Quantcast
Channel: Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red
Viewing all 2506 articles
Browse latest View live
↧

David Solomons

July 23, 2017, 11:00 pm
$
0
0

David Solomons es un fotógrafo inglés (nacido en 1965) muy conocido por su fotografía en las calles de Londres.

© David Solomons

© David Solomons

Biografía

David Solomons recuerda aún cuando su madre le regaló una cámara compacta de película 110 para su 14º cumpleaños. Era un modelo realmente básico con solo exposición automática y un flash incorporado. Le pareció que era genial, pero luego muchas de las fotos que hizo le salieron muy borrosas, quedando bastante decepcionado y dejó esta afición a los pocos meses, porque decidió que su dinero se empleaba mejor en comprar discos.

Unos años después consiguió un trabajo digno decidió conseguir una cámara adecuada, una Pentax Spotmatic F. Se emocionó con su nuevo juguete y sus fotos eran más nítidas, pero tampoco mucho mejores. Gracias a algunos compañeros empezó a hacer fotos mejores y después de un buen curso  de fotografía decidió vender todos sus discos y se compró una Nikon F801. Después se arrepintió de vender los discos y comenzó a comprar CDs, luego se pasó a la digital y vendió la mayor parte de sus CDs y todo su equipo Nikon.

Estudió fotografía documental en Newport entre 1993 y 1996. Durante este período él cambió de fotografiar sobre todo en blanco y negro al trabajo en color por el que es conocido principalmente. Su primer trabajo importante, Underground, que representa a personas que utilizan el metro de Londres, se completó durante sus estudios en Newport, pero se publicó después de quince años.

Ha publicado varios libros de fotos. Los dos primeros, Happenstance y Underground, fueron realizados principalmente durante la década de los 90. Up West fue realizado durante un período de doce años (2001-2013) en el West End de Londres.

Es miembro del colectivo de la fotografía de calle In-Public, al que se unió en 2008. Ha realizado varias exposiciones en el Reino Unido en solitario y numerosas en grupo. Tiene obra en el Museum of London.

Referencias

Libros

  • Underground, 2009.
  • Happenstance: Black and White Photographs: 1990–2007, 2009.
  • Up West, 2015.
  • M11 Link Road Protest, 2016.
Ha contribuido en:
  • 10–10 Years of In-Public, 2010.
  • London Street Photography 1860–2010, 2011.
  • The Street Photographer's Manual, 2014.
  • 100 Great Street, 2017.
↧
Search

Lidia Vives

July 25, 2017, 12:12 am
$
0
0

Lidia Vives es una fotógrafa catalana (nacida el 29 de enero de 1991 en Lleida) que realiza fotografía de moda, de bandas musicales y fotografía artística. Su trabajo se caracteriza por el entorno pictórico con el uso del color para ocultar secretos en sus fotos y darles una patina onírica.

© Lidia Vives

© Lidia Vives

Biografía

Lídia Vives estudió Bellas Artes y actualmente trabaja como fotógrafa de moda, de bandas musicales y en fotografía artística. Antes de ser fotógrafa pretendía dedicarse a la pintura, encaminando su vida hacia ello ya desde bien pequeña. Al empezar con la fotografía su primera intención fue hacer fotografía de moda o de publicidad. Después vio que no podía evitar pintar las imágenes con Photoshop y que poco a poco terminaban convirtiéndose en cuadros, casi óleos, que nada tenían que ver con la imagen original. Así fue como nació su estilo, juntar sus dos disciplinas artísticas favoritas.

Su trabajo se caracteriza por el ambiente pictórico, el uso del color y el carácter onírico que logra transmitir. Recurre a los cuentos tradicionales, los clásicos de la pintura, el universo onírico, los iconos pop y las obsesiones y fobias como fuentes de inspiración. Trata de reflejar escenas incompletas, a modo de fotogramas, de modo que sea el espectador quien construya la historia.  No quiere crear escenas, sino mundos nuevos.

Está representada por la galería fiftydots y patrocinada por Pentax y Sigma. Trabaja con las agencias fotográficas Vogue Italia, Arcangel y Trevillion.  También ha realizado colaboraciones con Pull My Strings, Love of Lesbian, Boutique Milnoucents, Javier Núñez, Amparo Chordá, La Tua Pelle Costura, El Costurero Real, Formentera Lady and Co.,  Conpasion Born, Lily von Schatten Couture y L'Arca. 

Referencias

Libros

↧
↧

Luis Corrales

July 25, 2017, 11:00 pm
$
0
0

Luis Corrales es un fotógrafo español (nacido en Sevilla, vive en Viena) que realiza fotografía de calle y urbana, compaginando un gran sentido del humor con un magnífico ojo fotográfico que le permite desarrollar también una fotografía seria y madura.

© Luis Corrales

© Luis Corrales

Biografía

Luis Corrales es sevillano pero desde el año 2003 vive en Viena (Austria), aunque en sus fotos ha plasmado la vida cotidiana de muchas ciudades europeas (incluida por supuesto su Andalucía natal y la capital austriaca) desarrollando una mirada propia sobre el mundo. Es un viajero que ha recorrido numerosos lugares y en su web se pueden ver series sobre el Báltico, Armenia, Georgia, Ucrania, Nueva York, Cuba o Andalucía.

Luis compró hace algo más de 10 años su primera cámara réflex digital, una Canon 400D, sin mayor pretensión que hacer fotos de su entorno algo más presentables que las que por entonces hacían las cámaras compactas. Se enganchó con la fotografía y tuvo la imperiosa necesidad de tener muchos objetivos, zooms, macros, focales fijas, lentes más luminosas, filtros de todo tipo y la certeza de que siempre debía cargar con todo el equipo en una inmensa mochila porque podía necesitar cualquier cosa en cualquier circunstancia.

En algún momento recuperó la sensatez, abandonó la fotografía digital vendiendo casi todos sus artilugios y descubriendo la magia de la fotografía química, de las antiguas cámaras analógicas y del revelado casero. Su proceso fotográfico se tornó más lento y reflexivo. Con el tiempo ha vuelto de nuevo a la fotografía digital, pero desde una visión más pragmática y desapasionada.     

Auténtico cazador de instantes extraordinarios, fotografía tanto en blanco y negro como en color y utiliza tanto cámaras analógicas como digitales y también el teléfono móvil, aunque su trabajo más personal es con película en blanco y negro. Para él la fotografía urbana incluye también los interiores de las casas y lugares. Ha publicado en revistas internacionales como International Street Photographer Magazine (EEUU), Bliza (Polonia) y Schwarzweiß (Alemania), fue finalista en The Miami Street Photography Festival en las ediciones de 2013 y 2014 y ahora mismo está centrado en la autoedición, de forma muy artesanal, del libro Cuaderno de nostalgias.

     

Referencias

Libros

↧

Nils Jorgensen

July 26, 2017, 11:00 pm
$
0
0

Nils Jorgensen es un fotógrafo danés (nacido en Copenhague en 1958, vive en Londres) que captura los momentos mundanos del día a día, tales como la espera de un autobús o la visita a un museo, capturándolos en el momento preciso para convertirlos en brillantes imágenes que atraen nuestra imaginación y atención una y otra vez.

© Nils Jorgensen

© Nils Jorgensen

Biografía

Nils Jorgensen nació en Dinamarca en 1958 y estudió en la King's School de Canterbury en el Reino Unido. Estudió fotografía en el West Surrey College of Art and Design.

Sus padres influyeron en su elección de ser un fotógrafo callejero. Su madre era una artista y durante la infancia de Nils se le revelaron las verdaderas luchas internas que conlleva la vida creativa. Era normal para él ver pinturas inacabadas y en sus recuerdos de niñez se entrelazan su vida y las pinturas de su madre.

Su padre era médico, pero fue un fotógrafo entusiasta toda su vida. Originalmente estudió para ser arquitecto, y Nils espera haber heredado su gran sentido del diseño. En 1976 le regaló su vieja Leica IIIg que todavía tiene. Aunque en ese momento había cámaras más baratas, más simples y más automatizadas para elegir, le dijo que debía aprender a dominar la técnica primero. Y esto hizo. También le trasladó su amor a los libros y revistas de fotografía. Un libro por encima de todos los demás era su favorito: Time Life Photography Year 1973 Edition.

Esta notable edición cuenta con imágenes destacadas de los mejores fotógrafos del mundo, pero fueron los portfolios de Paul Strand, Diane Arbus, Andre Kertesz, Elliott ErwittyTony Ray-Jones los que le impresionaron más que los demás. Y aún hoy treinta años después, al volver a abrir este preciado libro, estas imágenes no han perdido nada de su poder para inspirar. Todos esos fotógrafos practicaban lo que ahora se denomina Street Photography. Nils no sabía entonces, con 14 años, que iba dedicar el resto de su vida a este gran arte.

Jorgensen  ha trabajado como fotógrafo de prensa en Londres desde 1982 y en 2002 se unió al colectivo de fotografía callejera en línea iN-PUBLiC. Ha expuesto en el Reino Unido, Austria y América. Su obra se ha publicado en los libros Street Photography Now, The World Atlas of Street Photography y Street Photographer's Manual y ha sido adquirida por el Museum of London.

Referencias

Libros

Su trabajo ha sido incluido en los libros:

  • 10 – 10 years of in-public.
  • Street Photography Now.
  • The World Atlas of Street Photography.
  • Street Photographer's Manual.
↧

Noah Kalina

July 27, 2017, 11:00 pm
$
0
0

Noah Kalina es un fotógrafo estadunidense (nacido en Nueva York en 1980, está basado en Brooklyn y Lumberland, Nueva York) que realiza una fotografía muy variada, pero cuya popularidad a nivel mundial le ha llegado por su proyecto Everyday, un video que recoge en unos minutos sus autorretratos durante 12 años.

NoahKalina

© Noah Kalina

Para mí, una ciudad verdadera es un lugar donde la diversidad está en todas partes. Desde la gente a la arquitectura. Uno debe ser capaz de caminar por la calle y ver el mundo. Creo que Nueva York es uno de los mejores lugares para experimentar esto.

Biografía

Noah Kalina estudió fotografía en la School of Visual Arts de Nueva York y comenzó a trabajar como fotógrafo para la revista Interview Magazine.

Ha realizado encargos para Google, Gucci, Levi's, Timberland, General Electric (The Barbarian Group), Disney, Sprint (Goodby Silverstein), Tumblr, Snarkitecture, COS, Society of Grownups (IDEO), Motorola (DraftFCB), Sony (BBDO Chile), Raiffeisen Bank (Ogilvy & Mather Vienna), VH1, MTV, Downtown Records, Sony Records, Atlantic Records, Vagrant Records, CarPark Records, …

Su trabajo ha sido publicado en The New York Times Magazine, Wired, Runners World, enRoute, Frame, Golf Digest, Architect, Bloomberg Business Week, Nylon, Food and Wine, Surface, New York Magazine, Oak Street, DVEight,  Esquire, Le Monde, Fast Company, Popular Mechanics, Interview.

Sus exposiciones más recientes son:

  • 2017: The Fog en Catskill Art Society - Livingston Manor, Nueva York.
  • 2015: In the Mood. Photography and the Everyday en Irene Carlson Gallery of Photography en La Verne, California.
  • 2015: Selfie. From Self Portrait to Staging the Self en el Brandts Museum de Odense, Dinamarca.
  • 2015: Tomorrow Has Passed en One Eyed Jacks Gallery de Brighton, Inglaterra.
  • …

Entre tantos proyectos como ha realizado, sin embargo Kalina alcanzó la fama por Everyday, un proyecto comenzado a principios del año 2000 y que consiste en fotografiarse cada día, de frente, con la misma expresión y similar encuadre. En el 2006 realizó un video con las primeras 2356 fotografías tomadas hasta ese momento. El video se publicó en Youtube y obtuvo importantes premios y le ha brindado a Kalina una gran popularidad a nivel mundial. Al cabo de otros 6 años volvió a realizar otro video similar y sigue fotografiándose diariamente en un proyecto que sigue activo.

Referencias

Libros

↧
↧

Nuria Lopez Torres

July 28, 2017, 11:00 pm
$
0
0

Nuria López Torres es una viajera y fotógrafa documental catalana (nacida en 1968 en Barcelona, donde vive) que  centra su trabajo en temáticas relacionadas con la mujer, el género, las identidades, las violencias y las sexualidades, abordando estos temas desde la antropología social convirtiendo algunos de sus trabajos en ensayos fotográficos.

NuriaLopezTorres

Retrato de Kazandra vestida con el traje tradicional del Istmo de Tehuantepec junto al altar familiar. En todas las casas zapotecas se puede encontrar uno dedicado a los seres queridos fallecidos, con sus retratos y estampas de santos© Nuria Lopez Torres

Biografía

Nuria López Torres se formó en los prestigiosos Instituto de Estudios Fotográficos de Catalunya y Escuela Superior de Imagen y Diseño IDEP de Barcelona donde realizó un master en fotoperiodismo.

Combina sus proyectos personales con su colaboración como freelance en medios nacionales e internacionales, comisariado en eventos fotográficos y docencia en centros especializados de fotografía. Es miembro de la organización de fotógrafos, escritores y periodistas GEA PHOTOWORDS.

Su trabajo ha estado expuesto en London Photo Festival, WhiteBox Gallery en Kuala Lumpur, Malasia,  el Museo MAC Ibirapuera de Sao Paulo (Brasil), Centro Cultural de España en Lima (Perú), Centro Cultural Rojas en Buenos Aires (Argentina), Centro de Cooperación Española en Antigua (Guatemala), Academia San Carlos en México D.F, Hardcore Art Gallery en Miami (EEUU), Centro Cultural de España en Asunción (Paraguay),  El Museo de Bellas Artes de Castellón, Círculo de Bellas Artes en Madrid, Espai Fotogràfic Català Roca en Barcelona, Ciudad de Bézier (Francia), Josep Comaposada Foundation y Dolfield Festival en Barcelona, entre otros.

Ha obtenido diversos premios entre los que podemos citar el Premio de fotografía del II Festival Internacional de Artes Audiovisuales de Andalucía, finalista en LensCulture Portrait Awards, Kuala Lumpur International Photo Awards Portrait, Hamdan Bin Mohammed Bin Rashid Al Maktoum International Photography Award, mención de honor en Moscow International Foto Awards. Su obra forma parte de colecciones como la Fundación Isonomía de la Universidad Jaume I de Castellón y la Fundación Visible de Arte Contemporáneo.

Sus trabajos han sido publicados en Zazpika, El Periódico, Lonely Planet, El País,  Le Monde, The Guardian, Interviú,The Caravan, Terra Mater, Al-Jazeera y CNN entre otros medios.

Referencias

Libros

  • Sex and Revolution in Cuba.
↧

Antonio Cosmes

July 29, 2017, 11:00 pm
$
0
0

Antonio Cosmes fue un fotógrafo mexicano (nacido en México hacia 1820, fallecido en España) que se instaló profesionalmente en España en los primeros años de la década de los 1850 y es conocido sobre todo como precursor del fotorreportaje en España.

Antonio Cosmes / José Martínez Sánchez

Antonio Cosmes / José Martínez Sánchez

Biografía

Antonio Cosmes de Cossío nació en México, hijo de madre mexicana y de un oficial español con grado de capitán que se unió al movimiento independentista mexicano en 1821. En 1847 abrió junto al daguerrotipista Charles S. Betts un estudio de fotografía en Ciudad de México, y un año después se independizó profesionalmente. En 1849 viajó a Estados Unidos para aprender las últimas innovaciones técnicas de las galerías norteamericanas, que llevó consigo a su vuelta a México, realizando trabajos en Atlacomulco y Cuernavaca. En 1852 marchó a España, donde abrió un estudio en Cádiz. Viajó por otras ciudades españolas, como Valencia y Madrid, donde se instalaría hacia 1859, aunque se trasladó de nuevo a Cádiz, donde abrió una galería.

Antonio fue un fotógrafo muy versátil, utilizando inicialmente la técnica del daguerrotipo, aunque poco después se dedicaría al ambrotipo, un proceso fotográfico de menor coste y que consiste en un negativo de colodión húmero sobre soporte de vidrio, que parece un positivo al situarlo sobre un fondo negro. Fue uno de los pocos que cultivó en España este procedimiento, muy popular entonces entre los retratistas de Estados Unidos.

También practicó la fotografía estereoscópica y trabajó como miniaturista y coloreando fotografías, pero es conocido sobre todo como precursor del fotorreportaje. En 1858 realizó, en colaboración con José Martínez Sánchez, uno de los reportajes más personales de los inicios de la fotografía española, la llegada de Isabel II al puerto de Valencia con motivo de la inauguración de la red ferroviaria Valencia-Alicante. Este trabajo fue el primer reportaje secuencial de un acto oficial que se realizó en España.

La obra del fotógrafo ha formado parte de las muestras Memoria de la luz: fotografía en la comunidad Valenciana 1839-1939 (Valencia, 1992), El retrato en la fotografía española del siglo XIX (Universidad de Navarra y Ayuntamiento de Pamplona) y De París a Cádiz: calotipia y colodión (Museu Nacional d’Art de Catalunya, 2004), homenaje a los autores decisivos de la divulgación de la fotografía. La mayor parte de la obra del autor que se conserva hoy día pertenece a la colección de Manuel Castellano.

Referencias

    Libros

    ↧

    Patrick Bailly-Maître-Grand

    July 30, 2017, 11:00 pm
    $
    0
    0

    Patrick Bailly-Maître-Grand es un físico, pintor y fotógrafo francés (nacido el 1 de febrero de 1945 en París, vive y trabaja en Estrasburgo) cuya obra fotográfica es un reflejo de su trayectoria por estas tres disciplinas. Para él, la fotografía es un medio de mirar el mundo y darle sentido provisional.

    © Patrick Bailly-Maître-Grand

    © Patrick Bailly-Maître-Grand

    Biografía

    Patrick Bailly-Maître-Grand se graduó en Física por la Facultad de Ciencias de la Universidad de París en 1969 y abandona la práctica científica por problemas de salud, para dedicarse durante una década a la pintura, embarcándose en una observación de la realidad, con una pintura hiperrealista, fría, precisa y analítica, utilizando lacas y acrílico de secado lento. Sus temas preferidos fueron los viejos muros y las sombras, alejado siempre de la noción de perspectiva.

    A partir de 1980 comienza a experimentar con la práctica fotográfica. Sus fotografías se caracterizan por una estética poética traducida con humor, pero asociada a técnicas complejas, como el daguerrotipo, la perifotografía, la estrobofotografía, los virajes, los monotipos directos y otras invenciones propias. Está considerado como uno de los más importantes daguerreotipistas contemporáneos. Huyendo de la noción de perspectiva, sus imágenes, aunque muy sofisticadas en su realización, son muy simples visualmente, casi como haikus.

    Patrick ha expuesto por todo el mundo. Sus obras forman parte de colecciones de museos de prestigio como el MOMA de Nueva York, Centre Pompidou y Fondo Nacional de Arte Contemporáneo en París, Sainsbury Centre en Norwich,  Victoria Museum en Melbourne, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Estrasburgo, Museet de Fotokunst de Odense, Museo de Bellas Artes de Houston, Museo Français de la Photographie en Bièvres, Musée Nicéphore Niépce en Châlon sur Saône, Stanford Museum of Art en California, ...

    Está representado por la galería Baudoin Lebon de París, una de las galerías más importantes de fotografía del mundo,  Lucien Schweitzer en Luxemburgo, Tagomago en Barcelona y Michel Soskine en Madrid y Nueva York.

    Referencias

    Libros

    • Colles et Chimères, 2014.   
    • Quelques passoires a Photons, 2008.
    • Petites Cosmogonies, 2007.
    • P. Bailly-Maître-Grand, 2007.
    • PLM 23T, 2007.
    • Dermies, 2005
    • P. Bailly-Maître-Grand, 2000.
    • Les Gemelles, 1998
    • Evidement parce que, 1996.
    • Chasseur de hasard, 1995.
    • Le puits voleur, 1994.
    • e iπ = – 1, 1993.
    • Celine. Les lieux de l’ecrit, 1991.
    • Formol’s band, 1988.
    • En vert mental, 1986.
    • Remanences, 1983.
    • Magnitude 13, 1980.
      ↧
      Search

      Manu Mart

      July 31, 2017, 11:00 pm
      $
      0
      0

      Manu Mart es un fotógrafo español (nacido en Madrid, vive en Barcelona y Madrid) que realiza fotografía de calle y fotografía documental.

      © Manu Mart

      © Manu Mart

      Biografía

      Manu Mart comenzó trabajando en publicidad, y es entonces, con unos 20 años,  cuando entró en contacto con la fotografía, se compró su primera cámara y se fue con unos cuantos sociólogos a los campamentos de refugiados de Tindouf en Argelia.

      Estudió Viaje y reportaje en el Institut de Estudis Fotografics de Catalunya y en Ruido Photo. Posteriormente dejó la publicidad para dedicarse por completo a la fotografía. Gracias al colectivo Calle 35, del que ha sido miembro de 2013 a 2016, descubrió la fotografía de calle y decidió especializarse en este género.

      En los últimos años ha viajado en numerosas ocasiones a Asia, ayudando a diferentes ONGs, como la española Streets of India,Médicos sin Fronteras y Empowering Lives Asia, a aumentar el nivel de sensibilización sobre los proyectos en los que trabajan, viajando por el sudeste asiático, realizando documentales para ellas. Uno de ellos, Young Warriors, fue seleccionado como finalista en el Premio Internacional Revela.

      Su cuerpo de trabajo se centra principalmente en el género de fotografía de calle, gracias al cual Leica le incluyó en su programa LFI Loanpool, y últimamente ha comenzado a trabajar en proyectos con mayor carga documental. Su último trabajo en Asia, Who's Johnny Lim?, retrata la vida de los habitantes del Estrecho de Malaca en Malasia, un encargo de la Embajada de España para conmemorar los 50 años de la independencia de este país asiático.

      Sus imágenes han sido publicadas en medios impresos y digitales como Leica Fotografie International, Leica M Magazine, El País y Vice Magazine, y se han expuesto en galerías de Madrid, Barcelona, Londres, México y Kuala Lumpur.

      Referencias

      ↧
      ↧

      Blake Andrews

      August 1, 2017, 11:00 pm
      $
      0
      0

      Blake Andrews es un bloguero y fotógrafo estadounidense (nacido el 29 de diciembre de 1968 en Berkeley, vive en Eugene, Oregón) que realiza fotografía de calle. Sus fotos son narrativas, únicas y tienen un estilo muy reconocible una vez que has revisado su trabajo por un tiempo.

      © Blake Andrews

      © Blake Andrews

      La única razón para cambiar a la captura digital sería la comodidad, ya que la película puede ser definitivamente una molestia a veces. Pero la comodidad no parece un factor determinante muy bueno para tomar cualquier decisión de importancia. La comodidad es responsable de los Big Macs, las botellas de agua desechables y los suburbios.

      Biografía

      Blake Andrews nació en Berkeley y creció en Briceland, California. Comenzó con la fotografía en 1993, un año después de mudarse a Portland. En 2004, se unió al Portland Grid Project, en el cual varios fotógrafos fotografiaron exhaustivamente Portland, milla a milla. Después de trasladarse a Eugene en 2006, participó en el proyecto similar Eugene Grid Project.

      Andrews se asoció como miembro del colectivo de fotografía de calle In-Public en 2006, y es también miembro del colectivo Light Leak de Portland. Trabaja principalmente en blanco y negro en película con su machacada Leica o con Dianas, revela él mismo sus fotos y sus fotografías son muy sutiles y originales.

      Su blog B es muy popular y uno de los más respetados en la comunidad fotográfica. Lo lleva escribiendo desde 2007. Es casi más conocido por su blog que por su fotografía.

      Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones en grupo. Sus exposiciones en solitario son:

      • Photographs: 1996-2001, en Gallery Untitled de Portland, Oregón, en 2001.
      • Tilt, en Pushdot Studio de Portland en 2004.
      • Male bele laži = Little White Lies, en The Artget Gallery en el  Cultural Centre de Belgrado en 2013.
      • Pictures of the Gone World. en Blue Sky Gallery en el Oregon Center for the Photographic Arts en Portland en 2016.

      Referencias

      Libros

      • B Sides: Photographic Playing Cards, 2011.
      • Eugene Postcard Collection, 2012.
      • Pictures of the Gone World, 2016.

      Ha contribuido en:

      • 10 – 10 Years of In-Public, 2010.
      • Album: Artist Portraits of Artists: The Art Gym 30th Anniversary Exhibition, 2010.
      • The Street Photographer's Manual, 2014.
      • Sad Songs, 2016.
      ↧

      Luis Camacho

      August 2, 2017, 11:00 pm
      $
      0
      0

      Luis Camacho es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1972) que añade a su trabajo de fotorreportero el de la fotografía de calle, principalmente de la Gran Vía madrileña.

      © Luis Camacho

      © Luis Camacho

      Me interesa la mutación constante de la ciudad que produce una crisis de identidad y un conflicto cultural continuo, en fotografías exploro la dinámica entre el sujeto y el tiempo, lo real y lo su-real en escenas callejeras desarticuladas donde se manifiesta la gente corriente en su vida cotidiana.

      Biografía

      Luis Camacho Peral estudió Imagen y Sonido en la especialidad de Imagen fotográfica en el IFP Siglo XXI. Comenzó en la producción audiovisual hasta que en el año 2000 sintió la llamada de la fotografía; desde entonces en un aprendizaje continuo no ha dejado de explorar las posibilidades del lenguaje fotográfico.

      Ha sido miembro del colectivo de fotografía documental Calle 35 y fundador de la Asociación Fotográfica Villaverde.  En la actualidad es fotógrafo en la SGAE, realiza retratos editoriales para ESQUIRE, FORBES y TAPAS y desde 2001 trabaja como colaborador habitual de las cabeceras de Unidad Editorial: TELVA, Diario Médico, Expansión, Correo Farmacéutico.

      Ha publicado fotografías o reportajes en ABC, El Mundo, El País, Diario 16, El Semanal, QUE, AR, El Mundo Deportivo, Diario As, Megaphon, Kleine Zeitung entre otros.

      Ha recibido algunas becas y premios que le han ayudado a desarrollar su trabajo más personal, tales como: Beca del Ministerio de Cultura para estancia en el Colegio de España en París, Ayuda a la promoción del Arte Español y Nuevas Tendencias concedida por la Dirección General de Bellas Artes, premio FotoCAM 2013, premio FujifilmEuro Press Photo Adwards, …

      Ha realizado exposiciones tanto individuales como colectivas en España, Francia, Italia, EE.UU o Dinamarca y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas.

      Referencias

      ↧

      Guilherme Bergamini

      August 3, 2017, 11:00 pm
      $
      0
      0

      Guilherme Bergamini es un fotógrafo brasileño (nacido en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil) que expresa a través de la fotografía sus vivencias personales y su visión del mundo, como una forma de crítica política y social.

      GuilhermeBergamini

      © Guilherme Bergamini

      Biografía

      Guilherme Bergamini ha sido un apasionado de la fotografía desde chico y estudió la carrera de Periodismo. Es un entusiasta y curioso de las nuevas posibilidades contemporáneas de la fotografía. A través de su arte, Bergamini busca expresar sus experiencias, puntos de vista y ansiedades. Persistente y crítico, entiende a la fotografía como una forma de crítica política y social.

      Como ejemplo de su trabajo, podemos citar su proyecto Educação para todos, en el que documenta, a través de fotografías de colegios abandonados, el largo camino que todavía queda en Brasil para asegurar en la práctica la universalidad de la educación.  Este proyecto ha obtenido diversos premios como el 3º puesto en el Concurso Debiutas en Vilna, Lituania, en 2016, 2º puesto en ExperimentoBio en Bilbao en 2015 y ha sido objeto de numerosas exposiciones en Brasil, Venezuela y Barcelona, Madrid y Bilbao en España.

      Premiado en competiciones y festivales nacionales, ha formado parte de exhibiciones en grupo e individuales en Brasil, Portugal, España, Grecia, Francia, Alemania, Italia, Eslovenia, Lituania, Turquía, Venezuela, México, Chile, Argentina, Ecuador, Uruguay y Estados Unidos.  Ha publicado su trabajo en distintos medios de comunicación brasileños y extranjeros.

      Referencias

      ↧

      Pedro Valtierra

      August 4, 2017, 12:14 am
      $
      0
      0

      Pedro Valtierra es un fotógrafo mexicano (nacido en Fresnillo, Zacatecas, en 1955, vive en Ciudad de México) reconocido como uno de los fotógrafos documentalistas más influyentes de las últimas cuatro décadas en la historia de México.

      © Pedro Valtierra / Cuartoscuro.com

      © Pedro Valtierra / Cuartoscuro.com

      Biografía

      Pedro Valtierra con 12 años trabaja en el campo con su padre. También fue albañil, mecánico, vendedor de discos en la calle, ropa en el mercado, cuidaba cabras y también vendía periódicos en las esquinas. Con 15 años de edad se trasladó a Ciudad de México, trabajando en todo lo que podía, lo mismo vendía periódicos que limpiaba zapatos en las calles. Cepillaba los zapatos de reporteros y fotógrafos de Los Pinos; un día fue a limpiárselos a los laboratoristas del departamento de Fotografía, y el mundo cambio para él: tras ver como revelaban y como imprimían encontró su pasión y aprendió el oficio de fotógrafo, iniciándose en 1973 como auxiliar de laboratorio y dos años después se convirtió en fotógrafo de la Presidencia de la República.

      Ingresó en El Sol de México en 1977 y un año después se incorporó al diario Unomásuno. En 1984 organizó y dirigió la agencia Imagenlatina. Fue fundador y jefe de fotografía de La Jornada (1984-86), editor del suplemento Cuartoscuro del periódico Las Horas Extras en 1986, presidente de la Sociedad de Autores de Obras Fotográficas (1988-91), director de la revista Mira (1990-92), de nuevo coordinador y editor de fotografía en La Jornada (1995-2000). En 1986 fundó  la Agencia Cuartoscuro,  de la cual es director hasta la  fecha. En 1993 fundó la revista del mismo nombre y es fundador de la Fototeca de Zacatecas Pedro Valtierra, inaugurada en 2006.

      Valtierra se encuentra en el grupo de los fotógrafos surgidos dentro de la segunda mitad de los años 70 del siglo XX, periodo en el que se produjeron cambios significativos en la historia nacional mejicana y que repercutirían en décadas posteriores. Ha sido testigo de sucesos como las guerras de América Central a finales de los 70, destacando Cuba y Nicaragua; así como  la marginación en Chiapas.

      Desde 1979 ha participado en más de 300 exposiciones individuales, tanto en México como  en el extranjero, así como en  colectivas  en diversos países, entre los que destacan Canadá, Cuba, España, Francia, Italia, Alemania, Bélgica, Venezuela, Ecuador, Guatemala y Costa Rica.

      Desde 1984 imparte talleres y conferencias de fotoperiodismo mexicano contemporáneo en  medios de comunicación y universidades. Entre otros premios, ganó en 1998 el Premio Internacional de Periodismo Rey de España a la mejor fotografía del año, con una foto tomada en el campamento de X'Oyep, Chiapas, e donde un grupo de tzotziles increpaban a militares mexicanos, y en 1983 el Premio Nacional de Periodismo de México. El Museo El Agora José González Echeverría de Fresnillo tiene una exposición permanente de Valtierra.

      Referencias

      Libros

      Ha participado de manera diversa en los libros:

      • 1980,  La Batalla por Nicaragua,
      • 1980,  Nicaragua un país propio,
      • 1984, El Poder de la Imagen y la Imagen del Poder,
      • 1996, el anuario Imágenes de La Jornada.

      Ha publicado:

      • 1993 Nicaragua, una noche afuera,
      • 1999 y 2004, Zacatecas.
      • 2014, Mirada y testimonio.
      ↧
      ↧

      Graciela Magnoni

      July 10, 2017, 11:00 pm
      $
      0
      0

      Graciela Magnoni es una fotógrafa francesa-uruguaya-brasileña (nacida en Montevideo, Uruguay, vive actualmente en Singapur) que recorre el mundo retratando momentos, escenas, personajes, situaciones del día a  día que cuando reúnen algo especial, se convierten en eventos visuales. Siempre persiguiendo la luz por las calles entre personajes interesantes que pueden transformar una escena banal en una imagen extraordinaria.

      © Graciela Magnoni

      © Graciela Magnoni

      Mi obsesión es conseguir una imagen bella, fuerte que transporte al observador a un mundo imaginario. Quizás todo ello se haga posible, con un pequeño detalle que la distingue de todas las demás.

      Biografía

      Graciela Magnoni nació en Uruguay, pero a los 2 meses ya comenzó su vida nómada, pasando su infancia moviéndose de un país a otro, del mundo en desarrollo al mundo desarrollado y viceversa. Aunque en ese momento parecía una vida disfuncional, fue una infancia increíblemente interesante con la fortuna de haber experimentado una vida sin fronteras. Pasó su adolescencia en París. Viajar y fotografiar han sido una obsesión desde los 15 años. Cuando se convirtió en adulta no podía dejar de subir a aviones y vivir en un nuevo lugar. 

      Comenzó su carrera en la prensa en Brasil, pasando de fotografiar en un pequeño periódico político a la prensa principal. En 1990 se trasladó a Nueva York y trabajó para unos cuantos periódicos y revistas brasileños y argentinos que cubrían las noticias. Era bastante apasionada y obsesionada por la fotografía, pero en 1996 dejó de fotografiar por motivos personales y logísticos.

      En 2003 se mudó a Singapur y después empezó a fotografiar ya en digital y de manera personal, lo que permitió que su creatividad y estilo se desarrollaran, fotografiando las calles de muchas ciudades de la región, especialmente en ciudades y pueblos de la India, que le encantan. Hay momentos en que una escena totalmente banal es transformada por la cámara en una imagen cautivadora. Ese es el tipo de imágenes que busca.

      Tiene una Licenciatura en Periodismo y un master en Comunicación Visual e Internacional por la Universidad de Minnesota  y ha participado en varios talleres magníficos del fotógrafo Nikos Economopoulos. Es miembro del colectivo de fotografía de calle In-Public.

      Referencias

      ↧

      Enrique Facio

      August 4, 2017, 11:00 pm
      $
      0
      0

      Enrique Facio fue un fotógrafo español (nacido en Málaga en 1833, fallecido en 1897) al que se le atribuye el mérito de ser el primer fotógrafo español corresponsal de guerra.

      EnriqueFacio

      Enrique Facio

      Biografía

      Enrique Facio o Fazio nació en una familia de origen italiano que se dedicaba al comercio y él fue aficionado a la pintura y la fotografía, pero sin llegar a ser profesional, es decir, que no tenía un establecimiento fijo.

      Tras la Guerra de Crimea y la incursión de la fotografía (Roger Fenton, principalmente) en su relato, en la Guerra de África con Marruecos en 1859 se creó una lucha por los medios de aquel tiempo en conseguir una información de primera mano con la que lograr  la mayor venta de periódicos. Así, los diversos medios mandaron periodistas junto con dibujantes, para mantener la emoción con información de la guerra por entregas.

      Uno de los que consiguió más éxito en su trabajo fue un joven Pedro Antonio de Alarcón (1833-1891), inexperto en aquel entonces, pero que partió a Marruecos con un dibujante y pintor (posiblemente Rombado, que ya había estado en las acciones bélicas de Crimea y Mogador, y que habría tomado nota de la importante presencia de la fotografía en ellas) y un fotógrafo al que contrató para que “con su máquina y demás útiles de arte, sacara panoramas de los terrenos que recorriéramos, retratos de cristianos, moros y judíos, y vistas de las ciudades que conquistásemos”, seguramente por consejo de Rombado.

      Alarcón nunca mencionó el nombre del fotógrafo, rebajó la importancia de la fotografía en sus crónicas para La Iberia, pero se atribuyó el haber sido él el introductor de la primera máquina fotográfica en Marruecos, y muchos de los grabados de sus crónicas (en aquel entonces todavía no se podían poner fotografías en los medios impresos) fueron realizados a partir de fotografías tomadas por Facio.

      Investigaciones recientes indican que fue Facio el fotógrafo contratado por Alarcón, en buena parte por coincidir fotos guardadas por la familia con los grabados de los artículos, y por ello se le atribuye el mérito de ser el primer fotógrafo español corresponsal de guerra.

      Referencias

        Libros

          ↧
          Search

          Ramón Grandal

          August 5, 2017, 11:00 pm
          $
          0
          0

          Ramón Grandal es un fotógrafo cubano (nacido en La Habana el 4 de octubre de 1950, vive en Venezuela) cuya obra es el resultado de un proceso íntimo: un registro diario y personal que, en sus propias palabras, expresan “brevísimas opiniones” de un mundo que intenta guardar en la memoria, la propia y la de cualquiera que se detenga a verlas.

          Carnaval © Ramón Grandal

          Carnaval © Ramón Grandal

          Biografía

          Ramón Martínez Grandal se graduó en la Escuela Libre de Artes Plásticas, estudió Museografía y Museología en el Museo de Bellas Artes de La Habana. Trabajó como diseñador gráfico hasta que vio la oportunidad, a los 20 años, de trabajar como fotógrafo de teatro en el Consejo Nacional de la Cultura junto a quien fuese su tutor, Tito Álvarez, maestro de la fotografía cubana. Desde sus inicios, en los primeros años de la década de los 70, y durante sus primeros 30 años, su fotografía mantiene un compromiso social, un discurso casi objetivo de la realidad, pero la llegada de Los americanos, de Robert Frank.

          A partir de su encuentro con esa manera norteamericana de fotografiar, Grandal generó un nuevo lenguaje que juega con la idea de una imagen que trascienda de la cotidianidad, primero de Cuba, luego de Venezuela a la que se trasladó en 1993 ya con una carrera destacada en la fotografía documental y América Latina. Su fotografía rompe con los discursos sociales y consigue un enfoque retrospectivo que brinda al espectador una oportunidad de reflexionar sobre la realidad fotografiada. Es un proceso más íntimo: un registro diario y personal que, en sus propias palabras, expresan “brevísimas opiniones” de un mundo que intenta guardar en la memoria, la propia y la de cualquiera que se detenga a verlas.

          Ramón Grandal fue uno de los primeros fotógrafos cubanos en exponer en Estados Unidos tras el cese de la Guerra Fría ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en en Cuba, México, Brasil, Venezuela, Estados Unidos, Francia, Suiza, Alemania, Italia, España, Hungría, etc., algunas de ellas junto a su esposa la también fotógrafa Gilda Pérez. Destaca, entre sus encuentros con otros fotógrafos, la exposición Cuba 1933-1992. Dos visiones: Walker Evans-Ramón Grandal, en Francia y Un mundo, varios puntos de vista. Encuentro con fotógrafos notables: MagnumPhotos/Venezuela, en los museos Jesús Soto (Ciudad Bolívar) y Alejandro Otero (Caracas), en 2007. 

          En 1998 recibió en Venezuela la Mención del Premio de Fotografía Latinoamericana Josune Dorronsoro del Museo de Bellas Artes de Caracas, el Premio Único del Festival Internacional de la Luz en el 2000 y el Premio de Fotografía de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba.

          Desde 1996 ofrece conferencias y talleres en diferentes universidades e instituciones. Su obra ha sido publicada en múltiples revistas, periódicos y fotolibros. En 2009 fundó la agencia ENPHOCO.

          Sus fotografías forman parte de diferentes colecciones públicas y privadas como Musée de L’Elysée  y Photoforum Pasquart en Suiza, Consejo Mexicano de Fotografía, Casa de las Américas y Museo de Bellas Artes de La Habana en Cuba, Museo de Bellas Artes de Caracas y Galería de Arte Nacional en Caracas, Venezuela, …

          Referencias

          Libros

          • Camera, 1980.
          • La Ciudad de las Columnas, con textos de Alejo Carpentier, 1982.
          • Canto a la realidad. Fotografía Latinoamericana 1868-1992, 1993.
          • ExtraCAMARA,
          • Memoria: Artes Visuales Cubanas del Siglo XX, 2003.
          ↧

          Flor Garduño

          August 6, 2017, 11:00 pm
          $
          0
          0

          Flor Garduño es una artista y fotógrafa mexicana (nacida el 21 de marzo de 1957 en México D. F., vive y trabaja en Tepoztlán y también en Suiza) que ha trabajado asiduamente en naturaleza muerta, retratos, y desnudos en monocromo. Gracias a su uso de la luz y de la sombra, sin el uso de luz artificial y con un gran equilibrio la composición, sus imágenes reflejan una forma de arte que se puede encontrar en el ritual y en la naturaleza del espacio y el tiempo, capturando la cultura de su país al mismo tiempo que explorar su propio mundo interior.

          © Flor Garduño

          © Flor Garduño

          Biografía

          Flor Garduño nació en Ciudad de México, pero con 5 años su familia se trasladó a una granja a 25 Km de la capital. Allí, viviendo entre animales, en contacto con la naturaleza, formó su carácter. Después realizaría estudios de artes visuales en la Antigua Academia de San Carlos, de la Universidad Nacional Autónoma de México, siendo alumna de Kati Horna.​ Interrumpió sus estudios después de tres años a favor de una posición de asistente de cuarto oscuro,​ del veterano y muy respetado fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. Con el maestro, fue capaz de desarrollar y perfeccionar sus habilidades adquiridas.

          Luego trabajaría con el Ministerio de Educación de México, bajo la dirección de Mariana Yampolsky, viajando a las aldeas rurales de todo México con un equipo de fotógrafos y artistas que buscaban temas para ilustrar los libros de texto de las escuelas primarias de las comunidades indígenas. Estas experiencias le dieron la oportunidad de aprender sobre el México rural, especialmente la difícil situación de los pueblos indígenas, y ayudaron a perfeccionar su propio estilo único, que infundió la fotografía descriptiva con arquetipos místicos característicos del surrealismo mexicano.

          En 1982 tuvo su primera exposición en la Ciudad de México en la Galería José Clemente Orozco, y desde entonces, su obra se muestra en exposiciones, galerías y museos, habiendo recibido numerosos premios, becas y galardones por su trabajo.​ Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como The Museum of Modern Art en Nueva York, Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts en Houston, Center for Creative Photography en Tucson, Museo de Arte Moderno en Ciudad de México, Bibliothèque National de France en Paris, Museum Ludwig en Colonia, Alemania, …

          En 1985, y animada por el entusiasmo y apoyo del pintor Francisco Toledo, publicó su primer libro.  En 1993, se dedicó a la revista suiza DU. Con el siguiente libro Witness of Time que tuvo un éxito rotundo y numerosos premios, como los Kodak Award en 1992 y Queen Elisabeth en 1993, siendo traducido a cinco idiomas. Y le permitió programar una extensa gira internacional de exposición a través de más de cuarenta países de América y Europa. En 1995, recibió una beca de tres años para su nuevo Proyecto Mesteños, donde muestra animales y personas de su entorno natural, y un año después  realizó 2.000 fotografías de Zúrich y un documental sobre ellas, para la Casa del arte de esta ciudad.

          Garduño ha desarrolla a lo largo de su carrera un estilo propio que es fácil de reconocer: escala de grises y onírico, pero también cuenta con retratos en los que figuran pintores, fotógrafos, escultores, arquitectos, escritores, etc. A partir del 2013 ha comenzado con la intervención de fotografías.

          Referencias

          Libros

          • Magia del juego eterno, 1985.
          • Bestiarium, 1987.
          • Witnesses of Time/Zeugen der Zeit, 2000.
          • Mesteños, 1994.
          • Testigos Del Tiempo, 1997.
          • Flor,2001.
          • Inner Light/Flor, 2003.
          • Flor, 2004.
          • Nature silenziose / Silent natures
          • The sonnets of Shakespeare
          • Trilogía, 2010.
          • Trilogy, 2011
          • Trilogie, 2011 (alemán).
          • FLOR GARDUÑO, Photo Poche Collection, 2016.
          • Glimpses of Mexico / Miradas de México
          • Looking in, looking out: Latin American Photography.
          ↧
          ↧

          Pepe Campúa

          August 7, 2017, 11:00 pm
          $
          0
          0

          Pepe Campúa fue un empresario cinematográfico y teatral y fotógrafo español (nacido en Madrid el 18 de septiembre de 1900, fallecido el 28 de febrero de 1975, también en Madrid) cuya fotografía es realista, intentando estar lo más cerca de la acción, sin intentar que sea artística ni estética, sino buscando el periodismo puro. Es considerado uno de los mejores reporteros gráficos de su época.

          Alfonso XIII en las Hurdes © Pepe Campúa

          Alfonso XIII en las Hurdes © Pepe Campúa

          Biografía

          José Demaría Vázquez, conocido como Pepe Campúa, era hijo del también fotógrafo José L. Demaría López «Campúa», del que heredó su nombre artístico. Acabados sus estudios, tras un primer intento de dedicarse a la pintura, frecuentando el estudio de Joaquín Sorolla a quien le pidió que le enseñara el oficio, decidió que su vocación era la fotografía y el periodismo, se independizó de sus padres y creó la Agencia Express.

          Empezó a colaborar en diversos medios como El Fígaro, Nuevo Mundo, Mundo Gráfico y La Esfera, entre otros. En los años 1920, al igual que su padre, realizó importantes trabajos fotográficos (obtuvo la primera fotografía de la bandera de España ondeando en el monte Gurugú, tras su toma por los soldados españoles en 1921) durante las acciones bélicas desarrolladas en el norte de África. En esos años viajó a diversos países recogiendo imágenes de la actualidad política y social del momento tanto en fotografías como en cine.

          Alcanzó gran prestigio cuando en 1922 fue el único reportero gráfico que acompañó a Alfonso XIII en su viaje a Las Hurdes. También son importantes su retrato del general Sanjurjo preso en la cárcel del Dueso o el de Primo de Rivera en el acto fundacional de La Falange. En 1934 viajó a Asturias para obtener imágenes de la revolución de octubre, y realizó el documental Los luctuosos sucesos de Asturias.  En esos años estuvo considerado entre los mejores reporteros gráficos españoles junto a Alfonso Sánchez Portela, José María Díaz Casariego y Luis Ramón Marín que estuvieron trabajando en equipo en la publicación Mundo Gráfico hasta 1936.

          Además de trabajar como reportero, desarrolló su actividad como empresario cinematográfico, primero en la gestión del cine Royalty y luego poniendo en marcha el cine Actualidades, donde proyectaba sus propios reportajes y noticias. En 1935 inauguró el cine Madrid-París​ en la antigua sede de los almacenes del mismo nombre en la Gran Vía madrileña. En junio de 1936 constituyó la Unión de Informadores Gráficos y ocupó el cargo de presidente.

          Durante la guerra civil él y su padre fueron apresados (y su padre asesinado) y su estudio y buena parte de su obra destruidos. En 1937 se escapó de la cárcel y se pasó al lado franquista, realizando gran cantidad de fotografías (más de 10.000) tanto en el frente como en la retaguardia. Sin embargo la mayoría de sus fotografías de guerra no se han podido contemplar expuestas hasta el siglo XXI, como en la exposición Lérida 1938. Fotografías de José Demaría Campúa de 2008.

          Acabada la contienda retomó con intensidad su actividad de empresario teatral y de cine, terreno en el que ayudó a iniciar la carrera de reconocidos artistas del espectáculo, pero sin abandonar su estudio, especializado en el retrato, por el que pasaron multitud de personajes de la sociedad, las artes y la política. Entre 1941 y 1947 trabajó en dicho estudio el fotógrafo húngaro Gyenes hasta que montó su propio estudio.

          También colaboró en la revista Fotos. Creó la Agencia Gráfica Campúa, que colaboró con La Vanguardia, el ABC, ¡Hola! y otras publicaciones tanto nacionales como extranjeras. Era considerado el fotógrafo habitual de Franco y de la Casa Real española, realizando fotografías de los Borbones en el exilio en Roma y Estoril y el reportaje del nacimiento y el bautizo del infante Juan Carlos.

          En 1952 fue elegido presidente de la Asociación de Informadores Gráficos de España y en 1967, vicepresidente de la Asociación Internacional de Fotógrafos de Prensa. Fue catedrático de la Escuela Oficial de Periodismo y creador de la Institución de Defensa de la Propiedad Fotográfica. Recibió el título de Periodista de Honor y la Medalla de Plata al Mérito en el Trabajo.

          En 2010, su figura ha sido recuperada, junto con la de otros tres fotógrafos citados anteriormente, en el documental Héroes sin armas,​ que relata el trabajo que realizaron estos tres fotógrafos durante la Guerra Civil española y, especialmente, en el Frente de Madrid.

          Referencias

          Libros

          ↧

          Maria Svarbova

          August 8, 2017, 11:00 pm
          $
          0
          0

          Maria Svarbova es una fotógrafa eslovaca (nacida en 1988 en Slepcany, vive en Bratislava) cuyas fotografías se asemejan a un sueño que mezcla la realidad con elementos del surrealismo y del Art Nouveau. Sus últimas fotografías se centran en el minimalismo y la pureza.

          © Maria Svarbova

          © Maria Svarbova

          Biografía

          Mária Švarbová terminó sus estudios universitarios de restauración y arqueología, dedicándose a la fotografía desde 2010. Desde el principio ha desarrollado un estilo propio y diferenciado, partiendo de los retratos tradicionales para centrarse en la experimentación con el espacio, el color y la atmósfera. Su interés por la arquitectura y los espacios públicos, generalmente los construidos en la era socialista, le ha llevado a crear escenarios únicos. El cuerpo humano en sus fotografías es más o menos un apoyo, sin individualidad ni emociones. Gracias a una cuidadosa composición, las figuras crean escenas que parecen sueños a través de objetos ordinarios, con una tensión silenciosa, el drama se oculta bajo una superficie limpia y lisa.

          Incluso en sus obras más ornamentales y nostálgicas hay una sensación de frío desapego. Acciones cotidianas como el deporte o la visita médica se congelan en un momento, dando un nuevo significado a la escena. Los suaves pasteles, la geometría y la pureza visual dan una sensación de orden ultramundano, placer visual inalterable que es inalcanzable en la vida real. A través de sus fotografías, Maria detiene el tiempo y comparte su visión: no tiene miedo de abordar la soledad y el aislamiento, sin embargo, decide celebrar su belleza tranquila y tranquila.

          Desde 2010, se ha centrado en el desarrollo de su propio lenguaje fotográfico, obteniendo rápidamente el reconocimiento internacional. Entre sus premios, exposiciones individuales y grupales, su trabajo ha aparecido en Vogue,  Forbes, The Guardian, EL Pais, Leica, La Republica, Internazionale, Vogue Korea, Vogue Italia, Cosmopolitan, Harper's bazaar, Behance, Instagram, Instragram Russia, iGnant, Fubiz,  Him Production y otras publicaciones. Lo más destacado de su trabajo comercial incluye el encargo para el cartel promocional del gigantesco rascacielos Taipei 101 en Taiwan.

          Sus fotos han sido utilizadas como portadas para varios libros de gran éxito de autores de talla mundial y una de sus obras fue seleccionada para la portada de la prestigiosa revista de fotografía DODHO. También ganó la medalla de oro en el Trierenberg Super Circuit que tuvo lugar en Austria. Ganó el International Photography Award de 2016.

          Referencias

          ↧

          Martín Molinero

          August 9, 2017, 11:00 pm
          $
          0
          0

          Martín Molinero es un fotógrafo argentino (nacido en Buenos Aires, vive en Madrid, España) que realiza fotografía de calle. A través de sus ojos, la soledad, la fragilidad, la sorpresa, las preocupaciones y cualquier sentimiento que alguien tiene en un momento, ya no desaparecen en el olvido, capturados por su cámara.

          © Martín Molinero

          © Martín Molinero

          Biografía

          Martín Molinero nació y creció en Buenos Aires. Su predilección por la fotografía de calle no fue una elección. Cuando tenía 17 años su tío le introdujo en la fotografía y le enseñó los principios técnicos y que era un medio para la auto-expresión y el auto-conocimiento. Como hacía largas caminatas (20 o 30 kilómetros) en Buenos Aires, la combinación de fotografía y caminar era muy natural que le llevara a la fotografía de calle. Con su vieja y oxidada Canon AE-1 y una lente de 50mm, tomaba instantáneas y disfrutaba de revelar sus propias fotos en ByN.

          Luego vino la crisis económica argentina (1999-2002) y en 2003 se trasladó a Barcelona, abandonando su equipo fotográfico (y muchas cosas más) en Buenos Aires, comenzando una nueva vida en España, y deseando volver a la fotografía, pero siempre estaba demasiado ocupado luchando por sobrevivir para tener tiempo de sobra para sus paseos fotográficos económicamente improductivos. En 2010 su esposa le dio una Nikon D90 como regalo de cumpleaños y desde entonces está de nuevo en el juego.

          Sus fotos son de naturaleza contemplativa y temporal. Aunque los momentos callejeros son pasajeros, se tiene la sensación de que muchos han sido cuidadosamente capturados buscando algo más profundo. Martín habla de la lectura entre las líneas de la vida: Una especie de subtexto detrás de la acción que se desarrolla. El resultado es a menudo pequeños, pero frágiles y vulnerables momentos de la vida de las personas que de alguna manera te tocan.

          Tras residir en Barcelona unos catorce años ha comenzado una nueva etapa de su vida en Madrid. Ha sido miembro del colectivo Calle 35 aunque ahora mismo forma parte del colectivo internacional de street photographers denominado VIVO.

          Referencias

          ↧
          Viewing all 2506 articles
          Browse latest View live
          Search