscuro en su casa y empezó a revelar y positivar por las noches.

Luego hizo senderismo de alto nivel  con su nueva réflex y a trabajar con agencias de publicidad. Pero pronto se aburrió y tenía que expresarse de una manera diferente. Decidió realizar su primera exposición individual y mostró sus paisajes y trabajo de montaña a los gestores del INDIA INTERNATIONAL CENTRE, que estuvieron de acuerdo en patrocinarla. 

Preparando la exposición realizó un nuevo viaje a Ladakh, donde encontró una inmensa paz y tranquilidad en los monasterios que visitó. Las filtraciones de luz por las ventanas y puertas en los interiores oscuros de los monasterios eran realmente bonitas, tranquilas y pacíficas. Luego fue a los ghats de Benarés donde encontró  una luz cálida y dorada, casi celestial. Y luego fue a Haridwar durante el Purn Kumbh donde los shadus Naga llenaban al asalto sus calles y se mezclaban verdaderos sanyasins y malhechores.

El resultado fue una serie de fotografías muy distinta de lo que esperaba la galería IIC Gallery que rehusó realizarla si no se quitaban las fotos de shadus desnudos y cadáveres quemados, lo que hubiera dejado incompleto el ensayo fotográfico "donde el hombre se encuentra con Dios'" que era una historia del paso del hombre por la vida, sus viajes, su búsqueda de Dios.

Posteriormente CII llegó a un compromiso, visualizando las imágenes frente al muro de la galería, de manera que quien quisiera verlas pudiera hacerlo bajo su propio criterio. Muchas personas de renombre visitaron la exposición, que fue un gran éxito en su conjunto.

Referencias

• su página web www.madhurdhingra.com (EN [+100f]),
• Madhur Dhingra en 500px (EN [8f]),
• Madhur Dhingra en nationalgeographic (EN [2f]),
• Madhur Dhingra en all-about-photo (EN [17f]),
• A quest for the eternal, by Madhur Dhingra en co-mag (EN [14f]),
• Madhur Dhingra en interestingphotographers (EN [13f]),
• Madhur Dhingra en google+ (EN [?f]).

 

Robin Hammond es un fotógrafo neozelandés (nacido en 1975, vive actualmente en París) que ha dedicado su carrera a la documentación de los derechos humanos y del desarrollo por todo el mundo a través de proyectos fotográficos de larga duración.

Condemned. African mental patient tied to tree © Robin Hammond

Biografía

Robin Hammond se trasladó al Reino Unido en 2002 y comenzó a trabajar como fotógrafo freelance. Es reconocido por su trabajo de investigación sobre derechos humanos y cuestiones ambientales, a menudo teniendo que trabajar en condiciones encubiertas o de dificultad extrema. Sus temas varían desde el impacto del cambio climático en las comunidades insulares del Pacífico a la violación utilizada como arma de guerra en el Congo y Bosnia, a la intoxicación de los ecosistemas de los países en desarrollo por multinacionales, a la subida de la clase media de África, …

Forma parte de la agencia Panos Pictures desde 2007. Su investigación sobre la trata y la explotación de niños futbolistas de África occidental fue preseleccionada para el premio One World en 2008.

Ha conseguido cuatro premios de Amnistía Internacional en periodismo de Derechos Humanos, En 2011 ganó el Carmignac Gestion Photojournalism Award lo que le permitió documentar Zimbabwe durante cuatro meses. Actes Sud publicó el libro coincidiendo con una exposición de esta obra en París en 2012. En 2013 ganó el premio FotoEvidence con el libro lo que dio lugar a la publicación de su proyecto a largo plazo sobre la salud mental en África, Condemned. Este cuerpo de trabajo se exhibió en 2012 en el festival de fotoperiodismo Visa Pour l'Image, y en Nueva York, Italia y Bélgica.

En 2013 consiguió una beca W. Eugene Smith de Fotografía Humanista y un premio World Press Photo y un POYi World Understanding Award en 2014.

Después de vivir en Japón, el Reino Unido y Sudáfrica, Hammond actualmente vive en París, Francia. Colabora en varios periódicos y revistas internacionales, como National Geographic, Time Magazine, The Sunday Times Magazine, The New York Times y Polka Magazine. También trabaja regularmente con varias ONGs.

Referencias

• su página web www.robinhammond.co.uk (EN [?f 9v]),
• Robin Hammond en panos (EN [23f]),
• Robin Hammond en thephotosociety (EN [12f]),
• WPP: Robin Hammond, 2014, Contemporary Issues, second prize stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• Chronicling the Struggles of LGBT People Around the World en time (EN [17f]),
• Robin Hammond: From Nine To Noon en radionz (EN [13f]),
• Robin Hammond en pulitzercenter (EN [?f]),
• Robin Hammond: Condenados en comienzodecero [9f 1v],
• Robin Hammond: Condemned en panos (EN [62f]),
• Robin Hammond en fotoevidence (EN [4f]),
• Robin Hammond: The Largest Trade “On The Hoof” en nationalgeographic (EN [5f]),
• Robin Hammond en smithfund (EN [1v]),
• Robin Hammond en facebook (EN [?f]).

Libros

• Zimbabwe: Your Wounds Will Be Named Silence2013
• Condenned.

Fernando Manso es un fotógrafo madrileño (nacido en Madrid en 1961) observador respetuoso de la realidad y potenciador de su propia verdad, minucioso, minimalista, romántico y, por encima de todo, fotógrafo de la belleza.

© Fernando Manso

Pintar con luz mis sentimientos, sensaciones, es lo que me lleva a mostrar lo más profundo de mis emociones.
La paciencia que utilizo a la hora de fotografiar paisajes, me da pie a transportarme a unas sensaciones extrasensoriales, sin sentir y ni padecer, ni frío ni calor, ni sueño ni hambre… simplemente me evado y espero el momento mágico de captar lo que quiero transmitir.
Las sombras, el reflejo, el brillo, la bruma, la niebla, la tormenta…. En definitiva, la luz que nos hace percibir la realidad, con sus miles de interpretaciones. Esa es la fotografía.
Soy observador respetuoso de la realidad y potenciador de su propia verdad: minimalista, minucioso, romántico…pero sobre todo, fotógrafo de la belleza.

Biografía

Fernando Manso dirigió en el periodo 1984-1988 el departamento de fotografía profesional de Canon, organizando el CPS, asesorando a fotógrafos profesionales de prensa y moda. De forma autodidacta comenzó a realizar sus primeras fotografías. Trabajó en la agencia publicitaria Contrapunto de 1988 a 1990.

En 1990 se independizó como fotógrafo profesional en el mundo de la publicidad, realizando campañas muchas de las grandes campañas de este país y estando presente en revistas internacionales como Archive y Communication Arts. Durante este periodo, editó cinco libros, cuatro calendarios y el catálogo de su primera exposición en la galería Arte XXI (2006), a la que han seguido numerosas exposiciones en grupo y en solitario, entre las que podemos citar:

• Ramas Japonesas (2008), en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla.
• exposición de 60 obras en el stand de FITUR de la Comunidad de Madrid, en el 2009
• exposición de 31 originales en el Instituto Cervantes de Moscú, en 2009
• exposición de 66 obras como autor único durante el tornero Mutua Madrileña Madrid Open de Tenis, en la Caja Mágica
• Madrid, Región inédita en los Institutos Cervantes de Brasil (Sao Paulo, Porto Alegre, Florianopolis, Salvador, Recife, Río de Janeiro y Brasilia);

En 2007 editó un libro sobre el mundo de la vela, con visión artística, realizado con motivo de la Copa América (Valencia, 2007), por encargo de Caja Madrid. Durante todo el año 2008 se dedicó a la realización de originales de autor sobre la Comunidad de Madrid, encargado por Turismo Madrid.

En 2009 fue seleccionado junto a otros cinco fotógrafos para el proyecto Postales  del  Siglo XXI, que consistía en fotografiar las obras arquitectónicas más importantes de los últimos 20 años en Madrid.

Fernando Manso ha sido premiado en varias ocasiones:  premio Nacional de las Artes 2008, en gastronomía, concedido por la Real Academía de Gastronomía, y el premio AMPE (2011) de plata sobre Asturias/Niemeyer.

Su paciente mimo a la hora de capturar la luz de las escenas que retrata se traduce en unos trabajos de una belleza sobrecogedora. Manso traslada lo idílico y lo romántico al papel fotográfico. Su cámara de placas 10x12” no es un mero instrumento, sino una aliada fundamental para detener en el tiempo los lugares por los que pasea el artista. Un trabajo artesanal y el que no tome ninguna instantánea hasta que la siente son sus conceptos fundamentales.

Referencias

• su página web fernandomanso.com (EN, ES [?f]),
• Fernando Manso: España mágica en ojoacromatico [16f],
• Las fotografías etéreas de Fernando Manso en descubrirelarte [9f],
• Fernando Manso: Una visión onírica de Madrid en lomejor [7f],
• La ‘Luz oxidada’ de Fernando Manso en hoyesarte [10f],
• Manso, el Antonio López de la fotografía en abc [1f],
• España, de Fernando Manso en elcultural [15f],
• Fernando Manso: Madrid en ojoacromatico [11f],
• Fernando Manso en tuhuella [9f],
• Fernando Manso en facebook [?f].

Libros

• Madrid2008
• Madrid2011
• España2012
• La Alhambra, 2013.

Carlos Aires es un artista visual y fotógrafo andaluz (nacido en Ronda, Málaga, en 1974, vive en Madrid), que en sus instalaciones, videos y fotografías a contracorriente, distintas, felices, abiertas y provocadoras de inquietudes intenta comprometer y cuestionar la realidad, aburrida y marcada por la pauta que la historia de los buenos nos quiere mostrar. En su fotografía los protagonistas no son actores, son personas que viven una historia real tangente a la que quieren que sea la única.

© Carlos Aires

La fotografía me parece un medio bastante interesante y un medio que se ha considerado siempre objetivo cuando, y sobre todo ahora, realmente no es objetivo. Pero es que ahora todavía es más así porque se pueden crear imágenes que no existen. Y esa línea entre lo real y lo que no es, me parece muy interesante, como en la serie que hice de los enanos toreros y demás.

Biografía

Carlos Aires está licenciado y doctorado en Bellas Artes por la Facultad Alonso Cano de Granada, y realizó el Master of European Arts and Cultures de la Leicester University y la Fontys Academy de Tilburg. Una vez concluida su licenciatura prorrogó su estancia en Holanda gracias a una de las Becas Manuel Rivera para la ampliación de estudios artísticos en el extranjero, que le concedió la Diputación de Granada en el año 2000. Mientras estaba en Holanda fue becado por el Atelier del De Pont Museum de Tilburg, donde trabajó como montador de exposiciones mientras ejercía en paralelo de asistente del escultor holandés Guido Geelen. De 2001 a 2003 amplió estudios en el Hisk de Amberes y al año siguiente se trasladó a Columbus (Ohio, EEUU), para cursar el Master in Photography de The Ohio State University.

Aires es un artista visual con una base fotográfica y videográfica en sus trabajos, aunque sus orígenes como escultor son evidentes en la presentación de sus exposiciones. Sus provocativas obras esconden un drama detrás de la belleza, el dolor reflejado a través de una sonrisa.

En esta línea se inscriben:

• su impactante vídeo de 2004 Mister hyde I (Darkroom) donde combinaba escenas grabadas con cámara oculta en el cuarto oscuro de una discoteca gay con otras registradas en un túnel del horror.
• Love is the Air (2007), en la que siluetas extraídas de imágenes de contenido violento y trágico recortadas sobre vinilos o grabadas en cuchillos de cocina entran en confrontación con el mismo nombre de la instalación o los títulos de los discos.
• Y Opening Night (2012), instalación concebida especialmente para el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, compuesta por 2.500 farolillos con impresiones de fotografías de ésta y otras temáticas, que iluminan intermitentemente la sala de la exposición.

Su obra ha podido verse en exposiciones organizadas por instituciones y museos como el Bozar de Bruselas (2005), Artium de Vitoria-Gasteiz (2010), el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote (2011), el Museu Casal Solleric de Palma de Mallorca (2012), el Palacio Imperial Belvedere de Viena (2012), Domus Artium de Salamanca (2013) y el centro de arte Maison Particulière de Bruselas (2013), entre otros.

Como reconocimiento a su trabajo, ha recibido diversos premios, comenzando con el Primer Premio Jóvenes Creadores Malagueños (1998), siguiendo con la Beca Manuel Rivera de la Diputación de Granada (2000), el Premio De Pont Foundation (2001), el premio Joven Autor Andaluz de Caja San Fernando (2001), la Beca Fulbright del Ministerio de Educación y Ciencia (2003), el Premio Jóvenes Creadores Andaluces del Instituto Andaluz de la Juventud (2004), el Prix de la Jeune Peinture Belge (2005) y el Primer Premio Generación 2008 de Caja Madrid.

Posee obra en las colecciones permanentes de Artium de Vitoria, el Instituto Andaluz de la Juventud, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, el National Belgium Bank, el museo Arter de Estambul y el museo Mak de Viena, entre otras instituciones.

En la actualidad, tras 14 años en el extranjero, lleva ya 4 en España, está desprendiéndose de las influencias adquiridas durante los años de estudios en la facultad de Bellas Artes. Pretende ir eliminando un cierto “amaneramiento” presente en sus obras e intenta expresar sus ideas de una manera más directa, sin adornos superfluos. Su trabajo se concentra cada vez menos en su persona, en el “yo”, y se concentra en lo que le rodea. Su estado de ánimo puede verse reflejado en el nombre de su exposición más reciente, Luto, en el Centro de Arte de Alcobendas.

Referencias

• su página web carlosaires.com [?f],
• Carlos Aires en artium [+10f],
• Carlos Aires en adngaleria [16f],
• Entrevista a Carlos Aires en elcultural [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f],
• Carlos Aires. Sandunga en elcultural [1f],
• La vuelta al mundo de Carlos Aires en diariosur [1f],
• Carlos Aires. Luto en issuu [1b],
• Carlos Aires en artpill [8f],
• Carlos Aires en facebook [?f].

Libros

• Opening Night, 2012.
• Luto, 2013
• Bilis Negra, 2013
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.