Cara Barer es una fotógrafa estadounidense (nacida en Freeport, Texas, en 1956, vive en Houston) que cambia la apariencia de libros y otros artículos hechos de papel. A través de la investigación de los cambios que experimentan las formas en que encontramos nuestra información diaria, ha desarrollado varias formas de transformar los libros en objetos elegantes que tienen un sentido más profundo que el inicial.

© Cara Barer

Me di cuenta de que poseía muchos libros que ya no me servían, tampoco a nadie más. ¿Alguna vez necesitaría "Windows 95?" Después de sumergirlo en la bañera durante unas horas, tenía una nueva forma y propósito. Half Price Books se convirtió en un lugar habitual, y una casa abandonada me dio una serie de libros de referencia obsoletos, con moho y estropeados. Cada libro me dice cómo comenzar de acuerdo con su tamaño, tipo de papel y, a veces, sus contenidos.

Biografía

Cara Barer empezó con la fotografía cuando sus padres le regalaron una cámara Poloroid Swinger en los años 60. También instaló su primer laboratorio con 22 años y lo mantuvo hasta 2001, procesando su propia película y haciendo muchas copias. También experimentó con cianotipias, fotogramas y diferentes tipos de cámaras estenopéicas. También dibujaba y pintaba desde niña. Fue al Art Institute de Houston, pero estudió marketing y diseño de moda lo que le llevó a la pintura y ésta a las clases en la Glassell​ ​School​ ​of​ ​Art, estudiando pintura, dibujo, grabado, cerámica, y un poco de escultura. Utilizaba la fotografía como ayuda para sus pinturas y el grabado.

Un día, cuando salía de su estudio, vio unas viejas páginas amarillas mojadas y sucias en la acera y las fotografió y se fue a casa. Al día siguiente tras ver el potencial de esas formas, el “libro” ya no estaba y se le ocurrió la idea que podía “construir” sus propios libros "degradados". Esto cambió por completo la forma en que estaba trabajando, su mirada, y poco a poco dejó la pintura, trabajando en esta idea desde ese momento con un soporte final en fotografía.

Dependiendo principalmente del tamaño del libro y del papel, rocía ligeramente el libro con agua, otros los sumerge completamente en agua, los tiñe, a otros los deja tiempo para que la naturaleza inicie el proceso, utiliza rodillos, abrazaderas, pinzas para la ropa, grapas, pegamento, cuerda, lo que sea necesario para mantener en la forma que desea. Empezó a usar diferentes cámaras, pero al final usa un escáner de gran tamaño, consiguiendo más detalle y ampliación que si usara cámaras convencionales.

Sus fotografías son principalmente una documentación de una evolución física. Ha trasformado un objeto común en escultura en un estado de flujo casi continuo. La forma en que elegimos investigar y encontrar información también está en una evolución y espera plantear preguntas sobre estos cambios, sobre la naturaleza efímera y frágil en la que ahora obtenemos conocimiento y sobre el futuro de los libros.

Cara ha exhibido en solitario y en grupo en todo Estados Unidos y Canadá desde 1994. Su trabajo ha sido presentado extensamente en publicaciones como New York Magazine, The Washington Post, Harper's Magazine, The Boston Globe y The New Yorker. Su obra forma parte de coleccionespúblicas y privadas como Bloomingdale's, Saks, Lehigh University, Nordstrom, la Embajada de los Estados Unidos en Kiev, VISA, Wells Fargo Bank y el Museum of Fine Arts de Houston.

Referencias

• su página web www.carabarer.com (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• su blog de imitatedoften (EN [?f]),
• Cara Barer en bau-xi (EN [+100f]),
• Cara Barer en asgallery (EN [+70f]),
• Cara Barer en fosterwhite (EN [15f]),
• Cara Barer en susanspiritusgallery (EN [30f]),
• Cara Barer en desantosgallery (EN [21f]),
• Cara Barer en appaartgallery [3f],
• Cara Barer en jjohnsongallery (EN [2f]),
• Cara Barer en 1stdibs (EN [7f]),
• Cara Barer en elencantoocultodelavida [4f],
• Photographer #019: Cara Barer en 500photographers (EN [6f]),
• Incredibly Beautiful Book Art of Cara Barer en strictlypaper (EN [8f]),
• In Focus: Cara Barer en susanburnstine (EN [11f]),
• The Book Art of Robert The, Cara Barer, and Jacqueline Rush Lee en quarterlyconversation (EN [2f]),
• Beautiful Book Art by Cara Barer en laughingsquid (EN [7f]),
• Beautiful Book Art by Cara Barer en amusingplanet (EN [10f]),
• Cara Barer en unizar [3f],
• Cara Barer en facebook (EN [?f]).

Catálogos

• Cara Barer. Bound and Unbound.
• Overload.
• …

Inocencio Schmidt de las Heras fue un fotógrafo gallego (nacido en A Coruña el 23 de septiembre de 1897, fallecido el 11 de diciembre 1975) que desarrolló su fotografía en un contexto recreativo y salonista, destacándose como representante del movimiento pictorialista. A lo largo de su vida, fue ampliamente reconocido en Galicia y en toda España como uno de los fotógrafos más importantes de su época.

© Inocencio Schmidt de las Heras

... He leído mucho sobre fotografía, y asisto al cine como espectador del mejor medio de expresión del arte fotográfico. 

Biografía

Inocencio Schmidt de las Heras, de situación acomodada, trabajó toda su vida en el mundo de la banca. Comenzó realizando fotografías de tipo familiar con una cámara estereoscópica. Después comprendió lo que se podía hacer con una máquina fotográfica y una buena dosis de afición y se entregó de lleno a ella.  Su periodo más activo fue el comprendido entre 1947 y 1953.

Tras casarse en los años 20, iba a misa con su esposa todas las mañanas y jugaba billar en el Casino todas las noches. Fumaba cigarros empaquetados por su esposa y siempre llevaba una gorra cuando comenzó a hacer fotografías. Era un hombre de la vieja escuela, alto y distinguido, un verdadero caballero, simple y tranquilo, correcto pero exigente consigo mismo y con los demás, y también algo obstinado y testarudo. 

Poseía una peculiar técnica de impresión pigmentaria y un gran dominio del bromóleo, proceso que había aprendido de su vecino José Vázquez Paz, y del que heredó todas sus cámaras. Fue un habitual de los circuitos salonistas y las tertulias del Café Español de La Coruña, donde surgió la Sociedad Fotográfica de La Coruña en 1956 con él como primer presidente.

Profundamente arraigadas en las tradiciones estéticas y técnicas del pictorialismo, la gran mayoría de sus fotografías son de paisajes. Con un alto grado de simbología, se alejan de la simple representación realista. Sintió especial interés por la obra de artistas como Mortimer, William Mortensen, José Ortíz Echagüe y Joaquim Pla Janini, manteniendo con este último un fructífero intercambio de conocimientos técnicos.

Desde 1940 su trabajo apareció publicado con frecuencia en la prensa gallega de la época (El Ideal Gallego, La Región, La Voz de Galicia) y en la revista madrileña Arte Fotográfico. Realizó su primera exposición en el Salón de Zaragoza de 1940, y obtuvo numerosos galardones, entre ellos el Premio del Salón Nacional de Bilbao (1945), el Premio de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza (1953) y el reconocimiento de la Agrupación Fotográfica Galega (1947, 1948, 1950). 

Produjo alrededor de 300 bromóleos, que varían en tamaño entre 14x19 cm. y 29x39 cm., sobre diversos temas y en una amplia gama de colores. Fue uno de los verdaderos maestros de este proceso pigmentario y su legado en esta técnica es uno de los mayores de España, formando parte de la colección de su apadrinado José Caruncho, también fotógrafo y nieto de José Vázquez Paz. El Centro de Estudios Fotográficos de Vigo también tiene obra del autor.

En 1999, el Centro Galego de Artes da Imaxe de La Coruña organizó la muestra Schmidt de las Heras. Fotografías 1944-1960.

Referencias

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• Inocencio Schmidt de las Heras en cgai (GL [1pdf]),
• Inocencio Schmidt de las Heras en pinterest [?f],

Libros

• Schmidt de las Heras. Fotografías 1944-1960, 1999.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Boris Savelev es un fotógrafo ruso (nacido en Chernovitz, Ucrania, en 1948, vive en Moscú, Rusia) cuyas fotografías capturan Rusia durante un período de más de 30 años de gran agitación, desde la Guerra Fría, a través de la disolución de los URSS hasta la Rusia moderna. Su estilo ha sido descrito como realismo observacional preocupado por la luz y la forma y su trasfondo metódico y científico a la estética constructivista.

© Boris Savelev

Biografía

Boris Savelev nació en Chernovitz en 1947 y se mudó a Moscú en 1966. Se graduó en el Instituto de Aeronáutica y se unió al Club Novator de fotografía de Moscú en 1970. Su interés por la fotografía había comenzado en 1963. Desde 1982, ha trabajado como freelance para editoriales en la URSS y del extranjero. Se convirtió en fotógrafo a tiempo completo en 1982, dejando su trabajo como ingeniero aeroespacial y ha realizado numerosas exposiciones por todo el mundo, entre las que podemos citar las recientes, 31 Years en la Michael Hoppen Gallery de Londres que representa su trabajo en 2009 y Color Constructions, una nueva exposición de su trabajo, que representa parte de su experimentación en grabado. Está considerado como uno de los fotógrafos más importantes y conocidos que trabajan en Rusia hoy en día.

  Consiguió la atención del mundo del arte occidental con la publicación de Secret City por Thames y Hudson en 1988, tras una búsqueda por esta editorial de artistas 'no oficiales' rusos en la época de la Perestroyka. Savelev criticaba astutamente el falso humanismo de la fotografía oficial soviética del momento, siendo un maestro en la captura de los sentimientos de apatía y aburrimiento de la época. Su trabajo de los años 70 y 80 no "afirmó los valores socialistas" de la fotografía soviética y, en general, se prohibió su publicación y exhibición.       

Hasta 1988 todas las obras que había expuesto eran copias en blanco y negro, pero también había estado experimentando con la fotografía en color desde principios de los años ochenta. En Secret City se mostraban fotografías a color que habían sido tomadas utilizando película Orwachrome que daba una calidad baja del color y que causó muchos problemas en la reproducción litográfica, impidiendo lograr la complejidad y densidad que el artista quería lograr. En 1987 descubrió el Kodachrome y todo su trabajo de color en película desde ese momento ha sido con este material. En los años posteriores a esta publicación, la mayor parte de su trabajo ha sido una investigación sobre la fotografía en color.

En la actualidad, Savelev trabaja exclusivamente en sus propios proyectos. Utiliza una amplia gama de cámaras, aunque su favorita es la Leica M3 con una lente de 50 mm. Él mismo imprime todas sus fotos, utilizando técnicas tradicionales y alternativas (platino, goma-bicromato).

Aunque es más en occidente por su trabajo en color, su fotografía en blanco y negro es igualmente fuerte. Es un maestro impresor que experimenta en muchas técnicas de impresión: litografía, impresiones en gelatina de plata, pigmentos, platino y también varios procesos de color, incluido la goma bicromatada. La mayoría de sus primeros trabajos de color se realizaron utilizando película de 35 mm, luego impresa con C-type.

Su obra forma parte de las principales colecciones internacionales, como la Corcoran Galley en Washington, el Museum of Modern Art (MoMA), la Staatsgallerie de Stuttgart, el Museo del Sarre en Saarbrücken, Alemania, Museum of Fine Arts en Santa Fe, entre otras.

Referencias

• su página web www.b-savelev.com (EN [65f]),
• Boris Savelev, 31 years. en vimeo (EN, ES [1v]),
• Boris Savelev en wikipedia (EN),
• Boris Savelev en factum-arte [+100f],
• Boris Savelev en clair (EN [22f]),
• Boris Savelev en michaelhoppengallery (EN [5f]),
• Boris Savelev. El maestro ruso del realismo melancolico más elegante en xatakafoto [8f 2v],
• Color Constructions From a Rocket Engineer Turned Photographer en time (EN [8f]),
• Romance and realism in Russia: 31 years of Boris Savelev en theguardian (EN [10f]),
• Boris Savelev en rafaelroa [7f],
• Boris Savelev en anahitaphotoarchive (EN [14f]),
• Realismo melancólico de Boris Savelev en marcelocaballero-fotografia [8f],
• Boris Savelev en kireei [10f],
• Boris Savelev’s obscure Russia en visualcultureblog (EN [5f]),
• Boris Savelev en artsy (EN [13f]),
• Boris Savelev en artphotoindex (EN [6f]),
• Boris Savelev en facebook (EN [?f]).

Libros

• Another Russia, Daniela Mrazkova and Vladimir Remes, 1986.
• Secret City, Photographs from the USSR, Boris Savelev, 1988.
• Say Cheese. (Catálogo), 1988.
• Changing Reality, 1991.
• Über die großen Städte (Catálogo), 1993.
• Elena Darikovich and Boris Savelev: Photography, 1994.
• Boris Savelev. La nostalgia di uno sguardo perduto (Catálogo), 2006.

Yota Yoshida es un fotógrafo japonés (nacido en 1981, vive en Tokio) que realiza fotografía de calle, que se centra en el espacio público y en cómo las personas interactúan en él.

© Yota Yoshida

Biografía

Yota Yoshida creció en una pequeña ciudad al norte de Kumamoto y actualmente reside en Tokio. No tiene educación formal en fotografía, pero está inspirado por cada experiencia cotidiana. Su trabajo trata principalmente sobre personas y acontecimientos en espacios públicos, y está particularmente interesado en las impresiones emocionales y poéticas invisibles que nos rodean en un día ordinario.

No pide permiso para hacer las fotos y nunca planea de antemano lo que quiere capturar. Cree que el acto de hacer fotografías sin posado no es un acto de producción, sino más bien de sentimiento y captura de lo que ya se está expresando. En su serie From Somewhere to Elsewhere muestra a desconocidos que crean formaciones involuntarias, navegan por sus paisajes, viven momentos hermosos en sus días ordinarios, y que vienen de algún lado y van a otro lugar.

Sus premios más recientes incluyen el 1er lugar en la categoría ND Awards Street Photography en el Gold Star Award, mención honorífica y finalista en el Brussels Street Photography Festival, y finalista en el Miami Street Photography Festival, entre otros.

Sus trabajos han aparecido en numerosos medios como Creators Project por Vice, Sueddeutsche Zeitung, Juxtapoz Magazine, Fubiz Media, iGNANT, It's Nice That, Lomography y otros muchos, y ha expuesto en Miami, Bruselas, Londres, Roma y Tokio.

Referencias

• su página web www.yotayoshida.com (EN [?f]),
• Yota Yoshida en instagram (EN [+200f]),
• Yota Yoshida en flickr (EN [+300f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• Yota Yoshida en lensculture (EN [44f]),
• Yota Yoshida. From Somewhere to Elsewhere en haikure (EN [16f]),
• From Somewhere to Elsewhere en gupmagazine (EN [20f]),
• Yota Yoshida en format (EN [23f]),
• Japanese street photographer Yota Yoshida captures people traversing the public spaces of Tokyo en ignant (EN [19f]),
• Detachment in Transit: the Visual Diary of Yota Yoshida en lomography (EN [10f]),
• Poética de la vida diaria por Yota Yoshida en alternopolis [15f],
• Yota Yoshida: From Somewhere, To Elsewhere en poolresourceszine (EN [15f]),
• From Somewhere, To Elsewhere – Street Photography Series By Japanese Photographer Yota Yoshida en 121clicks (EN [32f]),
• A Conversation with Yota Yoshida on Self, Personal Space, and Photography en medium (EN [26f]),
• From Somewhere, To Elsewhere: Raw Depiction of Tokyo by Yota Yoshida en photogrist (EN [12f]),
• A Meditative Photo Series Shows Tokyo’s Loneliest Moments en vice (EN [7f]),
• Yota Yoshida en theheavycollective (EN [14f]),
• Yota Yoshida en twitter (JP [?f]).

Libros

• 100 Great Street Photographs, de David Gibson, 2017.

Christoph Bangert es un fotógrafo alemán (nacido en 1978, vive en Colonia) que cubre de forma freelance  eventos políticos y conflictos internacionales, habiendo trabajado de forma intensiva en las guerras de Irak y Afganistán.

With the 3rd Cav in Bi'aj© Christoph Bangert

Biografía

Christoph Bangert nació en una zona rural de Alemania Occidental en 1978. Estudió fotografía en la Fachhochschule de Dortmund y en el International Center of Photography de Nueva York, donde se graduó en 2003. Bangert fue un piloto de rally semi-profesional durante cuatro años. En 2002 envió un viejo Land Rover verde desde Alemania a Buenos Aires y en seis meses, condujo desde Argentina, unas 22.000 millas a Ciudad de Nueva York. El viaje dio como resultado su primer libro titulado Travel Notes.

Bangert ha trabajado en Palestina, Japón, Darfur, Afganistán, Indonesia, Pakistán, EEUU, Líbano, Nigeria, Zimbabue e Irak, donde pasó cerca de nueve meses en 2005 y 2006 trabajando para The New York Times. Su trabajo de Iraq dio lugar a IRAQ: The Space Between.

Sus fotografías han sido publicadas en importantes publicaciones internacionales y regularmente hace fotografías para The New York Times, Stern Magazine y Neue Zürcher Zeitung. Trabaja exclusivamente para clientes editoriales. Ha expuesto en Alemania, Nueva York y en el Musee de L'Elysee en Suiza, donde fue seleccionado como uno de los 50 fotógrafos emergentes en el mundo para la exposición y libro titulados: reGeneration en2006. Fue elegido como uno de los 30 fotógrafos emergentes de PDN. Ganó un POYi Award of Excellence por una presentación multimedia que hizo para el New York Times sobre su trabajo en Iraq. Participó en la Joop Swart Masterclass de 2007 y, en 2008, ganó una Mención de Honor en el World Press Photo con una fotografía de Afganistán. 

Después de completar un viaje de 14 meses con su Land Rover en África, publicó el libro llamado Africa Overland con National Geographic Germany en 2013. En los últimos años ha vuelto a competir en eventos de deportes de motor nuevamente, particularmente en rallyes desérticos fuera de la carretera. Su nuevo libro War Porn fue lanzado en mayo de 2014 y consiguió el premio German Photobook Award de 2015. En 2016 publicó Hello Camel, un documental sobre la lucha humana por conseguir crear algo que se aproxime a la normalidad frente a la violencia y el caos.

Christoph vive en Colonia, Alemania junto con su esposa Chiho, una fotógrafa y diseñadora gráfica japonesa con quien colabora frecuentemente, y sus dos hijas. Actualmente está trabajando en un proyecto a largo plazo sobre el desastre nuclear de Fukushima. Está representado por Agentur laif en Alemania y por Redux Pictures en EEUU.

Referencias

• su página web www.christophbangert.com (EN [+220f]),
• su blog sobre Africa (EN [?f]),
• Christoph Bangert - War Porn en vimeo (EN [1v]),
• The naked brutality of war en qantara (EN [3f]),
• Invisible in Baghdad by Christoph Bangert en digitaljournalist (EN [5f]),
• Christoph Bangert en annenbergphotospace (EN [26f]),
• WPP: Christoph Bangert, 2008. General News, Honorable Mention prize singles en worldpressphoto (EN [1f]),
• Christoph Bangert en battlespaceonline (EN [3f]),
• Christoph Bangert en photogrist (EN [12f]),
• No mire esta foto, es la realidad en elpais [3f],
• Christoph Bangert en oldskull [21f],
• Christoph Bangert. War Porn - Hello Camel en forum-fotografie (DE [3f]),
• Christoph Bangert. Warzone en noorderlicht (EN [5f]).

Libros

• Travel Notes, 2007.
• IRAQ: The Space Between, 2007.
• Africa Overland, 2013.
• War Porn, 2014.
• Hello Camel, 2016.

Eli Dijkers es un fotógrafo holandés (nacido en 1978, vive en Rotterdam) cuyo portafolio es un conjunto de fotografías eclécticas pero cohesionadas, a medio camino entre la fotografía de calle y la documental. Sus fotografías son lo suficientemente potentes para que no se necesite ningún subtexto para leerlas, creando una brillante catarsis en sus espectadores, en un viaje oscuro pero agradable.

© Eli Dijkers

Mi objetivo es mover a la gente, como en una pieza musical. Dentro de la fotografía, exploro la humanidad tal como la experimento. Mis imágenes apelan a la percepción sensorial más que a la de la mente. Al usar blanco y negro, contraste y grano, se crea un mundo paralelo, una abstracción, un mundo en el que se permite que la luz y la oscuridad coexistan una al lado de la otra.

Biografía

Eli Dijkers se graduó en la Academia de Fotografía de Rotterdam en 2012, después de haber terminado sus estudios y doctorado en farmacia. Su trabajo fotográfico es intuitivo, crudo, pero siempre muy conectado con las personas. Encuentra a sus sujetos en el espacio público o en su propio espacio de vida personal.

En la encrucijada entre la fotografía de calle y el periodismo, Dijkers exhibe poesía en las imágenes de la vida cotidiana, de una manera compleja e indefinible, donde la belleza no se cultiva y la fealdad no parece ser un problema. Solo requiere que el espectador mire. La calidad de sus imágenes es que no quieren ser más poderosas que el mundo del que se originan.

Eli se graduó en la Academia de Fotografía con su interpretación personal de la ciudad de Rotterdam titulada Existencia temporal. En 2013, fue uno de los 12 fotógrafos seleccionados para documentar la ciudad de Rotterdam. Además, es autor del libro fotográfico autopublicado Enigma, una serie de imágenes enfrentadas sobre la vida cotidiana en las calles de la India. Su trabajo ha sido expuesto en varios lugares de Holanda y en el extranjero, desde su primera exposición individual en la Galería de Arte Deelen, que fue comisariada por Sun Hee Engelstoft, editor de Jacob Aue Sobol, a la más reciente hasta estas fechas en la galería Kunsthal en Rotterdam.

En 2013 tuvo la suerte de asistir  una clase magistral de Michael Ackerman, una de sus principales fuentes de inspiración, en París. Más tarde, participó en un taller de Magnum realizado por el fotógrafoJacob Aue Sobolen Copenhague. Ambos contribuyeron críticamente a un empoderamiento profundo de su trabajo. Una selección del trabajo producido durante este taller fue exhibida en el Copenhagen Photofestival.

En 2017 obtuvo el Porto Coeli Artist Residency Award durante la 11ª edición de la International Contemporary Art Biennale de Florencia.

En uno de sus trabajos más recientes, Chinese Journey, nos lleva a un viaje por una China en una transición tan rápida que parece cambiar con cada visita. Observador entusiasta nada parece escapar a su atención en sus viajes por Shanghái y Fujian. El entorno, personas y animales son mostrados con una mirada poética visual de luz y vida, del pasado y el presente, de estructuras extrañas y familiares y de personas y animales en espacios grandes y pequeños.

Es miembro de los colectivos Noise, Pictura y Dutch Contemporary Photography. Su obra está representada por Gallery Deelen Art y Porta Coeli International Art Gallery.

Referencias

• su página web www.elidijkers.com (EN [+50f 5v]),
• Eli Dijkers en instagram (EN [+200f]),
• Eli Dijkers en flickr (EN [100f]),
• Eli Dijkers en vimeo (EN [6v]),
• Eli Dijkers en deelenart (EN [75f]),
• Eli Dijkers. Chinese Journey en kunsthal (EN [4f]),
• Eli Dijkers en photobath (EN [5f]),
• Eli Dijkers. Chinese reis en rotterdam (EN [1f]),
• Embrace, by Eli Dijkers en eyesinprogress (EN [6f 1v]),
• Eli Dijkers. Fine Art NOMINEE (professional) en fineartphotoawards (EN [5f]),
• Noise news: Eli Dijkers new member en alexcoghe (EN [1f]),
• Eli Dijkers en artfinder (EN [42f]),
• @EliDijkers en twitter (EN, NL [?f]),
• Eli Dijkers en facebook (EN, NL [?f]).

Libros

• Enigma.
• Noise 2 15 (varios).

Olivia Bee es una fotógrafa estadounidense (nacida el 5 de abril de 1994 en Portland, Oregón, vive en Brooklyn, Nueva York) cuyas imágenes oníricas y su visión intimista de la juventud la han convertido en una de las fotógrafas más importantes de la escena americana.

© Olivia Bee

La vida es bella, perfecta y cinemática si te fijas en los momentos adecuados.

Biografía

Olivia Bolles empezó en el mundo de la fotografía por accidente, cuando alguien de su colegio la apuntó a clases de fotografía por error cuando tenía 11 años. Desde entonces, comenzó a disparar a su alrededor y a nutrirse de las vidas de sus amigos, y a colgar fotos en Flickr. Un día, con 15 años, recibió un correo de una agencia de publicidad proponiéndole trabajar para la empresa de calzado Converse. Luego llegaron otros gigantes de la moda y decidió abandonar su Portland natal para mudarse primero a Baltilmore y luego, con 18 años, a Brooklyn, Nueva York.

Sus fotografías a menudo divergen de la regla de tercios, colocando en cambio los temas en el centro del marco.³​ En 2011 citó a Ryan McGinley, Annie Leibovitz y Nan Goldin como influencias, y atribuye su inspiración a su hermano menor, y al talento musical y artístico de sus padres.

Su estilo es la fotografía de la juventud: habitaciones poéticamente desordenadas, ortodoncias, pecas y bragas. Imágenes oníricas y auto-referenciales de su adolescencia más íntima. Romántica, emocional, setentera y autodidacta, sus trabajos para Hermès, Cacharel y Anaïs Anaïs, sus exposiciones individuales en la Galería Agnes B de Nueva York y en Bernal Espacio en Madrid, una portada en el New York Times o sus editoriales para monstruos mediáticos como Harper´s Bazaar o Vice la han consagrado como una de las fotógrafa de moda más creativas de la industria, participando en campañas para Adidas, Fiat, Levi Strauss & Co., Nike y Subaru.

Ha publicadosus soñadores y evocadores retratos y sus paisajes ricos en narrativas implícitas de intimidad, libertad y aventura en el libro Kids in Love donde ha incluido dos de sus cuerpos de trabajo Enveloped in a Dream, un diario visual de la amistad de la juventud y la exploración de uno mismo, y Kids in Love, donde captura tanto los placeres como los terrores del pasaje fugaz de la juventud romántica.

Referencias

• su página web oliviabee.com (EN [+200f 8v]),
• Olivia Bee en instagram (EN [+2.400f]),
• Olivia Bee en flickr (EN [+2.400f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• Olivia Bee en wikipedia [1f],
• Enveloped in a Dream: Olivia Bee en bernalespacio [20f 1v],
• Smells Like Teen Spirit: Tavi Gevinson Interviews Olivia Bee en time (EN [12f]),
• Our Teenage Photographer of Teenage Lust en nytimes (EN [9f]),
• Olivia Bee: 'People don't take me seriously – until they see me work' en theguardian (EN [1f]),
• El año en imágenes, por Olivia Bee en vice [12f],
• Olivia Bee en thephotographicjournal (EN [11f]),
• Olivia Bee en 20minutos [33f],
• Olivia Bee: from Portland with love en unode50 [5f],
• Entrevista a Olivia Bee - Bernal Espacio Galería en alejandradeargos [5f],
• Olivia Bee en oregonlive (EN [1f]),
• Young Photographer Succeeds At Snapping Away en neontommy (EN [1f]),
• Conoce las fotografías de la joven Olivia Bee en actitudfem [10f],
• Olivia Bee. Juventud arrolladora en toomanyflash [16f],
• Olivia Bee: Kids in Love en aperture (EN [8f]),
• @oliviab33 en twitter (EN [?f]),
• Olivia Bee en facebook (EN [?f]).

Libros

• Kids in Love, 2016.

José Caruncho es un fotógrafo gallego (nacido el 24 de septiembre de 1953 en A Coruña) cuya obra es un archivo en formato analógico de paisajes, personas, naturaleza y costumbres gallegos, envueltos en una atmósfera de calma propia de otro tiempo, con una elegancia misteriosa que muestra la belleza de lo que le rodea.

Jaime Quintanilla© José Caruncho

Biografía

José Caruncho estaba predestinado a la fotografía: su padrino era el fotógrafo pictorialista Inocencio Schmidt de la Heras y su abuelo, José Vázquez Paz,  fue también un gran aficionado a la fotografía que dominaba varios de los procedimientos pigmentarios como el carbón, la goma bicromatada y las tintas grasas, procedimientos que le enseñó a hacer a Schmidt, el cual llegó a ser un maestro indiscutible en estas técnicas. Su familia y Schmidt vivían en el mismo edificio y ya de pequeño se recuerda con cámaras y siempre pensaba que algún día él también haría fotografías.

Curiosamente Schmidt heredó todo el material de su abuelo y cuando él murió José lo volvió a heredar, aunque actualmente sólo sigue conservando alguna de ellas, y, sobre todo, un objetivo Goerz-Dagor de 1897 que utiliza en su cámara de gran formato. Aunque Schmidt le regaló a los trece años una cámara Kodak Browie, no empezó a hacer fotografías en serio hasta los diecinueve años, cuando con unos ahorros se compró una cámara de 35 mm.

Al terminar el bachillerato empezó a preparar oposiciones para la administración y la banca,y entró a trabajar en la Société Générale de Banque en España. Estuvo allí durante 13 años, pero manteniendo su ilusión de dedicarse profesionalmente a la fotografía. Además de la formación de Schmidt, pasó sus primeros años de aprendizaje leyendo toda la información que caía en mis manos sobre técnicas fotográficas: revistas y libros técnicos y de grandes fotógrafos, experimentando con reveladores y viradores, y, presentándose a un sinfín de concursos fotográficos, tanto nacionales como internacionales.

En 1982, acudió a la feria de fotografía Photokina en Colonia (Alemania) y quedó impactado por una serie de exposiciones que le influyeron de manera decisiva. En 1982 emprendió un proyecto personal sobre los parques nacionales de montaña con cámaras de medio y gran formato (9×12 cm y 13×18 cm) y al año siguiente inició un trabajo de documentación de los Espacios Naturales protegidos de Galicia para la Xunta, así como distintos reportajes sobre la Galicia rural y diferentes rincones naturales de la región. Los comienzos de su colección de retratos de artistas, músicos y gente sencilla de estas zonas rurales, que posan ante su cámara con dignidad y humanidad, datan de 1984.

En 1990  dejó su trabajo en el banco y se dedicó de lleno a su trabajo como fotógrafo profesional, donde ha cultivado el retrato, el paisaje y el bodegón, compaginando su actividad con la docencia, impartiendo cursos durante la II Fotobienal de Vigo, los II y III Encontros da Imagem de Braga (Portugal), en la Escuela de Imagen y Sonido y en el Museo de Bellas Artes de La Coruña.

Su obra ha sido mostrada en numerosas exposiciones, entre las que destacan la celebrada en 1985 en la Sociedad Fotográfica de La Coruña, en 1988 en la Posada del Potro de Córdoba, en 1990 en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya en Barcelona, en 2003 en el Instituto Europeo del Diseño en Madrid, Barcelona y Milán y en 2007 en la Verve Gallery of Photography de Santa Fe en Nuevo México, EEUU.

Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Ayuntamiento de La Coruña, el Concello da Cultura Galega, el Centro Galego de Artes da Imaxe, la Casa de los Peces y el Museo Arqueológico de La Coruña, la Verve Gallery of Photography de Santa Fe y el Harry Ransom Humanities Research Center de la University of Texas en Austin, entre otras.

Referencias

• su página web www.xente.mundo-r.com/caruncho [+140f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• José Caruncho, un fotógrafo con luz propia en leicanistas [17f],
• Entrevista a José Caruncho en dobleclic [1f],
• "Olladas de silencio", de José Caruncho en xatakafoto [1f],
• José Caruncho en laopinioncoruna [8f],
• Soberbia exposición de fotografía, de José Caruncho, en el “Kiosko Alfonso” de La Coruña en fedellando [1f],
• Las fotos de José Caruncho llegan hoy al Espacio de Arte en elcorreogallego [1f],
• «Galicia, meu estudio», lo mejor de Caruncho en lavozdegalicia [1f],
• José Caruncho ´Las viejas técnicas se quedan en romanticismos´ en laopinioncoruna [1f].

Libros

• Positivado en branco e negro: (sistema de zonas), 1987.
• Rocas del tiempo, 1993.
• Schmidt de la Heras, con Xosé Luis Cabo, 1999.
• Muros: alma mareira, con Luis Rei Núñez, 2002.
• Homenajes, 2007.
• Olladas do silencio, 2009.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Donigan Cumming es un artista multimedia (nacido en 1947 en Danville, Virginia, EEUU, vive en Montreal, Quebec, Canadá) que utiliza fotografía, video, dibujo, sonido y texto en documentales experimentales, collages, instalaciones y libros. Ha participado en festivales y exposiciones canadienses e internacionales relacionados con temas del cuerpo, la verdad versus ficción, los tabúes de la representación y el compromiso social.

© Donigan Cumming

Biografía

Donigan Cumming estudió en la Florida State University en Tallahassee, Florida, y completó un master en la Universidad Concordia de Montreal, Quebec, en 1985. Utiliza fotografía, video, pintura, dibujo, sonido y texto en obras de arte multimedia e instalaciones que han sido ampliamente exhibidas en Europa, Asia y América del Norte. Su trabajo es reconocido internacionalmente por su representación directa y compasiva de la humanidad y de sus miembros más olvidados.

Sus trabajos en video, que comenzaron en 1995 y que reúnen documentos visuales, cine directo y animación, han sido proyectados en los principales festivales y museos, incluido el Museum of Modern Art de Nueva York, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, el Pacific Film Archive de Berkeley, EEUU y el festival de cine documental Visions du Réel en Suiza. En 2017, el Centre Culturel Canadien de París presentó sus tres últimos trabajos en una Soirée spéciale Donigan Cumming. Su video más reciente, Las 7 maravillas del mundo, se estrenó en la edición de 2018 del Rendez-vous Québec Cinéma.

Su libro The Stage forma parte de tres importantes colecciones: la Maison européenne de la photographie de París, el Musée National des Beaux-Arts de Montreal, en el Canadian Museum of Contemporary Photography de la National Gallery of Canada en Ottawa, y es reconocido como un fotolibro clave en las principales antologías. En 2017, fue finalista del prestigioso Premio de Fotografía Scotiabank.

Además de en estas colecciones, su obra forma parte también de las del Museum of Modern Art en Nueva York, el Musée de L'Élysée en Lausana, el Museum of Contemporary Art de Los Angeles y de museos nacionales de Bélgica, Canadá, Dinamarca, Francia, Alemania, Suiza, el Reino Unido y los EEUU.

De una residencia realizada en el Centro VU en Quebec resultó en Kincora, un gran conjunto de dibujos impresos en inyección de tinta y exhibidos en VU y La Galerie Éric Devlin en 2008.

Sus principales exposiciones individuales incluyenReality and Motive in Documentary Photography en Nueva York y París, en 1986, The Mirror, the Hammer and the Stage en Chicago en 1990, Pretty Ribbons en Arles en 1994, Harry's Diary en Nueva York en 1994, Les Pleureurs en París en 1995, La Répétition en Lausana en 1996, Barber's Music en Ottawa en 1999, Moving Stills en Montreal en 1999 y en Rotterdam en 2000, Gimlet Eye en Cardiff en 2001, Donigan Cumming: La somme, le sommeil, le cauchemar en Le Mois de la Photo en Paris en 2006, etc.

Referencias

• su página web donigancumming.com (EN [?f]),
• Donigan Cumming en wikipedia (EN),
• Donigan Cumming en vitheque (EN [19v]),
• Donigan Cumming en galeriemichelguimont (EN [28f]),
• Donigan Cumming: After Beauty en mikehoolboom (EN [37f 1v]),
• Donigan Cumming en moma (EN [6f]),
• Donigan Cumming's Photography of the Absurd en time (EN [22f]),
• Donigan Cumming en moisdelaphoto (EN [2f]),
• Donigan Cumming en americanart (EN [2f]),
• Coming through the Fog: les rencontres de Matthieu Brouillard et de Donigan Cumming en concordia (EN [1f]),
• Donigan Cumming: Continuity and Rupture en offscreen (EN [8f]),
• Donigan Cumming en vdb (EN [1f]),
• Donigan Cumming en christies (EN [1f]),
• Donigan Cumming en chapter (EN [3f]),
• Donigan Cumming. The Stage en placartphoto (EN [8f]),
• Donigan Cumming en nuala513668candn (EN [1f]),
• Un artiste, une œuvre | Donigan Cumming en youtube (EN, FR [1v]),   
• A Special evening with Donigan Cumming en canada-culture (EN [1f]).

Libros

• Donigan Cumming: Reality and Motive in Documentary Photography, 1986.
• Diverting the Image, 1993.
• Pretty Ribbons, 1996.
• Continuité et rupture : 5 bandes de Donigan Cumming / Continuity and Rupture: 5 Tapes by Donigan Cumming, 1999.
• Continuité et rupture, 2000.
• Gimlet Eye, 2001.
• La somme, le sommeil, le cauchemar, 2006.
• Splitting the Choir: The Moving Images of Donigan Cumming, 2011.
• Coming Through the Fog, 2012.
• Monographie, 2012.
• The Stage, 2014.

Libros de artista

• The Stage, 1991.
• Lying Quiet, 2004.
• Kincora, 2008.
• Pencil, Ashes, Matches & Dust, 2009.
• Kerr's Suitcase, 2015.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Nacho Gil es un fotógrafo madrileño (nacido en 1960) que ha encontrado en la fotografía urbana su pasión. La ciudad es su escenario y las personas su paisaje. Disfruta deambulando por los barrios de la capital de España para que éstos le regalen sus mejores estampas, con sus vecinos como protagonistas y sus pequeños comercios como telón de fondo, que las hacen intemporales.

© Nacho Gil

Busco entre la multitud las historias que esconde la ciudad.

La multitud es su elemento, como el aire para los pájaros y el agua para los peces. Su pasión y su profesión le llevan a hacerse una sola carne con la multitud. Para el perfecto flâneur, para el observador apasionado, es una alegría inmensa establecer su morada en el corazón de la multitud, entre el flujo y reflujo del movimiento, en medio de lo fugitivo y lo infinito. Estar lejos del hogar y aun así sentirse en casa en cualquier parte, contemplar el mundo, estar en el centro del mundo, y sin embargo pasar inadvertido —tales son los pequeños placeres de estos espíritus independientes, apasionados, incorruptibles, que la lengua apenas alcanza a definir torpemente.

Charles Baudelaire

Biografía

Nacho Gil no tuvo contacto serio con la fotografía hasta el año 2012. Tenía su trabajo pero buscaba una vía de escape al estrés y dejar más espacio a la creatividad, lo que le llevó a salir a hacer fotos. Después de unos meses de noviazgo, la fotografía le enganchó y empezó a salir casi a diario con su cámara. Lo que había comenzado siendo un simple ejercicio diario terminó, dos años después, con una comunidad de más de 50.000 personas en Facebook y un primer proyecto de micromecenazgo, con el que pudo publicar su primer libro Callejeando Madrid  y producir una primera exposición en la escuela Lens, donde realizó parte de su formación como fotógrafo.

En 2015 comenzó su segundo proyecto, Madrid Street Photography, más personal. A través de su nueva página en Facebook, Madrid Street Photography empezó a compartir cada día 1 foto de las que iba haciendo al pasear sin rumbo por su ciudad, y el número de seguidores comenzó a crecer como la espuma, hasta superar los 32.000 en apenas dos años. En 2017 publicó su segundo libro Flâneur gracias también al micromecenazgo a través de Verkami. En 2018 realizó su segunda exposición individual en el espacio World Gallery de B The Travel Brand Xperience  con una selección de 33 fotografías de su libro Flâneur.

La calle es para él un lugar de encuentro en el que permanentemente están sucediendo cosas que le gusta explorar. Se siente como un “Flâneur", disfruta de sus paseos, se mueve entre la multitud y observa. Vive la experiencia con pasión y cuando lleva varios días sin salir con su cámara nota que le falta algo. Ha descubierto que necesita volver una y otra vez a esos lugares y seguir mirando, cada vez con más detalle, cada vez más profundamente. En sus lecturas y en su formación como fotógrafo le habían hablado de la luz, pero ha sido en la calle donde ha descubierto su importancia y lo que aporta en la visión de ese universo, en la construcción de una u otra historia. Es en la calle y, a través de la fotografía, donde descubre algunas de sus limitaciones, donde aprende a superarlas y es el la calle donde descubre el entorno en el que vive.

Referencias

• su página web nachogilfoto.com [?f],
• Nacho Gil en instagram [+500f],
• Nacho Gil, el fotógrafo urbano que mejor retrata el auténtico Madrid en zonaretiro [12f 3v],
• “Lo más importante es la relación que se establece entre la mirada del fotógrafo y la ciudad”, Nacho Gil, autor de 'Flâneur' en xatakafoto [12f],
• Callejeando Madrid: Madrid en Fotos en peris [16f 1v],
• La belleza desnuda de Madrid en elpais [1f],
• Nacho Gil busca fondos para un libro y para Kamikazes de la imagen, fotografía callejera por fotógrafos con discapacidad intelectual en clavoardiendo-magazine [1v],
• El Madrid luminoso inspira a Nacho Gil en 20minutos [1f],
• El fotógrafo urbano madrileño Nacho Gil expone su obra ‘Flâneur’ en la calle Miguel Ángel en zonaretiro [1f 1v],
• Nacho Gil en fotokalea [1f],
• El Flâneur en Madrid en tugranviaje [3f],
• El Madrid castizo de Nacho Gil en elmundo [13f],
• @nachgil en twitter [?f],
• Nacho Gil en facebook [?f].

Libros

• Callejeando Madrid.
• Flâneur.

Arif Asçi es un fotógrafo turco (nacido en 1958 en Adana, vive en Estambul) en cuyo trabajo las ciudades (principalmente Estambul) se convierten en imágenes en las que el movimiento se transforma en pausa y, en esa quietud, revela superficies de acción y proyección a lo largo de las actividades de la vida cotidiana.

© Arif Asçi

Biografía

Arif Asçi estudió en la Academia de Bellas Artes de Estambul, donde trabajó posteriormente como instructor en grabado durante 2 años. En 1986 comenzó a viajar por Asia y empezó a hacer fotografía, trabajando en 1989 en la serie documental Turkuaz de 12 episodios para televisión resultante de sus 3 años de viajes previos.

Después siguió viajando y realizando series documentales fotográficas. Entre 1996 y 1997 planeó y realizó la expedición Ruta de la Seda realizada por un grupo de 4 personas en una caravana de camellos desde China a Turquía y que duró 18 meses, dando como resultado su libro The Last Caravan On The Silk Road y la exposición Silk Road en el Visa pour l’Image Photojournalism Festival de Perpiñán en 2000 y en la Octoberfest de Múnich en 2003.

Ha realizado diversos proyectos de fotografía como capturar Estambul con una cámara panorámica 6x17 para captar su esencia y personalidad y ha expuesto su trabajo en Turquía e internacionalmente. Está representado por la agencia holandesa TCS (The Cover Story Photostories y ha publicado en revistas como Geo, Grands Reportages, Holland Herald, Res,Terra, VSD, Expressen, etc.

Referencias

• su página web www.arifasci.com (EN [?f]),
• Street Photography Research - Arif Asçi en wearscharlene (EN [8f]),
• Arif Asçi en theredlist (EN [18f]),
• Arif Asçi en mutualart (EN [2f]),
• Arif Asçi en fotografokulu (TR [2f]),
• "Le Monde 2" : Istanbul par Arif Asci en lemonde (FR [10f]),
• Panoramic Street Photography now! en marcelocaballero-fotografia [12f],
• Seoul, die jadegrüne Stadt en werfeldein (DE [11f]),
• Ponoramic photography en sucheepdop (EN [5f]).

Libros

• Istanbul Panorama, 2010
• The Birds of Istanbul, 2010
• The Street Dogs of Istanbul, 2010
• The Street Cats of Istanbul, 2010
• Arif in Seoul, 2009
• The Last Caravan On The Silk Road(Edición para Corea), 2008
• Bahtabakan (Chameleon), 2002
• The Last Caravan On The Silk Road, 1998.

Mario von Bucovich fue un fotógrafo austriaco (nacido el 16 de febrero de 1884 en Pula, Istria, fallecido el  30 de noviembre de 1947 en Ciudad de México) que supo captar en sus libros sobre Berlín, París, Manhattan, Washington, …,  la esencia de estas ciudades cosmopolitas llenas de promesas de futuro, huyendo del tradicional inventario fotográfico de los monumentos de la ciudad que hasta el momento venían siendo los libros de fotografía, consiguiendo un espacio de creación independiente, con su lógica y su arquitectura propias, a través del control de elementos como la tipografía, la maquetación o la dimensión específica que quería dar a su trabajo publicado.

Berlin, 1928. Mario von Bucovich

Biografía

Marius Freiherr von Bucovich era hijo de madre griega y de un capitán de corbeta de la marina austro-húngara y posteriormente empresario ferroviario. Creció en Viena y estudió matemáticas y mecánica en el Instituto Federal Suizo de Tecnología en Zúrich, estudios que continuó en Nancy en Francia. De 1908 a 1909 estudió ingeniería eléctrica mecánica en Technikum Mittweida en Sajonia. Sin embargo su familia esperaba que tuviera una carrera militar y consideró también que su matrimonio era inaceptable, así que Bucovich se fue a Nueva York a fines de 1909 con su esposa, donde inicialmente encontró empleo como trabajador no calificado de baja remuneración en Otis Elevator Company en Nueva York, que le trasladaría en 1911 a San Petersburgo, donde se encargó por su cuenta de la lucrativa venta de maquinaria agrícola. En 1914 fue deportado a Siberia como enemigo extranjero , pero pudo huir y regresar a San Petersburgo. Desde 1918 se dedicó a la repatriación de deportados en Siberia, una labor muy difícil debido a la guerra civil rusa.

En los años siguientes Bucovich trabajó en el comercio de arte y antigüedades y se instaló en Berlín, donde en 1925 se hizo cargo del estudio fotográfico de Karl Schenker, fotografiando durante esta época a celebridades, actores y actrices de cine, como Marlene Dietrich y Elisabeth Bergner, bailarines como Leni Riefenstahl (en su época de bailarina) y atletas, realizando también desnudos. A finales de los años 20, sus fotografías ya habían aparecido en toda la gama del periodismo fotográfico alemán, como en Der Querschnitt, Uhu, Die Dame, Die neue Linie, Das Magazin, Skizzen, Welt-Magazin, Kölnische Illustrierte Zeitung, Revue des Monats, Deutscher Kamera Almanach, Die Reklame, Der Photo-Freund,…

Cuando llegó a España a comienzos de la década de los 30, ya gozaba de un reconocido prestigio como autor de sus libros París y Berlín. En España fotografió las ciudades de Madrid, Zaragoza, Girona (algunas de estas fotos fueron publicadas en la revista National Geographic) y Barcelona, antes de establecerse en Palma de Mallorca en 1932.

En 1936 se trasladó a Nueva York, ciudad a la que dedicó otro de sus libros monográficos por los que hoy se le recuerda, Manhattan Magic, antes de establecerse en Ciudad de México en 1939, donde experimentó con el color en uno de sus últimos trabajos, su serie sobre México, México lindo (1940), y donde moriría en 1947 en un accidente de tráfico.

Su trabajo se exhibió en los principales salones de fotografía de la época, como en la Fourth International Exhibition of Pictorial Photography en el Palacio de la Legión de Honor de California, la Third International Exhibition of Pictorial Photography Seattle Camera Club y los 15º y 16º Annual Pittsburgh Salon of Photographic Art en el Carnegie Institute.

Se tiene constancia de dos exposiciones durante su estancia en España: en la Galería Costa de Palma de Palma de Mallorca en 1932, y en la Galería Catalunya de Barcelona en 1933. Más recientemente, Berlín ha estado expuesta en la colectiva Sospechosos. Flâneur en Berlín en Casa Sin Fin de Madrid en 2013. En España, su obra se conserva en las colecciones del Arxiu Fotogràfic Jeroni Juan Tous en Palma de Mallorca y en el Museu de Mallorca, además de en las colecciones del  New Orleans Museum of Art, el Museo Nacional de Arte Mexicano y la National Gallery of Canada. 

Referencias

• Mario von Bucovich en wikipedia (EN),
• Mario von Bucovich en wikimedia (EN [3f]),
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• „Ich bin teuer“. Wer war Baron Mario von Bucovich? en fotogeschichte (DE [1f]),
• La Girona de Marius de Bucovich en raco (CA [5f]),   
• basic position in Charleston - 1926 en gettyimages (EN [1f]),
• Walker, Ruth - Dancer, USA en gettyimages (EN [1f]),
• Mario von Bucovich en dantebea (FR [3f]),
• Mario von Bucovich - Berlin en josefchladek (EN [10f]),
• Mario von Bucovich en invaluable (EN [8f]),
• Mario von Bucovich en mutualart (EN [2f]).

Libros

• Berlín, Das Gesicht der Stadt, 1928.
• Paris, 1928.
• Viaje a Ibiza, 1934.
• Washington, D.C., City Beautiful, 1936.
• Manhattan Magic, 1937.
• Oaxaca, 1942.
• Berlin 1928. Portrait d’une ville, 1994.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
• Berlin in den 1920ern, 2016.

Gonzalo Azumendi es un fotógrafo vasco especializado en viajes. Además de trabajar para las más prestigiosas publicaciones, ha fotografiado más de 15 años corriendo de un lado a otro del mundo documentando los lugares más recónditos del Patrimonio Mundial para la UNESCO. También ha realizado expediciones a tierras lejanas, a altas montañas y buscando ciudades perdidas en más de un centenar de países. En sus fotos destaca un enorme interés por el ser humano. Sus señas son el color, la alegría, el misterio … y el humor.

© Gonzalo Azumendi

Mi cámara es prolongación de mi cuerpo, conectada a mi vista por mi mano. Es como un implante exitoso de lo único que me faltaba para ser un mutante, un fallido súper-héroe de la Marvel, que solo tengo sentido para mí mismo cuando desempeño el papel para el que fui diseñado: Fotografiar.

Biografía

Gonzalo Martínez Azumendi empezó amando primero la montaña. Era escalador y alpinista, la montaña era su obsesión y su pasión. Y así empezó a hacer fotografías, sin saber por qué. Solo por guardar recuerdos de aquellas experiencias y porque era el menos atlético de la cuadrilla y le venía bien detenerse para documentar aquellas sus primeras travesías alpinas, fascinado por la épica y el romanticismo, los grandes paisajes y la insignificante presencia humana. El viaje era parte de descubrir montañas y aprendió a documentarlo hasta que la pasión por la fotografía desbordó todo. Y todo se hizo una unidad y cobró sentido.

Se licenció en psicología pero, en 1984, siendo un fotógrafo novato, tras un incidente en la guerra de la pesca entre Francia y España, en que un pesquero español había sido ametrallado por los guardacostas franceses, se embarcó en otro barco para documentar la situación y les cogió el tremendo ciclón “Klaus” en medio del mar. Eso sirvió para que publicara su primer artículo en prensa y para que después de citas culturales, noches de conciertos o de espectáculos, de obras de teatro minoritarias pero muy comprometidas, de portadas de discos de Silvio Rodríguez o Radio Futura, llegó a los viajes, convirtiéndose en un reconocido fotógrafo freelance internacional que publica artículos y portadas en los mejores medios especializados en viajes.

Azumendi atesora una enorme trayectoria profesional de más de 30 años, habiendo participado en diversos proyectos editoriales como el libro oficial de El Canal de Panamá, otro sobre Bolivia financiado por su gobierno, Camino de Santiago, Marruecos ... e innumerables  Guías de Viaje. Durante más de 15 años, ha trabajado de un lado a otro del mundo, en más de cien países, documentando el Patrimonio Mundial para la UNESCO.

Ha participado en la ilustración de más de 500 libros de diferente temática, y exposiciones, conferencias y cursos, para un gran número de certámenes y entidades y de forma regular en el CFC, Centro de Fotografía Contemporánea de Bilbao. Ha expuesto sus fotografías en muestras individuales y colectivas como Getxophoto, Santander Photo, Círculo de Bellas Artes de Madrid, ...

Siempre dispuesto a nuevos retos, acaba de inaugurar su canal en Youtube, dónde podéis conocerle luchando por las mejores fotos en situaciones un tanto surrealistas. En 2018 ha expuesto Cuento de hadas en la World Gallery de B The Travel Brand Xperience en Madrid, con el apoyo de LaChrome, partner en producción de Instagramers Spain.También es un gran orador que narra sus experiencias con sinceridad, alegría y humor, en talleres sobre Fotografía de Viajes, y también ha realizado campañas para Swatch, Omega, Nike, Panama Jack,… además de promociones turísticas para diversos países.

Referencias

• su página web www.gonzaloazumendi.com [?f],
• Gonzalo Azumendi en youtube [7f],
• Gonzalo Azumendi en instagram [+100f],
• Gonzalo Azumendi en facebook [?f],
• @GonAzumendi en twitter [?f],
• “Hay que dejarse llevar por sensaciones, notar la energía cuando fotografías una ciudad”: Gonzalo Azumendi, fotógrafo de viajes en xatakafoto [12f],   
• Cuentos de Hadas al otro lado de la cámara en theluxonomist [10f],
• Gonzalo Azumendi en elpaisviajes [?f],
• Amar a los elefantes en turismotailandes [15f],
• Entrevista a Gonzalo Azumendi en turismotailandes [13f],
• Entrevista al fotógrafo viajero Gonzalo Azumendi en foto321 [5f],
• Exposición fotográfica "Cuentos de hadas" de Gonzalo Azumendi en semanatraveling [2f],
• Exposición del fotógrafo Gonzalo Azumendi en la Flagship de B the travel Brand en Madrid en instagramers [5f],
• Taller de fotografía de viajes con Gonzalo Azumendi en fotodng [1f],
• Gonzalo Azumendi. Viajar para fotografiar en formenterafotografica [6f],
• Gonzalo Martinez Azumendi. La fotografía de viajes en ivasfot [4f],
• Gonzalo Azumendi en elpais [?f].
     

Pedro Luis Ajuriaguerra es un fotógrafo vasco (nacido en 1974 en Muskiz, Bizkaia) que compagina la fotografía artística, especialmente la de arquitectura, con la deportiva, con un énfasis especial en el boxeo, viendo publicadas sus fotos en prensa y consiguiendo numerosos premios en prestigiosos concursos internacionales.

© Pedro Luis Ajuriaguerra

Biografía

Pedro Luis Ajuriaguerra Saiz es un fotógrafo autodidacta que comenzó su andadura fotográfica allá por el año 2011 descubriendo una pasión que le era desconocida hasta entonces. Sus inicios inquietos le han hecho probar casi todas las disciplinas de la fotografía, encontrándose actualmente inmerso tanto en la fotografía de arquitectura artística como en la deportiva.

Actualmente trabaja a tiempo parcial como fotógrafo freelance y sus trabajos profesionales están enfocados a la fotografía deportiva, con un interés especial en el boxeo, haciendo colaboraciones con revistas como el Magazine BAO Bilbao, Bilbao Turismo, Bilbao Bizkaia Tour Magazine  y con diferentes promotoras deportivas como MGZ Promotions, Euskobox, etc., y sus fotografías se publican en medios deportivos como As y Marca.

En el ámbito concursístico, que comenzó en 2012, ha tenido una rápida progresión, participando en numerosos salones y asociándose en la  Asociación Fotográfica Zuri-Beltza de Bilbao desde 2013, la Federación de Agrupaciones Fotográficas Vascas (EHATE), la Confederación Española de Fotografía (CEF) desde 2014 , Federación Internacional de Asociaciones Fotográficas (FIAP) desde 2014 y en  la Sociedad  Fotográfica de América (PSA) desde 2015, consiguiendo las distinciones Excelencia FIAP,  Maestro CEF/bronce y PSA PJD*** y Who´s who Top 2 en 2015 y Top 4 en 2016 en Fotoperiodismo en la PSA.

Es invitado como jurado en importantes concursos internacionales en China, Irlanda y España y ha logrado más de 100 premios en diferentes salones fotográficos internacionales, entre los que podemos citar:

• 1º premio en la categoría Paisajes urbanos en el concurso 35 International Photography Awards en Rusia en 2018.
• 2º y 3er en la categoría Profesional Deportes de cancha en el IPA INTERNATIONAL PHOTOGRAPHY AWARDS™ de 2017 en California.
• Primer premio en el LifePressPhoto GOLD Medal en la categoría de Deportes en Ucrania.
• Medalla de oro FIAP en la categoría Viajes en el Balkan Dream de 2017 en Serbia.
• Mejor autor del Circuito Internacional Gran Tour delle Colline en 2017 en Italia.
• Ganador Región EMEA del CBRE Urban Photographer of the Year en 2016 en Nueva York.
• 2º puesto categoría Deporte en el PDN Adrenaline Photography Contest en 2017 en Nueva YorkSA.
• 2 fotografías Comended en los Sony World Photography de 2017 en Londres en la categoría Motion.
• 4 fotografías Comended en los Sony World Photography de 2016 en Londres en las categorías Split seconds y general.
• Mejor Foto de Boxeo del año 2015 para la revista especializada Espabox.
• Finalista HIPA en 2014, 2015 y 2016 en Dubái.
• 1er puesto Golden Camera en 2015 en categoría Amateur Ensayo fotográfico en Kiev.
• …
  

Referencias

• su página web pedroluisajuriaguerra.wordpress.com [?f],
• Pedro Luis Ajuriaguerra en instagram [+300f],
• Pedro Luis Ajuriaguerra en snapgle (EN [19f]),
• CBRE 2016 Winners en cbreupoty (EN [1f]),
• World Photo Winners 2016 "Split second" en worldphoto (EN [2f]),
• Fallo El Fotón 2015 en elfoton [1f],
• Latin IPA 2017 Winners en photoawards (EN [3f]),
• Pedro Luis Ajuriaguerra en travelphotographersociety [2f],
• El vizcaíno Pedro Lúís Ajuriaguerra gana el concurso de fotografía Guille Martí Revillo en europapress [1f],
• Pedro Luis Ajuriaguerra en zuribeltzablog [20f],
• Kerman Lejarraga no se detiene: pelea el 15 de julio en Cantabria en as [1f],
• Pedro Luis Ajuriaguerra en nthephoto [4f],
• Jon Fernández se hizo con el WBC Silver en una Casilla enfervorizada en euskobox [5f],
• @PAjuriaguerra en twitter [?f],
• Pedro Luis Ajuriaguerra en facebook [?f].

Alejandro Massari fue un fotógrafo italiano (fallecido en 1876) que perteneció al grupo de fotógrafos extranjeros que se establecieron en el sur de España durante los primeros años de la fotografía, atraído por la cultura y las costumbres del país. Se estableció en Sevilla, donde abrió un estudio hacia 1855. Se dedicó al retrato y a la fotografía de calle, y trabajó con el daguerrotipo, la albúmina y el papel a la sal impresionado a partir de negativo de colodión húmedo. También realizó fotografías estereoscópicas.

Trozo de los antiguos muros romanos cerca de la Puerta del Osario. Sevilla. Alejandro Massari

Biografía

Alejandro Massari fue un fotógrafo de origen italiano, que perteneció al grupo de fotógrafos extranjeros que se establecieron en el sur de España durante los primeros años de la fotografía. Tal y como lo hicieran Jules Beauchy, Luis León Massón o Leygonier, Massari llegó a España atraído por la cultura y las costumbres del país.

Se estableció en Sevilla en el año 1853, ejerciendo el arte de la fotografía durante veinte años principalmente el retrato y a la fotografía de calle. En su primera etapa se asoció con el fotógrafo francés Georges, empleando la técnica del daguerrotipo, aunque por un escaso periodo de tiempo que no llegó a un año. Posteriormente trabajó en solitario, empleando la albúmina y el papel a la sal impresionado a partir de negativo de colodión húmedo para sus fotografías, junto a sus vistas estereoscópicas sobre cristal o papel, cartas de visita y diferentes álbumes en gran formato de paisajes y monumentos de la ciudad.

Massari contaba con gabinete propio y solía exponer sus obras en el Establecimiento de Música del sr. Tabernes. Su publicidad era habitual también en la prensa de la época. En enero y febrero de 1859 vendería a la casa de Antonio de Orleans, Duque de Montpensier, dos lotes de 25 y 58 fotografías. Aunque es probable que se tratase de ejemplares repetidos, evidencia la posesión de un archivo de cierta envergadura que pudiera haber sido iniciado años atrás. Animado por esta operación, Massari compondría dos meses después un álbum «de las principales vistas de Sevilla», y lo dedicaría al propio Duque, enviándole uno de los ejemplares lujosamente encuadernado. Es posible que este ejemplar contuviera toda o buena parte de su repertorio comercial del que no se conoce sino ejemplos fragmentarios, pero fue robado.

Su obra se expuso en la muestra-homenaje dedicada a los pioneros de la fotografía celebrada en el Museo Nacional d’Art de Catalunya durante la Primavera Fotogràfica de Catalunya en 2004. Una de sus fotografías (Sevilla. Trozo de los antiguos muro romanos cerca de la Puerta del Osario) aparece reproducida en el catálogo de dicha exposición. Esta obra está disponible en la Biblioteca Virtual del Patrimonio Bibliográfico y su original se encuentra en el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (FFF).

Referencias

• Alejandro Massari en rafaelvegafotografia [3f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f].
• Alejandro Massari: De PArís a Triana en rafaelvegafotografia [1f],
• La plaza de San Francisco en desdesevillaalospicosdeeuropa [1f],
• La biblioteca fotográfica de Antonio de Orleans, Duque de Montpensier (1847–1890) en dpz [1pdf],
• Fotos antiguas de Sevilla: Plaza de San Francisco y Ayuntamiento. 1833-1868 Reinado de Isabel II en genova-cafebar [4f],
• Historia de la construcción de la plaza de la Real Maestranza de Caballería de Sevilla en purezayemocion [1f],
• Links. Fotografía Española en grandes Museos. CCA. Centre Canadien d' architecture. Spanish photography in great museums of the world en alonsorobisco [1f],
• Plaza de San Francisco en curiosasevilla [1f],
• Alejandro Massari en galeon [1f].

Libros

• Censo de fotógrafos del siglo XIX en Sevilla, Sevilla 1842-1900: sus fotógrafos, 1985.
• De París a Cádiz: calotipia y colodión, 2004.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Salvador Obiols es un escritor y fotógrafo catalán (nacido en 1940 en Sant Boi de Llobregat, Barcelona, vive en Viladecans) que inició su actividad fotográfica en la década de los 70, dándose a conocer en salones fotográficos y cosechando un gran número de premios en aquellos de corte más vanguardista.

© Salvador Obiols

… la fotografía secciona una fracción de espacio y de tiempo para congelarla dentro del álbum de los recuerdos. A partir del momento en que se abre el obturador de una cámara fotográfica para dejar paso a la luz, la imagen impresionada en  la emulsión fotográfica ha pasado a ser un recuerdo de aquello que ya no es, o de aquello que ha pasado  y que por tanto es irrepetible.

Biografía

Salvador Obiols formó parte del Grup 10 × 4 y colaboró, de 1977 a 1980, en la conocida revista Nueva Lente, creada por Pablo Pérez Mínguezy Carlos Serrano en 1971., publicando trabajos de información y de opinión relacionados con la fotografía. Fue cofundador y director de revistas especializadas como La Cortinilla y La Fotografía, de 1988 a 1991,  y combinó estas actividades con la docencia, dando clases de técnicas de fotomontaje, fotografía manipulada e historia y teoría de la imagen.

Además de profesor de fotografía, ha sido conferenciante y jurado. Especializado en fotomontajes, entre 1975 y 1980 trabajó en temáticas que expresaban un compromiso social y político. De 1980 a 1986 en una fotografía inspirada en obras poéticas propias y de otros autores. Ha visto sus fotografías publicadas en anuarios, revistas, libros, prensa y revistas de fotografía.

Ha escrito también ensayos sobre la historia de la fotografía en Cataluña, así como narrativa y poesía combinada con fotografía. Destacan sus trabajos fotográficos Cementiri de Sinera, que fue objeto de exposición, audiovisual y libro, con interpretaciones fotográficas de los poemas de Salvador Espriu realizadas dentro del cementerio de Arenys y que se mostró en diferentes puntos de Cataluña y del estado, siendo cedido en propiedad a la Fundación Salvador Espriu, de Arenys de Mar. Dio ocasión al catálogo Exposición Homenaje en 1980 y al libro Cementerio de Sinera, de Salvador Espriu en 1988.

Realizó desde 1973 diversas exposiciones individuales, mostradas por todo el estado, como El armario de los sueños en Pamplona en 2004 y Guadalajara en 2005, y colectivas mostradas por todo el estado y por el extranjero.

Durante su trayectoria como fotógrafo entre 1971 y 1986 cosechó cerca de 400 premios, destacando Cataluña en Blanco y Negro en 1976, Luis Navarro en 1976 y 1988, La cañaílla de Oro en 1976, el Bergantín de Plata en 1972, Creu de Saba y Gardencha de Oro en 1974,  entre otros.   

Sus libros de poesía Mariner sense pau y L'altra riba queda lluny han conseguido el Premio Miquel Peris Segarra en 2007 y 2018. Entre 2004 y 2018 ha obtenido 93 premios en certámenes literarios de poesía y narrativa breve.

Referencias

• su página web salvador-obiols.webnode.cat (CA [?f]),
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f].   
• Salvador Obiols en facebook [?f].

Libros

• Catalunya en blanc i negre, 1992.
• Catalunya, imatges d’un temps, 1993.
• Mariner sense pau, (poesía) 2007.   
• Llanca`t mar endins, (poesía) 2009.
• El neguit i la joia, (poesía) 2010.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
• L'altra riba queda lluny, (poesía) 2018.

Rafael Señán fue un fotógrafo español (nacido en 1864 en Ciudad Real, fallecido en 1911 en Granada) que creó en Granada un singular estudio especializado en la fotografía turística. Este negocio ofrecía a los visitantes de la Alhambra todo tipo de recuerdos fotográficos de los principales monumentos andaluces, así como postales y el genuino retrato árabe, para el que los turistas se disfrazaban ante la cámara como el propio Boabdil.

Rafael Señán

Biografía

Rafael Señán González se trasladó muy joven a Granada, ciudad en la que se formó profesionalmente junto a fotógrafos de la talla de Escudero y Rafael Garzón Rodríguez, con el que crearía un singular estudio especializado en fotografía  turística, en el que ofrecieron entre los años 1898 y 1901 , además de postales de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada y escenas de la Sevilla de finales del XIX, retratos árabes, en los que los turistas se disfrazaban para la cámara con los atuendos propios. Esta relación terminó en competencia, con estudios de ambos puerta con puerta.

Pero esta actividad le reportó un gran éxito, gracias al cual pudo abrir otro estudio en Córdoba también con decorados imitando a patios de los palacios nazaríes, que regentó su esposa, Nicasia Aldeondo, y que luego continuó su hija hasta el comienzo de la Guerra Civil española.

Señán editó cientos de postales diferentes de zonas, tipos y monumentos de Córdoba, Granada, Málaga, Ronda, Sevilla y también Tánger, además de imágenes de plazas, calles y monumentos, también realizó fotografías de la vida cotidiana y las de aquellos primeros turistas, atraídos por las historias contadas por los escritores románticos del siglo XIX sobre Granada y la Alhambra, que querían llevarse a su país un recuerdo en el que ellos mismos eran los protagonistas, ataviados como cortesanos de la corte nazarí y fotografiados por Señán en su estudio, en el que simulaba los patios de la Alhambra.

A lo largo de su carrera fue reconocido con el Premio de la Exposición de El Cairo de 1895, Diploma de Honor en la Exposición de Granada de 1905, la Medalla al Mérito de la Sociedad Científica Europea o el Primer Premio de la Exposición de Santander de 1906. En 1904 se le concedió el título de fotógrafo de cámara de Alfonso XIII, honor que le permitía incluir el escudo de la Casa Real en los cartones de sus retratos.

En 2009 la Fundación CajaSur organizó la exposición Postales andaluzas. Rafael Señán y la fotografía turística (1864-1911), celebrada en el Palacio de Viana de Granada, que reunió una selección de más de 200 fotografías procedentes en su mayoría del archivo de 1.332 placas originales del fotógrafo, que desde 1989 forma parte del Archivo Histórico Fotográfico CajaSur, completada con valiosas fotografías de época, postales, objetos y cámaras de este gran fotógrafo andaluz.

Referencias

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• 13 fotografías de la Mezquita de Córdoba - Señán y González Fotógrafo. S. XIX en todocoleccion [13f],
• Señán y González y algún flamenco del XIX en cfrivero [1f],
• Postales Andaluzas, Rafael Señán y la fotografía turística en diariocordoba [12f],
• Rafael Señán precursor de la fotografía turística en fotografodigital [2f],
• El estudio en Córdoba del fotógrafo Rafael Señán González en notascordobesas [7f 2v],
• Una antológica de Señán inaugura un nuevo espacio expositivo en Viana en arsoperandi [2f],
• 13.- Señán versus Garzón en elcartofiloempedernido [4f],
• Rafael Señán González. El primer gran negocio turístico de la ciudad. en granadaporelmundo [1f],
• Las postales de Rafael Señán y González en nito-lamurga [4f],
• La Sevilla de 1900, en Córdoba en elmundo [2f],
• Rafael Señán en cordobaporsiempre [2f].

Libros

• Postales andaluzas. Rafael Señán y la fotografía turística (1864-1911), 2009.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Algirdas Šeškus es un fotógrafo lituano (nacido en Vilna en 1945) es considerado en textos de historia de la fotografía como uno de los máximos representantes de la etapa de ruptura en la fotografía lituana con la cultura soviética.

© Algirdas Šeškus

Biografía

Algirdas Šeškus estudió en la Escuela de Arte de Vilna desde 1968 hasta 1970. Más tarde completó un curso de cinematografía en Moscú, y luego trabajó como operador de televisión y radio para la televisión lituana desde 1979 hasta que se jubiló. Su contacto inicial con la fotografía en 1975 tuvo lugar cuando supo que necesitaría llevar diez fotografías a una entrevista de trabajo para el puesto de camarógrafo en el único canal de televisión en la Lituania soviética. Entró a trabajar aunque nadie miró las imágenes, pero la cámara que compró para esto le mostró un mundo nuevo, y continuó fotografiando durante la próxima década.

En el clima silencioso de los años 70 y 80, las imágenes que estaba haciendo no obtuvieron demasiado reconocimiento: eran demasiado informales, mal hechas y desenfocadas para ser tenidas en cuenta por la escuela establecida de fotografía lituana soviética de la época. Junto con un puñado de otros fotógrafos, gravitó hacia un enfoque más documental y sus imágenes eran como una película oculta que se puede trasladar a los diferentes niveles de vida, a los simples momentos cotidianos, erotismo, torpeza, misterio, miedo, soledad, pero también y lo que es más importante, una imagen puede tenerlos a todos, y esto lo posiciona como un observador y él como artista en otro nivel. Sus fotografías son composiciones indistintas, borrosas y desordenadas; imágenes sin tonos, suaves y reducidas con contenido poco atractivo.

Šeškus solía hacer fotografías cuando estaba detrás de la cámara de televisión o encontraba un lugar en la ciudad que le brindaba un telón de fondo y acción. En 1985, abandonó la fotografía, primero pasando al arte visual, donde la censura había disminuido un poco y encontró una mayor libertad, y más tarde a una práctica que evitaba por completo los aspectos formales del arte.

Šeškus fue objeto de una gran retrospectiva en la Galería Nacional de Arte de Lituania y comenzó a fotografiar nuevamente en 2010, publicando tres volúmenes de sus casi desconocidos archivos fotográficos de la década de los 70: Žaliasis tiltas (Puente verde), Archives (Pohulianka) y Meilės lyrika (Líricas de amor). También ha expuesto TV en el Centro de Arte Contemporáneo de Vilna y en el documenta14 en Kassel y Atenas, Archives (Pohulianka). Photographs and Prints 1975–1983 en Vilna en 2010, Lyrics of Love en Londres en 2012 y Variations in shades of grey en Le Château d’Eau, Toulouse, Francia en 2013. En 2014 fue galardonado con el Premio Nacional Lituano de Cultura y Arte.

Su trabajo ha influido en muchos fotógrafos de la antigua Unión Soviética, incluidos Boris Mikhailov, Alfonsas Budvytis, Vytautas Balcytis, Remigijus Pacesa y Gintaras Zinkevicius.

Referencias

• su página web seskus.eu (EN,  LT [?f]),
• Algirdas Seskus en pm8galeria (EN [19f]),
• Lyrics of Love. Algirdas Seskus en whitespacegallery (EN [?f]),
• Algirdas Seskus en galeriechateaudeau (EN [1pdf]),
• A. Šeškus: moteris turi būti gėlė, kad prie jos glaustųsi, o ne principų kratiny en moteris (LT [8f]),
• FAST CRITIC: Algirdas Šeškus, sueños que se convierten en pesadillas en youtube [1v],
• Algirdas Seskus en documenta14 (EN [3f]),
• Algirdas Šeškus' Lyrics of Love en lomography (EN [5f]),
• Yuri Albert and Algirdas Seskus: Materiality of The Book en whitespacegallery (EN [3f]),
• Algirdas Seskus en mmcentras (LT [+30f]),
• Algirdas Šeškus en frieze (EN [1f]),
• Algirdas Seskus en 15min (LT [4f]),
• El Reina Sofía adquiere en ARCO 2018 veintitrés obras por 224.480 euros en museoreinasofia [1f].

Libros

• Žaliasis tiltas (Puente verde). 2009.
• Archives (Pohulianka). 2010.
• Meilės lyrika (Líricas de amor).
• Variacija buvimo išorėje tema (Variación exterior del tema).
• Šamanas (Chamán).
• Šeškus. Grey, but not Grey, 2014.

Joseph Vigier fue un fotógrafo francés (nacido en 1821 en Savigny-sur-Orge, fallecido en 1894 en París) queutilizó el proceso al calotipo de Talbot, alternándolo con el de Le Gray (papel encerado). Con estas técnicas, conseguía tonos cálidos del papel negativo, de un hermoso color que variaba del rosa al marrón, y que eran los más adecuados para representar con realismo los paisajes de las montañas, los valles áridos y las rocas, reforzando las texturas de la piedra causadas por los efectos atmosféricos.

Lac d'Oo à Luchon, 1853 Joseph Vigier

Biografía

El vizconde Louis Jules Aquiles Vigier estudió en el Liceo Henri IV, donde fue compañero de clase de Henri d'Orleans, hijo del rey Louis-Philippe. De esta etapa nace una gran amistad con la familia de Orleans. Vigier les será fiel toda su vida, manteniendo fuertes lazos con la familia desde el exilio, tras la revolución de 1848 y la derrota de la monarquía.

De familia noble y adinerada pues su padre era propietario de los Baños del Sena, fue alumno de Gustave Le Gray durante los años 1848 a 1850, ocupando un lugar singular entre los aficionados a la fotografía de la década de 1850. Utilizó el calotipo de Fox Talbot y los papeles encerados de Le Gray, así como el colodión húmedo y el colodión seco.

Fue miembro fundador de la Société héliographique en 1851 Junto con su amigo Olympe Aguado, y también de la Société française de photographie en 1854, de cuya junta directiva formó parte entre 1857 y 1862, año en que abandonó la sociedad.

En 1850 viajó a Sevilla y se instaló probablemente en el palacio de San Telmo en casa de su amigo, el Duque de Montpensier. Se ha traído todo su equipo fotográfico para realizar una pieza única, un álbum con vistas de la ciudad, un regalo exclusivo para su anfitrión, el cuñado de Isabel II. El álbum, realizado entre 1850 y 1851 como indican las imágenes, es una pieza de inestimable valor, con 29 calotipos. Su aportación a la fotografía del paisaje y de naturaleza es quizás de lo más interesante que se haya producido en España en esa época.

En 1852 se fue a Inglaterra, estando presente en Londres con Fenton y Le Gray en la primera exposición consagrada exclusivamente a la fotografía en la Society of Arts, y realizando retratos fotográficos de la familia real francesa en su exilio en Claremont: el rey Louis-Philippe, la reina Amélie, sus hijos (duque de Nemours) y sus nietos en posados, cada uno sentado de pie o cerca de una mesa , algunos en frente de una tela pintada con la decoración exuberante de flores, el príncipe de Condé montado a caballo, …

En verano de 1853, viajó a España pasando por los Pirineos (Luchon, Cauterets, Pau), donde realizó varios cientos de escenas en papel negativo. Subió al puerto de Benasque con todo un pesado laboratorio fotográfico a cuestas que debía superar los 100 kilos, y tomó las primeras fotografías del macizo de la Maladeta y su glaciar. A finales de año, publicó el Album des Pyrényes una colección de 38 imágenes a partir de negativos papel, que actualmente pertenecen a la colección del Musée d’Orsay. Estas fotografías, tomadas a lo largo de una expedición fotográfica personal y sin ningún tipo de apoyo logístico, impactaron en Inglaterra y Francia por su belleza.

En febrero de 1854, mostró seis de ellos en Londres en la exposición de la Royal Photographic Society, que entusiasmó al público y a la reina Victoria. Participó en las dos primeras exposiciones organizadas por la Société française de la photographie en París, en 1855 con vistas de los Pirineos y en 1857 con vistas del Dauphiné de 1855 en papel negativo, un castillo de Savigny de 1856 en colodión seco, un caballo según la naturaleza en colodión húmedo.

El nacimiento de un hijo en 1859, la gestión de sus tierras, los viajes y sobre todo la evolución de los procesos fotográficos a partir de 1860 lo desviaron definitivamente de su práctica. En 1872, después de haber vendido su castillo de Grand-Vaux en Savigny-sur-Orge, adquirió el de Lamorlaye, cerca de Chantilly, donde disfrutó de su pasión por los caballos lo que le llevó a ser uno de los promotores de las carreras ecuestres y la cría de caballos de carreras pura sangre de origen inglés.

Muchas de sus fotografías están en la ahora famosa colección de la Duquesa de Berry.

Referencias

• Joseph Vigier en wikipedia (FR),
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f].
• Vigier, Le Vicompte Joseph (1821-1894) en wikiwix (EN [1f]),
• Les Pyrénées de Joseph Vigier, 1853 en musee-orsay (FR [2f]),
• Joseph de VIGIER, Vicomte en photo-arago (FR [10f]),
• Vicomte Joseph de Vigier en getty (FR [?f]),
• Naturaleza y paisaje. El círculo de Gustave Le Gray en la península, 1848–1858 en dpz [1pdf],
• Joseph Vigier en drouot (FR [5f]),
• Joseph Vigier en muzeo (FR [8f]),
• Joseph Vigier en rmngp (FR [23f]),
• Joseph Vigier en arcadja (FR [5f]),
• Vicomte Joseph VIGIER (1821-1894) le Prince de Joinville, Claremont, en alde (FR [1f]),
• Joseph Vigier en academie-des-beaux-arts (FR [?f]),
• Expositions précédentes en jaclo14 (FR [?f]),
• Le Pont de Sia à Luz-Saint-Sauveur en loucrup65 (FR [1f]).

Libros

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
• Eclats d'histoire, 2003.
• Album des Pyrénées.