Javier Alonso Torre es un fotógrafo vasco (nacido en Barakaldo el 1 de octubre de 1973, vive en Bilbao) que realiza fotografía de naturaleza.

© Javier Alonso Torre

Biografía

Javier Alonso Torre se apasionó por la naturaleza y la fotografía desde siempre aunque no hayan estado juntas. Sus recuerdos de infancia se reparten entre ir al río a pescar con su padre o los paseos con su abuelo a subirse a los árboles a por cerezas. La afición a la fotografía también le viene dada de su padre, que siempre andaba con una antigua réflex envuelta en una curiosa funda de cuero marrón.

De él consiguió su primera cámara, una Pentax Asahi Spotmatic sp II, la cual todavía hace excelentes fotos. Durante su estancia en Canarias (1995-1999) empezó a realizar sus primeras fotos artísticas, pero el coste de carretes, revelados y diapositivas hicieron que la afición quedara latente.

Años más tarde, y gracias a un gran amigo, Txemi, amante de la fotografía y naturalista hasta la médula, esas dos grandes pasiones quedaron selladas, llegando a ser una pequeña obsesión. A partir de ese punto el aprendizaje ha sido constante, viendo fotos, leyendo libros y, sobre todo, jugando con la cámara.

Sus influencias son muchas, desde autores de la zona que mostraron la belleza que se podía trasmitir de su entorno inmediato (Isabel Diez,Asier Castro, Rosa Basurto), hasta grandes fotógrafos de talla internacional (Galen Rowell, José B. Ruiz, Mark Adamus).

Desde 2011 edita y coordina la revista LNH, un proyecto personal donde se pretende dar a conocer la fotografía de naturaleza, así como las inquietudes de sus autores y los valores que les motivan.

Dentro de AEFONA (Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza)  junto Marián Saenz-Diez, coordina la edición digital de su revista, IRIS Agenda LNH.

Es miembro fundador de North PhotoTours, que desde 2011 organiza e imparte talleres y charlas sobre fotografía de paisaje, composición, uso de filtros ...

Ha obtenido diversos premios en concursos de fotografía de la naturaleza, entre ellos un 2º premio en el Concurso de Fotografía Aefona, categoría Arte en la naturaleza.

Ha publicado fotografías en diversas revistas de ámbito nacional como National Geografic Viajes, Visión Salvaje, Iris y Hola Viajes.

Referencias

• su página web javieralonsotorre.com (EN, ES [?f]),
• su blog [?f],
• Javier Alonso Torre en flickr [95f],
• Javier Alonso Torre en vimeo [2v],
• Revista LNH [?f],
• North photo tours [?f],
• Javier Alonso Torre – La Naturaleza Habla en linkingoo [17f],
• Javier Alonso Torre - La naturaleza habla en riverocolina [10f],
• Entrevista a Javier Alonso Torre en fuji-xperience [7f],
• Javier Alonso Torre en miradanatural [3f],
• Javier Alonso Torre en portfolionatural [1f],
• Javier Alonso Torre en facebook [?f].

Libros

• Susurros de la naturaleza,2015

Ha participado también en los libros colectivos:

• Inspirats per la natura 2014.
• Inspirats per la natura 2013.
• Naturaleza Ibérica 2012.
• Inspirats per la natura 2011.

Jodi Bieber es una fotógrafa sudafricana (nacida en 1966 en Johannesburgo) que realiza fotografía documental.

© Jodi Bieber

Biografía

Jodi Bieber estudió fotografía en el Market Theatre photographic workshop, una organización sin fines de lucro fundada por David Goldblatt. Su carrera fotográfica comenzó en septiembre de 1993 como asistente de laboratorio en el diario The Star. Después trabajó como freelance para este periódico hasta el año 1996, cubriendo la información fotográfica de las primeras elecciones democráticas de Sudáfrica

Tras asistir a la Joop Masterclass del World Press en Ámsterdam en 1996, comenzó a trabajar como freelance para revistas y periódicos extranjeros, entre ellos el New York Times Magazine. Durante 8 años Bieber ha trabajado en varios proyectos personales en su país. Su estancia en Pakistán, alentó un interés a largo plazo por ese país.

Sus trabajos se han presentado en numerosas exposiciones por todo el mundo: Suiza, Reino Unido, Bangladés, Johannesburgo, Ciudad del Cabo, Suecia, Rotterdam, Mozambique, etc. En 2011, tras haber tenido previamente ya 8 premios, fue galardonada con el premio World Press Photo por su retrato de Bibi Aisha, una mujer afgana mutilada. También consiguió el 1º puesto en el Picture of the Year International 2009.

Bieber ha dado talleres en Finlandia, Nepal, Chile, Italia, Viena, Turquía, Ciudad del Cabo y ha sido profesora invitada en el Market Photography Workshop (Johannesburgo), London College of Communication y Westminister University (Reino Unido), ICP school of Photojournalism (Nueva York) y en PhotoEspaña.

Ha sido miembro del jurado en los premios World Press Photo de 2008 y enseñó en la Joop Swart Masterclass en 2010. Está representada por The Goodman Gallery y el Institute for Artist Management.

Referencias

• su página web jodibieber.com (EN [+350f]),
• Jodi Bieber en wikipedia (EN),
• Jodi Bieber en goodman-gallery (EN [35f]),
• Jodi Bieber en worldpressphoto (EN [1f 5v]),
• Jodi Bieber en all-about-photo (EN [9f]),
• Entrevista a Jodi Bieber en 7punt7 [1f],
• Jodi Bieber en coolhunting (EN [7f]),
• Photographer Jodi Bieber's best shot en theguardian (EN [1f]),
• WPP: 1997, Jodi Bieber, 2nd prize, Arts and Entertainment stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 1997,  Jodi Bieber, 1st prize, Arts and Entertainment en worldpressphoto (EN [1f]),
• WPP: 1998, Jodi Bieber, 2nd prize, Sports stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 1998, Jodi Bieber, 1st prize, Portraits stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 2000, Jodi Bieber, 1st prize, Daily Life stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 2000, Jodi Bieber, 3rd prize, People in the News stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 2001, Jodi Bieber, 1st prize, Portraits en worldpressphoto (EN [1f]),
• WPP: 2004, Jodi Bieber, 2nd prize, Contemporary Issues stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 2011, World Press Photo of the Year, Jodi Bieber en worldpressphoto (EN [1f]),
• Jodi Bieber en quesabesde [1f],
• Jodi Bieber en facebook (EN [?f]).

Libros

• Between Dogs and Wolves: Growing up with South Africa2006
• Soweto2010
• Real Beauty2014

Victoria Bjorklund es una fotógrafa estadounidense (reside en Tacoma, Washington) que encuentra la inspiración dentro de la ciudad y busca dar una narrativa a cada fotografía cuidadosamente capturada.

© Victoria Bjorklund

Biografía

Victoria Bjorklund se graduó en el programa Fine Art Certificate in Photography del Maine Media College y en el programa EDGE para artistas visuales del Artist Trust de Seattle.

Victoria crea libros de artista y consiguió la beca TAIP por la ciudad de Tacoma en 2009. Su obra ha sido expuesta localmente, en el Tacoma Art Museum y a nivel nacional en San Francisco, Portland, Philadelphia y Minneapolis.

En su serie Modern Relics nos invita a experimentar restos emblemáticos de una época pasada. A pesar de su presencia casi inexistente, estas reliquias siguen ejerciendo una fuerte resonancia cultural por su antigua belleza y esplendor y sirven como un recordatorio de una época en que el mundo parecía menos complicado.

Su serie Midnight Blue cuenta con una serie de fotografías en tonos azul de paisajes urbanos nocturnos, llenos de sombras y carentes de personas que habitan en ellos durante el día.

Referencias

• su página web victoriabjorklund.com (EN [?f]),
• Victoria Bjorklund en all-about-photo (EN [17f]),
• Photo exhibit at Sammamish City Hall captures cities at night en sammamishreview (EN [1f]),
• Beautiful My Desire – Victoria Bjorklund en ws-flatfile.(EN [6f]),
• Victoria Bjorklund – Modern Relics en abecedariangallery (EN [3f]).

Libros de artista

• Modern Relics.
• Blue Midnight.

Giulio di Sturco es un fotógrafo italiano (nacido en 1979 en Milán, vive entre Delhi y Bangkok) que ha documentado temas que van desde la moda en India y Tailandia, el tsunami de Japón, la Opera Amato de Nueva York a la guerra del cacao en Madagascar, la muerte anunciada del río Ganges y muchos otros.

© Giulio di Sturco

Biografía

Giulio di Sturco estudió fotografía en el Instituto Europeo de Diseño y Artes Visuales en Roma, y su trabajo ha aparecido en muchas publicaciones internacionales como la revista L'espresso, Vanity Fair, Io Donna,The Daily Telegraph, Time, MarieClaire, GEO, The Sunday Times Magazine, Newsweek, …

Desde 2008 comenzó una colaboración más estrecha con organizaciones internacional importantes  como Greenpeace, MSF, UNITAID, Naciones Unidas, la OMS y Ayuda en Acción.

Sus galardones incluyen premios como el World Press Photo, Sony Photography Awards, British Journal of Photography International Photography Awards, Premio Internacional de Fotografia Humanitaria Luis Valtueña, Picture of the Year International y otros.

Fue parte del VII MENTOR PROGRAM de 2008 a 2011. Está representado por Reportage by Getty.

Referencias

• su página web www.giuliodisturco.com (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• Giulio di Sturco en reportagebygettyimages (EN [+100f]),
• Dark Gold: Giulio Di Sturco Goes Inside Madagascar’s Cocoa War en time (EN [16f]),
• Giulio di Sturco. War at the Edge of Heaven en burnmagazine (EN [17f]),
• Ganges: Death of a River en gettyimages (EN [15f]),
• Awash in Wreckage en pdnonline (EN [10f]),
• WPP: 2008, Giulio Di Sturco, 1st prize, Arts and Entertainment en worldpressphoto (EN [1f]),
• MSF en el noreste de Japón en msf (EN [12f]),
• Holy Water. The Death of the Great Mother by Giulio di Sturco en nowness (EN [16f]),
• Giulio di Sturco en facebook (EN [?f]).

Héctor Acebes es un cineasta y fotógrafo colombiano (nacido en Nueva York en 1921, vive en Bogotá, Colombia) conocido principalmente por sus fotografías de sus viajes por África, documentando sus pueblos del período colonial tardío en los años 50 con dignidad, orgullo y una intimidad rara vez conseguida incluso en obra fotográfica contemporánea.

Burt Balaban y Hector Acebes, 1937 © Acebes Archive

Cuando llegué a África dije “Esto es”.

Biografía

Héctor Acebes nació en el seno de una rica familia española y colombiana que se dedicaba a la importación de vinos españoles y a la manufactura de textiles colombianos. Se crió en Madrid  y asistió al Colegio del Pilar. Su familia se trasladó a Bogotá, Colombia, donde estudió en el Gimnasio Moderno. Con 13 años salió de casa a “navegar alrededor del mundo”, en un viaje que terminó a 600 Km del puerto de Barranquilla y su padre lo envió a los Estados Unidos para estudiar en la escuela secundaria en la Academia Militar de Nueva York.

Consiguió gran parte de su habilidad técnica fotográfica participando en el club de cámara de la escuela y por medio del estudio y la práctica por su cuenta. Con 15 años y en las vacaciones Acebes convenció a sus padres de que le dejaran hacer su segundo viaje en barco por los ríos del este de Colombia. Este viaje le sirvió para saber que nunca estaría a gusto sentado en un despacho.

Con 16 años, junto con su compañero de clase Burt Balaban condujeron un viejo coche de Nueva York a México City y vuelta.

Después de graduarse en la Chauncey Hall School en Boston, ingresó en el Instituto de Tecnología de Massachusetts para estudiar ingeniería, manteniendo su propio estudio fotográfico mientras estudiaba. Durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el Ejército de Estados Unidos y sirvió en Alemania y Bélgica, organizando una compañía de vodevil para diversión de los soldados americanos, e, incluso pensó en dedicarse al espectáculo. Pero a su regreso, completó sus estudios en el MIT y luego se trasladó con su esposa a Bogotá.

A finales de 1947, Acebes se dirigió a España para trabajar en una película, pero los planes del productor no se concretaron. En lugar de regresar a casa, Héctor viajó al norte de África. Fue cautivado por la mezcla de culturas variadas. Diversos pueblos del continente, con sus vestidos y adornos de colores, tonos, texturas, luz, elementos arquitectónicos y características geográficas le proporcionaron temas sorprendentes para sus fotografías y filmaciones. Siguió a este viaje con un segundo viaje, también en el norte de África y Malí, en 1949. Pasó tres meses explorando y fotografiando todo lo que capturó su imaginación. El punto culminante fue un viaje en camello a Tombuctú, en Mali, un destino muy difícil de conseguir en el 1949. Algunas de sus imágenes más impactantes provienen de este viaje.

A lo largo de las décadas de los 40 y 50, Acebes realizó expediciones por África y América del Sur y comenzó su trabajo como cineasta profesional y docente. A finales de los 50, Acebes Productions había establecido una reputación en la creación de excelentes documentales y películas industriales. Acebes escribió, filmó, dirigió y editó cada una de las 43 películas de Acebes Productions.

Su vida de novela como fotógrafo, cineasta, documentalista, ingeniero, combatiente durante la Segunda Guerra Mundial, pionero de la publicidad, aventurero y viajero incansable, ha sido reflejada por el documental Héctor Acebes, el ojo de un aventurero, de Juan Carlos Delgado, que narra los acontecimientos más importantes de su vida, como sus tres expediciones a África, el haber sido uno de los primeros expedicionarios en llegar al nacimiento del Orinoco y retratar a los nativos Yucos de Venezuela, Yanomamis en Colombia y a los Shuars (jibaros reductores de cabeza) del Ecuador.

Referencias

• su página web hector-acebes.com (EN [30f]),
• Héctor Acebes en anahitaphotoarchive (EN [17f]),
• Héctor Acebes en ggibsongallery (EN [1f]),
• Héctor Acebes en holdenluntz (EN [19f]),
• Héctor Acebes en banrepcultural [2f],
• Héctor Acebes en nomadgallery (EN [31f]),
• Héctor Acebes en illadeltresor,
• Héctor Acebes en telenet (EN [1f]),
• Héctor Acebes en estromatolitos [2f],
• Héctor Acebes en all-about-photo.com/photographer (EN [17f]).

Libros

• Hector Acebes: Portraits in Africa, 1948-1953,2004.
• Orinoco Adventure by Hector Acebes, 1954.

Chang Chao-Tang es un fotógrafo taiwanés (nacido el 17 de noviembre de 1943 en Panchiao City, Taipei) cuyo trabajo, principalmente fotografía de la calle,  ha sido descrito como profético y una reflexión modernista de una realidad absurda. Su enfoque particular es una síntesis del surrealismo y el existencialismo occidental mezclado con la ideología china.

© Chang Chao-Tang

La fotografía no es para la satisfacción de los demás. Tampoco va de una especie de responsabilidad o misión. Es sólo un medio para llenar un vacío personal.

Biografía

Chang Chao-Tang comenzó a hacer fotos en 1959 cuando era adolescente en la escuela secundaria y pidió prestada una Aires Automat 120 de doble lente a su hermano mayor. Le gustaba ir a dar largos paseos con la cámara después de la escuela y, finalmente, se encontró haciendo fotos con la cámara todos los días, fotos de personas y lugares comunes de Taiwán. Gran parte de su obra revela la ironía de la vida y la muerte, la trascendencia en medio de la corriente, la intimidad en medio de la alienación, el humor en medio del absurdo.

Su carrera de más de 50 años ha abarcado fotografía, programas de televisión, documentales y obras de teatro. Sus obras no sólo sienten el pulso de su edad, sino que son también testigos de la historia de largo alcance.

Ha recibido varios premios importantes, entre ellos el Golden Bell (1976), el Premio Nacional de las Artes (1999) y el Premio Nacional de Cultura (2011). Ha sido comisario de exposiciones y ha impartido cursos de fotografía y cine. Ha organizado, editado y escrito libros sobre fotógrafos taiwaneses y fotografía.

Con dedicación incansable ha trabajado para transmitir, construir y promover el legado tanto de la fotografía como del cine, guiando a los menos experimentados, haciendo importantes contribuciones y proyectando una larga sombra en su campo.

En 2013 el Taipei Fine Art Museum presentó su gran exposición individual retrospectiva, Time: The Images of Chang Chao-Tang, con más de 400 obras fotografías desde 1959 hasta la actualidad (incluyendo impresiones de contacto, una serie de retratos inéditos, y un conjunto de imágenes tomadas desde cámaras digitales y teléfonos móviles), así como ocho documentales y episodios de televisión. El orden cronológico y el contenido de las obras expuestas se han agrupado en seis grandes temas: Imágenes de la Juventud, 1959-1961, Voces existenciales, 1962-1965, Instalaciones, Scribblings y obras originales, 1966-1986,  Memoria Social / Paisajes interiores, 1970-2005, Búsqueda Digital, 2005-2013 y Caras en el Tiempo, 1962-2013.

Referencias

• The Existentialism of Chang Chao-Tang en invisiblephotographer (EN [16f 1v]),
• Breathing Different Air – An Interview with Chang Chao-Tang en invisiblephotographer (EN [16f]),
• The Review: Chang Chao-Tang en flamingoshanghai (EN [8f]),
• From Ordinary Life, Extraordinary Images en nytimes (EN [15f]),
• Chang Chao-Tang, the Ironic Absurdity en gbenard (EN [12f]),
• 2011: Chang Chao-Tang en moc (EN [3f]),
• Chang Chao-Tang en zenfotogalleryartists (EN [5f]).

Libros

• 2008 Chang Chao-Tang
• 2010 Moments in Time 1959-2005
• 2010 The Invisible Contact 1959-1961
• 2013 Time: The Images of Chang Chao-Tang, 1959-2013
• 2013 VOP Issue 10: The Chang Chao-Tang Issue.

Santiago Ramón y Cajal fue un médico español (nacido en Petilla de Aragón, Navarra, el 1 de mayo de 1852 y fallecido en Madrid el 17 de octubre de 1934). Humanista, además de científico, consiguió el premio Nobel de Medicina en 1906 por sus investigaciones sobre los mecanismos que gobiernan la morfología y los procesos conectivos de las células nerviosas, y practicó la fotografía toda su vida.

Santiago Ramón y Cajal

La fotografía es un ejercicio científico y artístico de primer orden. Por ella vivimos más, porque miramos más y mejor.

Biografía

Santiago Ramón y Cajal era hijo de médico rural, por lo que vivió su infancia entre continuos cambios de residencia por distintas poblaciones aragonesas; con apenas dos años la familia dejó Petilla de Aragón para mudarse a Larrés, el pueblo de sus padres, y de allí a Luna (1855), a Valpalmas (1856) y a Ayerbe (1860). Estudió Medicina en Zaragoza doctorándose en 1877. Ocupó cátedras en la Facultad de Medicina de Valencia (1884), Barcelona (1888) y Madrid (1892), y en 1906 fue reconocido con el Premio Nobel de Medicina.

Su interés por la fotografía comenzó siendo muy niño, en 1868, cuando su padre lo mandó a terminar el bachillerato al Instituto de Huesca, ciudad donde conoció a unos fotógrafos ambulantes que le enseñaron sus fundamentos. En 1878 enfermó y practicó la fotografía como terapia, convaleciente en el Balneario de Panticosa. Dos años después empezaría sus investigaciones y labor teórica sobre el medio, disciplina que practicó hasta la vejez.

En 1880 fabricó placas fotográficas ultrarrápidas (3s. de exposición con una emulsión al gelatino-bromuro, por los 3m. del colodión húmedo)  e improvisó sus primeras pruebas fotográficas en un gallinero y en la plaza de toros de Zaragoza. Obtuvo gran éxito entre los fotógrafos, aunque ningún socio capitalista, que solicitaron el producto en grandes cantidades. Experimentó también con las nuevas técnicas del fotograbado, la fotomicrografía y la fotografía estereoscópica, y creó las fotolitografías. Aunque practicó la fotografía como aficionado, siempre cuidó los contenidos y la estética, procurándose en cada momento el equipo apropiado.

Realizó fotografías científicas, autorretratos, bodegones, paisajes y fotografías de viajes. Asimismo, se le considera pionero de la fotografía en color en España, conservándose numerosas placas a color, entre las que abundan retratos y bodegones. En 1934, poco antes de fallecer, dejó escrito que la fotografía tenía dos estéticas: la documental y la de galería o artística.

Entre 2000 y 2003 recorrió la geografía española la muestra Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal. Realizadas en placas secas al gelatino-bromuro, muchas de las fotografías presentadas eran inéditas y procedían del archivo fotográfico familiar. Parte de su fondo fotográfico se conserva en el Instituto Ramón y Cajal de Madrid.

Referencias

• Santiago Ramón y Cajal en aragon [+50f],
• Santiago Ramón y Cajal en wikipedia [12f],
• Santiago Ramón y Cajal en unizar [?f],
• Documental: Santiago Ramón y Cajal. Viajes, fotografía y memoria (2012) en lanochedelosinvestigadores [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• Recreaciones estereoscópicas y binoculares, 1901
• Fotografía de los colores. Bases científicas y reglas prácticas, 1912 y 2012
• Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal, de París
  a los Estados Unidos, 1899, 2000
• Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal, Italia, 1903, 2001
• Viajes fotográficos de Santiago Ramón y Cajal, Londres, 1908, 2002
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Josep Renau fue un un pintor, fotomontador, muralista y militante comunista español (nacido en Valencia el 17 de mayo de 1907 y fallecido en el Berlín oriental el 11 de noviembre de 1982) que, Influenciado por el dadaísmo, el constructivismo y el art déco, trabajó el fotomontaje político criticando los valores burgueses, a la derecha española y estadounidense y al fascismo. Josep Renau fue crucial en la introducción en España del uso de las vanguardias y la conciencia social del cartel.

© Josep Renau

Biografía

Josep Renau Berenguer fue hijo de José Renau Montoro, profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, cuyo sueldo exiguo le obligó a realizar una gran variedad de trabajos extras en su juventud.

Renau tuvo una facilidad innata para el dibujo. En la Escuela de Bellas Artes entre 1919 y 1925 y en la litografía Ortega, donde trabajó desde la adolescencia, aprendió los oficios de pintor y litógrafo, ganando su primer concurso de carteles con 18 años.  Creó también una serie de acuarelas, de estilo art déco, que en la exposición que celebró en Madrid en 1928 causaron una impresión excelente entre las autoridades del arte oficial y la política. Trabajó también como fotógrafo y muralista y sus carteles cinematográficos eran apreciados en todo el mundo.

Militante del Partido Comunista de España desde 1931 y fundador de la Unión de Escritores y Artistas Proletarios (1932), inició el despegue de su obra con carteles editados para apoyar a la República durante la Guerra Civil Española. Fue profesor de Bellas Artes en la Universidad de Valencia. Posteriormente se le nombró Director General de Bellas Artes en 1936, siendo quien encargó a Pablo Ruiz Picasso la realización del Guernica en 1937 para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de París (donde Renau realizó los fotomontajes expuestos en el Pabellón de la República Española) y quien decidió el traslado a las Torres de Serranos de Valencia parte de la obra del Museo del Prado, para salvarla de los bombardeos de Madrid, organizando con posterioridad su traslado a Suiza. Ocupó este cargo hasta el final de la contienda en 1939.

Al terminar la guerra, pasó a Francia y fue internado en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer. Consiguió, en ese mismo año, un visado para trasladarse a México, donde trabajó para revistas españolas en el exilio y colaboró con el conocido muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. De este periodo datan los murales del Casino de la Selva de Cuernavaca, encargados por Manuel Suárez y Suárez.

En 1958 dejó México para instalarse en la República Democrática Alemana, concretamente en su capital, Berlín Oriental. Allí realizó murales, fotomontajes que criticaban la Guerra Fría, la persecución anticomunista del Gobierno norteamericano y el capitalismo (Fata Morgana USA en 1967 y The American Way of Life en 1977)  y también films gráficos, caricaturas, ilustraciones y entrevistas.

En 1972 se distanció del Partido Comunista, se retiró a su estudio, contactó con las nuevas generaciones de artistas alemanes y reflexionó sobre los binomios arte y vida, mujer y naturaleza, desnudo y creación. Fue colaborador de revistas como Estudios, Crónica, Murta, Orto, Octubre, La República de les Lletres y Nueva Cultura.

Beneficiado por la amnistía general de 1976 regresó a España con pasaporte mejicano, pero sólo ocasionalmente para volver más tarde de nuevo a Berlín, donde falleció en 1982.

Dos exposiciones itinerantes recorrieron España y el mundo con la  obra de Renau en 2007: Josep Renau, compromiso y cultura, organizada por la Fundación Renau, la Universidad de Valencia y secex, y Josep Renau, fotomontador, organizada por la Fundación Renau y el Instituto Cervantes.

Sus fondos fueron legados al Instituto Valenciano de Arte Moderno.

Referencias

• Josep Renau en wikipedia [4f],
• Josep Renau en elangelcaido [16f],
• Josep Renau en ua [?f],
• Josep Renau. Algo más que un artista en cultier [16f],
• Josep Renau en museoreinasofia [4f],
• Josep Renau en uv [10f],
• Josep Renau en foroporlamemoria [16f],
• Josep Renau en elhistoriador [7f],
• Josep Renau: Commitment and Culture en art-for-a-change (EN [6f]),
• Josep Renau, genio del fotomontaje en quesabesde [7f],
• Josep Renau: compromiso y cultura en 20minutos [7f],
• Josep Renau íntimo: sus obras más sensuales salen a la luz en Berlín en valenciaplaza [14f],
• Josep Renau en cervantes [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [3f].

Libros

• Función Social del Cartel, 1976
• The American Way of Life, 1977
• La batalla per una nova cultura, 1978
• Arte en Peligro 1936-1939, 1980
• Josep Renau: fotomontador, 1985
• Josep Renau. Història d’un fotomuntador, 1997
• Arte Contra las Élites, 2002
• Tras la huella de Renau, 2006
• Renau: la abrumadora responsabilidad del arte, 2008
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Hai Bo es un fotógrafo chino (nacido en Changchun, en la provincia de Jilin, en 1962, vive y trabaja en Pekín) cuya obra evoca siempre el paso del tiempo. En sus trabajos, la comparación entre pasado y presente es significativa, no para revelar un cambio, sino para disminuir el abismo causado por los bruscos cambios de la China actual.

© Hai Bo

Biografía

Hai Bo estudió en el Instituto de Arte de Jilin, en 1984, y continuó formación en la Academia Central de Bellas Artes hasta 1989, antes de partir al Tíbet, en 1991. Formado como pintor, Hai Bo se inició en la fotografía en la década de los 80 cuando quedó cautivado por la habilidad de la cámara para detener el tiempo y evocar recuerdos.

Desde 1982, toma fotografías de su tierra natal, una aldea en el noreste de China. Sus retratos contemporáneos evocan el paso del tiempo, en una  metáfora de lo que es la China contemporánea. Emergiendo de la que fue una vez una sociedad predominantemente agraria, el progreso del país es medido por el esfuerzo de incontables individuos que se mueven a lo largo de la misma trayectoria hacia el futuro.

Basado en esto, Hai Bo vuelve constantemente a su antiguo hogar e intenta fotografiar siempre la misma localización. Éste es un lugar de el cual él tiene la memoria más profunda y más familiar. Sus protagonistas son marcados por los cambios y las mudanzas que ha atravesado su país en los últimos años. Con imágenes fuertes y precisas, el artista crea retratos/paisajes en los que son igualmente abordados los temas de la ausencia y de la soledad.

Hai a menudo re-escenifica fotografías tomadas décadas atrás, creando una yuxtaposición de pasado y presente en dípticos que hacen hincapié en el rápido crecimiento y el cambio de China. Sus fotografías también registran el paso del tiempo en una variedad de formas, que retrata el paso cíclico de las generaciones, las estaciones y décadas. Recientemente ha comenzado a documentar las comunidades que se han formado junto a los márgenes de los centros urbanos, lo que refleja los cambios demográficos de China en la estela de la revolución industrial del país.

Además de sujetos humanos, también ha trabajado en el género del paisaje, la captura de la inmensidad y el aislamiento de los horizontes de China en sus obras de las Series del Norte.

Obtuvo el premio The Martell Artist of the Year en 2011. En 2004, Hai ganó el 55º Premio Internacional la Fundación Michetti en Italia, y en 2000 obtuvo el Chinese Contemporary Art Award. Sus obras forman parte de colecciones como Metropolitan Museum of Art, J. Paul Getty Museum, Smithsonian's Arthur M. Sackler Gallery,Queensland Art Gallery, National Art Museum of China, Guangdong Museum of Art, …

Referencias

• Hai Bo en pacegallery (EN [10f]),
• Hai Bo en doloresdesierra [11f],
• Hai Bo en thedailybeast (EN [15f]),
• Hai Bo: The Northen Series (Las series del norte) en encuentrosfotograficos [3f],
• Hai Bo and China's Photography Boom en thedailybeast (EN [1f]).

Biografía

Carlos Cánovas se trasladó con su familia a Pamplona el mismo año de su nacimiento, y ha residido desde entonces en la capital de Navarra. Comenzó estudios de Profesorado Mercantil que abandonó para dedicarse, inicialmente como aficionado, a la fotografía, que había aprendido con su padre siendo un niño. Ya en 1970 hizo un primer trabajo como cámara de una película pero, a partir de 1972, prefirió la práctica de la fotografía en solitario. Entre 1975 y 1980 llevó a cabo intercambios de opiniones y experiencias con otros fotógrafos, y participó en diversos concursos y encuentros fotográficos. En 1977 realizó su primera exposición individual. Se dedicó profesionalmente a la fotografía a partir de 1988.

En los 80 comenzó a realizar labores de recuperación del legado fotográfico, plasmadas después en libros como Apuntes para una historia de la fotografía en Navarra (1988) y Navarra: Fotografía (2013), y en monografías sobre antiguos fotógrafos como Miguel Goicoechea (1994) o Nicolás Ardanaz (2000). También ha publicado numerosos artículos y textos de crítica fotográfica.

Trabajos fotográficos relevantes son sus series Extramuros (1983-86) y Plantas dolientes (1981-92). Se aproxima con frecuencia a lo que podrían llamarse «lugares anónimos», característicos de la periferia urbana, que sin embargo le son cercanos, como en el caso de su reciente serie Séptimo cielo (2007-15). Trabaja el tema de la ausencia con un tratamiento diferido, fragmentado o desenfocado en series como A propósito (1993-2015) y María fugit (1987-96).

Destacan sus exposiciones individuales Extramuros (Museo de Navarra, Pamplona, 1991), Paisaje sin retorno (Museo de Bellas Artes, Bilbao, 1994), Paisajes fugaces(Instituto Valenciano de Arte Moderno, 1997), Paisaje anónimo (Fotonoviembre, Santa Cruz de Tenerife, 2001 y Ayuntamiento de Pamplona, 2002), Vida secreta (Galería Moisés Pérez de Albéniz, Pamplona, 2006) y Séptimo cielo (Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa, Barcelona, 2011, y Sala Amarika, Vitoria-Gasteiz, 2013)

Ha impartido cursos y talleres de fotografía, abordando tanto los aspectos técnicos en los que es un maestro, como diferentes temas artísticos o históricos. Es profesor contratado de fotografía de la Universidad Pública de Navarra desde 2.000. Como copista/impresor ha realizado labores de copiado de diferentes archivos, como los de Nicolás Lekuona o Ernesto Che Guevara, y preparado numerosas exposiciones de diversos autores.

Referencias

• su página web carloscanovas.com [+240f],
• Carlos Cánovas en wikipedia,
• Carlos Cánovas en unav [1f],
• Carlos Cánovas expone "Séptimo cielo", su entorno más cotidiano en teinteresa [1f],
• Carlos Cánovas en xuku-va [8f],
• Carlos Cánovas en kristian711photography [8f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• Séptimo Cielo 2013.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
• Navarra. Fotografía 2012.
• Séptimo cielo, 2011.
• Entre sombras – Itzal Artean(varios), 2008.
• Fotógrafos vascos 2008
• A propósito, 2008.
• Paisaje anónimo, 2002.
• Nicolás Ardanaz – Fotografías, 2000.
• Itzulerak - Retornos 2000.
• Paisajes fugaces, 1997.
• Miguel Goicoechea: un pictorialista marginal, 1994.
• Deriva de la ría: paisaje sin retorno 1994.
• Paisaje anónimo, 1994.
• Gran Enciclopedia de Navarra, 1990.
• Apuntes para una Historia de la Fotografía en Navarra 1989.
• Miradas, seis Fotógrafos Navarros, (varios) 1984.
• Fotografías, (varios) 1981.

Christopher Stewart es un artista visual y educador inglés (nacido en Londres en 1966) cuyo trabajo tiene que ver con las jerarquías de la visión, vigilancia y territorios en disputa.

© Christopher Stewart

Biografía

Christopher Stewart se graduó en 1998 con un master en fotografía del Royal College of Art, donde consiguió el premio estudiantil Gallery RCA Student Award. Después de su graduación fue representado por la galería londinense Gimpel Fils.

El trabajo que desarrolló a partir de una primera serie de fotografías realizadas mientras estudiaba en el Royal College fue posteriormente exhibido en el National Museum of Photography, Film and Television de Bradford, en el Victoria and Albert Museum, el Fotomuseum Winterthur en Suiza, y la Whitechapel Gallery de Londres, así como en otros foros internacionales.

Desde la década de los 90 hasta mediados de los 2000, examinó en Insecurity(1995-2005)el fenómeno global de la seguridad global privatizada, utilizando esta moderna hiper-industria como una metáfora para el análisis de la inseguridad global. Proyectos posteriores de mediados de la década de 2000 son Kill House, un análisis de los estructuras disciplinarias utilizadas en EEUU para la formación de las fuerzas especiales privadas antes del despliegue a Irak y Afganistán y Super Border, con fotografías  del Sistema integrado de Vigilancia Exterior recién inaugurado en la costa andaluza del sur de España y que ha costado 300 millones de euros.

Tiene un proyecto en colaboración con Mohini Chandra (Chandra + Stewart) para trabajar juntos en una serie de proyectos en la región Asia-Pacífico, incluyendo Dark Pacific Sun.

Se ha publicado su trabajo en diversos medios como The Photograph as Contemporary Art de Thames and Hudson World of Art Series, 100 European Photographers de Exit, Madrid (2014), The Critical Dictionary, Londres (2011) y Michael Langford’s Basic Photography (2009). Sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas como la colección permanente del Victoria & Albert Museumde Londres y la Martin Z. Margulies de EEUU.  Está representado por  Gimpel Fils de Londres.

Stewart ha trabajado como comisario y ha dedicado buena parte de su vida a la educación, dando clases en el Royal College of Art, Tisch School of Art International Program en Londres, University of Westminster y London Guildhall University. También en el Kent Institute of Art and Design y la University of Brighton, para finalmente en 2008 ser profesor adjunto de Fotografía en la School of Creative Media en la RMIT University (Australia) y, posteriormente, a partir de 2012, profesor asociado en Fotografía en la Escuela de Diseño de la Universidad de Tecnología de Sídney.

Referencias

• su página web www.dialecturnal.com (EN [+70f]),
• Christopher Stewart en wikipedia (EN),
• Christopher Stewart en gimpelfils (EN [5f]),
• Christopher Stewart en vam (EN [1f]),
• Christopher Stewart and the Wages of Fear en seesawmagazine (EN [8f]),
• Christopher Stewart: Super Border en source (EN [11f]),
• Chandra + Stewart (EN [?f]).

Caterina Bernardi es una fotógrafa noruega (nacida en Orkanger, en la costa noroeste de Noruega, vive en San Francisco) que realiza fotografía publicitaria y editorial, conocida también por sus  paisajes épicos. 

© Caterina Bernardi

Biografía

Caterina Bernardi nació en un pueblo llamado Orkanger, en la costa noroeste de Noruega, tierra de las auroras boreales y largos inviernos. De allí le viene muchas veces su inspiración por sus paisajes y lugares increíblemente dramáticos, y de los cuentos de hadas con los que creció: historias de ambientes nórdicos místicos y llenos de representaciones de trolls, princesas y naturaleza.

Su conexión con la fotografía floreció por primera vez en Río de Janeiro, Brasil, donde vivió a principio de los 90. Allí aprendió portugués, se encontró con gente muy apasionada y descubrió su  pasión por la fotografía. Una amiga había encontrado un productor para hacer su primer CD, y Caterina le fotografió en su grabación en el estudio con famosos artistas brasileños. Fue una experiencia increíble que le obligó a seguir con la fotografía, lo que finalmente le ha llevado a San Francisco, una ciudad magnífica para ir a vivir y trabajar. Allí se licenció en Bellas Artes y se lanzó al oficio de fotógrafa.

En los últimos diez años ha creado imágenes para clientes como Merck, Genentech, Reebok, The Times de Londres, Pasolivo, Gilead, Bristol-Myers Squibb, KQED TV., Yoga Journal, Vodafone y Warner Bros. Al mismo tiempo, su trabajo ha aparecido en revistas de fotos, como Communication Arts, PDN, Graphis, APA Shows y Graphic Design USA.

Residente en San Francisco, California, una vez al año los vientos del norte le llaman y vuelve a casa para visitar Noruega, sentir su brisa y ver el sol de medianoche.

Referencias

• su página web caterinabernardi.com (EN [+150f]),
• su blog (EN [?f]),
• Caterina Bernardi en flickr (EN [100f]),
• Caterina Bernardi en tmar (EN [+50f]),
• Caterina Bernardi en corbisimages (EN [+600f]),
• Caterina Bernardi en lebook (EN [+150f]),
• Caterina Bernardi en all-about-photo (EN [17f]),
• Caterina Bernardi en area-visual [15f],
• Caterina Bernardi en photoserve (EN [74f]),
• Caterina Bernardi en select-magazine (EN [49f]),
• Caterina Bernardi en landsography (EN [14f]),
• Caterina Bernardi en workbook (EN [89f]).

Philipp Bolthausen, alias Arkidenz, es un director artístico y fotógrafo estadounidense (trabaja entre París y Nueva York) cuyo enfoque fotográfico se deriva de la voluntad de no utilizar la fotografía como un medio tradicional de representación de la realidad, sino como una plataforma para el discurso y el pensamiento.

© Philipp Bolthausen

Mis obras no son imágenes de algo, sino objetos sobre algo.

Biografía

Philipp Bolthausen, de origen alemán, se formóen torno a estudios de arte y comunicación en París y Nueva York, donde vivió y trabajó durante muchos años antes de volver a París. Actualmente trabaja como director artístico para algunas de las mejores marcas de lujo del mundo.

Esta base y experiencia tiene una presencia arraigada en su trabajo fotográfico, estando menos interesado en las cualidades representativas de la fotografía, y centrándose más en la exploración de la periferia de cada terreno.  Con el fin de lograr esto, trata de inventar su propio lenguaje visual, utilizando múltiples exposiciones, la superposición, yuxtaposición y secuencialidad de interpretar, reescribir.

En pocas palabras su fotografía se puede resumir en objetos, que crean un mundo intrínseco del suyo propio.

Akzidenz elige a propósito la utilización de la película, medio del siglo XX que le permite ver y colocar el presente en perspectiva. La elección del blanco y negro y del grano se convierten en los constantes que representan y fomentan la equivalencia de la vida y la forma dentro de su obra. El flujo de trabajo tradicional del cuarto oscuro es el que emplea en su trabajo.

Referencias

• su página web akzidenz.com (EN [+80f]),
• su blog (EN [?f]),
• Philipp Bolthausen en bricepascalsuisse (EN [50f]),
• Objects About Something en eadfameless (EN [14f]),
• Philipp Bolthausen en all-about-photo (EN [15f]),
• Akzidenz en slanted (EN [11f]),
• Akzidenz and His Layered Multiiple Exposure Photographs en lomography (EN [10f]),
• Pictures Of Something? en getaddictedto (EN [4f]),
• "AD REM" by Akzidenz for KOCK en designyoutrust (EN [5f]),
• 'Surrender' by Akzidenz en lanciatrendvisions (EN [10f]).

Claudio Parentela es un ilustrador, pintor, artista electrónico, dibujante, creador de collages, periodista freelance y fotógrafo italiano (nacido en 1962 en Catanzaro donde vive y trabaja),  que lleva activo desde 1995 en la escena artística. Ha colaborado y colabora con muchos fanzines, revistas de arte contemporáneo, de literatura y en cómics en Italia y en el mundo, tanto en papel como digitalmente.

© Claudio Parentela

Biografía

Claudio Parentela es un ilustrador y caricaturista activo en la escena underground internacional. Colabora con muchos fanzines y revistas de arte y cómics, como Stripburger, Lavirint, You & Me, The Lummox Journal, The Cherotic Revolutionary, The Brown Bottle, Art Life, Mani Art, Pintalo De Verde, Crystal Drum, Chance, Untergrundblatte, Unwound, Moon Magazine, Lucid Moon, Evasion, Stampa Alternativa, Emozioni, BGA Comix, Innovation Studio, Kerosene, Lo Sciacallo Elettronico, Krimson Leer, Phony Lid Pubblications, The Benway Institute, Kastello, Cabezabajo, Que Suerte, Topaz, Sunburn, Fagorgo, Entmoot, Pssst zine, zzz zine, Stardust Memories,Helter Skelter, Germinal ... y muchos otros.

Ha ilustrado poemas de Marcos Sonnenfeld, Gary Sneyd, Shannon Colebank, Lisa Massei, Vittorio Baccelli, Michael Kriesel, Gavin Burrows y Cristiano Quadalti. Fue invitado en el ROTURA 21 Festival de Ljubljana en Eslovenia.

Le encanta el Mail Art y participa en todos los proyectos de arte electrónico que se entera. Colabora también con grupos y bandas punk, heavy metal e industrial. Es el responsable de una docena de blogs desde los que difunde el trabajo de otros creadores a través de reseñas y entrevistas.

Su trabajo de collage es discordante, brillante y hace difícil de apartar la mirada de él. Puede crear de forma rápida y automáticamente, sin centrarse en ningún problema específico. Se siente libre, especialmente cuando tiene todas sus cosas en frente de él, listas para ser utilizadas, mezcladas en una especie de alquimia punk. Nunca sabe inicialmente lo que va a salir. Simplemente se deja llevar por la corriente y trata de estar presente en el momento.

Referencias

• su página web claudioparentela.net (EN [30f]),
• su blog (EN [?f]),
• Claudio Parentela en flickr (EN [200f]),
• Claudio Parentela: “Quiero transmitir la locura de mi alma” en anormalmag [7f],
• Claudio Parentela en saatchiart (EN [+1.200f]),
• Claudio Parentela en artelista (EN [18f]),
• Claudio Parentela en artdiscover [7f]
• Claudio Parentela en behance (EN [20f]),
• Claudio Parentela en miista (EN [20f]),
• Claudio Parentela en ggalleryslo (EN [24f]),
• Claudio Parentela en fuckingyoung (EN [11f]),
• Claudio Parentela en fotoportale (EN [32f]),
• Claudio Parentela. Interview with a Punk Alchemist of Contemporary Art en ganzomag (EN [8f]),
• Claudio Parentela en trebuchet-magazine (EN [11f]).

Libros

Ha publicado en varias editoriales cuadernos de ilustraciones y de cómics:

• The Halved Nightmare y The Slavering Rat (BGA Cómic-Innovation Studio - Italia)
• Black Kisses and other Stories y The Book of Secrets (La Cafetiere Editions  - Bélgica)
• Story y Il Bombarolo (Progetto Siderurgiko - Italia)
• Jeanne Dark you got Balls y The Frogs Ballet (auto-editados).

Miguel David es un fotógrafo español (nacido en Manises, Valencia, vive en Moraira, Alicante) que intenta que la gente que contemple sus imágenes dejen de ser espectadores pasivos y que se conviertan, a través de la interpretación y de la imaginación, en unos cómplices creativos de su fotografía conceptual, abstracta, imprecisa e indefinida.

© Miguel David

Biografía

Miguel David reside actualmente, siempre que puede y el trabajo se lo permite, en Moraira. Alicante. donde, desde su atalaya, contempla la inmensidad del Mar Mediterráneo como si de una metáfora soledosa se tratase, huyendo de la contaminación, de los ruidos y de la masificación.

En cuanto a la fotografía, llegó a ella no muy pronto, allá por los años 88, como una aventura atractiva y cautivadora, en la que sigue por placer y divertimento, siempre fascinado.

Enseguida comenzó a participar en concursos locales, nacionales e internacionales, consiguiendo numerosos premios y obteniendo las calificaciones AFIAP y EFIAP. Hacia 2006, con nuevas inquietudes y en plena evolución dio por finalizado su paso por los certámenes fotográficos.

Ha realizado diversas exposiciones, desde la primera en el Corral del Pato, en Gata, Alicante (1995), hasta la que va a realizar estos días, PNT, en el  Centre  Cultural  La  Beneficiencia de la Diputación de Valencia, pasando  por las exposiciones de la CAM de Torrent (1998) y Agfoval (1999), de las realizadas durante 2003 y 2004 con motivo de la edición de Diario de un Fotógrafo y las de 2008 con motivo de la publicación de Silencios y Soledades. Sin olvidar las anteriores de PNT en Valencia Fotográfica 2010 y en otras galerías y salas.

Ha disfrutado con la publicación de los libros Diario de un Fotógrafo, Silencios y Soledades y PNT BLNC (del que prepara una segunda parte) y ha aparecido en revistas como SuperFoto, La Fotografía y Casanova.

En sus planteamientos fotográficos, siempre ha sido una persona más preocupada por el concepto, la abstracción y el hallazgo de formas que por la toma de una foto social, comprometida o cruda. En su último trabajo, PNT, trata la foto metafórica y conceptual, donde a través de profundos negros y oscuras cavernas nos lleva a descubrir la luz, la verdad, mezclando imágenes con textos de unas 30 personas distintas, donde lo literario, lo descriptivo y … también lo reflexivo, conforman “un todo” expositivo con la imagen.

Referencias

• su página web migueldavid.com [60f],
• su blog [?f],
• Miguel David: Diario de un fotógrafo en espacioluke [10f],
• Miguel David: PNT BLNC en Manises en valenciaopinion [2f],
• Exposición de Miguel David sobre las ciudades de la UE en lasprovincias,
• Miguel David en facebook [?f].

Libros

• Personas y lugares, 2003
• Diario de un Fotógrafo, 2004
• Silencios y Soledades, 2008
• PNT  BLNC, 2012
• PNT BLNC (Diputación de Valencia), 2015

Martin Bogren es un fotógrafo sueco (nacido en 1967, vive en Malmoe) que captura momentos específicos, fugaces para evocar recuerdos y emociones que desencadenan algo como sueños medio olvidados pero profundos que están dentro de nuestro ser universal.

© Martin Bogren

Biografía

Martin Bogren comenzó su carrera fotográfica a principios de los 90 dentro de una tradición documental, fotografiando bandas y artistas. Su primer libro, The Cardigans – Been It, se publicó en 1996 después de varios años de gira con la banda.

Su trabajo llegó a ser ampliamente conocido a mediados de la década de los 2000 cuando publicó el libro Ocean, relatando el periplo de un grupo de indios viajando más de 24 horas en autobús desde Rajastán a Goa para ver y bañarse en el mar por primera vez en su vida. Este libro fue nominado para el premio Mejor Libro de Fotos en Arles en 2009 y recibió el premio de honor al mejor libro de fotos en Suecia el mismo año. La serie se exhibió por Escandinavia, Francia, Polonia, Italia y EEUU.

En 2011 su serie Lowlands fue exhibida en Fotografiska en Estocolmo y publicada por Max Strom. El mismo año fue galardonado con el Coup de Cour en la revisión de Recontres Arles en Francia y con el prestigioso premio de fotografía Scanpix en Suecia.

En Tractor Boys muestra a jóvenes muchachos en sus primeros años de adolescencia en la remota región de Skåne en Suecia, realizando el ritual de reunirse en un campo desierto grande por la noche (algunos con sus amigas) para conducir  coches viejos sobrealimentados a velocidades locas, en círculos, levantando polvo y nieve y desprendiendo olor a goma quemada, aceite y gasolina,  aislados en su propio mundo de juegos antes de crecer y seguir adelante con la vida.

Su obra se ha publicado en revistas como British Journal of Photography, L'IMAGE y Eyemazing, y forma parte de varias colecciones públicas y privadas, incluyendo Bibliothèque Nationale de Francia, Oregon Fine Art Museum  y Fotografiska de Estocolmo.

Referencias

• su página web www.martinbogren.net (EN [?f]),
• Martin Bogren en galerievu (EN [24f]),
• Tractor Boys, Martin Bogren en lensculture (EN [41f]),
• Martin Bogren en all-about-photo (EN [17f]),
• Martin Bogren en parisphoto (EN [3f]),
• Martin Bogren en flakphoto (EN [5f]),
• Tractor Boys by Martin Bogren – review en theguardian (EN [1f]),
• Lo sencillo en cuatrocuerpos [9f],
• Martin Bogren: Ocean en tylosand (EN [6f]),
• Video Interview: Martin Bogren, on Tractor Boys en lensculture (EN [1v]),
• Martin Bogren – Tractor Boys en monovision (EN [12f]),
• Martin Bogren en thephotogallery (EN [14f]),
• Martin Bogren: Isola series en azurebumble (EN [6f]).

Libros

• 2014 Embraces
• 2013 Tractor Boys
• 2011 Lowlands
• 2008 Ocean
• 2008 Notes
• 1996 The Cardigans - Been it.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Giorgia Borneto es una fotógrafa italiana (nacida en 1982, tiene su base en Génova y Milán) que realiza retratos maravillosamente oscuros, sensuales y emocionales.

© Giorgia Borneto

Mi ojo izquierdo ve la belleza del mundo, el derecha tiene miedo de que se desvanezca ... Sólo estoy tratando de capturarla.

Biografía

Giorgia Borneto comenzó hace unos años con la fotografía, siempre en busca de detalles, la  composición adecuada y sobre todo fotografías en exteriores o en lugares sugestivos. Tuvo siempre una gran pasión por el mundo de la moda, pero parece que el fotografiar a bellas modelos bien vestidas, no le es ya suficiente.

Tal vez su viaje a la ciudad de Nueva York, le abrió una parte misteriosa de su mente, quizás sea solo su evolución interior la que le llevó frente al telón de fondo negro de un estudio. Ahora fotografía de frente mujeres fuertes, expresivas y apasionadas. A través de sus foto ya no vemos rostros maravillosos pero anónimos, ahora percibimos el poder de una mirada femenina.

Referencias

• Giorgia Borneto en facebook (EN [?f]).
• su blog (EN [?f]).
• Giorgia Borneto en flickr (EN [+350f]),
• Giorgia Borneto en reykjavikboulevard (EN [11f]),
• Giorgia Borneto en anormalmag [8f],
• Giorgia Borneto en xaxor (EN [8f]),
• Giorgia Borneto en jrphoto (EN [5f]),
• Giorgia Borneto en all-about-photo (EN [9f]),
• CURLERS a project by Giorgia Borneto en positive-magazine (EN [10f]),
• Giorgia Borneto's Photography en juxtapoz (EN [7f]),
• Giorgia Borneto en best-of-photography (EN [9f]).

Liu Bolin es un artista y fotógrafo chino (nacido el 7 de enero de 1973 en la provincia de Shandong, vive y trabaja en Pekín) que muestra principalmente su decisión de desaparecer conscientemente antes de que el sistema lo haga por él. Lo pasivo se convierte en acción trasformadora.

© Liu Bolin

Biografía

Liu Bolin obtuvo su licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de las Artes de Shandong en 1995 y un master en Bellas Artes por la Academia Central de Bellas Artes de Beijing en 2001. Su obra ha sido expuesta en museos de todo el mundo. Es también conocido como "El hombre invisible", pues sus obras más populares son las de su serie Hiding in the City, unas obras fotográficas que comenzaron como arte de performance en 2005.

Liu pertenece a la generación china que emergió de los escombros de la Revolución Cultural y que ha podido disfrutar de un rápido crecimiento económico y una relativa estabilidad política.

En respuesta a la constante evolución de la sociedad china, con un rápido crecimiento y desarrollo, creó su serie China Report 2007 donde pintaba sobre fotografías de periódicos oficiales que cubrían historias de calamidad ambiental, construcción de infraestructuras y las demolición consecuentes, para no retratar los cambios que mostraban, sino los propios medios de comunicación oficiales chinos.

La demolición de la aldea de artistas Suo Jia Cun en 2005, donde había estado trabajando, motivó a Bolin para crear su serie Hiding in the City como protesta silenciosa, llamando la atención sobre la falta de protección de los artistas chinos habían recibido de su propio gobierno. Pintando su propio  cuerpo para mimetizarlo con diversos lugares de Pekín trata de mostrar la invisibilidad del artista para el gobierno chino. Esta serie ha dado lugar a numerosas secuelas como Shadow y, en 2011, Hiding in New York, en la que se desapareció en emblemáticos lugares de Nueva York. En 2013, creó el diseño del álbum What About Now de la banda de rock duro de Nueva Jersey Bon Jovi.

En su obra aparecen paisajes cotidianos de las ciudades chinas: edificios demolidos, muros con lemas obreros, murallas y palacios gubernamentales. Para realizar sus trabajos siempre prefiere días nublados porque la iluminación excesiva dificulta la intencionalidad camaleónica de la fotografía y puede estar parado hasta 9 horas para acabar una fotografía, pasando muchas veces desapercibido mientras la está realizando.

Desde sus primeras exposiciones individuales en Pekín en 1998, su obra ha recibido el reconocimiento internacional, siendo expuesta en foros internacionales como en Les Rencontres d'Arles y en numerosas galerías de todo el mundo como Dashanzi Art Zone en Pekín (2007), Galerie Bertin-Toublanc en París (2007), Klein Sun Gallery en Nueva York (2008), Galerie Paris-Beijing en París y Bruselas (2013), Galería Boxart en Verona (2008), Fundación Forma de Fotografía en Milán (2010).

Referencias

• su página web www.liubolinart.com (EN [?f]),
• Liu Bolin en kleinsungallery (EN [+130f]),
• Liu Bolin en galerieparisbeijing (EN [+180f]),
• Liu Bolin en boxartgallery (EN [24f]),
• Burning Man Obama en huffingtonpost (EN [1v]),
• Liu Bolin en joiamagazine [5f],
• Liu Bolin en ibytes [6f],
• Photos of the invisible man en ted (EN [13f]),
• Timelapse of a disappearance: Talking with Liu Bolin en ted  (EN [1v]),
• Liu Bolin Book en thircuir (EN [14f]),
• Liu Bolin en dailymail (EN [6f]),
• Liu Bolin en inspirationfeed (EN [30f]),
• Liu Bolin en younggalleryphoto (EN [18f]),
• Liu Bolin en facebook (EN [?f]),

Libros

• Liu Bolin2014
• Etro2014
• Liu Bolin2012
• Liu Bolin (The Invisible Man)2012
• Liu Bolin: The Invisible Man2011
• Liu Bolin: China Report 20072008.

Edmund Clark es un fotógrafo británico cuya obra explora la encarcelación y el control en la llamada Guerra contra el Terror, uniendo en su obra la historia, la política y la representación, trazando ideas de humanidad compartida, alteridad y una experiencia de ser visto a través del paisaje, la arquitectura, los documentos, las posesiones y los entornos de los sujetos de la tensión política.

© Edmund Clark

Biografía

Edmund Clark, después de estudiar para obtener un título en Historia y Francés en la Universidad de Sussex, Brighton y en La Sorbonne, París, trabajó como investigador en Londres y Bruselas antes de obtener un diploma de postgrado en fotoperiodismo en el London College de Comunicaciones.

Ha sido el único fotógrafo en obtener acceso a la Bahía de Guantánamo y en una casa bajo una orden de control (que alberga a un individuo bajo las Medidas de Prevención del Terrorismo y la Ley de Investigación del 2011).

Su libro Control Order House es su respuesta a un período que pasó alojándose en una casa con un hombre que había sido puesto bajo una orden de control debido a su presunta participación en una actividad relacionada con el terrorismo. Clark pasó tres días de trabajo en la casa tomando un gran número de fotografías rápidas. Estas imágenes, junto con los planos arquitectónicos de la casa, los documentos redactados en relación con el caso y un diario escrito por la persona controlada forman un retrato del lugar, sus habitantes y de la estructura de la restricción legal impuesta. Esta serie forma parte de la colección del Imperial War Museums. También tiene obra en colecciones como la National Portrait Gallery, The George Eastman House, Rochester, y The Museum of Fine Arts, Houston.

Su trabajo The Mountains Of Majeed es la observación del final de la Operación Libertad Duradera en Afganistán a través de la fotografía, de imágenes encontradas y poesía talibán. Edmund Clark analiza la experiencia del personal militar y asesores que han prestado servicio en Libertad Duradera sin enfrentarse nunca al enemigo.

En reconocimiento por su trabajo, ha recibido varios premios, entre ellos  el International Photography Awards en diversas categorías. Fue también finalista en los Lucie Awards.

Referencias

• su página web www.edmundclark.com (EN [?f]),
• Edmund Clark en wikipedia (EN),
• Edmund Clark en prixpictet (EN [10f]),
• Edmund Clark en flowersgallery (EN [39f]),
• Life at Guantanamo, and What Happens Next en slate (EN [16f]),
• Edmund Clark en telegraph (EN [3f]),
• Edmund Clark en 20minutos [5f],
• ‘Still Life: Killing Time’ by Edmund Clark en prisonphotography (EN [11f]),
• The Mountains of Majeed. Edmund Clark en dalpine [7f],
• Edmund Clark: control order house en ft (EN [8f]),
• Letters to Omar en granta (EN [16f]),
• Edmund Clark en facebook (EN [?f]).

Libros

• Still Life: Killing Time. 2007.
• Guantanamo: If the Light Goes Out. 2010.
• Control Order House. 2013.
• The Mountains of Majeed, 2014.