David Lykes Keenan es un fotógrafo estadounidense (vive en Brooklyn, Nueva York) cuya obra consiste en fotografiar en blanco y negro a personas anónimas al azar usando una cámara pequeña y discreta. Ama a las personas a las que se acerca en sus fotografías. Son su conexión con la humanidad y su acertijo creativo.

© David Lykes Keenan

Por razones tanto dentro como fuera de mi control, he vivido más como testigo que como participante en mi vida: un voyeur.
Deambulo por las calles de las grandes ciudades entre personas que se han relajado en el caos, y en su mayoría no eran conscientes de mi presencia. Busco específicamente humor, ironía, patetismo, yuxtaposiciones inusuales, caras curiosas e historias reales o imaginarias. Todas estas cosas ocurren en mi camino, sin planificarlas, y se habrían evaporado en cuestión de segundos, si no hubiera estado preparado con mi cámara.

Biografía

David Lykes Keenan asistió a la Michigan State University y se graduó como ingeniero informático. Su primera aventura amorosa fue con una vieja cámara de la Alemania del Este, sus citas fueron experiencias emocionantes en un cuarto oscuro que su padre construyó en el sótano, y sus experimentos con adolescentes fueron en blanco y negro, y luego con película en color. A su mejor amigo de la época, una Nikomat, casi le olvidó mientras prosperaba como desarrollador de software. Pero finalmente volvió a la fotografía y vive a través de la lente otra vez.

Mientras vivía en Austin, Texas, fundó el Austin Center for Photography y pasó cuatro años construyéndolo y guiándolo a través de un lanzamiento exitoso. Cuando no está fotografiando, crea libros de fotografía suyos y de la obra de otros. FAIR WITNESS: Street Photography for the 21st Century es una monografía de su fotografía callejera, e In the Gutter es una pequeña mirada al libro de artista. Ha publicado también Look at Me, una exploración muy personal del deseo y el arrepentimiento.

Ahora, normalmente se le puede encontrar en una cafetería o en las calles de Ciudad Nueva York en busca de su próxima aventura fotográfica. Donde sea que esté, gran parte de su vida transcurre solo en cafeterías. Su compañero más confiable, una cámara Leica M, comparte su mesa. Solo vive completamente mientras deambula por la ciudad con su compañera, cazando.

Desde enero de 2007 ha estado publicando en sus galerías PAW (Photo a Week) una foto por semana. Esto le ha ayudado a convertirse en un buen fotógrafo y le sirvió de base para FAIR WITNESS. Publicar una imagen semanal, religiosamente, le ha permitido crear una estructura para observar su trabajo de forma regular, realizar ediciones y evaluaciones de las imágenes que había tomado, teniendo como objetivo que su PAW de cada semana tenía que ser mejor imagen que la de la semana anterior. Este proceso, incrementalmente a lo largo de los años, le ha ayudado a mejorar.

Sus fotografías han aparecido en numerosas revistas, se encuentran en numerosas colecciones y se han exhibido en diversos espacios públicos. David divide su tiempo entre Brooklyn, Nueva York, y Austin, Texas. Desde 2003, se ha reinventado continuamente como fotógrafo. En 2006, dejó  su negocio de software que había fundado 20 años antes para dedicarse a su pasión por la fotografía a tiempo completo.

Referencias

• su página web www.dlkphotography.com (EN [?f]),
• David Lykes Keenan en instagram (EN [+300f]),
• Fair Witness (EN [17f]),
• Fair Witness: Interview with David Lykes Keenan en erickimphotography (EN [7f 1v]),
• David Lykes Keenan: Fair Witness and Look At Me en lenscratch (EN [15f]),
• David Lykes Keenan: Fair Witness: Street Photography for the 21st Century en monovisions (EN [14f]),
• David Lykes Keenan en loeildelaphotographie (EN [8f]),
• David Lykes Keenan: Witnessing Life through Photography en leica-camera (EN [10f]),   
• David Lykes Keenan en lensculture (EN [43f]),
• Look at me: BW film street portraiture en theinspiredeye (EN [13f]),
• David Lykes Keenan Portfolio Site en cargocollective (EN [1f]),
• Take or Make by David Lykes Keenan en stevehuffphoto (EN [2f]),
• David Lykes Keenan - Publishing Street Photography en thephotobrigade (EN [2f 1v]),
• David Lykes Keenan en ndmagazine (EN [36f]),
• FAIR WITNESS: Street Photography for the 21st Century by David Lykes Keenan en leicarumors (EN [18f 1v]),
• Interview Photographer David Lykes Keenan en westendcameraclub (EN [4f]),
• David Lykes Keenan Fair Witness: Street Photography for the 21st Century en theprintspace (EN [5f]),
• @ausdlk en twitter (EN [?f]),
• David Lykes Keenan en facebook (EN [?f]).

Libros

• Fair witness, 2015.
• In the Gutter
• Look at Me,
• PISS.

Clayton Bozard es un fotógrafo estadounidense (nacido en Orangeburg, Carolina del Sur, vive en Columbia, también Carolina del Sur) cuya propia experiencia como músico le ha llevado a especializarse principalmente como fotógrafo de retrato editorial y en el mundo de la música.

© Clayton Bozard

Biografía

Clayton Bozard empezó a apasionarse por la fotografía en su ciudad natal de Orangeburg en Carolina del Sur. Como músico tocó con bandas como I Nine, Bryson Jennings y Hannah Miller, y su transición de la música a la fotografía comenzó como una curiosidad casual en 2006, cuando empezó a buscar portadas de CD y obras de arte y rápidamente se dio cuenta de la diferencia entre las que le atraían y las que no. Comenzó a notar cómo la luz jugaba una parte muy importante en si la imagen le gustaba o no y se puso a aprender fotografía leyendo libros y textos diversos y, a partir de allí, comenzó a experimentar encontrando un nuevo medio para ejercitar su creatividad, muy satisfactorio y diferente de cómo me expresaba a través de la música. La fotografía se convirtió en su camino y su carrera definitiva en 2007 y su experiencia como músico de bandas y su conocimiento de esta industria le llevó a dedicarse al mundillo de la música y a los retratos editoriales como su enfoque principal como fotógrafo.

Como fotógrafo profesional, Clayton tiene una capacidad innata para capturar el personaje en cada fotografía mediante el uso de la iluminación y entornos adecuados, buscando la belleza de la simplicidad y capturar la verdadera emoción, personalidad e intensidad en cada uno de sus temas. Su portfolio está compuesto por músicos, modelos y personas que simplemente anhelan la oportunidad de tener una captura "natural" de la luz en sus ojos.

Referencias

• su página web www.claytonbozard.com (EN [+50f]),
• Clayton Bozard en instagram (EN [+300f]),
• su blog (EN [?f]),
• Clayton Bozard en youtube (EN [9f]),
• Shooting Music in the American South: Interview With Clayton Bozard en picsart (EN [12f]),
• Clayton Bozard en sietefotografos [7f],
• @claytonbozard en twitter (EN [?f]),
• Clayton Bozard en facebook (EN [?f]).

Swarat Ghosh es un fotógrafo indio (nacido en Dhanbade, vive y trabaja en Hyderabad) para el que la fotografía tiene que ver con el momento y la capacidad de observar. Le encanta tomar fotografías complejas en su composición donde se superpongan múltiples elementos descriptivos y conceptuales, que representen historias de la vida cotidiana.

© Swarat Ghosh

Biografía

Swarat Ghosh nació y se crio en Dhanbade, la capital del carbón de la India. En la actualidad trabaja profesionalmente como diseñador visual en una compañía de software de renombre en Hyderabad. Cuando era niño, soñaba como tantos otros en convertirse en un jugador profesional de críquet.

Su esposa le regaló una cámara réflex Nikon D3000 con lente principal de 35 mm en 2010. Inicialmente, se unió a un par de grupos de Flickr llamados Hyderabad Weekend Shoots y The Camera Club of Hyderabad por su enfoque hacia la fotografía de calle. Solían quedar en diferentes partes de Hyderabad para hacer fotos. Luego empezó a ver fotos del colectivo That's Life de Kaushal Parikh, Prashant Godbole y muchos más fotógrafos callejeros de la India en 2012 y hoy en día se enorgullece de haber formado parte de este maravilloso colectivo de fotografía callejera que ha inspirado a muchos fotógrafos.

Su trabajo ha sido publicado en varias revistas nacionales e internacionales como National Geographic Traveler, Discover India, International Street Photographer y TreeFree y otras muchas. Ha asistido a talleres de reputados conferencistas como Eric Kim, y ha obtenido importantes premios en concursos como Metiers du Monde organizado por Foundation Alliance Française en 2013, el Neel Dongre organizado por la India Photo Archive Foundation en 2016 y ha sido finalista en el Lens Culture Street de 2017. Su obra se ha expuesto en Londres, París, Glasgow, Tailandia, Bombay y Hyderabad.

Referencias

• su página web swaratg.wordpress.com (EN [35f]),
• Swarat Ghosh en instagram (EN [+200f]),
• Swarat Ghosh en flickr (EN [+700f]),
• Beyond Street, by Swarat Ghosh en invisiblephotographer (EN [16f]),
• Swarat Ghosh en in-street (EN [17f]),
• Swarat Ghosh. Beyond Street en burnmagazine (EN [20f]),
• Swarat Ghosh en lensculture (EN [6f]),
• The Stunning Vibrancy and Forms of India: The Diverse Street Photography of Swarat Ghosh en erickimphotography (EN [27f]),
• 20 Questions in Hyderabad, India with Swarat Ghosh en shooterfiles (EN [?f]),
• Swarat Ghosh. Beyond Street en independent-photo (EN [13f]),
• Swarat Ghosh - word on the street en 23-north (EN [12f 1v]),
• An Intimate Interview With Street Photographer Swarat Ghosh By Arek Rataj en 121clicks (EN [17f]),
• Precious Moments en artofcreativephotography (EN [4f 1v]),
• Hyderabad Street Photography by Swarat Ghosh en youtube (EN [1v]),
• Swarat Ghosh en blackandwhitestreet (EN [12f]),
• Food Guide: The Best Mami-Approved Eateries in Chennai en natgeotraveller (EN [3f]),
• Where the Streets Have No Name en betterphotography (EN [2f]),
• @swaratghosh en twitter (EN [?f]),
• Swarat Ghosh en facebook (EN [?f]).

Junya Suzuki es un fotógrafo japonés (nacido en 1979, vive en Kanagawa y Tokio) cuyo interés se centra en cómo los elementos de la imagen se conectan en el mismo lugar al mismo tiempo. Las caras pueden haber girado en la misma dirección, o pueden haber cambiado a otra dirección. Sin embargo, las conexiones en sus emociones llenan el espacio como una atractiva fotografía.

© Junya Suzuki

Desde la antigüedad, el japonés tiene un sentido estético único denominado "wabi-sabi". En general, esta estética prefiere lo mundano sobre lo vistoso, la quietud sobre la elocuencia y la permanencia sobre el movimiento. Los japoneses llegaron a ver los elementos en su estado natural como puros, mientras que los modificados por los humanos como impuros. Al buscar la esencia natural de las cosas, esta sensibilidad estética se produjo a partir de ellos mismos. Sin embargo, casi no hay oportunidad de escuchar esta estética en los tiempos modernos. A medida que pasa el tiempo, y cómo el humano llega a ver la superficie de las cosas, es posible que hayan perdido esa mentalidad estética. Un día, encontré el punto común en las fotos que capturé: la tranquilidad, no el bullicio. Inconscientemente puedo sentir este sentido estético como "wabi-sabi" en un entorno que sigue creando, destruyendo y cambiando todo el tiempo. Nada es permanente en este mundo. Y sabemos que la vida no es interminable. Es por eso que sospecho que podemos tener la sensación de existir juntos en armonía. Esta serie es un documental que ofrece perspectivas para sentirse en la vida cotidiana.

Biografía

Junya Suzuki comenzó a hacer fotografía en 2009. Es un fotógrafo de calle con sede en Kanagawa y Tokio, Japón. Su interés se centra en cómo los elementos de la imagen se conectan en el mismo lugar al mismo tiempo. Continúa disparando para perseguir un objetivo como documentar hechos reales de la vida cotidiana, agregando su propia expresión de surrealismo, lírica y humor.

Intenta hacer fotos que expresen su estilo personal, cara a cara con los sujetos a través del visor. Trata de leer las emociones y el comportamiento de las personas de antemano, imaginando la foto ideal y preparándose para ello, y  cuando encuentra la mejor composición y sincronización, suelta el obturador.

Quiere expresar la historia en nuestras vidas diarias. Siempre vemos las cosas en color, por eso solo dispara en color. El humor es también un elemento esencial en sus fotos. Después, no edita mucho sus fotos, ya que no lo siente necesario con su estilo, pero trata de mantener una paleta de colores consistente.

Sus fotografías han aparecido en diversos magazines como Underdogs issue 14 y Twelve Landscape Short Stories de CameraInfinita en 2017, y en varios volúmenes de Einstein Studio en 2016, como son JP_EN ISSUE.4, NEW JAPAN PHOTO ISSUE.2, NEW JAPAN PHOTO, TOKYO/JAPAN JAN 2016  y TOKYO/JAPAN DEC 2015.

Referencias

• su página web www.junya-suzuki.com (EN [?f]),
• Junya Suzuki en instagram (EN [+190f]),
• Junya Suzuki en flickr (EN [+650f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• An Aesthetics of Everyday Life in 15 images en leica-camera (EN [15f]),
• Junya Suzuki invites to enter the quietness en thisispaper (EN [12f]),
• Junya Suzuki: An Aesthetics of Everyday Life en poolresourceszine (EN [15f]),
• Junya Suzuki, An Aesthetic of Everyday Life en loeildelaphotographie (EN [15f]),
• An Aesthetics of Everyday Life en phasesmag (EN [15f]),
• An Aesthetics of Everyday Life — The Delicate Street Photography of Junya Suzuki en fotoroom (EN [13f]),
• Wabi-Sabi, the art of quietness:Suzuki Junya looks for aesthetic in the daily en c41magazine (EN [20f]),
• Reflections in 35mm: A Photo Essay on a Modern Kid’s Life en eyeem (EN [17f]),
• "Dondo-Yaki". 2nd Place, Japan National Award (Photo: Junya Suzuki via Sony World Photography Awards) en konbini (EN [1f]),
• Chromatic Awards: Honorable Mention: People - Junya Suzuki en hromaticawards (EN [1f]),
• “Something Here” — Japanese Street Photographers en huffingtonpost (EN [2f]),
• Junya Suzuki en velveteyes (EN [9f]),
• An Aesthetic of Everyday Life en camerainfinita (EN [12f]),
• Junya Suzuki en facebook (EN [?f]).

Clarissa Bonet es una artista y fotógrafa estadounidense (nacida en 1986 en Tampa, Florida, vive y trabaja en Chicago, Illinois) cuyo trabajo explora aspectos del espacio urbano tanto en un contexto físico como psicológico. Interesada en el espacio físico de la ciudad y su impacto emocional en el cuerpo, utiliza la cámara para transformar el espacio físico en uno psicológico, proporcionando una interpretación personal del paisaje urbano.

© Clarissa Bonet

Biografía

Clarissa Bonet llevaba ya una cámara desechable de película en su mochila durante toda la escuela primaria y hacía fotos de sus amigos durante o después de la escuela. En la escuela secundaria asistió a clases de fotografía y desde los 16 años ha estado trabajando con este medio. Obtuvo un master en fotografía por el Columbia College Chicago en 2012.

Su estilo es gráfico, minimalista y, en general, con una gran profundidad de campo. Aprendió con los años las "reglas" de la fotografía pero puede romperlas deliberadamente. Por ejemplo, su momento favorito para fotografiar es con la luz más dura, lo opuesto a lo que se enseña en las escuelas de fotografía.

Actualmente, está trabajando en dos cuerpos de trabajo a largo plazo: City Space trata sobre la experiencia horizontal diurna de la superficie de la ciudad, Stray Light habla sobre el paisaje urbano nocturno. Últimamente ha estado fascinada con la superficie y la estructura de la ciudad. Estas ideas ya están en su trabajo, pero continúa ampliándolas con nuevas imágenes.

En 2012 fue enlistada en el Top 50 de Critical Mass, fue elegida como una de los PDN’s 30 New and Emerging Photographers to Watch en 2015, seleccionada en el 2016 Flash Forward Emerging Photographer por la Magenta Foundation y comisariada para una exposición colectiva de la Aperture Foundation Gallery.

Su trabajo ha sido publicado en CNN Photos, The Wall Street Journal, The Eye of Photography, Photo District News, Chicago Magazine, Harpers Bizarre, Juxtapoz, y muchos otros medios impresos u online nacionales e internacionales.

En 2016 realizó una exposición individual en Catherine Edelman Gllery que la representa. Su trabajo ha sido exhibido en Chicago, California y Nueva York, entre otros lugares, así como a nivel internacional en París y en el Festival Internacional de Fotografía de Pingyao en China.

Su obra forma parte de las colecciones de University of Michigan Museum of Art, The Museum of Contemporary Photography, Southeast Museum of Photography, Haggerty Museum of Art, University Club Chicago y la JPMorgan Chase Art Collection.

Obtuvo la beca Albert P. Weisman dos años consecutivos y la Individual Artist Program Grant del Departamento de Asuntos Culturales y Eventos Especiales de la Ciudad de Chicago.

Referencias

• su página web www.clarissabonet.com (EN [?f]),
• Clarissa Bonet en instagram (EN [+550f]),
• Clarissa Bonet en edelmangallery (EN [+80f]),
• Clarissa Bonet en annenbergphotospace (EN [23f]),
• Clarissa Bonet en mocp (EN [10f]),
• Visible darkness: the shadowed streets of Chicago – in pictures en theguardian (EN [12f]),
• Clarissa Bonet Captures City Space en ignant (EN [11f]),   
• Cities After Dark Create Their Own Starry Nights en wired (EN [10f]),
• The urban space is striking. Its tall and mysterious buildings, crowds of anonymous people, the endless sea of concrete; these things constantly intrigue me en dodho (EN [19f]),  
• Clarissa Bonet: City Space and Stray Light en lenscratch (EN [15f]),
• Clarissa Bonet en lensculture (EN [48f]),
• Clarissa Bonet. City Space en dont-smile (EN [18f]),
• Clarissa Bonet. en aint-bad (EN [18f]),
• Clarissa Bonet en emptykingdom (EN [10f]),
• Captivating Work Of Clarissa Bonet en lomography (EN [15f]),
• Clarissa Bonet en saint-lucy (EN [7f]),
• Clarissa Bonet: Espacios urbanos en elpatiodeldiablo [12f],   
• Chicago vista desde la perspectiva de Clarissa Bonet en alternopolis [11f],
• Clarissa Bonet. So predictably inconsistent en thedreambeing (EN [6f]),
• Clarissa Bonet en facebook (EN [?f]).

Sue Kwon es una fotógrafa coreana-estadounidense (vive y trabaja en Ciudad de Nueva York) que ha documentado fragmentos de la vida en las calles de Nueva York, desde discotecas jamaicanas en Queens hasta los espacios del Covenant House (casas hogar para menores de edad) y por supuesto las estrellas más grandes del hip-hop y a artistas del rock y punk.

Dr. Dre© Sue Kwon

Biografía

Sue Kwon comenzó su carrera en la revista semanal The Village Voice en los años 90. Desde entonces ha documentado hermosos fragmentos de la vida en las calles de Nueva York, desde discotecas jamaicanas en Queens hasta los espacios del Covenant House (casas hogar para menores de edad), pasando por escenas callejeras de los barrios más carismáticos de Nueva York: Little Italy, Chinatown, Coney Island, Lower East Side y un Times Square anterior a Guiliani.

Por supuesto, también ha fotografiado a las estrellas más grandes del hip-hop: Nas, Biggie Smalls, RZA, Dr Dre, ODB, Method Man, Afrika Bambaata, Beastie Boys, Notorius B.I.G. y Wu-Tang Clan, así como artistas de rock y punk, para discográficas como Def Jam, Sony y Loud Records, y sus imágenes han aparecido en revistas como The Source, Vibe y Paper.

En su libro Street Level de 2009 recopila 20 años (desde finales de los 80´s hasta los años 2000) de fotografía documental y comercial  con sus fotografías de hip-hop junto con retratos y escenas callejeras de la vida cotidiana de los alrededores de Manhattan y otros barrios multiculturales. Estas imágenes en blanco y negro, caracterizadas por una evidente afición por las vidas que retratan, están pobladas de gentes de todos los ámbitos y ocasiones, desde zapateros hasta presos de la prisión estatal de Rahway hasta recién casados ​​y strippers en la infame Sue's Rendezvous.

Su trabajo ha aparecido en exposiciones colectivas en Nueva York y Copenhague e individuales como Only in New York en A Bathing Ape Gallery en Tokio y Clic Gallery en Nueva York. Su obra parte de colecciones como Alex Katz Foundation, Smithsonian National Museum of African American History and Culture y The Rock and Roll Hall of Fame Museum en Ohio.

Si bien gran parte de su trabajo actual se centra en sus propios proyectos, sigue haciendo campañas para empresas como Burton Snowboards, Gravis y A Bathing Ape.

Referencias

• su página web www.suekwon.com (EN [+300f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• Sue Kwon: Ha retratado desde casas hogar hasta los mas icónicos raperos en visionhiphop [8f],
• 12 Photographers Who Captured Hip-Hop, from Old School to the ’90s en artsy (EN [4f]),
• Sue Kwon "ONLY IN NEW YORK" Photography Exhibition en hypebeast (EN [1f]),
• Sue Kwon en theredlist (EN [31f]),
• Sue Kwon en fifty24sf (EN [3f]),
• Sue Kwon for UXA x HHF x Adidas en haroldhunter (EN [5f]),
• Sue Kwon: Street Level en artbook (EN [1f]),
• Sue Kwon en facebook (EN [?f]).

Libros

• Street Level: New York Photographs, 2010.

Simon Plestenjak es un cinematógrafo y fotógrafo esloveno (nacido en Eslovenia, vive y trabaja en trabaja en São Paulo, en Brasil) que realiza fotografía con contenido editorial y de marca, mediante documentales y relatos corporativos.

© Simon Plestenjak

Biografía

Simon Plestenjak se licenció en fotografía en Brasil y ha trabajado en sus 15 años de carrera como periodista fotográfico en periódicos como Folha de São Paulo, ha producido reportajes documentales para revistas como National Geographic y ha realizado encargos comerciales para compañías como Nike, CocaCola, Budweiser, Jaguar, McDonalds, Land Rover, Jeep, RayBan, .... La fotografía, el video y el espacio entre ambos son sus áreas de trabajo e interés en los últimos años,  siendo fotógrafo habitual y director de fotografía de contenido a bordo de Latam Airlines.

Por su trabajo documental ha obtenido diversos premios, como una mención honorífica en POY Latam (Foto del año América Latina), el mayor concurso de fotografía documental en América Latina en 2013. Su obra ha sido exhibida internacionalmente en São Paulo, Nueva York, Londres, Montreal, Tel Aviv, Medellin, Trieste y en diversas ciudades de Eslovenia.

Referencias

• su página web simonplestenjak.com (EN [?f]),
• Simon Plestenjak en instagram (EN [+1.600f]),
• Simon Plestenjak en flickr (EN [+190f]),
• su blog (EN [?f]),
• Simon Plestenjak en vimeo (EN [41f]),
• Simon Plestenjak en youtube (EN [12v]),
• Álbum de viagem por Simon Plestenjak en folha (PT [18f]),
• Brazil to Algonquin Park, by Simon Plestenjak en algonquinoutfitters (EN [?f]),
• Simon Plestenjak en ooshot (EN [49f]),
• Simon Plestenjak en sloveniapressphoto (SL [9f]),
• Simon Plestenjak en beretallercultural1 [1f],
• @simonplestenjak en twitter (EN [?f]),
• Simon Plestenjak en facebook (EN [?f]).

Ilya Shtutsa es un fotógrafo ruso (nacido en 1972 en el este de la antigua Unión Soviética, vive en San Petersburgo) que realiza fotografía documental y de calle. Es miembro del colectivo internacional Observe de fotografía callejera. La percepción de la realidad como un sueño se observa en sus imágenes, que capturan momentos que a menudo parecen congelados, mostrando muchos detalles y formando constelaciones surrealistas.

© Ilya Shtutsa

Biografía

Ilya Shtutsa tenía alrededor de 10 años cuando obtuvo su primera cámara, una sencilla Smena 8m que tenía casi todo niño soviético de la época. Hacía muchas fotos de todo lo que le rodeaba, revelaba en su baño, leía revistas fotográficas soviéticas que tenía su tío, y sobre todo y durante horas los libros de pinturas y arte clásico de su padrastro, una experiencia crucial para su educación visual. Pero cuando tenía 18 años su interés por la fotografía se desvaneció.

20 años más tarde resucitó cuando tuvo en sus manos un teléfono móvil con una pequeña cámara. La fotografía móvil captó su mente, y luego encontró un artículo en una revista de fotos sobre Matt Stuart, Nick Turpin y David Solomons que le hizo darse cuenta de para qué están diseñadas las cámaras. Después de este momento, era solo cuestión de tiempo antes de comprar su primera réflex digital y comenzar a andar en la calle.

Desde los 24 años había estado llevando una vida de músico callejero y llevaba siempre su flauta consigo. Desde hace unos 6 años, también lleva siempre su cámara con él. Ha sido natural convertirse en fotógrafo callejero tras ser un músico callejero.

Hoy en día, Ilya es miembro de Observe Collective y su trabajo es una excelente representación de la magia que la ciudad de San Petersburgo tiene para ofrecer a la fotografía de calle. Encontrar lo extraordinario en lo común es un dicho usado en exceso en este género, pero eso es exactamente lo que hace. Sus escenas tienen un aspecto a veces surrealista, casi mágico, capturando escenas complejas e interesantes, a menudo inusuales, de la vida cotidiana en San Petersburgo, capturadas con un interés en la luz y el color que les da vida.

Referencias

• Ilya Shtutsa en observecollective (EN [15f]),
• Ilya Shtutsa (shtutsa_photo) en instagram (EN [+450f]),
• Ilya Shtutsa en instagram (EN [+600f]),
• Ilya Shtutsa en flickr (EN [+1.100f]),
• Ilya Shtutsa. Shades of grey en observecollective  (EN [17f]),
• 20 Questions in Saint-Petersburg, Russia with Ilya Shtutsa en shooterfiles (EN [17f]),
• Featured Street Photo by Ilya Shtutsa en streethunters (EN [1f]),
• 2014 Competition Winners: Ilya Shtutsa. The Red Button en urbanpicnic-streetphotography (EN [1f]),
• 50 Street Photographers you should follow in 2015. 44. Ilya Shtutsa en alexcoghe (EN [1f]),
• 40 of the Best Street Photos of 2016 by Photographers Around the World en petapixel (EN [1f]),
• Photo challenge: 12 by 12 en bbc (EN [1f]),
• Die Realität als Traum en kwerfeldein (DE [13f]),
• Top Street Photos of 2016 en streetbounty (EN [1f]),
• Ilya Shtutsa en facebook (EN [?f]).

Adolfo Zerkowitz fue un fotógrafo austriaco (nacido en Viena en 1884, fallecido en Barcelona en 1972) afincado en España, autor de las primera postales de la ciudad de Barcelona e iniciador de una saga de fotógrafos barceloneses continuada por su hijo Alfred y su nieto Héctor.

Adolfo Zerkowitz

Biografía

Adolf Zerkowitz comenzó su vida laboral dentro del negocio textil de su familia en Viena, pero cuando comenzó la Primera Guerra Mundial se encontraba en Marruecos en viaje de negocios y no pudo volver a su país. Cruzó el Mediterráneo hasta Barcelona, ciudad en la que finalmente se afincó de por vida. Alpinista aficionado, aunó esta afición a la fotografía, convirtiéndose en uno de los mayores editores de postales de paisajes y pueblos del país.

Su primera edición de postales fue un encargo del Monasterio de Montserrat en 1916​, labor que prosiguió con una ingente obra de la ciudad de Barcelona, Mallorca, la costa catalana y los Pirineos, entre otros lugares. Empleó cámaras de placas de cristal, subiéndose hasta las cimas de las montañas para retratar los pueblos desde el punto de vista más alto.

Zerkowitz fue pionero en captar fotografías de Barcelona para ilustrar postales. Su cámara con objetivo, siempre con el trípode de madera, retrató en blanco y negro el viejo camino hacia el faro del rompeolas, el primer autobús turístico, carros tirados por caballos ante el mercado del Born, los primeros taxis estacionados en la plaza de Sant Jaume y la Rambla de noche iluminada por los focos de un cine, siendo un adelantado a su tiempo a la hora de captar planos cenitales desde azoteas y atalayas para mostrar la ciudad desde las alturas. Con una Leica-M3 Ernst Leitz Wetzlar retrató la sociedad que le rodeaba, ensanchando los encuadres en este tipo de tomas y dejando atrás el formato postal.

Colaboró con varias editoriales e ilustró libros de viajes, entre ellos la Guía de Sitges publicada por el Patronato Nacional de Turismo. Su estudio fotográfico en Barcelona fue heredado y ampliado por su hijo Alfredo, que también ampliaría el campo de actuación al resto de España.

Afortunadamente, su obra se ha conservado por la familia prácticamente intacta y el Archivo Zerkowitz consta de 25.000 fotografías de los años 1915 a 1950, y de 40.000 realizadas entre 1950 y 1980 por Adolfo y por su hijo Alfredo. Entre las fotografías ya digitalizadas y accesibles vía internet figura una muestra de las imágenes más espontáneas del fundador del estudio, con imágenes cotidianas de los años 30 o algunos hechos sociales (sin incluir la guerra civil y la posguerra, durante la cual Zerkowitz procuró pasar lo más desapercibido), pero sobre todo fotografías que muestran los escenarios tópicos de Cataluña y sus sucesivas transformaciones desde los años 30. Su nieto Héctor Zerkowitz manifiesta la intención de la familia de ofrecer online la colección completa, un enorme esfuerzo para el que de momento no tienen fecha de finalización, aunque tienen accesibles ya varios miles de fotografías.

En 2007 el Museu Nacional d’Art de Catalunya adquirió 20 copias de época, que se exponen de forma permanente en las salas del centro. En 2013, algunas de sus fotografías formaron parte de la exposición Fotògrafs viatgers: (1890-1936) l’àlbum d’Ulisses, celebrada en el Museu d’Història de Catalunya en Barcelona.

Referencias

• la página web del Archivo Zerkowitz [?f 1v],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].  
• Adolfo Zerkowitz en wikipedia,
• Adolfo Zerkowitz en esmemoriaus [2f],
• Adolfo Zerkowitz en bne,
• Parte del Archivo Zerkowitz, en Internet en microsiervos [1f],
• Barcelona Zerkowitz 1921-1958 en barcelona [3f],
• Un siglo de postales en elperiodico [?f],
• Postals de Sitges. Adolfo Zerkowitz en elsitgesdabans (CA [6f]),
• Adolfo Zerkowitz en artnet (EN [15f]),
• Adolfo Zerkowitz en tesorosdelayer [278f],
• La caseta modernista de la Tecla Sala, 1937 en lhospitaletdellobregat [6f],
• Auroras boreales, también en España en eltiempohoy [1f],
• Adolfo Zerkowitz en facebook [?f].

Libros

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
• Barcelona Zerkowitz (1921-1958), 2014.

Yulia Taits es una diseñadora gráfica y fotógrafa ruso-israelí (nacida en Rusia, vive en Bat Yam, en las afueras de Tel Aviv, Israel) con una amplia experiencia y talento en el campo del diseño. A medida que desarrollaba su carrera, rápidamente adquirió experiencia en manipulación de fotografías y retoque de imágenes profesionales. Sin embargo, en el proyecto que más reconocimiento le ha dado, no utiliza el retoque digital.

Shimon © Yulia Taits

Biografía

Yulia Taits nació en Rusia, de donde emigró a Israel en 1995, y es una diseñadora gráfica con amplia experiencia y talento en el campo del diseño. A medida que desarrollaba su carrera, rápidamente adquirió experiencia en manipulación de fotografías y retoque de imágenes profesionales. Photoshop se convirtió en una gran pasión para ella, trabajando en asociación con muchos canales de televisión, periódicos, revistas y fotógrafos israelíes.

Hace tres años decidió dar un cambio a su profesión un paso más y comenzó a fotografiarse. Rápidamente se enamoró de los conceptos de lo que se necesita para capturar hermosas obras de arte a través de la fotografía, como la planificación, la búsqueda de la ubicación perfecta que permita usar su entorno y la iluminación y el desafío de ser creativa. Una vez que las fotos han sido tomadas, elije las mejores y utiliza sus habilidades con Photoshop para crear una imagen casi perfecta y única, lo que le ha permitido establecerse profesionalmente en el campo de la publicidad y en el retrato de niños y embarazadas. 

Sin embargo, para su proyecto más reciente y que le ha llevado a un reconocimiento  internacional, decidió que la realidad superaba con creces la ficción y no necesitaba retoques digitales. Atraída por la particular e hipnótica belleza de las personas albinas, ha dado vida a una serie de escenas mágicas en las que demuestra que el blanco está lejos de ser un sólo color. Durante 3 años tuvo la idea de crear y fotografiar un proyecto con personas albinas o con albinismo. Su belleza única le hipnotizaba. Su belleza es tan pura e increíble para ella, que le parecía como si estuviera tomada de fantasías y leyendas de cuentos de hadas. Y al final se atrevió a realizarlo, con un gran resultado y reconocimiento mundial.

Referencias

• su página web www.yuliataitsphoto.com (EN [?f]),
• Yulia Taits en instagram (EN [+100f]),
• Yulia Taits en behance (EN [?f]),
• La mágica y peligrosa belleza de ser albino en malatintamagazine [8f],
• Photographer Continues to Capture the Ethereal Beauty of People with Albinism en mymodernmet (EN [13f]),
• Fifty shades of white: Artist captures beautiful images of albinos against light backgrounds to reveal 'their beautiful tones' en dailymail (EN [10f]),
• He retratado la hipnótica belleza de las personas albinas en boredpanda [11f],
• Estos retratos capturan la hipnotizante belleza de personas albinas en furiamag [11f],
• Porcelain Beauty, ou l’albinisme vu par la photographe Yulia Taits en grainedephotographe (FR [14f]),
• These 11 photos of people with albinism are so stunning en cosmopolitan (EN [11f]),
• Stunning Fairy Tale Albinos Portraits By Yulia Taits en theawesomedaily (EN [12f]),
• Yulia Taits en facebook (EN [?f]).

Sara Maneiro es una comunicadora social, comisaria y fotógrafa venezolana (nacida en Caracas en 1965) cuyo trabajo  en la cotidianidad  y en el imaginario nacional resulta marcado por el registro de la fragmentación y la violencia.

© Sara Maneiro

Biografía

Sara Maneiro se licenció en Comunicación Social Audiovisual por la Universidad Católica Andrés Bello en 1988. A mediados de los años 80 se inició en la fotografía en el Taller Manoa con Ricardo Armas. Posteriormente obtuvo un master en Arte por la New York University y el International Center of Photography.  También estudió historia y crítica de la fotografía, así como procesos fotográficos antiguos y contemporáneos.

En el área laboral trabajó en el Bronx Museum for the Arts, en el Museum of Modern Art de Nueva York y en el Museo Reina Sofía. En 1995 regresó a Venezuela y, entre 1995 y 1997, dio clases de fotografía en la Escuela de Comunicación Social de la UCAB. En este período modificó el contenido de la materia, basándose en sus estudios en Nueva York, en los que se otorgaba importancia a la comprensión del proceso visual y al desarrollo de la capacidad de selección antes de la toma fotográfica.

Desde 1999 hasta 2003 trabajó como coordinadora editorial del Papel Literario del diario El Nacional, colaborando también en El Universal, El Diario de Caracas y Economía Hoy, y con las revistas Extra Cámara, Art Nexus, Estilo y Tema Celeste (México), así como con la página española www.centrodearte.com.

Los reconocimientos por su trabajo incluyen el Premio de la Crítica del Salón de Jóvenes con FIA en 1999 y el del IV Salón de Jóvenes Fotógrafos del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en 1994.

Su trabajo forma parte de las colecciones de la Fundación Cisneros, Throckmorton Fine Arts, Museo de Bellas Artes de Caracas, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Art Omi International Arts Center, North Dakota Museun of Art y Casa de las Américas de Cuba.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas como Sangre de mi sangre en el Centro de la Imagen de Ciudad de México en  1994, Bienal de Guayana en 1995, The furor of change en el Pulse Art Gallery en Nueva York en 1996, Knowledge, power and control  en The Finnish Museum of Photography de Helsinki en 1997, Así está la cosa: instalación y arte objeto en América Latina en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo de Ciudad de México en 1997, Decentering Visions en 10 venezuelan photographers en la Lehigh Gallery de Filadelfia en 1998, Desde el cuerpo: alegorías de lo femenino en MBA en 1998 y Personal permanent records. Contemporary Latin American Photographyen el Centro para la Fotografía de Woodstock en Nueva York en 1999, …

En 1993 realizó la muestra individual 27-F en la 80 Washington Square Gallery donde explora un proceso fotográfico en torno a las desapariciones y muertes de los sucesos acaecidos en Venezuela en el llamado Caracazo y en 1997 mostró un amplio cuerpo de su trabajo en la muestra Obra reciente presentada en la Sala Mendoza de Caracas.

La ruina y la muerte han sido puntos focales en cada serie fotográfica de Maneiro, para quien el trabajo artístico siempre ha estado conectado a sus recorridos como transeúnte, pasión privada frente a las utopías y distopias, los fracasos y las añoranzas que pululan en la ciudad evanescente. Su mirada contemplativa aunque activa, se fija en el instrumento o la consecuencia de la agresión a la que está expuesto el hombre; sus fotografías surgen de ámbitos como los cementerios, las cárceles o los campos de guerra: los sucesos del 27 de febrero de 1989 (el "Caracazo"), los casos de desaparecidos, y la exhumación de cadáveres de víctimas aún no identificados, le llevan a realizar una investigación fotográfica sobre la muerte y la identidad que culminó con su serie 27-F (1997), donde muestra rostros desenfocados deliberadamente, en los que no se revela la identidad y sólo se manifiesta la presencia a través del aura de la imagen.

Referencias

• Sara Maneiro en fotourbana [12f],
• su antiguo blog (EN, ES [?f]),
• Sara Maneiro en vereda,
• “Si tuviera que fotografiar en este momento lo único que se me ocurre es algo negro" en contrapunto [7f],
• Sara Maneiro, curadora del Concurso #ValoresQueCuentan: en las crisis vemos la necesidad de fortalecer nuestros valores en banesco [3f],
• Los Souvenirs de Sara Maneiro o las no postales de Caracas en prodavinci [2f],
• Crónicas transversales. La fotografía como pregunta en la obra de Sara Maneiro en habitatplus [3f],
• Sara Maneiro. Cinco crímenes, cinco escenarios en celarg [5f],
• “Chernóbil: 30 años después” Exposición fotográfica documental en la Asociación Cultural Humboldt en traficovisual [1f],
• Sara Maneiro en cpw (EN [1f]),
• “The Disappeared (Los Desaparecidos)” en artforum (EN [1f]),
• Caracas Mi Convive: acabar con la violencia es posible en iqlatino [2f 2v],
• @saramaneiro en twitter [?f].

Emily Mott es una fotógrafa estadounidense (vive en West Sussex) que realiza encargos editoriales para revistas de viajes y ONGs, lo que le ha permitido viajar por todo el mundo. Su fotografía es sencilla, verdadera y directa, lo que le permite ser un testigo de la vida, las personas, las luchas, las alegrías y compartir todo eso de una manera hermosa que aumenta la comprensión a través de generaciones, comunidades, religiones y culturas.

© Emily Mott

Biografía

Emily Mott es originaria de Nueva York y estudió en The Putney School y literatura inglesa en el Dartmouth College, trabajando como asistente editorial y periodista. Realizando una historia sobre Cowgirls el fotógrafo no pudo acudir a última hora y decidió que sería bueno tener el control total de una historia con palabras e imágenes. Se inscribió en un curso nocturno y, cuando tuvo suficiente dinero se apuntó en el Art Center College of Design en Pasadena, California, donde estudió fotografía durante dos años.

Estudiando allí tuvo la fortuna de asistir a un fotógrafo en Arnhem Land, en el Territorio del Norte de Australia y allí tuvo su primer contacto con la naturaleza, viviendo en la playa durante un mes con una familia aborigen, documentando todos los aspectos de sus vidas, desde la caza, la pesca y la recolección hasta las ceremonias y la narración de historias, y donde aprendió mucho sobre observación, documentación y supervivencia.

Sus trabajos editoriales han sido publicados en revistas internacionales de prestigio y ha realizado encargos para diversas empresas. Podemos citar sus trabajos para Conde Nast Traveller, Travel + Leisure, Rolling Stone, The New Yorker, L'Uomo Vogue, The Telegraph Magazine, The Washington Post, Vogue Reino Unido, Saveur, Time, Newsweek, Esquire, Fortune, House + Garden, Aer Lingus, British Airways, Waitrose, IKEA, UNICEF, OMS, Penguin Books, Random House y Knopf Publishers.

Cuando no está trabajando en sus asignaciones, dirige el club de cine local, lucha contra el fracking y la acidificación y apoya a organizaciones benéficas como Friends without Borders, Portsmouth Bangali Community Association, Rural Refugee Network, Edlumino y otras varias.

Referencias

• su página web www.emilymott.com (EN [+300f]),
• The Spirit of Travel: Emily Mott en americanphotomag (EN [3f]),
• Interview with Travel Photographer Emily Mott en virtualphotographystudio (EN [5f]),
• Meet the people volunteering to defend nature in their local communities en theguardian (EN [1f]),
• The 25 Greatest Travel Photographers Right Now en complex (EN [1f]).

Senol Zorlu es un fotógrafo turco (vive y trabaja en Alemania) reconocido principalmente por sus retratos de niños de países desfavorecidos. Entre el arte y el documental, sus imágenes y retratos muestran la vida en regiones aisladas del mundo, siendo instantáneas fascinantes de personas que viven en condiciones difíciles.

© Senol Zorlu

Biografía

Senol Zorlu nació en una familia de clase media en Turquía, estudió diseño de comunicación en FH für Gestaltung en Mannheim, Alemania. Desde 1997 trabaja como fotógrafo independiente y diseñador de comunicación. En el semestre de invierno de 2008 comenzó a estudiar ciencias de la educación, especializándose en el trabajo con niños de la calle en el PH en Heidelberg, comenzando su carrera de fotógrafo en un viaje a la India en 1996. 

The Kids of Manda fue un proyecto lanzado en 2008 y respaldado por la Fundación Noah, que retrata el contexto social y cultural en el que viven los niños de la calle en la capital de Madagascar, Antananarivo. Dio lugar a su exposición Seventh Continent - Images of Madagascar promovida por la embajada de Madagascar y en la que se mostraron 40 fotografías de Senol, instantáneas de personas que muestran inquietantemente la belleza y el drama de la vida en Madagascar, y se mostraron con gran éxito también en Antananarivo.

Su enfoque en la fotografía es muy particular y descriptivo. El propósito de su fotografías no es crear composiciones de artista, estando mucho más preocupado por los momentos, emociones e historias que pueda capturar con su cámara. Sus fotografías captan rostros, miradas, colores y objetos que son parte de una historia, cuyo giro y el desarrollo están escondidos dentro de la estructura de cada imagen.

Además de sus trabajos en Madagascar, también viajó en 2009 a Brasil y Colombia. Su trabajo fotográfico se ha utilizado por organizaciones sin fines de lucro de la talla de Save The Children o UNICEF, entre muchas otras.

No se ha prodigado mucho en las redes sociales, a pesar de haber aparecido en varias listas de mejores fotógrafos y actualmente no tiene presencia en ellas, tras borrar su página web y su cuenta en Instagram.

Referencias

• su antigua página (ya borrada) en archive (EN [?f]),
• Senol Zorlu – Zwischen Kunst und Dokumentation en photocircle (DE [4f]),
• Digital Photo Media: Portrait Photography By Senol Zorlu en shakirinshahbloggie (EN [6f]),
• Şenol Zorlu en thepassengertimes (EN [12f]),
• Seventh Continent - Images of Madagascar en art-place-berlin (EN [1f]),
• Senol Zorlu en famososfotografos [8f],
• Senol Zorlu: Portraits en thetravelphotographer (EN [1f]),
• Assignment 5: Virtual essay en haku214sky (EN [10f]),
• Senol Zorlu en lovephotoportraits (EN [1f]),
• 100 Fotógrafos que Pueden Inspirar tu Próxima Gran Fotografía en blogdelfotografo.

Auguste Muriel fue un fotógrafo francés (nacido en 1829 y fallecido en 1877) que realizó retratos de estudio, fue un precursor del fotoperiodismo con su reportaje sobre la insurrección de la Comuna de París, y documentó también los avances tecnológicos del ferrocarril.

Auguste Muriel

Biografía

Henri Auguste Durieu, alias Auguste Muriel, regentó un estudio en la parisina rue de Rivoli de 1864 a 1868, y trabajó como fotógrafo para diferentes centros de enseñanza de la capital francesa, presumiendo de ser el fotógrafo de 3 emperadores. Sus fotografías más conocidas son las del levantamiento de la Comuna de París en 1871.

Su relación fotográfica con España comenzó durante la II Guerra Carlista (1846-49), tomando algunas fotografías del conflicto. En 1864 volvió a visitar el país, esta vez para realizar un álbum de fotografías que documentara el trayecto ferroviario Hendaya-Madrid. La línea, que databa de 1845, atravesaba ciudades españolas como Madrid, Valladolid, Medina del Campo, Ávila, Burgos y Bilbao.

Para este trabajo, Muriel se estableció temporalmente en Valladolid y como resultado de este trabajo, con motivo de la inauguración del nuevo trazado ferroviario que llegaba a Francia y que unía Madrid y París, salió a la luz en 1864 el álbum de fotografías publicado bajo el título de Chemin de fer du nord de l’Espagne. 30 vues photographiques des principaux points de la ligne.

De este álbum existen varias copias de época y, según que copia sea, puede contener 36 fotos o 42 hechas al colodión sobre papel albúmina, incluyendo desde imágenes referentes a los monumentos más emblemáticos de las ciudades por la que pasaba, a elementos del ferrocarril como estaciones y puentes como el viaducto de Ormaiztegi, construido por el ingeniero Alexander Lavalle, y el que unía Francia y España en Behobia, pasando por la plaza de toros de Madrid y una instantánea, temprana muestra del reporterismo gráfico en España, de la tribuna real de inauguración de la línea a su paso por San Sebastián, en la que aparecen el rey Francisco de Asís de Borbón y diversas personalidades.

Muriel expuso una gran colección de imágenes en la Société Française de Photographie en 1865 y durante la Exposición Universal de París de 1867. Su obra ha podido verse de nuevo en España durante la exposición Fotógrafos viajeros, celebrada en la Kutxa de San Sebastián en 2006. Las fotografías del levantamiento de la Comuna de París se conservan en los archivos fotográficos de la capital francesa y algunas de las fotografías realizadas en España, en los fondos de la Biblioteca Nacional de Madrid.

Referencias

• Fotografías de Auguste Muriel Siglo XIX en enbuenalid [6f],
• Auguste Muriel en bdh [81f],
• Auguste Muriel y el ferrocarril en juantxoegana [2f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [3f].
• Auguste Muriel en musee-orsay (FR [4f]),
• Auguste Muriel en bvpb [36f],
• Auguste Muriel en haut-de-forme-et-crinoline (FR [1f]),
• El fotógrafo que trajo el ferrocarril en diariodeburgos [1f],
• Auguste Muriel en todocoleccion [1f].

Libros

• Chemin de fer du nord de l’Espagne. 30 vues photographiques des principaux points de la ligne, 1864.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

David Lindsey Wade es un fotógrafo estadounidense (vive y trabaja en Kansas City, Missouri) cuyas imágenes son refrescantemente irónicas, en una poderosa combinación de realismo de dirección junto con un acabado gráfico agresivo.

© David Lindsey Wade

Biografía

David Lindsey Wade tomó algunas decisiones importantes durante sus primeros años de rebeldía adolescente. Criado por un par de artistas, su forma de desafiar a sus padres (que ya estaban un poco fuera de la red) fue abrazar su atracción por la velocidad y la emoción a través de su pasión por las motos y hot rods (vehículos modificados con una fuerte dosis de “hormonas” para conseguir más potencia y velocidad) desmontándolos y juntándolos nuevamente. Pero finalmente no pudo escapar a lo que quizás era su imperativo genético.

Incluso desde el principio, cuando comenzó como retocador digital, ciertamente podía "ver" lo que ven los artistas. El juego de la luz, los detalles del entorno, el poder de la pasión y la improvisación. Sus fotografías son refrescantemente irónicas. Su estilo, aunque sutil en el rodaje, evoca una emoción intensa y en sus retratos en particular puede ser muy clásico. Su narrativa es cinemática y provocativa, contando historias completas en una imagen.

En sus sesiones de fotografía publicitaria le gusta mantener las cosas simples y hacer uso del color e iconografía de la marca para aportar riqueza y profundidad a las configuraciones y posturas artificiales. En su fotografía artística, se interpone entre un realismo “sucio”y una fantasía elaborada con luces y colores muy contrastados.

En la actualidad trabaja con su hermano Lyndon en The Wade Brothers y han sido reconocidos ampliamente y su trabajo se ha publicado en todo tipo de medios de comunicación posible además de en galerías de todo el mundo.

Entre las marcas con las que han trabajado podemos citar a Pepsi, Comedy Central, Red Bull, Fly53, Nikon, Harley Davidson, Oakley, Draft FCB, M&C Saatchi, Nintendo, Wal-Mart, Sprint PCS, Lee Europe, The Source, 7-11, Coca-Cola, Porter Teleo, Bayer, Best Buy, Sonic, Science Diet, Payless Shoe Source, KOOL, Channel 4 London, Ebay, Discovery Channel, Pontiac, Kawasaki, New Mexico Tourism y Honda, entre otras, y están representados por Marge Casey. Tienen relación con el interesante Realfake, un estudio creativo de retoque dirigido por Judy Rush, su madre.

Ha obtenido numerosos premios, como PDN Photo Annual, PDN Nikon Awards, Communications Arts, Eisner Museum, Top 12 A Photographers ,…

Referencias

• su página web www.thewadebrothers.com (EN [?f 6v]),
• The Wade Brothers, Kansas City en featureshoot (EN [9f]),
• The Wade Brothers en oldskull [20f],
• David Lindsey Wade en artisticthings (EN [8f]),
• Profiles in Photography: David Lindsey Wade en beachcamera (EN [1f]),
• American Photography 27 Winners: David Lindsey Wade en ai-ap (EN [3f]),
• David Lindsey Wade : une galerie photo « presque » tactile en phototrend (FR [4f]),
• David Lindsey Wade en fubiz (FR [1f]),
• David Lindsey Wade en inspirationlab (EN [7f]),
• David Lindsey Wade’s lighting captures every inch of violence en guessthelighting (EN [2f]),
• David Lindsey Wade en facebook (EN [?f]).

John Wright es un músico, cineasta y fotógrafo escocés (nacido en Glasgow en Escocia en 1967, vive en Londres) que realiza fotografía de retrato especializada en moda, música y publicidad.

© John Wright

Hice buenas fotografías y se las mostré a tanta gente como pude. Nunca me enfoqué en el dinero o en el éxito comercial, me enfoqué en ser el mejor en lo que hacía en la creencia de que la recompensa financiera vendría después.

Biografía

John Wright nació y creció en Rotten Row, en las barriadas municipales de Glasgow. De este sombrío telón de fondo creció una vívida imaginación visual que le ha ayudado a establecerse como un destacado cineasta de moda para marcas icónicas como Louis Vuitton, Dior, Elie Saab y British GQ.

Inicialmente comenzó su propia compañía de relaciones públicas en Escocia. Luego, se trasladó a Londres donde comenzó a asistir a varios fotógrafos, lo que a su vez lo llevó a crear su propia agencia fotográfica: National Pics. Más tarde se unió al periódico The Daily Express como fotógrafo de prensa, pero pronto se convirtió en editor de noticias, pasando a Sunday Express y finalmente terminó en The Daily Mail como vicedirector de fotografía, y definitivamente decidió volver a centrarse en la fotografía comenzando John Wright Photography.

Su trabajo es ampliamente conocido y respetado en todo el mundo, habiendo obtenido celebridad especialmente por algunas de sus obras:

• la imagen de Lily Allen bailando con panteras se convirtió en una de las imágenes más comentadas de 2009, apareciendo en portadas de revistas (Q Magazine , …) en todo el mundo antes de ganar finalmente la Magazine Cover of the Year en 2010.
• Su increíble composición Artistas del siglo, le empleó diez meses siendo rodada en 27 lugares en tres países y presentó a 34 de los nombres más importantes de la música popular.
• Fue el último fotógrafo en retratar al fallecido Michael Jackson.

John acumuló un gran portafolio fotografiando a las mayores estrellas de la música y la televisión, como Tom Jones, Lily Allen, Pet Shop Boys, Ant and Dec, Gordon Ramsey, Lady Gaga, Ricky Gervais, Paul McCartney, U2, … Trabaja para una amplia gama de clientes, desde revistas como Q, Marie Clare y GQ, hasta sellos discográficos como Sony Records, Island y las compañías de televisión BBC, CH4, Five. También con marcas de lujo como Louis Vuitton, Dior, Fendi, …

Es usuario de Nikon y Leica y considera el video como la siguiente evolución de la fotografía fija. En solo 18 meses desde la creación de su primera película comercial Pret a Porters para Louis Vuitton, ha estado constantemente produciendo nuevas películas y proyectos de fotogramas para las casas de moda más importantes de París. Éstas tienen un enfoque refrescante  y llevan al espectador a través de hermosas historias visuales perfectamente adaptadas al mercado de artículos de lujo. Su atención al detalle y la narrativa visual lo diferencian de sus contemporáneos y su sólida formación en fotografía garantiza la excelencia estética en cada proyecto.

Referencias

• su página web www.johnwrightphoto.com (EN [?f]),
• John Wright en instagram (EN [+200f]),
• John Wright en vimeo (EN [+45v]),
• Nikon D800 - film by Photographer John Wright en youtube (EN [1v]),
• John Wright en s-magazine (EN [6f]),
• Nikon Nation John Wright Interview en ephotozine (EN [3f]),
• John Wright en iamnikon (EN [3f]),
• 1:1 Interview Photographer John Wright en devtank (EN [8f]),
• Leica Portrait: John Wright en leica-camera (EN [1v]),
• The Making of Chariot en leica-camera (EN [1f 1v]),
• John Wright en productionparadise (EN [7f]),
• John Wright en yellowkorner (EN [5f]),
• “This is the next evolution of photography” – John Wright talks moving from stills to video en thevideomode (EN [1f]),
• John Wright en oneeyeland (EN [+80f]),
• John Wright en twitter (EN [?f]),
• John Wright en google+ (EN [?f]),
• John Wright en facebook (EN [?f]).

María Antonia García de la Vega es una fotógrafa española (nacida en 1956 en Madrid, donde vive) cuya obra toca principalmente temas de arte y naturaleza: el paisaje constituye un elemento esencial en sus fotografías y los elementos artísticos y etnográficos que se encuentran en él. En general, le interesa la huella de la humanidad en la naturaleza.

© María Antonia García de la Vega

Biografía

María Antonia García de la Vega es licenciada en Geografía e Historia (Antropología) y doctora en Derecho por la Universidad Complutense de Madrid. Inició su andadura en la fotografía en el año 2003 de forma autodidacta y ha asistido a diversos talleres y cursos de fotografía digital y analógica para completar su formación. Es socia de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Desde 2009 ha realizado diversas exposiciones colectivas.

Su fotografía intenta evocar la esencia y belleza de determinados elementos en el paisaje junto al deseo de transmitir la impresión que en ella han generado. María Antonia ha estructurado su obra sobre esta temática en una trilogía que ha llamado Memorándum Natura, la primera parte dedicada a los bosques, la segunda a la montaña y la tercera al agua. Nos presenta su trabajo en un exquisito blanco y negro, basado en la tradición de este tipo de fotografía y su mirada nos remite a los grandes clásicos del genero.

Memorándum Natura I, Los Bosques, es el resultado de seis años de viajes y paseos de Mª Antonia por bosques de la península ibérica y de Canarias, desde el paisaje nebuloso del castañar de El Tiemblo en Ávila al antiquísimo bosque de laurisilva del terciario en La Gomera o el bosque junto al castillo de Sintra, en Portugal. Junto a ellos las imágenes capturan la serenidad de los bosques de San Estevo en la Ribera Sacra de Lugo, las Fragas del Eume (A Coruña), la Selva de Irati (Navarra), el pinar de Valsaín (Segovia) o del bosque de Urbasa y el nacedero del Urederra, ambas en Navarra. Se ha expuesto en varias exposiciones individuales en Photomuseum de Zarautz, CEV y RSF en Madrid, Casa de la Cultura de Burlada en Pamplona y en la Galería-Librería Raylowski deValencia. Esta primera parte ha sido publicada en el libro Memorandum natura, que obtuvo en 2016 el Premio al mejor libro de la Confederación Española de Fotografía (CEF).

Memorándum Natura II, La Montaña transformada en paisaje, recoge fotográficamente su fascinación por las montañas de Picos de Europa, mostrando  lo primigenio, lo misterioso y la belleza que late en el seno de la montaña,  y ha sido mostrada en varias exposiciones individuales en la Sala Amárica en Vitoria y Palacio de Caja Cantabria en Santillana del Mar.

Referencias

• su página web mariaantoniagarciadelavega.com [+150f],
• su blog [?f],
• María Antonia García de la Vega en rafaelroa [6f],
• El inquietante misterio encerrado en los bosques en elpais [10f],
• La naturaleza de María Antonia García de la Vega en la Sala Amárica en clavoardiendo-magazine [3f],
• Memorandum natura, Mª A. García de la Vega. Un paseo por los bosques de la península ibérica y Canarias. en estandarte [7f 1v],
• Memorandum Natura, un delicado libro de autor con la vision de María Antonia García de la Vega sobre los bosques en fotografodigital [3f],
• Memorandum Natura II, la mirada de M Antonia García de la Vega a los Picos de Europa en fotografodigital [2f],
• Memorandum natura de María Antonia García de la Vega en fotodng [1f],
• "Memorandum Natura", exposición fotográfica de María Antonia García de la Vega en kulturklik [1f 1pdf],
• Entrefotos 2016 en lamiradadepolifemo [1f],
• María Antonia García de la Vega  presenta su libro "Memorandum natura" en xatakafoto [2f 1v],
• María Antonia García de la Vega y el paisaje en ferfoto [3f],
• La Mancha. Tres miradas en fotosentrelineas [1f],
• Dos miradas a Los Picos de Europa, en Santillana del Mar en fotografiaantiguadecantabria [13f],
• María Antonia García de la Vega: Memorandum Natura en aqmapacolorca [5f].

Libros

• Memorandum natura, 2015.
• Donde la ciudad pierde su nombre, 2012.
• Calle Alcalá fotografiada, 2011.
• Intercambio de Miradas, 2011.
• La Mancha.Tres miradas, 2011.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Sarah Cheng-De Winne es una cantante y fotógrafa singapurense (nacida el 2 de diciembre de 1987 en Singapur, donde vive y trabaja) especialista en retratos, moda y fotografía conceptual, que busca descubrir nuevas formas de representar identidades a través de la fotografía.

Pinche en este enlace para ver la bella fotografía de portada de la página web de Cheng-De Winne

Biografía

Sarah Cheng-De Winne se formó en Arte y diseño. Utilizó inicialmente la fotografía de moda como un medio reflexivo de hacer comentarios sociales sobre la representación de las mujeres en los medios, a través del proyecto Eight: For the Urbanized Woman. Su perspicaz combinación de pensamiento y estética en sus retratos le ha llevado a un refinamiento constante de su arte. En particular, sus proyectos de autorretrato revelan su continuo deseo de utilizar su mirada personal para explorar los problemas de las mujeres y su identidad como artista.

Sarah es una artista underground, aunque ha trabajado en proyectos para la industria de la moda y la empresarial tanto en fotografía como en cine, y ha dirigido un cortometraje para HPB Singapore. Sus temas principales son el retrato, moda y la fotografía conceptual, siempre con la mente abierta buscando nuevas formas de expandir su portafolio. Ha realizado diversas exposiciones de su trabajo y ha representado a su país, Singapur, en el Month of Photography Japan 2008 en Tokio.

También se ha aventurado en la crítica del arte, contribuyendo al ensayo Photographing The Body: Over and Over para el NAF Open Art Show 08, e investigando los conceptos psicológicos de los autorretratos de 2 artistas del sudeste asiático.

Compagina su fotografía con su trabajo como cantante, compositora y música en el género soul-pop, campo donde ha  ganado muchos premios.

Referencias

• su página web sarahcheng-dewinne.com (EN [?f]),
• su página web como cantante (EN [?f]),
• su antigua página web como cantante (EN [?f]),
• Sarah Cheng-De Winne en instagram (EN [+1.300f]),
• Sarah Cheng-De Winne: Freelance Photographer/Artist en kristabelledelacruz (EN [8f]),
• Sarah Cheng-De Winne en beachcamera (EN [1f]),
• Sarah Cheng-De Winne en laurenprice96 (EN [17f]),
• Sarah Cheng-De Winne en charlottegroombridgeidentity (EN [4f]).