Nikolai Ishchuk es un artista ruso (nacido en Moscú en 1982, vive en Londres) cuya práctica puede ser descrita como fotografía basada en acciones, incluyendo escultura, instalación, collage y otros elementos. Siempre cambiante, atraviesa estos territorios fronterizos para crear obras híbridas y probar los límites del medio fotográfico.

Spill 6© Nikolai Ishchuk

Biografía

Nikolai Ishchuk nació en Moscú, fue a la escuela en Moscú y Boston, estudió economía y sociología en la Universidad de York, investigó transformaciones globales en la Universidad de Cambridge y se especializó en la creación de imágenes en el London College of Communication. Obtuvo un MFA del Chelsea College of Art and Design de Londres.

Su trabajo se aparta de lo considerado normal en el medio fotográfico, investigando cómo la fotografía puede dar lugar a objetos que posteriormente se convierten en autónomos, y lo que sucede cuando las impresiones, en lugar de ser superficies del contenido figurativo, comienzan a servir como simples sustratos para continuar la actividad y la expresión.

Ha sido el primer fotógrafo no documental en ganar el British Journal of Photography Award. Ha expuesto a nivel internacional, incluyendo instituciones como Whitechapel Gallery (Londres) y el Museo de Arte Moderno de Moscú.

Sus exposiciones más recientes son:

• Photo50: Against Natureen Londres, 2015.
• Share This! Appropriation After Cynicism, Denny Gallery en Nueva York, 2014
• Nikolai Ishchuk: Indeterminate Objects, Denny Gallery en Nueva York, 2014
• Jerwood Encounters: Family Politics, Jerwood Space en Londres, 2013
• Chelsea Postgraduate Show 2013, Chelsea College en Londres, 2013
• The Studio Series. Chapter 4: Nikolai Ishchuk, FoodFace en Londres, 2013
• Unfamiliar, Denny Gallery en Nueva York, 2013
• Breathing Space, Camberwell Space en Londres, 2013
• Portfolio Russie / Portfolio Rusland projection, Recyclart en Bruselas, 2013
• …

Está representado por la galería Denny Gallery de Nueva York.

Referencias

• su página web nikolai-ishchuk.com (EN [+300f 5v]),
• Nikolai Ishchuk en dennygallery (EN [20f]),
• Nikolai Ishchuk en photoawards (EN [5f]),
• Nikolai Ishchuk: BJP’s International Photography Award en eighteen39 (EN [1f]),
• Nikolai Ishchuk en artsy (EN [23f]),
• Nikolai Ishchuk en dazeddigital (EN [2f]),
• Artist Nikolai Ishchuk creates solid artworks with unusual materials en watco (EN [5f]),
• What does one hundred trillion dollars look like? en eighteen39 (EN [8f]),
• Nikolai Ishchuk  en facebook (EN [?f]).

Shirana Shahbazi es una fotógrafa iraní (nacida en 1974 en Teherán, vive y trabaja en Zúrich, Suiza) cuyo trabajo incluye instalaciones y grandes imágenes conceptualizados de la vida cotidiana.

© Shirana Shahbazi

Biografía

Shirana Shahbazi estudió fotografía en la Universidad de Ciencias Aplicadas y Artes en Dortmund (1995-1997), antes de asistir al Museo de Diseño de Zúrich, Suiza (1997-2000).

Alternando entre la abstracción y la representación, sus imágenes de colores vivos se hacen en el estilo nítido de la fotografía comercial de estudio, sin ayuda de herramientas digitales. Para hacer sus composiciones abstractas, a veces hace varias imágenes de los mismos objetos, creando una interacción dinámica entre superficie y profundidad,  el campo del color y el patrón geométrico.

Shahbazi organiza sus fotos en combinaciones sorprendentes. Yuxtapone geometrías abstractas con los bordes duros de montañas escarpadas y la forma precisa de un buzo en pleno vuelo. Sus fotografías, en diferentes medios y dispuestas en diferentes agrupaciones cada vez que se muestran, juegan de manera diferente con la percepción del espectador con cada nueva iteración.

Su exitosa secuencia Goftare Nik/Good Wordsde fotografías en color tomadas en Irán (y que luego fueron publicadas como libro) obtuvieron inesperadamente el Citibank Photography Prize en 2002. También en 2002, presentó una serie de imágenes de Suiza titulada The Garden. En la Bienal de Venecia de 2003, presentó The Annunciation, una instalación enorme con murales de pintores iraníes basados en sus fotografías y un techo de lirios.

Presentado como una instalación, su serie Meanwhile (2007) combina imágenes cotidianas de paisajes, retratos y naturalezas muertas de sus viajes por el mundo. Una de sus imágenes se expandió a tamaño póster por un artista iraní de carteles, y otras fotografías se han reproducido como pinturas o incluso alfombras. Su exposición Then Again(2012) presenta 18 obras de gran formato que muestran cómo una fotografía puede transformarse de una representación de la realidad en una abstracción geométrica.

Su trabajo ha sido expuesto en el Centre d’Art Contemporain, Ginebra, Suiza; Barbican Art Gallery, Londres; Swiss Institute, Nueva York; Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Holanda; Hammer Museum, Los Ángeles; MoMA, Nueva York y Kunsthalle, Berna, Suiza.

Referencias

• Shirana Shahbazi en wikipedia (EN [1f]),
• Shirana Shahbazi en bobvanorsouw (EN [+80f]),
• Shirana Shahbazi en moma (EN [8f]),
• ShiHammer Projects: Shirana Shahbazi en ucla (EN [11f]),
• Shirana Shahbazi en galerierudolfinum (CS, EN [7f]),
• Fotomuseum Winterthur: «Shirana Shahbazi – Much like Zero» en literaturundkunst (DE [6f]),
• Shirana Shahbazi en thebreedersystem (EN [14f]),
• Entrevista a Shirana Shahbazi en swissinstitute (EN [1f]),
• Shirana Shahbazi en mkgallery (EN [7f]),
• Shirana Shahbazi en parisphoto (EN [6f]).

Libros

• (2001) Goftare Nik/Good Words.
• (2004) Shirana Shahbazi: Risk is our business.
• (2005) Shahrzad: History.
• (2006) Accept the expected.
• (2012) Shirana Shahbazi: Then Again.
• (2014) Monstera.

Magdalena Berny es una fotógrafa polaca (nacida en 1976) que crea bonitas y bucólicas imágenes en las que potencia la inocencia de la infancia, retratando a niños en paisajes naturales o fondos de un solo color.

© Magdalena Berny

Biografía

Magdalena Berny se graduó en la Universidad de Educación Física de Poznan y es fotógrafa autodidacta, apasionada y madre de dos hijos. Con los años, se las arregló para crear su propio estilo muy distintivo y sus obras han sido publicadas en la prensa polaca y extranjera dedicada a la fotografía, en ilustraciones utilizadas como guías para fotografiar a niños y en los portadas de libros.

Fotografía comercialmente eventos sociales como bodas y comuniones y también ha participado en concursos y salones de fotografía internacionales, consiguiendo premios y medallas.

El nacimiento de sus hijos ha determinado la elección del tema principal de sus fotos La fotografía no es sólo para atrapar los momentos vividos con los niños sino también un registro de sus propias emociones, a veces fuertes, a veces más débiles. Evita las referencias al mundo moderno, y a menudo trata de incorporar elementos como paisajes campestres bucólicos para crear un clima de cuentos de hadas, apoyándose en una iluminación sublime y un artístico balance de color.

Referencias

• su página web magdalenaberny.com (PL [+200f]),
• Magdalena Berny en fotoferia (PL [+350f]),
• Magdalena Berny en 500px (EN [+100f]),
• Magda Berny en 1x.com (EN [150f]),
• Magdalena Berny en 121clicks (EN [28f]),
• Magdalena Berny en artlimited (EN [40f]),
• Magdalena Berny en all-about-photo (EN [16f]),
• Magdalena Berny en pictureasiablog (EN [8f]),
• Magdalena Berny en facebook (PL [?f]).

Libros

• Odcienie dziecinstwa.

Raúl Belinchón es un fotógrafo levantino (nacido en Valencia en 1975, donde vive y trabaja) cuya obra ha ido evolucionando desde el reportaje intimista hasta un documentalismo más puro, centrado en mostrar arquitecturas, espacios interiores o paisajes carentes de individuos, a través de los cuales reflexiona acerca de la condición humana.

© Raúl Belinchón

Biografía

Raúl Belinchón se licenció en 2004 en Historia del Arte por la Universidad de Valencia. Presente ya en PHotoEspaña en 1999 y en 2002 con José y familia.

Ha recibido la Beca de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura (2002) y la de la Academia de España en Roma (2004), un 3º premio World Press Photo en la categoría de Arte y Entretenimiento con Ciudades subterráneas (2004) y un primer premio Fuji Euro Press Photo Awards (2004). En 2008 fue finalista del Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler y en 2009 fue nominado para el Prix Pictet.

Su trabajo ha sido expuesto en Paris Photo 2005 (Patio de butacas, Museo del Louvre); en la Fundació Miró de Barcelona (2009) y en el Museu Nacional do Conjunto Cultural da Republica de Brasilia (2010) con Kéyah; en Casa de América (Madrid, 2011) y en Valparaíso Intervenciones (Chile, 2012) con Tierras en silencio/Altiro.

Posee obra, entre otras, en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Injuve de Madrid, el Ministerio de Cultura y la Comunidad de Madrid. Ha publicado en medios como El País Semanal, Citizen K, Der Spiegel y Repubblica delle Donne, entre otros.

Referencias

• su página web raulbelinchon.com [+1.500f],
• Raúl Belinchón en younggalleryphoto (EN [27f]),
• Raúl Belinchón (I) en 800iso [5f],
• Raúl Belinchón (y II) en 800iso [?f],
• Raúl Belinchón: Kéyah en fundaciomiro-bcn [2f],
• WPP: 2003, Raúl Belinchón, 3º prize, Arts and Entertainment stories en worldpressphoto [12f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [3f].
• “Patio de Butacas” de Raúl Belinchón en barcelonaphotobloggers [1f],
• Raúl Belinchón: Tierras en silencio en valparaisointervenciones [12f].

Libros

• José y familia, 1999;
• Sensación de vivir, 2003.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Sofía Santaclara es una fotógrafa española (nacida en Oviedo en 1970) cuya obra es poética y sugerente, moviéndose entre el simbolismo y el surrealismo.

© Sofía Santaclara

Mis imágenes son poemas de cuerpo y piel. Mirar a la cámara y desnudarme, callar para decirlo todo. Mis ojos de astígmata y sus córneas deformadas me regalan refracciones e ilusiones ópticas ambiguas y desordenadas. Buscar la pérdida del contorno, para hallar así la forma.

Biografía

Sofía Santaclara ha vivido y trabajado en Asturias, relacionada y enamorada de la danza y el teatro. Hace unos siete años, de forma casual, se encontró con la fotografía. Se entendieron rápido, y la tiene arrebatada desde entonces.

Sofía encontró en la fotografía una forma preciosa de vestir, de disfrazar y de maquillar la realidad, como si de una muñeca, o de sí misma se tratase. Busca lo intuitivo, lo irracional, la belleza, el misterio, lo ritual para invocar la magia. Cuando sueña su mundo todo es libre, lo ilógico está permitido, ángeles y demonios son hermanos, lo ordinario y lo cotidiano se convierten en situaciones poéticas y excepcionales, quiere contar lo efímera pero deliciosa que puede llegar a ser la vida.

Cuando le surge una idea la anota, dibuja, se documenta, se fascina. Todo tiene que ser rápido en ese proceso, si no se volatiliza de nuevo en la abstracción de su mente. Trabaja entonces atropellada, nerviosa, todo fluye muy deprisa, para intentar transmitir con su fotografías esa emoción que siente al disparar.

En sus autorretratos está convencida de que la imagen tiene una energía por duplicado: por dos canales diferentes, pero en la misma dirección, hacia el mismo objetivo.

Ha realizado diversas exposiciones en grupo, y en solitario podemos citar Astígmata, enEspacio Foto en Madrid en 2014, Cuarto de maravillas en Espacio Foto en Madrid, Palacio Quintanar en Segovia en 2013 y en Galería Vertice en Oviedo en 2012, Taxidermia para principiantes en Galería Texu de Oviedo en 2012.

Referencias

• su página web www.sofiasantaclara.com [+120f 1v],
• su blog [?f],
• Sofía Santaclara en revistaojosrojos [6f 1v],
• Sofía Santaclara, Astígmata. Cultura 24 TVE en vimeo [1v],
• Sofía Santaclara, hechicera del astigmatismo en 20minutos [7f],
• "Astígmata" de Sofía Santaclara en la galería Espacio Foto de Madrid en arteaunclick [4f],
• Sofía Santaclara: "La intuición lo es todo. Siempre la obedezco" en thecult [3f],
• El gabinete de curiosidades de Sofía Santaclara en thecult [5f],
• Sofía Santaclara: Taxidermia para principiantes en galeriatexu [7f],
• Sofía Santaclara en espaciofoto [16f],
• Sofía Santaclara - Cuarto de maravillas en galeriavertice [10f],
• Sofía Santaclara en kaosart [15f],
• Sofía Santaclara en bdwei [6f],
• Los autorretratos de Sofía Santaclara en hoyesarte [12f],
• Sofía Santaclara: Cuarto de Maravillas en lossecretosdeeva [12f],
• Sofía Santaclara inaugura “Cuarto de maravillas” en la galería Vértice en plataformadeartecontemporaneo [4f],
• Sofía Santaclara en facebook [?f].

Libros

• El Iris de Pandora. 

Billy & Hells son dos fotógrafos alemanes (viven en Berlín) que realizan fotografía de moda y retrato, con un estilo propio diferenciado del glamur e hiperenfocado imperante en estos tiempos en la fotografía de moda.

© Billy & Hells

Biografía

Anke Linz (Nuremberg, 1965) y Andreas Oettinger (Munich, 1963) se conocieron en Múnich en 1986. Compartían una pasión, casi un vicio: la fascinación por las fotos de perdedores y frikis de Diane Arbus, y decidieron consumar la conexión y trabajar y vivir en conjunto. En 1999 comenzaron a trabajar profesionalmente para campañas de publicidad y publicando en numerosas revistas de moda, con un estilo distinto de los dictados actuales que imperan en este mundillo, utilizando modelos introvertidos, de sexualidad contenida o inexistente, un poco tristes.

Sin embargo, esta rama de la fotografía no les proporcionaba la libertad artística que estaban buscando. En 2000 se instalaron en Berlín y abrieron un estudio allí. Este es también el año en el que comenzaron a trabajar con cámaras digitales, aprovechando todos los beneficios que este sistema provee.

Hoy en día trabajan en digital, pero una característica de su obra fue la utilización del revelado litográfico, que comenzaron a utilizar por casualidad, tras comprar en un mercadillo un lote caducado de revelador y papel litográficos. Con este procedimiento y su acabado consiguen contrastes muy acentuados y fotos que casi parecen ilustraciones.

Más tarde descubrieron que con la combinación de una diapositiva blanco y negro con un negativo de una imagen en color, se obtenía una fotografía con colores reducidos pero intensos.

Han expuesto en Tokio y en las principales capitales de Europa. Una de sus fotografías, Nabil, fue utilizada en una exposición de moda de Ideal Man en el Gemeentemuseum de La Haya. Otra, Sophia, apareció en la campaña publicitaria de la National Portrait Gallery de Londres para la exposición del Premio Retrato Fotográfico de 2007.

Referencias

• su página web www.billyundhells.de (EN [+60f]),
• su blog (EN [?f]),
• Billy & Hells en faheykleingallery (EN [26f]),
• Billy & Hells en lumas (EN [15f]),
• Billy & Hells en morrengalleries (EN [15f]),
• Billy & Hells en lesliesartgallery (EN [9f]),
• Billy & Hells Moving Image - Crämer & Co. en marleneohlsson (EN [5v]),
• Billy & Hells en 20minutos [8f],
• Billy & Hells: alternative portraits en minimalexposition (EN [13f]),
• Billy & Hells en all-about-photo (EN [17f]),
• Billy & Hells en artslant (EN [13f]),
• Billy & Hells en facebook (EN [?f]).

Libros

• Billy and Hells: Deutsch - Young German Photography2000.
• Billy und Hells.

Mathieu Pernot es un fotógrafo francés (nacido en 1970 en Frejus, vive y trabaja en París) cuya obra se encuentra en el proceso de la fotografía documental, pero explorando fórmulas alternativas para construir una narración de muchas voces. Aborda temas como la exclusión, la reclusión o el urbanismo, y su aproximación a la fotografía es política.

© Mathieu Pernot

Biografía

Mathieu Pernot estudió de historia del arte en la Facultad de Grenoble, luego se incorporó a la Escuela Nacional de Fotografía de Arles, donde se graduó en 1996.

En su obra procede unas veces en la creación de series cuyo nexo de unión son los personajes, tiempos o temas y otras veces en la reutilización de imágenes de archivo. En cualquier caso, este nomadismo de imágenes y temas subraya su deseo de evitar un relato de la historia en un solo sentido. El cambio continuo de sus imágenes evoca una realidad que dista mucho de ser fija e inmutable.

Ha conseguido diversos premios y becas, entre los que podemos citar:

• 2014: Prix Niepce.
• 2013: Prix Nadar por L'asile des photographies.
• 2013: Beca de la FNAGP para el proyecto de la película Jonathan G.
• 2003/2004: Beca de La casa de Velázquez.
• 2001: Premio Romanes por el libro Un camp pour les bohémiens
• 1999: Beca Villa médicis hors les murs por un trabajo sobre los gitanos de Rumanía.
• …
  

Su obra forma parte de colecciones públicas como la del Musée Nationale d’Art Moderne de París,  el Musée de L’Elysée en Lausana, Suiza, la Fundación “la Caixa” en Barcelona y el Kawasaki City Museum de Japón.

Referencias

• su página web mathieupernot.com (EN, FR [+60f]),
• Mathieu Pernot en wikipedia (FR),
• Mathieu Pernot: La Traversée en jeudepaume (EN, FR [9f]),
• Mathieu Pernot en galleriesnow (EN [4f 1v]),
• La fotografía nómada de Mathieu Pernot en 20minutos [7f],
• Mathieu Pernot : Trouver une forme à l’histoire en jeudepaume (EN, FR [15f]),
• Mathieu Pernot: The Crossing en lensculture (EN [21f]),
• Mathieu Pernot: The Crossing en studiointernational (EN [7f]).

Libros

• 2014. La traversée
• 2013. L'asile des photographies
• 2013. Ligne de mire
• 2012. Migrants
• 2007. Le Grand Ensemble.
• 2004. L'état des lieux
• 2004. Hautes surveillances
• 2001. Un camp pour les bohémiens
• 1999. Tsiganes
• 1998. Mathieu Pernot. L'atelier.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Adam Bartos es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1953 en Nueva York) que comenzó a utilizar la fotografía en color para documentar el paisaje urbano contemporáneo, a través de imágenes perfectas y tranquilas,  buscando la composición adecuada, incluso en los rincones más inesperados. Se ha centrado mucho en su Nueva York natal y ha publicado una serie de fotografías monumentales de arquitectura moderna de Estados Unidos.

© Adam Bartos

Biografía

Adam Bartos ha estado fotografiando desde que era un adolescente. A principios de los 70 asistió a la escuela de cine de la Universidad de Nueva York y comenzó a trabajar con fotografía en color. Tuvo como mentor a  Evelyn Hofer, conocida por sus composiciones de color serenas y meticulosas.

Influenciado por William Eggleston y los anteriores Timoty O'Sullivan y Carleton Watkins, Bartos se centra en el paisaje contemporáneo.con unas imágenes en las que el tiempo parece haberse detenido, prestándoles un aura de dislocación temporal.

Adam Bartos es conocido por sus imágenes de colores intensos y saturados que representan escenas ordinarias que exudan una calma tranquila y con frecuencia un tinte de melancolía.

Su obra se encuentra en las colecciones del J. Paul Getty Museum en Los Angeles, Museum of Fine Arts de Houston, Museum of Modern Art de Nueva York, Whitney Museum of American Art de Nueva York y San Francisco Museum of Modern Art, entre otros. En 2013, fue finalista del Prix Pictet, un premio mundial en la fotografía y sostenibilidad, por su serie Yard Sales.

Referencias

• su página web www.adambartos.com (EN [+270f]),
• Adam Bartos en gittermangallery (EN [30f]),
• Adam Bartos en all-about-photo (EN [11f]),
• Entrevista a Adam Bartos en bombmagazine (EN [8f]),
• Adam Bartos en getty (EN [4f]),
• Adam Bartos en ivasfot [10f],
• Adam Bartos: Meditations en pdnonline (EN [5f]),
• Adam Bartos en yossimilo (EN [12f]),
• Adam Bartos: Kosmos en blueskygallery (EN [4f]),
• Adam Bartos en parisphoto (EN [3f]),
• Adam Bartos: Yard Sale en prixpictet (EN [10f]),
• Adam Bartos: Yard Sale en robertmorat (DE [4f]).

Libros

• Darkroom2012
• Yard Sale Photographs2009
• Boulevard2006
• Kosmos: A Portrait of the Russian Space Age2001
• International Territory. The United Nations 1945-951995.

Soumya Sankar Bose es un fotógrafo indio (nacido en Midnapore en 1990) que realiza fotografía documental, con un interés especial en las gentes y artes en peligro de desaparición.

© Soumya Sankar Bose

Biografía

Soumya Sankar Bose tuvo su primera cámara, una pequeña Kodak KB10, regalo de su madre en un festival cuando él tenía 11 años. Pero no tomó en serio la fotografía, hasta ir a Pathshala,South Asian Media Institute después de su graduación en Ingeniería. Allí asistió a clases magistrales de Morten Krogvold, Justin Maxon y Shahidul Alam, entre otros, y comenzó su carrera fotográfica.

Al año y medio volvió a la India, desarrollando proyectos como Spiritual Doctor, Jartra y Dream. En 2014 Scroll le ofreció participar en un proyecto sobre las elecciones de la India en Instagram. Fue una experiencia diferente, porque no es un fotoperiodista clásico, pero si enfoque les gustó.

Su trabajo se ha publicado en revistas como Galli, Ain’t bad, Better photography, All about Photo, Carte Blanche, Tasveer Journal y el Huffington Post. Y va a participar en el festival Goa Photo 2015.

Su trabajo más importante hasta el momento es Gems of Jatra, un proyecto que emprendió cuando su tío se retiró de la Jatra y entró a trabajar en una fábrica de trenes, con la esperanza de hacer lo que no pudo como artista, ganarse la vida. Empezó a fotografiar a artistas en paro, que antes eran gigantescas figuras de la Jatra. Jatra es una famosa forma de teatro popular de Bengala, que data del siglo XVI, que emplea diálogos, monólogos, canciones y música instrumental para contar historias. Jatrapala, como se llaman estas obras de teatro, se realiza en escenarios de madera sin ningún tipo de barreras entre actores y público, lo que facilita la comunicación directa. Tratan desde la mitología india y eventos históricos a temas contemporáneos y sociales. Hoy en día este arte se está perdiendo rápidamente dejando sin empleo a más de 20.000 personas.

Referencias

• su página web soumyasankarbose.com (EN [?f]),
• Soumya Sankar Bose en all-about-photo (EN [9f]),
• Jatra. Soumya Sankar Bose en galli (EN [13f]),
• Jatra. Soumya Sankar Bose en tasveerjournal (EN [15f]),
• The Former Heroes of Jatra en caravanmagazine (EN [9f]),
• Entrevista a Soumya Sankar Bose en goaphoto (EN [5f]),
• Soumya Sankar Bose en aintbadmagazine (EN [15f]),
• Spotlighting: A Forgotten Folk Art of the Two Bengals en kindlemag (EN [7f]).

Joel Santos es un fotógrafo portugués (nacido en 1978 en Lisboa) que realiza fotografía de viajes y de retrato.

© Joel Santos

Biografía

Joel Santos es licenciado en Economía y tiene un master en Economía y Gestión de Ciencia y Tecnología. A pesar de su formación académica, ha dedicado la última década a su gran pasión: la fotografía.

Sus fotografías y escritos se publican con frecuencia en revistas de fotografía, viajes y de empresa de todo el mundo, habiendo publicado más de treinta portadas y cientos de artículos.

De 2007 a 2010 fue editor en jefe de O Mundo da Fotografia Digital, la revista de fotografía más vendido portugués. Es Explorador de Canon dentro del programa Canon Professional Network.

Su trabajo también se ha mostrado en diversas exposiciones individuales y colectivas, especialmente en Portugal, Polonia y Timor Oriental. Su trabajo fotográfico y libros publicados se presentan con frecuencia en los principales canales de televisión portugueses, donde ha sido entrevistado más de 10 veces durante los últimos años.

Ha ganado varios premios de fotografía nacionales e internacional por su trabajo, entre ellos Primer Premio (en 2006) y una Mención de Honor (en 2007) en el Prémio Fotojornalismo Visão/BES y un  Wild Places en Naturaleza/color en 2007, medalla de plata FIAP (Naturaleza / Color en 2009) y Mejor Portugués (Naturaleza / Color, 2009) en el Algarve Foto Salon.

Con la agencia de viajes Papa-Léguas, lidera viajes y talleres de fotografía en Portugal y todo el mundo, combinando su vasta experiencia como viajero con su amor de la comunicación y la docencia.

Como fotógrafo profesional está representado por bancos de imágenes de renombre, como Aurora Photos, Corbis y Getty Images.

Referencias

• su página web joelsantos.net (EN [?f]),
• Joel Santos en 500px (EN [+100f]),
• Joel Santos en flickr (EN [+400f]),
• Top 10 Most Famous Portrait Photographers In The World en boredpanda (EN [3f]),
• Joel Santos en google+ (EN [?f]),
• Joel Santos en facebook (EN [?f]).

Libros

• Fotografía: Luz, Exposição, Composição, Equipamento
• INDIA - El color de contraste
• FOTOpad
• FOTOedição
• FOTOhdr.

Rosalind Solomon es una fotógrafa estadounidense (nacida el 2 de abril de 1930 en Highland Park, Illinois, vive en Nueva York) que ha viajado libremente por todo el mundo, revelando en su fotografía nociones de poder, supervivencia, fe y conducta humana. Fotografía tanto los elementos sociales de los lugares a los que viaja como las obsesiones y ansiedades que le acompañan.

© Rosalind Solomon

Biografía

Rosalinda Fox nació en Highland Park, Illinois, y vivió en Chattanooga, Tennessee, durante 16 años antes de comenzar su vida como artista y fotógrafa. Estudió Ciencias Políticas y viajó a Bélgica y Francia con The Experiment in International Living, y luego a Japón donde comenzó a fotografiar en 1968, con una Instamatic, en Japón. A su vuelta a casa, empezó a fotografiar más regularmente y a revelar sus propias películas de 35mm en blanco y negro.

En la década de los 70, comenzó su trabajo con muñecos y maniquíes, retratos y rituales. Hizo sus primeros retratos de enfermos durante un proyecto de un año en un hospital de Chattanooga. En Guatemala, fotografió chamanes, así como rituales seculares y religiosos. También trabajó en una serie de retratos del sur que incluyen al presidente Jimmy Carter y William Eggleston.

En 1977 se mudó a Washington, DC, y recibió clases privadas de Lisette Model en sus intermitentes visitas a Nueva York. De 1977 a 1979, Salomon siguió fotografiando artistas y políticos, entre ellos a Louise Nevelson, Eva Le Gallienne, William Christenberry y Tony Smith. Su proyecto Outside the White House se completó durante dos años en Washington DC, cuando su marido fue administrador de la General Services Administration.

John Szarkowski incluyó su trabajo en los 1978 en la exposición Mirrors and Windows del MoMA, y expuso ejemplos de sus series de muñecas y maniquíes en la muestra Photography for Collectors. Szarkowski también seleccionó 50 de sus obras para la colección permanente del MoMA.  Con sus 2 hijos ya crecidos, Lisette Model le recomendó que se dedicara en cuerpo y alma a la fotografía y que necesitaba una libertad que no iba a encontrar en el matrimonio y así lo hizo.

En la década de 1980 fotografió en Ancash, Perú, una región de los Andes donde los restos de un catastrófico terremoto eran una metáfora de un tiempo de confusión personal. Una beca Guggenheim apoyó este trabajo que fue reconocido como un documento histórico de una zona olvidada cuando se exhibió en el Museo de Arte de Lima en 1996.

Salomon también pasó seis meses en la India, como miembro del  American Institute of Indian Studies. En Calcuta, fotografió esculturas de figuras de la diosa madre que irradiaban un gran poder femenino. También fotografió a la primera ministra Indira Gandhi, al Dalai Lama, Ganesh Pyne y Satyagit Ray. En 1986, el MoMA montó la exposición Rosalind Solomon. Ritual.

La demonización de las personas que estaban muriendo de SIDA, y la afinidad que Salomon sentía con ellos por la enfermedad renal progresiva de su hijo, la llevó a fotografiar personas con esta enfermedad. Sesenta y cinco de las imágenes resultantes se mostraron, no sin controversia, en la gran exposición Portraits in the time of AIDS en 1988 en la Grey Art Gallery de la Universidad de Nueva York. Veintiséis de las copias originales a gran escala, se mostraron de nuevo en 2013 en la Bruce Silverstein Gallery en la ciudad de Nueva York.

En un mundo de creciente violencia étnica Salomon fue a Polonia a revisar el holocausto y fotografiar a la gente que lo vivió, a niños con problemas en Belfast, heridos en Belgrado, Hanoi y Phnom Penh, oprimidos y privilegiados de Sudáfrica. Y algún respiro y contraste, como el Mardi Gras de Nueva Orleans.

Una revisión de su trabajo de 30 años en Sudamérica vio la luz como serie fotográfica y el libro Chapalingas con 201 reproducciones a página completa.

En 2005 comenzó a organizar su extenso archivo que legó al Center for Creative Photography en 2007. El Rosalind Solomon Archive contiene un conjunto de más de 1.000 copias, libros únicos, y otras obras de arte, junto con los negativos originales de Salomon, transparencias, papeles personales, cartas, archivos de negocios, libros de recuerdos, vídeos, cintas de audio, …  que documentan de su larga y productiva carrera.

En 2014, MACK publicó su libro Then como parte del proyecto This Place que explora la complejidad de Israel y Cisjordania a través de los ojos de 12 fotógrafos de renombre internacional, creando un retrato diverso y fragmentado, mostrando las desavenencias y paradojas de este lugar.

Sus imágenes siguen siendo ampliamente publicadas y exhibidas por todo el mundo. Incluso se ha atrevido a realizar pequeños vídeos, como A Woman I Once Knew, que ganó el premio al mejor corto experimental del Festival de Cine de Nueva York de 2010.

Referencias

• su página web www.rosalindsolomon.com (EN [?f]),
• Rosalind Solomon en wikipedia (EN [1f]),
• Rosalind Solomon en brucesilverstein (EN [10f]),
• Rosalind Solomon: Ritual en rachelmaggart (EN [36f 1v]),
• Rosalind Solomon en 591photography (EN [9f]),
• Entrevista a Rosalind Solomon en americansuburbx (EN [7f]),
• La lírica soledad de una fotógrafa octogenaria en 20minutos [16f 1v],
• Rosalind Solomon en bulgergallery (EN [30f]),
• Fotos del sida en los ochenta en 20minutos [6f],
• Rosalind Solomon’s Fascinating Portraits en featureshoot (EN [9f]),
• Rosalind Solomon en kamerawork [13f],
• Rosalind Solomon en creativephotography (EN [3f]),
• Rosalind Solomon: Portraits in the Time of AIDS, 1988 en fakingthefog (EN [10f]).

Libros

• Mirrors and Windows: American Photography Since 1960. 1978.
• Rosalind Solomon: Earthrites. 1986.
• Wanderlust, 1987.
• Portraits in the Time of AIDS, 1988.
• Rosalind Solomon: Photographs, 1976-1987, 1988.
• American Children: Photographs from the Collection of The Museum of Modern Art, 1980
• American Politicians: Photographs 1843-1993, 1994.
• El Peru y Otros Lugares – Peru and Other Places, 1996.
• Chapalingas, 2003.
• Americans: The Social Landscape from 1940 until 2006, 2006.
• Polish Shadow, 2006.
• THEM, 2014.

Ana Nieto es una fotógrafa española (nacida en Vitoria, vive en Madrid) cuya obra registra elementos muy diversos: texturas, paisajes, detalles urbanos o entornos mínimos. Mediante estos elementos, la fotógrafa abre un marco reflexivo en el cual se alteran los papeles de significado/significante, cuestionando ciertas ideas preestablecidas.

© Ana Nieto

Biografía

Ana Nieto estudió comunicación audiovisual en Bilbao y Bellas Artes en la especialidad de fotografía en la School of Visual Arts en Nueva York.

Durante 10 años (por una combinación de trabajos y suerte) vivió en diferentes ciudades de Europa y Estados Unidos como San Francisco, Boston, Nueva York, Frankfurt, Londres, Barcelona y Berlín. Hace 4 años instaló su base en Madrid, donde combina su trabajo fotográfico comercial (retratos y arquitectura) con sus proyectos personales.

En varios de sus proyectos, Ana Nieto, se basa en la simplicidad de las texturas para tratar conceptos complejos, como es el caso de Thick Skin, sobre el paso del tiempo, CRASH, sobre la fragilidad o MATTRESS y GRIS, sobre la crisis económica.

Trabajos como HOLY o ZOO-ilógico estudian ciertos aspectos del comportamiento humano, mediante el registro de contradicciones buscadas en el ámbito de lo cotidiano.

Ana también desarma el binomio realidad-ficción en varios de sus trabajos, como Déjà vu o Lost and Found, creando hechos ficticios a partir de la interpretación de hechos reales, dejando que sea el espectador quien decida cuál es cuál.

Su faceta más comercial destaca en el plano arquitectónico (Spaces).

En un sentido más  personal, su proyecto Around The World, diario visual que comenzó hace dos décadas, contiene fotografías que atrapan perceptivamente un mundo, a veces amable y a veces cruel; una antítesis de fragilidad y fortaleza.

En 2013 consiguió el Premio Talentos de El País, en Madrid, y becas Blank Paper en 2009, Dean de School of Visual Arts en 2003 y Doe de School of Visual Arts en 2001.

Sus exposiciones más recientes son:

• Exposición The Flesh en Espacio Reflex. San Sebastián, en 2014
• Exposición Naturaleza de Mujer. Miradas de Mujeres. Estudios A T. Aire. Bilbao, en 2014
• Ponencia CRISIS para Inmersiones X. Museo Artium. Vitoria. (catálogo)  en 2013
• Exposición MATTRESS para Atlántica Colectivas. Tenerife Espacio de las Artes en 2013
• Exposición individual Hospitalarios. Sala Amarika. Vitoria en 2011.
• Exposición Alter Ego para BAC. Galería Valid Foto. Barcelona, en 2011. 
• …

Referencias

• su página web www.ananieto.com [+1.000f],
• Ana Nieto en vimeo [48v],
• Ana Nieto en fotodoc [1f],
• Crisis (colchones + tapias + gris). Por Ana Nieto en inmersiones2013 [1f],
• Ana Nieto: Lost & Found en 30y3 [16f],
• Ana Nieto en laescueladeblankpaper [3f],
• Ana Nieto en artium [14f].

Brenda Bancel es una fotógrafa estadounidense que utiliza la fotografía para crear conciencia sobre importantes temas sociales.

© Brenda Bancel

Biografía

Brenda J. Bancel estuvo diez años en la industria de la publicidad, trabajando para clientes como Apple e IBM antes de darse cuenta de que quería concentrarse en un trabajo sin fines de lucro y usar libremente su talento creativo.

Sus proyectos personales incluyen Vegas & Disney, Finding the Sacred on the Sacred River, Water, In God’s Studio, The Gallery of Innocence, … También trabaja con el escritor Sejal Petal para preparar ensayos y fotografías de diversos temas sociales.  

Se ha graduado recientemente en la New England School of Photography,con honores en Documental. Es presidente de la Take 5 Foundation  y propietaria de Brenda Bancel Photography LLC.

Referencias

• su página web www.brendabancel.com (EN [?f]),
• Take 5 foundation (EN [?f]),
• Brenda Bancel en 555gallery (EN [7f]),
• Finding the Sacred on the Sacred River en socialdocumentary (EN [23f]),
• Brenda Bancel en all-about-photo (EN [14f]),
• Finding the Sacred on the Sacred River en elinspringphotography (EN [5f]),
• Brenda Bancel Photography en facebook (EN [?f]).

Julio Bittencourt es un fotógrafo brasileño (nacido en 1980 en Brasilia, vive en Sao Paulo) cuya obra trata sobre todo de problemas sociales, gente marginada, zonas de pobreza, drogas, favelas, violencia….

© Julio Bittencourt

Biografía

Julio Bittencourt comenzó su carrera fotográfica en el 2000, después de vivir en Nueva York durante seis años, como fotógrafo asistente y editor de fotos para el periódico Valor Economico en Sao Paulo. En 2003 se trasladó a Mozambique, donde trabajó en Soico Grupo de Comunicación. Desde 2006 ha trabajado como fotógrafo independiente.

Sus trabajos han sido publicados en prestigiosas revistas como Time, Le Monde, The Wall Street Journal, The Guardian, Stern, TIEMPO, C Photo, The New Yorker, Esquire, Photo (Francia), Los Angeles Times, Leica World Magazine y GEO.

Inquieto e independiente, desde 2006 alterna los trabajos por encargo con proyectos de un cariz mucho más personal. Fue así como nació la colección In a Window of Prestes Maia 911 Building, un trabajo de 3 años recopilado en 2008 en el libro homónimo, y que recoge la historia de un edificio gigante ocupado por el Movimiento de los sin techo en el 911 de la avenida Prestes Maia, una de las mayores avenidas situadas en el corazón de São Paulo. En estos dos grises bloques de 360 ventanas, considerados en su día los más modernos de Latinoamérica, viven más de 460 familias desde 2002. Aunque durante cuatro años las familias han sido capaces de mantener un diálogo próspero con el Ayuntamiento, con la revitalización del centro como bandera, las más de 1200 personas que habitan este edificio viven día tras día una situación delicada con muy pocas perspectivas de futuro.

Ha sido galardonado con varios premios, como el XIII Prêmio Marc Ferrez de Fotografia en 2013, IPA (International Photography Awards)  en las categorías Collage y Fine Art Prize en 2012, el Premio de Fotografía Porto Seguro (Categoría Brasil, 2010), el premio Leica Oskar Barnack (2007), el premio Portfolio Pick Review de la Aperture Foundation (2007) y el premio Conrado Wessel Fundação (2006 y 2009), entre otros. Su obra forma parte de numerosas colecciones importantes y se ha exhibido en todo el mundo.

Referencias

• su página web www.juliobittencourt.com (EN [+90f]),
• su blog (EN [?f]),
• Julio Bittencourt en galeriadagavea (EN, PT [28f]),
• Julio Bittencourt en 1500gallery (EN [20f]),
• Julio Bittencourt en cajufoto (EN [51f]),
• "Es el testamento de un fracaso". Julio Bittencourt en quesabesde [2f],
• Julio Bittencourt en getxophoto [2f],
• Julio Bittencourt. Entre la alegría de vivir y la crítica política en artexperiencenyc [3f],
• Julio Bittencourt en tertuliasfotograficas [7f],
• ... Julio Bittencourt: Ramos ... en deia [21f],
• Julio Bittencourt en oldskull [17f],
• Julio Bittencourt en 1500babilonia (EN [15f]),
• Julio Bittencourt en all-about-photo (EN [17f]),
• Julio Bittencourt. Mundos Alucinantes. Brasil en tertuliasfotograficas (EN [?f]),
• Julio Bittencourt en emoleskiner [11f],
• Julio Bittencourt en 500photographers (EN [8f 1v]),
• Julio Bittencourt en themorningnews (EN [7f]),
• Julio Bittencourt en facebook (EN [?f]).

Libros

• In a Window of Prestes Maia 911 Building' target=_blank>In a Window of Prestes Maia 911 Building' target=_blank>In a window of Prestes Maia 911 Building, 2008.

Biografía

Referencias

• su página web peterdicampo.com (EN [+180f 4v]),
• Peter diCampo en flickr (EN [+500f]),
• Everyday Africa (EN [?f]),
• Life without Lights (EN [+100f]),
• Picturing Everyday Life in Africa en nytimes (EN [19f]),
• Peter diCampo en worldpressphoto (EN [18f]),
• On Myths and Poverty en pulitzercenter (EN [7f]),
• Nights in Ghana, Captured by Flashlight en nytimes (EN [16f]),
• Everiday Africa en lamiradadelmamut [26f],
• Peter diCampo - Photojournalist and Everyday Africa Co-founder en oliberte (EN [6f]),
• ¿Se puede retratar África con Instagram o Hipstamatic? en trasdos [8f],
• What Went Wrong ? Perspectives on Failed Aid en festival-photoreporter (EN [4f]),
• Peter diCampo: Everyday Africa en photowings (EN [1v]),
• Peter diCampo en google+ (EN [?f]),
• Peter diCampo en facebook (EN [?f]).

Michelle Sank es una fotógrafa sudafricana (nacida en Ciudad del Cabo en 1953, vive en el Reino Unido) cuyas imágenes reflejan una preocupación por la condición humana. Su trabajo abarca cuestiones en torno a la diversidad social y cultural.

Jason 19 (from “In My Skin”) © Michelle Sank 

Biografía

Michelle Sank  dejó su país natal con su familia en 1978 por una gran injusticia y tras vivir varios años en Grecia, vive en Inglaterra desde 1987.

Incluso hoy en día, los colores dinámicos y brillantes típicos de Sudáfrica dan forma a la manera en que ella crea sus imágenes . Las injusticias sociales que experimentó le han empujado a fotografiar a la gente, con ganas de documentar la intensamente variada humanidad.

Ha recibido numerosos premios (como el Gold Award en la San Francisco International Photographic Exhibition en 2013), encargos (The Guardian, The Observer, The Telegraph, Columbia Law Magazine
Lurve) y residencias (la más reciente la del Guernsey Museum en Channel Islands, en 2014). Su obra está presente en colecciones y publicaciones en el Reino Unido, Europa y EEUU, como el Museum of Fine Arts de Houston, Texas.

Actualmente es profesora titular de Fotografía de la Universidad de Falmouth, Reino Unido.

Su proyecto In My Skin, uno de los más recientes, trata de jóvenes menores de 25 años en el Reino Unido que están desafiando su imagen corporal, ya sea sometiéndose a una cirugía estética para buscar “la hermosura”, alterando y transformando su cuerpo para ajustarse a una determinada expectativa social, o cambiando de género para vivir en un cuerpo con el que no nacieron.

Referencias

• su página web michellesank.com (EN [+300?f]),
• Michelle Sank en clampart (EN [13f]),
• Michelle Sank: In My Skin en lensculture (EN [20f]),
• From Plastic Surgery to Gender Reassignment: Searching for the Perfect Body en slate (EN [9f]),
• Michelle Sank, "En mi piel" en 20minutos [17f],
• Michelle Sank: In My Skin en wonderzine (RU [130f]),
• Michelle Sank en facebook (EN [?f]).

Libros

• 2006Becoming
• 2007 The Water's Edge
• 2011 The Submerged
• 2012 identities Now:Contemporary Portrait Photography. Adolescence, Landscape Stories
• 2014 Suture

JoAnn Verburg es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1950, vive en Minneapolis) que a menudo trabaja en series simultánea de diferentes temas. Su proceso metódico incluye el uso de dípticos y trípticos que demuestran cómo el contenido de una imagen se puede enriquecer con más de una fotografía a la vez, mientras se mantiene la coherencia a través de la estrecha relación formal y referencial de exposiciones individuales.

© JoAnn Verburg

Biografía

JoAnn Verburg creció en el norte de Nueva Jersey, viendo presentaciones de diapositivas de fotos familiares tomadas por su padre. A los 6 años que hizo su primer rollo de película, con el tema de un oso polar en el agua del zoológico de Baltimore. Como su padre, químico, trabajaba para GAF, un fabricante de papeles fotográficos, tuvieron un fácil acceso a películas de fotografía. Aún así, a lo largo de su infancia JoAnn dibujó con lápiz más a menudo que hacía fotos.

Más tarde, cuando estudiaba en la Ohio Wesleyan University, un amigo le mostró el libro The Americans, de Robert Frank y se dio cuenta de que la fotografía podía ser arte.

Durante sus estudios de posgrado en el Instituto de Tecnología de Rochester trabajó durante dos años como pasante en la George Eastman House, que tenía una colección de 400.000 fotografías, de todo tipo de proceso fotográfico y medios de impresión. En su tesis trató con los problemas de tiempo y el movimiento en la fotografía a través de imágenes en serie, unos temas que se han convertido en una constante en su obra.

Verburg utiliza una cámara de gran formato 5x7” y una paleta de colores radiantes que hacen que sus fotografías sean equilibradas y agradables describiendo la sensualidad y el físico de sus modelos.

Como artista invitada en el Walker Art Center de Minneapolis en 1981, su interés se desplazó de las posibilidades de la fotografía documental a lo que el medio puede revelar acerca de la experiencia perceptiva, realizando sus primeras obras de múltiples imágenes con bailarines y músicos actuando en directo.

En 1983 se mudó de Boston, donde había realizado un programa de artistas para Polaroid, a Minneapolis, donde ha vivido desde entonces. Se casó con el poeta Jim Moore, en 1984, que ha sido su modelo preferido.

Verburg ha obtenido numerosos galardones como la beca Guggenheim (1986), varias de la Bush Foundation (1983, 1993)  y McKnight Foundation (1994, 2004), and  y una residencia en la Rockefeller Foundation en Bellagio, Italia (1998).

Ha expuesto su trabajo dentro y fuera de los EEUU. Recientemente The Museum of Modern Art expuso Present Tense, una retrospectiva de parte de su carrera, que viajó al Walker Art Center (2007-08). Su trabajo puede ser encontrado en colecciones permanentes como las de Los Angeles County Museum of Art,Museum of Fine Arts de Houston, The Museum of Modern Art de Nueva York; National Portrait Gallery de Washington, D.C., San Francisco Museum of Modern Art y el Whitney Museum of American Art de Nueva York.

Referencias

• su página web joannverburg.com (EN [+100f]),
• JoAnn Verburg – Interruptions en ggibsongallery (EN [9f]),
• JoAnn Verburg en moma (EN [12f]),
• Present Tense: Photographs by JoAnn Verburg en moma (EN [4v]),
• Moments in Time, Yet Somehow in Motion en nytimes (EN [4f]),
• Intimate Dissimulations: JoAnn Verburg’s ‘Camouflage’ at Gallery Co en mnartists (EN [5f]),
• JoAnn Verburg en arttattler (EN [10f]),
• Capturing Relationships: JoAnn Verburg en mnartists (EN [15f]),
• JoAnn Verburg en artsy (EN [15f]).

Libros

• Second View: The Rephotographic Survey Project 1984
• Picturing Eden 2006
• Present Tense2007
• Interruptions2010
• As It is Again (iPad).

Miguel Trillo es un fotógrafo español (nacido en Jimena de la Frontera, Cádiz, en 1953, vive en Barcelona) que ha convertido las calles de muchas ciudades españolas en un plató improvisado en las que ha ido recogiendo las corrientes musicales y la trasformación de una sociedad, con su fotografía de colores intensos y miradas frontales.

© Miguel Trillo

Biografía

Miguel Ángel Trillo Hueras se licenció en Imagen y en Lingüística Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid. Desde los años 70 ha retratado a jóvenes en un entorno musical (conciertos de rock, fiestas en discotecas). En los 80 en Madrid convirtió a personajes no famosos de la Movida en su objetivo primordial (exposición Pop Purrí en la galería Ovidio (1982) y en la sala Amadís (1983) y edición anónima de seis números del fanzine Rockocó (1980 a 1984). La década la terminó reflejando un relevo generacional en dos trabajos publicados en la revista de creación Sur Exprés: Los nuevos pijos (1988) y Madrid hip hop (1988).

Al inicio de los 90 realizó para el dominical del diario El País un retrato de la juventud española en pequeñas capitales de provincia. Dicha obra la expuso en la galería Moriarty (1992) de Madrid, con el título Souvenirs, editando como catálogo tiras de postales turísticas. En 1993 transformó la galería El Manantial de Barcelona, en una tienda de souvenirs con sus fotos reproducidas en objetos turísticos.

Desde 1994 vive en Barcelona, donde ha desarrollado la serie Geografía Moderna, un viaje por fronteras lingüísticas o territoriales de la Península Ibérica. Con los retratos de estos jóvenes ha editado sellos de correos (revista El Europeo (1997), galería H2o de Barcelona (1999 y 2004). Su serie Habaneras fue expuesta en el Círculo de BBAA de Madrid dentro de PhotoEspaña 05.

En la actualidad trabaja en dos proyectos: Zoom, jóvenes inmigrantes (en conciertos y discotecas) reproducidos en tarjetas telefónicas y Gigasiápolis, actitudes de la cultura juvenil surgida en las megaciudades del continente asiático.

En 2009 se le organizó una importante retrospectiva en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de Sevilla y en la sala Canal de Isabel II de Madrid, muestra que recibió el Premio Villa de Madrid a la mejor exposición fotográfica del año.

El Museo Reina Sofía desde 2011 ha incluido en la exposición permanente De laRevuelta a la Posmodernidad (1962-1982) sus fanzines y fotos de principios de los 80, que forman parte de la colección del MNCARS. En 2014 estuvo presente en la exhibición La herencia inmaterial, dentro de la colección del MACBA de Barcelona.

En Afluencias. Costa Este – Costa Oeste propone un diálogo explícito, transgeneracional, virtual y expositivo a través de la psique y la génesis de las tribus urbanas del extrarradio madrileño de los años 80 y las tribus urbanas contemporáneas de territorios como Casablanca, Nueva York, Hanói, Ho Chi Minh-Saigón y Los Ángeles.

Su obra, entre el documento, el concepto y la pasión, se encuentra en importantes colecciones privadas españolas.

Referencias

• su página web migueltrillo.com (EN, ES [?f]),
• Archivo Miguel Trillo en museoreinasofia [7f],
• La visión provocada de Miguel Trillo en camaramagazine [16f],
• Miguel Trillo: "Estoy hablando de una arcadia urbana y moderna" en elcultural [?f],
• Miguel Trillo: “Cada foto que hago tiene una canción, una melodía” en yorokobu [5f],
• Miguel Trillo: Las casas de los cadáveres en elangelcaido [12f],
• Miguel Trillo, el fotógrafo de la Internacional Juvenil en elconfidencial [10f],
• Gente con actitud: Rabat, 2014 en elpais [6f],
• Miguel Trillo en espaivisor [85f],
• Miguel Trillo, el retratista de gente con pinta rara en diariosur [6f],
• Miguel Trillo, el fotógrafo que mira a los ojos en xatakafoto [13f],
• Cartografía humana y callejera. Miguel Trillo, fotógrafo de tribus en eldiapason [6f].

Libros

• Diez años de estéticas juveniles y rocanrol, 1989.
• Madrid, las calles del ritmo, 1989
• Parejas, 1992.
• Retratos de una década (1980-90), 1996.
• Miguel Trillo. Photobolsillo, 1999.
• Similitudes, 2001.
• ¡Agüita!, 2001.
• Retratos 1990-2000, 2002.

Sarah Jones es una artista visual inglesa (nacida en 1959 en Londres, donde vive y trabaja) que trabaja con fotografía para destacar la relación entre sus sujetos de tamaño natural (espacios domésticos y personas, niñas adolescentes a menudo) y el espectador.

The Sitting Room (Francis Place) III, 1997© Sarah Jones

Biografía

Sarah Jones se ganó el reconocimiento internacional a mediados de la década de los 90, coincidiendo con la realización de un máster en Bellas Artes en el Goldsmith College de Londres en 1996.

Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Sus exhibiciones en solitario incluyen el Museum Folkwang de Essen,  Museo Reina Sofía de Madrid, Le Consortium de Dijon, Huis Marseille en Ámsterdam, Maureen Paley de Londres y Anton Kern Gallery de Nueva York. Su obra forma parte de las colecciones del Tate, V&A y SFMOMA,

Jones es actualmente investigador en la Universidad de Derby y tutor en el Royal College ofArt de Londres. Está representada por Maureen Paley de Londres y Anton Kern Gallery en Nueva York.

Referencias

• Sarah Jones en wikipedia (EN),
• Sarah Jones en maureenpaley (EN [20f]),
• Sarah Jones en antonkerngallery (EN [20f]),
• Sarah Jones en artnet (EN [5f]),
• Sarah Jones's best photograph: psychoanalyst's couch en theguardian (EN [1f]),
• The photography of Sarah Jones en juxtapoz (EN [9f]),
• Sarah Jones's alchemical camera en phaidon (EN [6f]),
• Sarah Jones en tate (EN [4f]).

Libros y catálogos

• Sarah Jones, 2013
• Archive (National Media Museum), 2007
• Sarah Jones (Le Consortium), 2001
• Sarah Jones (Museum Folkwang), 2000
• Sarah Jones (Universidad De Salamanca), 1999.