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Channel: Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red
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Jonas Peterson

June 12, 2018, 11:00 pm
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Jonas Peterson es un fotógrafo editorial y de bodas sueco (con sede en Byron Bay, Australia) que ha sido nombrado uno de los 10 mejores fotógrafos de bodas en el mundo por la revista American Photo y pasa la mayor parte de su tiempo fotografiando bodas en el extranjero. También es un reconocido conferenciante y educador sobre fotografía.

© Jonas Peterson

© Jonas Peterson

Biografía

Jonas Peterson es hijo de reportero gráfico y madre pintora, unas buenas premisas del nacimiento de su arte. Estudió drama y actuación antes de entrar en la publicidad como escritor en los años 90 trabajando en varias revistas de renombre, luego estuvo casi diez años haciendo trabajo publicitario y de cine para algunas de las mejores agencias de publicidad del mundo, ganando varios premios e, irónicamente, aburriéndose mucho en el proceso. Necesitando retirarse de la publicidad, en 2008 se tomó un tiempo libre para encontrar lo que le apasionaba

Su primer contacto con las cámaras había sido trabando como publicista a finales de los años 90 para trabajar con su creatividad visual para que no se atascara solo escribiendo. Con el paso de los años se enamoró más y más de la fotografía y cuando decidió abandonar la publicidad, tuvo la opción de comenzar a dirigir películas o dedicarse a la fotografía.

Por una casualidad comenzó a fotografiar bodas (la de un amigo), y constató la gran diferencia entre lo que la boda era y el reportaje contaba. Por sus trabajos y experiencias previas tenía una visión muy personal de cómo se debe contar una historia, así que ascendió de manera muy rápida, siendo elegido ya en 2011 entre los 10 mejores del mundo por la revista American Photo y a lo largo de su carrera ha sido galardonado con decenas de premios por todo el mundo. En el 2013 fue elegido como Mejor fotógrafo de bodas en el Mundo por la WPPI (Wedding Photography Association) en Las Vegas y es también uno de los docentes más importantes a nivel mundial en la temática de la fotografía de bodas.

Su secreto es su visión cinematográfica y su mantra de hacer las cosas simples. Desde su base en Australia viaja por todo el mundo fotografiando a las parejas en sus enlaces matrimoniales: es lo que se llama ahora un fotógrafo de bodas en localizaciones.

Referencias

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Andrea Santolaya

June 13, 2018, 11:00 pm
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Andrea Santolaya es una fotógrafa española (nacida en Madrid en 1982) que ha desarrollado un lenguaje fotográfico personal y honesto para retratar la vida de comunidades pequeñas donde se destaca la intemporalidad como un vínculo social.

“Russkaya Amerika”. 2017 © Andrea Santolaya

“Russkaya Amerika”. 2017© Andrea Santolaya

Biografía

Andrea Santolaya estuvo rodeada de artistas desde que era muy niña. Su abuela Eugenia Niño fue la impulsora y directora de la Galería SEN durante 40 años y pasó su infancia bajo esas paredes donde pasó la Movida madrileña, pintores, escritores, dibujantes y donde incluso se hacían performances sobre una piscina de tela y sombrillas de playa bajo las cuatro paredes de la galería. Desde que era muy niña, siempre pintaba, observaba y hablaba sin parar. Quizás por ello le regalaron una cámara y eso le llevó a estudiar arte y fotografía, con un máster en Arte y Creación por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, trabajando como fotógrafa freelance desde 2006 y ampliando estudios en la School of Visual Arts de Nueva York con el máster Photography, Video and Related media gracias al apoyo de una beca de La Caixa en 2010. Su director de tesis fue el fotógrafo Larry Fink.

En Nueva York trabajó para Manolo Valdes fotografiando sus esculturas monumentales en la gran manzana. Previamente, en 2007, había fotografiado la realización de la película El honor de los agraviados de Carlos García-Alix, sobre la búsqueda de Felipe Sandoval, anarquista durante la Guerra Civil española.

Su trabajo fotográfico permite un diálogo con el espectador para mostrar la intimidad de los lugares, los personajes que lo habitan, la historia y cómo la sociedad debate en su entorno natural en el tiempo. La contemplación y la experiencia personal mostradas a través de la fotografía constituyen el hilo común que une todos estos proyectos para contar una historia en imágenes.

Andrea se implica profundamente en cada proyecto. En Around, sobre el boxeo, llegó a tomar clases de este deporte para poder documentar sus aspectos menos conocidos y acercar al espectador diferentes realidades de la forma más honesta posible. Destacan igualmente sus trabajos L’Après-midi d’un faune y Prelude, sobre el lado humano de las bailarinas del Mikhailovsky Ballet de San Petersburgo, el grupo étnico Warao del Delta del río Orinoco, en Venezuela, el centenario equipo de rugby francés Biarritz Olympique, o No nature, un proyecto con el que consigue transmitir el sentir del caballo a través de imágenes con una alta carga sensorial y emocional.

Ha obtenido premios y becas como Aula de Artes Plásticas de la Universidad de Murcia, beca en el Instituto Pushkin de Moscú del Gobierno Federal de Rusia y la residencia de artista Pico do refugio en Azores.

Es autora de varios libros, entre los que destaca Manolo Valdés. Botanical Garden of NY  que ganó el Primer Premio a la mejor publicación de arte 2014 por el Ministerio de Cultura y Deportes de España.

Su primera exposición individual fue con su serie Around sobre mujeres boxeadoras y se realizó en la Marlborough Gallery de Madrid en el marco del Festival Photoespaña 2011. Desde entonces, su trabajo ha sido presentado en instituciones y galerías internacionales como el Centro Conde Duque en Madrid, Palau de la Música de Valencia, Galería Freites de Caracas, Institut Français en Madrid y el Festival Internacional de Fotografía de Mérignac.

Su trabajo ha sido publicado por medios nacionales e internacionales, incluyendo El País, El Mundo, Matador Magazine, Esquire, El Nacional y Smithsonian Journeys, Yo Dona Magazine, Museo IVAM, School of Visual Arts y Columbia University NY.

Su trabajo forma parte de colecciones privadas y públicas, como las de la Universidad Complutense de Madrid, el Palau de la Música de Valencia, el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, la Colección Cisneros Caracas, C & FE Caracas Collection y Marlborough NY Gallery.

Referencias

Libros

  • Con García-Alix, Carlos, El honor de las injurias, 2007.
  • Looking for Felipe Sandoval. (Making of)  (varios), 2008.
  • La Naval, 2009.
  • Manolo Valdés en Nueva York, 2011.
  • Around, 2011.
  • Manolo Valdés. Jardín Botánico de Nueva York, 2013.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI (varios), 2013.
  • The Teatro Real (varios), 2018.
  • The Spanish people have a path that leads to a star (varios), 2018.
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Lachlan Bailey

June 14, 2018, 11:00 pm
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Lachlan Bailey es un fotógrafo australiano (nacido en Melbourne, vive en Nueva York, EEUU) que realiza fotografía de retrato y moda. Influenciado por grandes cineastas, sus imágenes de moda bellamente iluminadas consiguen transmitir un gran drama y la narración de historias. Es uno de los más reconocidos fotógrafos actuales de moda.

Iselin Steiro by Lachlan Bailey for Vogue Japan © Lachlan Bailey

Iselin Steiro by Lachlan Bailey for Vogue Japan © Lachlan Bailey

Biografía

Lachlan Bailey nació y se crio en Australia. Después de completar una licenciatura en Estudios deArtes en Cine y Medios, pasó los siguientes 12 meses trabajando en la industria del cine y en sus propios cortometrajes. Se fue involucrando cada vez más en la fotografía, tanto en lo comercial como en varios proyectos personales. Esto lo llevó a su decisión de regresar a la universidad, donde obtuvo una licenciatura en fotografía en uno de los cursos más prestigiosos de Australia.

En 2001, se trasladó a Londres, y después de pasar varios años como asistente de varios fotógrafos de moda de alto nivel, empezó a trabajar por su cuenta en 2004. En 2008 se trasladó a Nueva York.

Lachlan es colaborador habitual de Vogue Japan, British Vogue, Vogue China, WSJ. Magazine, Dior Magazine, The Last Magazine, Muse, Harpers Bazaar EEUU, Twin Magazine e iD Magazine, trabajando para Arena Homme+, POP y Dazed and Confused. Actualmente colabora con un selecto grupo de editores de moda, como Jonathan Kaye, Jane How, Nancy Rhode y Sarah Ellison.

Su lista de clientes comerciales incluye Louis Vuitton, Burberry, Kert Geiger, Paul Smith Fragrance y Aveda. También ha realizado campañas de publicidad para grandes marcas como Chloe, H & M, Emporio Armani, Calvin Klein, DKNY, Tommy Hilfiger, Avon, Audi, Burberry, Ebel, Endless y muchas otras.

Bailey ha fotografiado a famosas como Kim Kardashian, Victoria Beckham, Margot Robbie y Emilia Clarke, además de a las mejores y más famosas modelos.

Referencias

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Sam Nzima

June 15, 2018, 11:00 pm
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Sam Nzima fue un fotógrafo sudafricano (nacido el 8 de agosto de 1934 en Lillydale una pequeña ciudad de Bushbuck Ridge, en la provincia de Limpopo, fallecido el 12 de mayo de 2018 en Nelspruit) conocido por haber realizado una de las fotos más icónicas de la historia, que hizo visible al mundo de forma gráfica la brutalidad de la opresión del apartheid en Sudáfrica.

© Sam Nzima

© Sam Nzima

Biografía

Masana Samuel Nzima nació en la ciudad de Lillydale. Su padre trabajaba como peón para un granjero blanco. Sam se interesó por primera vez en la fotografía cuando su maestro le mostró su cámara y cómo usarla. Estando en la escuela, se compró una cámara y comenzó a hacer fotos en el Parque Nacional Kruger. Después de nueve meses de trabajar en la granja y muy presionado por el amo, huyó a Johannesburgo donde encontró trabajo como jardinero. Mientras trabajaba, completó sus estudios.

En 1956, Nzima encontró trabajo como camarero en el Hotel Savoy, donde el fotógrafo Patrick Rikotso le enseñó habilidades fotográficas y Sam empezó a hacer retratos de los trabajadores. Mientras trabajaba en el Hotel Chelsea comenzó a leer en el periódico The Rand Daily Mail los artículos de Allister Sparks y se interesó en el fotoperiodismo.

Tras enviar un texto y fotografías sobre viajes en autobús al The World, un periódico africano negro, consiguió trabajar para este medio, primero como freelance y a partir de 1968 a tiempo completo.

El 16 de junio de 1976 la policía se enfrentó a estudiantes que protestaban en Soweto por la obligación de aprender en afrikáner y comenzó a disparar munición real contra ellos. Nzima comenzó a correr huyendo pero después se dio la vuelta y realizó 6 fotografías de Hector Pieterson herido de muerte a sus 13 años llevado en brazos por Mbuyisa Makhubo con su hermana Antonieta Pieterson al lado de ellos.

Después de que The World publicara la foto al día siguiente, Nzima se vio obligado a esconderse de la policía de seguridad. Regresó a su ciudad natal Lillydale, donde la policía lo mantuvo bajo vigilancia impidiéndole dejar esta ciudad.  Cuando The World fue cerrado por el gobierno en 1978, los periódicos Daily Mail y The Star pidieron a Nzima que trabajara para ellos, pero él se negó por miedo a ser asesinado.

Nzima obtendría los derechos de autor de su fotografía, después de muchos años de intentos, cuando el Argus Newspaper Group, que era dueño de The World, fue vendido al Independent Group. Times Magazine considera que la famosa imagen de Nzima es una de las 100 más influyentes imágenes de todos los tiempos

Hasta su fallecimiento, vivió en Lillydale, donde dirigió una escuela de fotografía. Sirvió en los consejos del municipio de Lillydale y del distrito de Bohlabela. En 2011 Nzima fue galardonado con la Orden de Ikhamanga de Sudáfrica en bronce, que honra a los sudafricanos que se destacan en las artes, la cultura y el periodismo.

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Kalle Gustafsson

June 16, 2018, 11:00 pm
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Kalle Gustafsson es un director de cine y fotógrafo sueco (nacido en 1980 en Lund) cuyo arte radica en el manejo que hace de la luz y en la opacidad que consigue, con un tratamiento de colores muy difuminados, consiguiendo un envejecimiento de las imágenes que nos sitúa entre el sueño y la realidad. Crea un mundo clásico a la manera de los fotógrafos de los años 60 y 70, lleno de romanticismo, encanto y elegancia.

© Kalle Gustafsson

© Kalle Gustafsson

Biografía

Kalle Gustafsson fue a escuelas de música cuando era joven, pero no tuvo la suficiente capacidad de atención para aprender a tocar un instrumento musical con éxito. Como su padre tenía una agencia de viajes, pudo visitar los Alpes varias veces y empezó a hacer fotos, entusiasmándose a veces y gastando en un instante todos los carretes de llevaba su madre para todo el viaje.

Estudió cine en Sídney, Australia, y fotografía en París. Asumió todo tipo de trabajos, y terminó trabajando durante 18 meses como asistente de un fotógrafo sueco. Después de varios trabajos independientes, decidió crear su propio sitio web, mientras que la experiencia de sus estudios en Francia le llevó a la fotografía de moda. Además, el tiempo que pasó en la academia de cine en Sídney le condujo a contar historias.

Hoy es un experto en la captura de momentos cinematográficos cargados de ambiente y es conocido en todo el mundo por su trabajo en la fotografía de moda, como lo muestra su amplio portafolio. Kalle tiene una impresionante lista de clientes que incluye a Paul Smith, Gant y Orient Express, junto con clientes editoriales como GQ y Marie Claire, para los que realiza tanto fotografía fija como en movimiento.

La mayor parte de su obra gira en torno a la moda, con fotografías que son modernas pero que, al mismo tiempo, evocan el pasado. El grano de cada imagen tiene una textura suave que nos retrotrae a la ola de nostalgia de los 70.  Influenciado por las tendencias de diseño escandinavo, su estilo característico suele ser muy sencillo, minimalista y natural. La mayoría de sus tomas tienen una calidad cinematográfica muy especial, con amplias vistas abiertas e iluminación crepuscular. Usando un estilo retro antes de que se pusiera de moda, su fluidez casual y su estilo natural y gracia hace que sus modelos parezcan relajados y hermosos de una manera completamente natural, gracias al empleo de la luz suave y natural y del ambiente bueno y relajado que trasmite a todo el equipo.

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Mankichi Shinshi

June 17, 2018, 11:00 pm
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Mankichi Shinshi es un fotógrafo japonés (nacido en 1984 en Oita, vive y trabaja en Nagoya) que realiza fotografía de calle principalmente de personas solitarias, intentando registrar la apariencia real de la gente y las cosas dentro del espacio urbano.

© Mankichi Shinshi

© Mankichi Shinshi

Biografía

Mankichi Shinshi es un fotógrafo callejero y documental con sede en Japón. Comenzó a hacer fotografías en 2013 con un estilo autodidacta, tras comprar una cámara de sistema sin espejo por sugerencia de un amigo. Debido a su horario, caminaba y hacía fotos a medianoche de calles sin gente, pues lo que quería era practicar.

Pero hoy en día ya no le interesa esto y sale a la luz del sol para buscar el olor de la gente, principalmente en Asia: Japón, China, Taiwán, Hong-Kong, Corea, Tailandia, …  registra la apariencia de las personas, las cosas y los espacios tal como son. Sin embargo, no es su propósito revelar ningún hechos objetivos ni la verdad. Es una consideración de la forma de confrontar escenas (de la sociedad en general), que cualquiera puede ver desde su mirada individual.

Su estilo de fotografía es "no organizado" y "en público". Camina solo y hace fotos instantáneamente cuando algo le gusta o lo siente. No importa si hay humanos o no. Lo más importante es que haya una historia interesante. Por supuesto, la gente, los animales, las plantas, los edificios, la publicidad, los vehículos y las señales,  … todo tiene la posibilidad de ser un elemento de la historia. Además, no es importante que la imagen sea hermosa o no. La belleza es solo una parte del todo. No busca belleza en la calle, sino relaciones interesantes.

Lejano a la conocida escena callejera japonesa Provoque, al final, su foto de calle se convierte en un documental de nuestra vida humana común y del impacto egocéntrico puede verse como una apariencia de la naturaleza moderna, mostrando escenas de la naturaleza hecha por el hombre, como campos de hierba bien cortados, y plantas solitarias en espacios modernos colocados junto a objetos de la sociedad moderna, incluidos automóviles, edificios de hormigón y escaleras mecánicas al aire libre. Shinshi representa la interacción de la sociedad moderna y la naturaleza, pero también quiere hacernos comprender cuán diferente es esta naturaleza moderna: domesticada y extremadamente organizada.

Mankichi ha sido galardonado en numerosos concursos de fotografía de calle.

Referencias

Libros

  • The Best of LensCulture, Vol. 1 – International (Varios).
  • JP_EN ISSUE.4 (Varios).
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Chris Moxey

June 18, 2018, 11:00 pm
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Chris Moxey es una fotógrafa inglesa (nacida en Brighton, en la costa de Sussex, vive en Londres) que realiza principalmente fotografía de calle, pero también disfruta de hacer fotos de cosas extrañas que encuentra en sus viajes por el Reino Unido o EEUU, y también de escenas industriales a lo largo del estuario del Támesis.

ChrisMoxey

© Chris Moxey

Biografía

Chris Moxey se escapó de casa con 18 años para unirse a un circo pero no le admitieron y terminó trabajando en el comercio de libros durante muchos años. Más tarde, sus estudios de reprografía gráfica en el London College of Printing incluyeron la fotografía y se compró su primera cámara, una Praktica MTL3. En casa, en su sótano, revelaba y positivaba su propia película en blanco y negro, utilizando una bolsa de basura para bloquear la luz de la puerta. Todavía recuerda lo emocionada que estaba con ese proceso. Tuvo que hacer fotografías porque era necesario para después revelar y positivar. Disfrutó de la fotografía durante unos años más antes de que otros intereses la distrajeran y no volviera a usar su cámara de una manera seria unos veinte años.

Trabajó en la venta de libros durante unos años y luego estudió Ingeniería Electrónica, encontrando empleo en la BBC, primero haciendo páginas web en html, luego en el departamento de medios digitales, y finalmente como asistente de producción en el sitio web de BBC Health. Hace unos diez años, cogió una excedencia voluntaria y se metió de nuevo en la fotografía digital principal pero no exclusivamente.

Nacida en Brighton, siempre gravita hacia el mar, donde quiera que esté, así que es normal que parte de sus proyectos estén relacionados con la costa. Le viene bien porque la costa atrae a una multitud transitoria y no hay escasez de “material” que fotografiar. Sus fotos de la costa no son todas de Inglaterra, pero todas tienen una sensación muy inglesa. Sus influencias son Tony Ray-Jones o David Hurn, más que Martin Parr, pero siempre en color. A veces las personas que fotografía se ven como personajes en una obra de teatro, sin que necesite dirigirlas. Parecen que saben exactamente dónde Chris quiere que estén.

La fotografía callejera siempre será su primer amor, pero también es una fanática de la fotografía topográfica (paisajes creados o "alterados por el hombre") y particularmente le gusta el trabajo de Henry Wessel y Wim Wenders. Disfruta mucho el paisaje americano., porque le gusta que haya mucho espacio y su infinita variedad, y cómo se puede conducir millas y millas. Además, siguiendo con su interés en la arquitectura, comenzó a hacer fotos de casas y bungalós, con especial interés por las diseñadas por el arquitecto C20th, de la década de los años 30 y de la posguerra, y modera varios grupos de arquitectura en Flickr.

Pero fotografiar en la calle es lo que más disfruta, observando a las personas mientras que realizan sus actividades diarias. Rara vez interactúa con sus modelos, prefiriendo buscar esos momentos de descuido, y sintiendo el momento en que alguien comienza a plantear cambios dinámicos interesantes de capturar.

De 2012 a 2017 fue editora asistente de la revista fLIP y es miembro de London Independent Photography. En 2017, fue entrevistada en On the Edge of the Sidewalk, una serie de Siri Thompson en la que los fotógrafos de calle hablan sobre su trabajo que no es de fotografía callejera. También fue entrevistada en 2016 para el grupo Street & Repeat en Flickr y en el London Independent Photography en 2008.


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Libros

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Lee Towndrow

June 19, 2018, 11:00 pm
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Lee Towndrow es un artista visual y fotógrafo canadiense (reside en Ciudad de Nueva York) que realiza imágenes finamente elaboradas, crea ideas y trabaja con personas para hacer que esas ideas se hagan realidad. Con su pensamiento innovador y su capacidad de resolución de problemas consigue presentar a las personas experiencias notables y originales.

LeeTowndrow

© Lee Towndrow

Biografía

Lee Towndrow comenzó su carrera como diseñador y fotógrafo en una firma de diseño que fundó. La firma fue muy conocida por crear la portada de álbumes de prominentes bandas canadienses como Sloan, The Flashing Lights, The Inbreds y Michelle McAdorey.

Después se convirtió en un artista de Flame en TOPIX Computer Graphics, donde creó efectos visuales y diseño para comerciales de televisión, videos musicales y largometrajes.

De 2004 a 2005 vivió en Buenos Aires, donde trabajó con Roberto Jacoby, m7red center, fr: Raumlabor Berlin,  Kiwi y Cecilia Sainz y Eugenia Herrera en instalaciones de arte conceptual como Proyecto Venus, Cuarto oscuro y ArteBA.

Lee ha trabajó como director de fotografía en tres largometrajes Going Clear: Scientology y Prison of Belief, Teenager Hamlet e Ivory Tower, que recibió una mención especial en el Festival de Cine Internacional de Lucarno en Suiza. También ha fotografiado videos musicales para The National, Born Ruffians, Junior Boys y The Great Lakes.

Con Flame y Smoke ha creado efectos visuales para la película Carol y para campañas publicitarias de BMW, HONOR NYC, Morgan Stanley, TD Bank, …

Tras su regreso a Nueva York se convirtió en un galardonado fotógrafo (TIME Magazine, Fast Company) y cinematógrafo (HBO's Going Clear, Ivory Tower). Ha fotografiado a Lena Dunham, Martin Amis, Dan Brown, Michael Chabon y Sheila Heti, entre otros. Su obra ha sido publicada en Time Magazine,  The Paris Review, Das Magazin, …

Su estilo es personal, con ambientes coloridos e individuos extravagantes, que hacen que sus fotografías sean siempre soñadoras y extrañas, presentando paisajes inusuales y una improbable reunión de personas, expresándose a través del lenguaje facial, el estilo de la ropa y otros elementos icónicos, incluida la postura y la ubicación dentro de una escena específica. La mayoría de sus imágenes hacen eco de una sensación retro, en contraste con una sensibilidad y un toque muy modernos.

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Luis León Masson

June 20, 2018, 11:00 pm
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Luis León Masson fue un fotógrafo francés afincado en Sevilla, España (nacido el 31 de julio de 1825 en Tours, fallecido después de 1881 en Sevilla) que fue uno de los más destacados fotógrafos que trabajara en España en las primeras décadas de la fotografía. De su actividad como fotógrafo destaca su obra topográfica sobre el patrimonio arquitectónico y paisajístico de ciudades andaluzas, principalmente de Sevilla, además de importantes aportaciones de otras ciudades castellanas, así como sus reproducciones de la obra pictórica de Murillo.

Plaza San Francisco, Sevilla. Foto de Luis León Masson

Plaza San Francisco,  Sevilla.  Foto de Luis León Masson

Biografía

Louis François Leon Masson y Besneé españolizó su nombre a Luis Masson cuando se instaló en Sevilla, en 1858, acompañado de su esposa Lorenza Simonin Berard, colaboradora en sus trabajos fotográficos. Fue el primer fotógrafo que realizó fotografías de difuntos en formato tarjeta de visita en la capital hispalense. También documentó las corridas de toros.

En la capital andaluza regentó diferentes estudios de forma intermitente hasta la década de 1880.  Durante este tiempo realizó toda clase de actividades fotográficas, desde trabajos de estudio a vistas estereoscópicas y álbumes comerciales. Su trabajo y su obra han sido y continúan siéndolo muy desconocidas en el conjunto de la historia fotográfica española, a pesar de haber realizado un importante conjunto de vistas y paisajes monumentales de la España de su tiempo.

Durante los siguientes ocho años realizó un gran número de fotografías de la ciudad, centrándose sobre todo de sus grandes monumentos, como el Alcázar, la Catedral o la Casa de Pilatos, además del Palacio de San Telmo en atención al Duque de Montpensier con quien enseguida estableció una notable relación clientelar, tal y como lo demuestra el álbum fotográfico que les dedicó, con 37 fotografías de vistas de Sevilla, Granada y Málaga.

Trabajó con el negativo de papel y colodión húmedo, que positivaba en copias en papel a la sal y a la albúmina. Hacia 1850 viajó por la península y realizó una de las primeras colecciones de vistas estereoscópicas de albúmina sobre cartulina de ciudades como Córdoba, Granada, Málaga, Gibraltar y Toledo, además de Sevilla.

A finales de 1858 centró su trabajo en el retrato. Obtuvo menciones honoríficas en la Exposición Universal de Londres de 1862 y en la exposición de 1863, organizada en Londres por la London Photographic Society.

En 1866 se trasladó a Madrid donde permaneció un breve periodo, desplazándose también a Toledo, Ávila, Valladolid, Salamanca o Burgos, ciudades de las que ha legado un interesante conjunto de imágenes. Sin embargo se conjetura con que estuviese en la capital cumpliendo algún encargo del duque de Montpensier que optaba por la corona española, que finalmente fue para Amadeo I de Saboya. Regresó a Sevilla a finales de la década de 1870 para desaparecer definitivamente en 1881. Tras su muerte, su esposa (conocida en Sevilla como La señora de Luis) regentó este gabinete hasta su cierre.

Se han identificado más de 500 fotografías de este autor (se cree que realizó unas 800 en toda su vida), todas ellas realizadas en España. Su obra está depositada principalmente en la Bibliotheque National de France, en el Victoria & Albert Museum, en la British Library, en la Societé Française de la Photographie o en el Museo de la Universidad de Navarra, además de en colecciones privadas como la perteneciente a los herederos del Duque de Montpensier o en la Colección Fernández Rivero donde hay depositadas más de 250 piezas originales del fotógrafo, obras que han contribuido enormemente a establecer la importancia del autor, además de haber logrado precisar una biografía del personaje hasta ahora desconocida.

Sus imágenes están consideradas obras esenciales de la historia de la fotografía durante el periodo prepictorialista, pero han permanecido ocultas al gran público. Recientemente fueron objeto de una muestra-homenaje celebrada en el Museo Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) durante la Primavera Fotogràfica de Catalunya de 2004. Su obra fue reproducida en el nº 12 de la revista PhotoVision y en el catálogo de la exposición De París a Cádiz: calotipioa y colodión. En 2018 PhotoEspaña expone sus obras en el Lázaro Galdeano.

Referencias

Libros

  • Album Fotografico Sevillano, Dedicado à SS. AA. RR. los Sermos. Sres. Infantes Duques de Montpensier, 1855.
  • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
  • Descubriendo a Luis Masson, fotógrafo en la España del XIX, 2017.
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Charo Díez

June 21, 2018, 11:00 pm
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Charo Díez es una fotógrafa española (nacida en Burgos, vive en Madrid) cuya fotografía, principalmente en blanco y negro tiene actualmente como motivo principal, casi único, a sus dos hijos.

© Charo Diez

© Charo Diez

Biografía

Charo Díez es castellana: nació en Burgos, vivió en un pueblo de la provincia de Palencia y con 18 años se fue a Valladolid a estudiar  la carrera, una ingeniería técnica. Por motivos laborales se trasladó a Madrid donde lleva viviendo ya más de 20 años. Trabaja en una conocida empresa de telecomunicaciones, y todo su tiempo libre lo dedica a sus hijos, y a su fotografía.

Lleva casi 20 años llevando cámaras en su mochila, y ha jugado con todo tipo de disciplina fotográfica: retratos, viajes, paisajes, detalles, documental, artística… aunque ahora mismo el objeto principal de sus fotografías son sus dos hijos. Charo tiene una magnífica forma de capturar la infancia, con su visión única y cautivadora. Siempre es importante recordar que somos parte de este viaje fotográfico tanto como nuestros hijos y será a través de nuestros ojos cómo ellos se verán en el tiempo a través de sus recuerdos capturados  cuando sean mayores.

Tras 15 años con todo tipo de cámaras de película: telemétricas, medio formato, réflex analógicas, lomo, compactas, …cuando nació su primer hijo ya no encontraba tiempo para revelar y escanear los negativos y fue entonces cuando entró de lleno en las réflex digitales, para cambiar a las cámaras sin espejo. Ahora ya en el mundo digital, sigue editando la mayor parte de sus fotografías en blanco y negro.

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Henrik Knudsen

June 22, 2018, 11:00 pm
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Henrik Knudsen es un fotógrafo danés (nacido en Dinamarca en 1967, vive y trabaja en Londres y Nueva York) que nos cuenta historias mediante imágenes, realizadas con una mirada que evoca al cine. La calma, la tranquilidad y los tonos fríos, son conceptos que maneja para retratar una realidad que se aleja a lo ritmos rápidos que se manejan en la actualidad.

© Henrik Knudsen

© Henrik Knudsen

Biografía

Henrik Knudsen nació en Dinamarca y estudió ciencias de la computación y matemáticas, pero lo dejó para graduarse en fotografía en el Art College y trasladarse a Londres en 1992. Después de una temporada como asistente de un fotógrafo en esta ciudad, estableció su negocio de fotografía y trabaja en Londres y Nueva York. Es un fotógrafo editorial y publicitario de reconocido prestigio.

Su uso emotivo de la luz está inspirado en su interés por las películas y el cine. Le gusta mezclar luz natural y artificial, siempre con el objetivo de contar historias de personas y su entorno. Sus imágenes a menudo cubren áreas urbanas, edificios y otros espacios amplios. Se decanta por la fotografía de calle o pseudo-documental y no hay una foto que no lleve asociada una historia, algo más para el que mira con calma.

Su lista de clientes incluye a Canon, Nokia, Volkswagen, Samsung, Bombay Sapphire, Virgin HMI, BT, McDonald's y HSBC, así como revistas como The Smithsonian, Elle Decoration, Der Spiegel y Destinations. También ha rodado muchas campañas solidarias y proyectos para varios departamentos del gobierno del Reino Unido.

Henrik ha ganado numerosos premios en los últimos años, incluyendo los de la Association of Photographers, PDN, American Photography, Art Director’s Club y Campaign. También ha sido finalista en el Premio de Retrato Fotográfico de la National Portrait Gallery.

Actualmente divide su tiempo de fotografía profesional entre Londres y Nueva York, pero viaja mucho en su tiempo libre trabajando en proyectos fotográficos personales.

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    Juan Aldabaldetrecu

    June 23, 2018, 11:00 pm
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    Juan Aldabaldetrecu es un fotógrafo vasco (nacido en Zarautz, Gipuzkoa, en 1960, vive en Madrid) que está considerado uno de los fotógrafos de moda más importantes de España. Durante su carrera ha desarrollado su propio estilo personal, fresco y contemporáneo al mismo tiempo, sin utilizar demasiados retoques digitales, para que las imágenes no pierdan su "alma" y se vean más reales.

    © Juan Aldabaldetrecu

    © Juan Aldabaldetrecu

    Biografía

    Juan Aldabaldetrecu nació en el País Vasco pero comenzó su carrera en Zaragoza, después de realizar algunos cursos de fotografía, entre ellos un curso básico de fotografía en la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza que le llevó a interesarse por esta disciplina en el campo de la moda y el retrato. Allí abrió un pequeño estudio y comenzó a hacer fotografía para diseñadores locales. Algunos años después, hacia 1988, se mudó a Madrid para presentar su portfolio a las revistas de moda más importantes.

    Después de haber trabajado para varias revistas de moda y belleza como Vogue, Vanidad, GQ, Woman and Men's Health, ahora fotografía exclusivamente para Elle Spain, publicando todos los meses. También ha realizado por casi tres años las fotos de Belcor y colabora con las revistas Yo Dona, Go Spain y XL.

    Uno de sus trabajos más afamados fue el que realizó en 2009 para una edición especial de la revista Elle, donde inmortalizó algunos de los rostros más famosos del mundo de la moda y el cine del país (Elsa Pataki, Paz vega, Martina Klein, Judit Mascó, ...) que posaron para el fotógrafo sin maquillaje ni retoques. Destacan igualmente sus retratos de Carlos Fuentes (2006), Eva Mendes (2008) y Eduardo Noriega (2007). 

    Como parte de sus trabajos editoriales, realiza encargos para algunas de las marcas más prestigiosas como Punto Blanco, Luis Mercader, Cadillac, Kia, Chrysler, Pedro Miralles, Gala, Vitesse, Mango, Cortefiel, Calzedonia, Baume & Mercier, Brunella, Victorio y Lucchino, Pedro del Hierro, Belcor, Codorníu, El Corte Inglés, Emilio Pucci y Ericsson.

    Su trabajo ha sido expuesto en diversas ocasiones, como la muestra celebrada en la sala Serapio Carreño de Madrid  en 1998, y su más reciente participación en la colectiva Lo que llevo dentro, que pudo verse en la Galería Fernando Pradilla de Madrid en 2011.

    Referencias

    Libros

    • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
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    Yuri Yasuda

    June 24, 2018, 11:00 pm
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    Yuri Yasuda es un fotógrafo japonés (nacido en 1980 en Nagoya, prefectura de Aichi) que desarrolla una variedad de proyectos que incluyen fotografiar bebés y niños, bodegones, comerciales, comida y moda. Su trabajo proporciona una sensación de calma y minimalismo.

    © Yuri Yasuda

    © Yuri Yasuda

    Biografía

    Yuri Yasuda se graduó en la Universidad Meiji Gakuin en 2003, y posteriormente trabajó en Art Plaza Studio. Estudió con Kazunari Tajima en 2005 y comenzó su carrera como fotógrafo independiente en 2008. En la actualidad su nombre forma parte de muchas listas sobre los mejores fotógrafos actuales y de los que tienes un portafolio en línea más interesante y minimalista.

    Un ambiente ecléctico y misterioso es un factor importante en muchas de sus obras. En cierto modo, el espectador puede llegar a ver una parte del artista dentro de su fotografía. Sus colores y ángulos inconfundibles son parte de esta energía que está presente en las imágenes, así como el contraste interesante y visualmente atractivo entre lo antiguo y lo nuevo, lo tradicional y lo moderno, lo clásico y lo tecnológico.

    Además, Yasuda agrega cierta cantidad de surrealismo a sus fotografías, a través del maquillaje y otras herramientas. Sus proyectos comerciales incluyen fotografiar bebés y niños, bodegones, comerciales, comida y moda. Su trabajo proporciona una sensación de calma y minimalismo muy fácil de ver.

    Es popular en Japón por su libro titulado A Treasury of Japanese Folktales, que trata de la cultura y la tradición japonesa, y no de fotografía.

    Referencias

    Libros

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    Danny Wilcox Frazier

    June 25, 2018, 11:00 pm
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    Danny Wilcox Frazier es un cineasta y fotógrafo documentalista (nacido en LeClaire, Iowa, vive en Iowa City) que enfoca su trabajo en comunidades marginadas tanto dentro como fuera de los Estados Unidos. Frazier ha fotografiado a personas que luchan por sobrevivir al cambio económico que ha devastado comunidades rurales en todo Estados Unidos, incluso en su estado natal de Iowa. Su trabajo reconoce el aislamiento y la negligencia, al mismo tiempo que celebra la perseverancia y la fuerza.

    DannyWilcoxFrazier

    © Danny Wilcox Frazier

    Salgo a la carretera y sigo la fotografía ... a donde sea que llegue es donde se supone que debo estar. Me encanta vivir así.

    Biografía

    Danny Wilcox Frazier comenzó su camino por la fotografía con los requisitos prácticos para cualquier persona que quiera dedicar su vida al fotoperiodismo: una gran pasión por los viajes y una aguda sensación de querer marcar la diferencia. Dejó su ciudad natal y se dirigió a Kenia para vivir la vida de un fotoperiodista internacional.

    Durante lo que se suponía sería una pausa temporal en una vida llena de aventuras fuera de casa, llegó a Rockwell City, Iowa, con un encargo para Mother Jones. Allí se encontró con un pueblo semiabandonado donde se podía sentir el olor de una muerte lenta y se dio cuenta de que nadie estaba hablando de estos pequeños pueblos y de los problemas de la América rural.

    En lugar de salir corriendo, ha realizado durante más de una década una serie de proyectos sobre este tema, fotografiando en todo el Medio Oeste, el corazón agrícola e industrial de América, comenzando en Iowa, su hogar, donde la marcha de los jóvenes ha llevado a muchas ciudades pequeñas al borde de la extinción. Perdidas y alienadas, estas comunidades parecen sepultadas en la oscuridad. Después de Iowa, su trabajo le llevó a otras dos comunidades en el Medio Oeste donde la pobreza sistémica y el sufrimiento son la norma: la Reserva de Pine Ridge, que tiene una larga historia de injusticia y negligencia, y es la región más pobre de los Estados Unidos, y Detroit, que es la única ciudad de América que ha visto crecer a su población por encima del millón de habitantes y luego decrecer enormemente. Al igual que en las zonas rurales de América, la despoblación pesa mucho en la economía de Detroit, la gran ciudad más pobre de EEUU.

    La próspera granja familiar del medio oeste ya no existe, después de haber sido estrangulada por la agricultura industrializada. Una economía cambiante, combinada con un estilo de vida pasado de moda que no se traduce de generación en generación, está alterando para siempre el panorama del campo americano y el trabajo de Frazier simplemente documentará estas comunidades antes de que se desvanezcan.

    Su trabajo es sobre el paisaje emocional, pero el paisaje físico también es importante, porque en la América rural, en las sociedades rurales en general, existe una conexión profunda con la tierra. En sus fotografías de Iowa, Frazier ha documentado a esas personas que continúan viviendo vidas tradicionales en comunidades rurales en todo el estado, gente desafiada económicamente pero a menudo inquebrantable en su convicción de quedarse.

    Este proyecto fue galardonado con el Honickman First Book Prize del Center for Documentary Studies y se publicó en 2007, exponiéndose ampliamente, como en Visa Pour l’Image en Perpiñán en 2007 y en el LOOK3: Festival of The Photograph en 2008. Después de completar el libro Driftless, dirigió y coprodujo con MediaStorm un documental que trata los temas destacados en estas fotografías. La película fue nominada para un Emmy en 2010 y ganó un Webby ese mismo año.

    Ha publicado en Mother Jones, TIME, GEO, The Sunday Times Magazine, Der Spiegel, Frontline (PBS), Newsweek, U.S. News & World Report, Life, People, Fortune, Forbes, BusinessWeek, The Washington Post Magazine,… y sus encargos le han llevado a Afganistán, India, Cuba, Uganda, Kenia, Tanzania, Nigeria, Costa de Marfil, Kosovo y México.

    Frazier ha conseguido numerosas becas y galardones, como Aaron Siskind Foundation, Individual Photographer's Fellowship (2016), Emergency Fund, Magnum Foundation (2016), The Aftermath Project (2009), Humanities Iowa, finalista en los W. Eugene Smith Grant de 2007 y 2008 y Stanley Fellowship for Graduate Research Abroad (2003).

    Sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas, incluyendo The Museum of Fine Arts en Houston, Philadelphia Museum of Art, George Eastman House International Museum of Photography and Film,la librería de colecciones especiales de la Duke University, Honickman Foundation y el Smithsonian National Museum of American History.

    Referencias

    Libros

    • Driftless: Photographs from Iowa, 2007.
    • Lost Nation.

    Sus fotografías han sido incluidas en numerosos libros como, por ejemplo:

    • MVP (The Millennium Villages Project), 2016.
    • Detroit: An American Autopsy, 2013.
    • War Is Only Half The Story, Vol. IV: The Aftermath Project, 2012.
    • burn.02, 2011.
    • Land - Country Life in the Urban Age, 2010.
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    Anne Hardy

    June 26, 2018, 11:00 pm
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    Anne Hardy es una artista británica (nacida en 1970 en St. Albans, vive y trabaja en Londres) cuya práctica artística abarca la fotografía, la instalación escultórica y el audio.

    Cipher © Anne Hardy

    Cipher© Anne Hardy

    Biografía

    Anne Hardy completó un master en fotografía en el Royal College of Art en 2000, después de graduarse de la Cheltenham School of Art en 1993 con una licenciatura en pintura.

    En su trabajo de instalación escultórica, Hardy construye entornos que se ciernen entre la representación y la abstracción. Sus fotografías son de estructuras cuidadosamente construidas, de conjuntos escultóricos de objetos encontrados y marcas hechas a mano. Los materiales que usa son a menudo objetos o basura que ha encontrado en mercadillos, tiendas de bricolaje e incluyen cornamentas, cables de colores brillantes, viejos árboles de Navidad, bombillas, balones de baloncesto estadounidenses, globos y utillaje científico de cristal, … y materiales de construcción. Tras fotografiarlas las destruye.

    Otras características en su trabajo son las placas de yeso sin pintar en las paredes de las habitaciones y el sellador de espuma visible. Su obra Lumber (2003), por ejemplo, refleja una habitación descuidada que alberga montones de viejos árboles de Navidad que se han escondido del mundo y se han ido deteriorando.

    Aparte de en sus dos monografías, su trabajo se ha publicado en libros como Vitamin PH: New Perspectives in Photography en 2006 y The Photograph as Contemporary Art, así como revistas como Dazed & Confused, The Guardian, Photography Now, Tank y Art Review.

    En 2007, el Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres exhibió su obra Untitled IV (balloons) y compró esta imagen para su colección. En 2007, tres de sus obras Booth (2006), Untitled IV (balloons) (2005) y Close Range (2006), fueron expuestas en el 52º Festival Internacional de Arte de la Bienal de Venecia. En 2008 tuvo su primera exposición individual en Estados Unidos en Nueva York en la Bellwether Gallery, y su trabajo se mostró en la Bienal de Helsinki. En 2012 expuso individualmente en la Secession de Viena y publicó su primera monografía para acompañar a la exposición. En 2014 Kunstverein Freiburg organizó una exposición individual de Hardy que comprendía una gran instalación escultórica con audio, así como obras fotográficas. En 2014/5 su instalación escultórica Two Joined Fields se incluyó en la exposición Mirrorcity en la Hayward Gallery de Londres, junto con seis grandes estructuras fotográficas en las terrazas de las esculturas de Hayward. En 2015 realizó una exposición individual en The Common Guild en Glasgow. En 2018 ha expuesto en Maureen Paley de Londres, Falling and Walking (phhhhhhhhhhh phosshhhhhcrrhhhhhzzz mn huaooogh) en Leeds Art Gallery y Sensory Spaces #13 en el Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

    En 2011 fue artista residente en el Camden Arts Centre de Londres y en 2014  en el Studio de Modern Art Oxford.Anne Hardy está representada por Maureen Paley de Londres.

    Referencias

      Libros

      • Anne Hardy: File Note Camden Arts Centre, 2011.
      • Anne Hardy – Secession, 2012.
      • Anne Hardy - TWIN FIELDS, FIELD, 2016.
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      Manuel Falces

      June 27, 2018, 11:00 pm
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      Manuel Falces fue un fotógrafo español (nacido en Almería en 1952, fallecido también en Almería el 6 de enero de 2010), considerado una de las grandes referencias de la fotografía contemporánea española, perteneciente a la generación de fotógrafos que provocó la contestación y ruptura en las postrimerías del Franquismo. Fue fundador del Centro Andaluz de la Fotografía, entidad pionera en España.

      ManuelFalces

      Las ciudades. Campos de Níjar. Almería, 1990© Manuel Falces

      Biografía

      Manuel Falces López se licenció en Derecho por la Universidad de Granada. Alrededor de 1970 comenzó a interesarse por la fotografía y desde entonces compaginó labor artística, crítica y docente, siendo profesor de Técnica y Estética de Fotografía en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Dirigió los seminarios La fotografía inventada en 1991 y Las palabras de la luz en 1993, en el marco de los Cursos de Verano de esta Universidad. Colaboró en la revista Nueva Lente con la que compartió diversos presupuestos creativos. Fue responsable del Proyecto Imagina (1990-1992), que fue origen del Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) que Falces fundó y dirigió desde 1992 hasta 2005. Ha sido crítico de fotografía del diario El País desde sus primeros números, publicando en él numerosos artículos.

      Su trabajo de investigación se ha centrado en la teoría, la práctica y la historia de la fotografía, especializándose en la fotografía de arquitectura y el realismo fantástico. Desde 1974, realizó un amplio trabajo de recopilación de interiores y tipologías arquitectónicas. Se ocupó también de la interacción de la fotografía con otros lenguajes y, desde mediados de los ochenta, trabajó en la digitalización de imágenes. Fruto de su interés en la relación que mantienen las obras de arte con el espacio es su ensayo A propósito de arquitectura y pintura, en el que estudia la integración de las obras de Antonio Saura, Miquel Barceló, Luis Gordillo, Lucio Muñoz, Albert Ráfols-Casamada y Jordi Teixidor, entre otros, en la arquitectura contemporánea.

      Falces desarrolló una intensa labor creativa, participando en diversas exposiciones individuales y colectivas, como, entre otras, la Exposición Mundial de Fotografía del Kunsthalle en Colonia, como representante de la revista Nueva Lente en 1976, Fotografía Española Contemporánea en París en 1977, International Museum of Photography and Film en la George Eastman House en Rochester, Nueva York, Museo Español de Arte Contemporáneo, IX Encuentros de Arlés en 1978, IVAM en Valencia en 1988, El tránsito 1970-1990 en el Museo de Arte Contemporáneo en Sevilla en 1990,  Proyecto Cuatro Direcciones en el Museo Nacional del Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) en Madrid en 1991, Les deux éveils de l´Espagne en 1992 y Fotografía española, un paseo por los 90, mostrada por el Instituto Cervantes durante 1996 en Lisboa, Londres, Milán, Atenas y Berlín, entre otras ciudades.

      En 2005/6 representó a Andalucía en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara en México con la exposición José Ángel Valente: Para siempre la sombra. En 2007 durante el año de España en China (Shanghái), expuso su obra realizada con una Polaroid gigante. En 2008 expuso Almería-Venecia (LEI-VNC) en Venecia  en 2009 en el Palacio de Mocenigo y realizó el libro Las catedrales del agua con motivo de la Exposición Universal de Zaragoza. En 2009 expuso en el Centro de Arte Museo Almería (CAMA) la colección Cabo de Gata.La Memoria y la luz.

      Referencias

      Libros

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      Deloss Barnum

      June 28, 2018, 11:00 pm
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      Deloss Barnum fue un fotógrafo estadounidense (nacido en 1825, fallecido el 7 de octubre de 1873 en Cortland, Nueva York) que realizó daguerrotipos y fotografías estereoscópicas.

      Inauguration of the Webster statue, by Deloss Barnum

      Inauguration of the Webster statue, by Deloss Barnum

      Biografía

      Deloss Barnum realizó su oficio de fotógrafo en Nueva York y Boston, Massachusetts, a mediados del siglo XIX. Hacia 1857 mantuvo un estudio de daguerrotipo en Winter Street en Boston, mudándose a Commercial Street en 1858. En 1856-1860 vivió en Roxbury.

      Registró eventos públicos, como la inauguración de la estatua de Daniel Webster en 1859 y la visita del príncipe de Gales en 1860, así como edificios de Boston, las cataratas del Niágara, Saratoga, West Point, Lake George, monumentos como el cementerio de Greenwood. Participó en la exposición de 1860 de la Massachusetts Charitable Mechanic Association.

      Durante su carrera fue mencionado por varios nombres variantes: D. Barnum,  Deblois Barnum, Delos Barnum, DeLos Barnum y Deloss Barnum.

      Se conservan en la actualidad algunas imágenes suyas que destacan por su claridad y delicadeza en la ejecución, buena parte de las cuales son fotografías estereoscópicas.

      Referencias

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      Charles Mauzaisse

      June 29, 2018, 11:00 pm
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      Charles Mauzaisse fue un fotógrafo francés (nacido en París en 1823, fallecido probablemente en Granada en 1885) precursor de la fotografía en Granada, comercializando colecciones de vistas de esta ciudad a los turistas de la época.

      Charles Mauzaisse

      Charles Mauzaisse

      Biografía

      Charles Mauzaisse fue hijo del pintor francés Jean-Baptiste Mauzaisse y es conocido por ser uno de los fotógrafos europeos afincados en Granada donde explotó de forma comercial la imagen de la ciudad a lo largo de varias décadas. Llegó a España en 1857, residiendo en diversas ciudades antes de fijar definitivamente su residencia en Granada en 1859.

      Aunque no fue el primer fotógrafo europeo establecido en Granada, si fue el que permaneció más tiempo y el primero que atisbó el rendimiento comercial de la imagen de la ciudad y sus monumentos, ofreciendo colecciones de vistas de Granada a los viajeros, así como retratos a la clientela local.

      Compuso una gran serie de imágenes fotográficas de Granada sobre todo de la Alhambra, lo más demandado por el turista. También realizó pintura y participó activamente en los círculos artísticos del momento, siguiendo con la tradición familiar. De su dispersa producción se conservan algunos álbumes, entre los que destacan el regalado a la infanta María de las Mercedes con motivo de su enlace con Alfonso XII, conservado en la Biblioteca del Palacio Real.

      Carlos Monneyen su recorrido por diversas ciudades de España, se asoció una temporada con Mauzaisse en Granada hacia 1866.

      Mauzaisse probablemente murió en Granada, a consecuencia de la epidemia de cólera de 1885, y su estudio pasó a ser regentado por un Rafael Garzón con tan solo 22 años, emparentado con él, que siguió fotografiando la Alhambra retratando a los turistas disfrazados de gitanos.

      Referencias

      Libros

      • Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.
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      Dimitris Theocharis

      June 30, 2018, 11:00 pm
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      Dimitris Theocharis es un fotógrafo griego-estadounidense (nacido el 15 de octubre de 1977 en San José, California, reside en Covent Garden, Londres, Inglaterra) que realiza innovadores retratos para moda, publicidad y fotografía de bellas artes.

      DimitrisTheocharis

      © Dimitris Theocharis

      Biografía

      Dimitris Theocharis nació en EEUU pero su familia regresó a Grecia cuando aún era un bebé. Creció en Chalcis, Grecia, y ha estado viviendo en el Reino Unido desde 1995. Estudió fotografía y artes digitales en la Universidad de Westminster y Bellas Artes en la Northumbria University de Newcastle.

      Su trabajo ha aparecido en muchas publicaciones como Vanity Fair, Harpers Bazaar, ELLE, Let Them Eat Cake, Wound Magazine, Schön y Vogue. En mayo de 2011, su fotografía de moda fue exhibida en Victor por Hasselblad, la principal revista fotográfica.

      Su experimentación rompe los límites de la fotografía de moda estándar al crear narrativas poéticas y únicas con un toque de nostalgia. Se inspira en su continuo cuestionamiento contradictorio sobre el condicionamiento cultural, los estereotipos, la mortalidad y la importancia de uno mismo dentro de la sociedad.

      Es considerado como uno de los fotógrafos de moda más innovadores de Londres y su nombre ha sido recientemente incluido en listas de los mejores fotógrafos del mundo. En los últimos años, Dimitris ha utilizado su trabajo para apoyar a una serie de organizaciones benéficas en Irlanda, el Reino Unido y Grecia. Cuando no está detrás de la lente de una cámara, a Dimitris le encanta viajar y pasa el mayor tiempo posible en California o haciendo senderismo por el Peloponeso.

      Ha expuesto en diversos espacios de proyectos experimentales en Londres y Nueva York, como VTO Gallery, Exit Art, Dragon y Box.  Ha realizado campañas para diseñadores líderes como Jacques Azagury e Inconditional.

      Referencias

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      Jaime Beechum

      July 1, 2018, 11:00 pm
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      Jaime Beechum es una fotógrafa estadounidense (vive en San Francisco, California) que realiza principalmente fotografía de viajes con imágenes envueltas en una luz muy suave pero llenas de fuerza y vida.

      © Jaime Beechum

      © Jaime Beechum

      Biografía

      Jaime Beechum realiza una fotografía que muestra su amor por el aire libre y la vida en plena naturaleza. Utiliza una Mamiya 7 en formato 6x7, y es el hecho de utilizar película lo que le permite conseguir ese color de la luz y las sutiles tonalidades que caracterizan su trabajo,  facilitándole atrapar momentos íntimos y maravillosos estados de ánimo. La iluminación es suave y cálida, mientras que sus imágenes están llenas de vida y optimistas, mostrando vistas naturales, imágenes que pueden definirse como fotografías de paisaje integradas con la vida humana.

      Su trabajo nos devuelve a la naturaleza tal como la vivimos en el presente, con nuestra presencia allí y el paisaje adaptándose a nosotros. Es naturaleza dinámica e interactiva. Es una hermosa mezcla de retratos y paisajes, mostrando que la intimidad en el aire libre puede significar muchas cosas: darse un chapuzón en el lago, salir a una aventura con raquetas de nieve o simplemente deleitarse con la belleza y compartirla con unos pocos amigos.

      Referencias

      Libros

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