Seiji Kurata es un fotógrafo japonés (nacido en 1945 en Chuo-ku, Tokio) que se ha caracterizado por su fotografía de calle reflejando los personajes de los bajos fondos de Japón.

© Seiji Kurata

Biografía

Seiji Kurata se graduó de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio en 1968. Enseñó en la escuela secundaria y trabajó en pintura al óleo, la impresión y en películas experimentales. Cuando tenía 30 años decidió dejar su trabajo en una pequeña fábrica de termóstatos y se dio a sí mismo un año para perseguir su nueva pasión, las películas de 8 mm, que hacía como hobby mientras trabajaba. Pero un amigo le presentó la película fotográfica de 35 mm, el proceso del cuarto oscuro, así como una fuente de inspiración: Daidō Moriyama, con el que realizó un taller de fotografía en 1976 que duraba un año, y con el que comenzó a fotografiar las calles de Ikebukuro en el noroeste de Tokio por la noche, usando una cámara de formato medio Asahi Pentax 6x7cm.

Kurata ganó el 5º Kimura Ihei Award en 1980 por su primer libro, Flash Up. Para las fotografías en blanco y negro del libro, Kurata usó flash y una cámara de formato medio, creando un retrato detallado del mundo de los bōsōzoku, gangsters, derechistas, strippers, travestis, y demás habitantes de los suburbios japoneses. Como indican Parr y Badger son temas antiguos, pero un trabajo muy pulido y detallado, para el que Kurata tiene un instinto infalible y que continuó en otra series como Photo Cabaret, 80's Family y Japón, que ganó el premio Kodansha Publishing Culture.

Kurata ganó el premio PSJ en 1992. Tras una larga estancia en Mongolia en 1994 publicó el libro Trans-Asia que continuó el trabajo de color del continente asiático que comenzó con Dai-Asia en 1990.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las permanentes del ICP en Nueva York, el Museo de Brooklyn y el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio.

Referencias

• su página web www.seijikurata.com (EN, JP [?f]),
• Seiji Kurata en wikipedia (EN),
• The Tattooed Man: Seiji Kurata and 'Flash Up' en phillips (EN [4f]),
• Seiji Kurata: Shashin Workshop No. 8 1976 en americansuburbx (EN [7f]),
• Seiji Kurata en zenfotogalleryartists (EN [5f]),
• Seiji Kurata en thegorgeousdaily (EN [22f]),
• The erotic tension: Seiji Kurata en alexcoghe (EN [22f]),
• Seiji Kurata. Toshi no Zokei en superlabo (EN [3f]),
• Seiji Kurata en mutualart (EN [6f]),
• Seiji Kurata: Toshi no Zokei en shashasha (EN [10f]),
• Seiji Kurata - Flash Up en josefchladek (EN [12f]).

Libros

• 1980, Flash Up: Street Photo Random Tokyo 1975–1979
• 1983, Photo Cabaret
• 1990, Dai-Asia
• 1991, 80s Family
• 1995, Trans-Asia
• 1998, Japan
• 2000, Quest for Eros
• 2013, Trans-Asia, again!
• 2013, Flash Up (re-edición),
• 2015, Toshi no zokei.

Chris Schoonover es un fotógrafo estadounidense (nacido en Hammonton, New Jersey, vive en Nueva York) cuya obra sigue una línea temática de viajes y retratos, utilizando la fotografía como un medio para la resolución de sus problemas personales, y por su necesidad de compartir.

© Chris Schoonover

Biografía

Christopher Schoonover es un fotógrafo muy presente en Instagram, donde comenzó con su iPhone, pero no sólo realiza sus instantáneas diarias, sino que crea proyectos inspirados y elaborados con su réflex digital, rodando en Coney Island, Islandia o Rockaway Beach. Se centra principalmente en la fotografía de retrato mientras que ha desarrolló un estilo muy característico, .elegante, limpio en la composición, minimalista y en color.

Su trabajo es un híbrido magníficamente ejecutado entre un diario de viajes y el retrato de moda. Fotografiando el mundo que lo rodea de una manera rica y saturada, casi cinematográfica, coge lo cotidiano y lo convierte en interesante.

Sus imágenes brillantes suelen tener un brillo retro, por su fuerte atracción hacia los años 60/80. Considera esa época como realmente importante para el estilo, la música, el arte y la cultura. Su inspiración, sin embargo, proviene tanto del pasado como del presente, leyendo muchos libros de fotografía de moda y navegando por Tumblr sin cesar.

Ha publicado en revistas como W Magazine, Spex No.369, Nylon, y ha realizado campañas para clientes como Gap, Stella Artois, Google, J. Crew, VSCO y New Balance.

Referencias

• su página web cschoonover.com (EN [?f]),
• Chris Schoonover en instagram (EN [+2.000f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• Chris Schoonover en flickr (EN [+500f]),
• Chris Schoonover en vsco (EN [?f]),
• Chris Schoonover en society6 (EN [?f]),
• @ChrisSchoonover en twitter (EN [?f]),
• Portrait Photograpy by Chris Schoonover en ignant (EN [19f]),
• Photographer Chris Schoonover explores the vastness of nature in Iceland en fanthefiremagazine (EN [9f]),
• Bright visuals with a retro sheen from photographer Christopher Schoonover en itsnicethat(EN [15f]),
• Chris Schoonover: menos es más. en revistapicnic [10f],
• Best Of Instagram Portrait Photography en forbes (EN [4f]),
• Chris Schoonover en arcademi (EN [10f]),
• Chris Schoonover en elsakawai (EN [18f]).

José Ignacio Lobo Altuna es un fotógrafo vasco (nacido en Tolosa, Gipuzkoa, en 1967, vive en Berastegi) cuyas fotografías tienen un carácter documental, entre el fotoperiodismo y el ensayo fotográfico, con una mirada arriesgada que ahonda en la dolorosa verdad.

© José Ignacio Lobo Altuna

Biografía

José Ignacio Lobo Altuna realizó sus primeros acercamientos a la fotografía en 1981, estableciéndose profesionalmente como fotógrafo en 1987. Su formación es autodidacta y en 1988 fundó la galería Irudi en Tolosa, dedicándose desde entonces a impartir talleres, cursos temáticos y a programar exposiciones sobre fotografía, tanto en su localidad natal, como en el Aula de Cultura de Getxo y en el Museo de Reproducciones Artísticas de Bilbao. Como fotógrafo freelance fue colaborador de la agencia Stock Photos y del diario El Correo. Ha sido fotógrafo de la Universidad del País Vasco y es editor gráfico del Diario Vasco.

De formación autodidacta, sus imágenes se centran en la especie humana. Narra fotográficamente lo que queda velado para el forastero o lo que todo el mundo conoce pero sobre lo que no se habla. Los carnavales, los hospitales, las tradiciones vascas, las peregrinaciones, los "milagreros" son los temas habituales de sus instantáneas.

Entre sus series y exposiciones más importantes podemos citar:

• La corte de los milagros, expuesta en 1990 en el Museo de Arte e Historia de Durango, y en 1991 en la Sociedad Fotográfica de Guadalajara.
• Muga en el horizonte que se presentó en 1994 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.
• Ave María, que trata de los lugares dónde supuestamente se ha aparecido la Virgen, expuesta en diversos lugares del País Vasco.
• Herri kirolak, expuesta inicialmente en el Photomuseum de Zarautz en 1997.
• Participa en 1997 en la exposición colectiva de fotógrafos vascos Aurrez-aurre, organizada por Ongarri de Elgoibar.
• En 1999 el Festival Visa pour L'Image proyectó su trabajo Juegos de mano.
• La exposición colectiva Horizontes. Seis mundos fotográficos, realizada en el FNAC de Madrid en 2002, recogió una serie de fotografías de su serie Deportes Vascos.
• En 2002 la Sala de Cultura de Elgoibar, presentó, organizado por Ongarri,Del mirar de frente, un compendio de sus diferentes trabajos.
• En 2008, en GetxoPhoto expuso Bartlebooth In Memoriam, una obra que refleja la transformación que ha sufrido durante los últimos años un espacio emblemático del centro de Las Arenas, clave en la vida de muchos getxotarras, como el autor que vivió allí más de 30 años.

En 1995 fue finalista del Premio Internacional de Fotoperiodismo Agfa en Herten, Alemania. Además, cuenta en su haber con una Beca FotoPres (1993) y con el 3º premio del mismo certamen en 1997. Ese mismo año, fue seleccionado por la World Press Photo Foundation para participar en la Joop Swart Masterclass en Róterdam, Holanda.    
     
      

Referencias

• José Ignacio Lobo Altuna en euskomedia,
• José Ignacio Lobo Altuna: del mirar de frente. en cervantes [32f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• Máquinas toman Zubieta en diariovasco [11f],
• El Movistar reconoce la subida a la Antigua en diariovasco [20f],
• Lobo Altuna en lafabrica [2f],
• Lobo Altuna: Bartlebooth in Memoriam en getxophoto [1f],   
• Lobo Altuna en daviddejorge [2f].

Libros

• La muga en el horizonte, 1994
• Lobo Altuna. PHotoBolsillo, 2001.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
• Casa Marcial - La cocina de Nacho Manzano, con Benjamín Lana, 2016. 
  

Marcelo Caballero es un fotógrafo, periodista, incansable viajero y activo blogero argentino (vive en Figueres, Cataluña, España) que realiza fotografía de calle.

La Habana© Marcelo Caballero

Biografía

Marcelo Caballero se graduó en 1992 en la Facultad de Periodismo de La Plata (Argentina). Posteriormente, y durante varios años, compaginó sus trabajos como docente de talleres de literatura contemporánea y semiótica visual en su facultad con colaboraciones en diarios argentinos como Clarin, El Día y revistas de viaje como Tiempo de Aventura.

Después de largos periplos por América del sur y Asia decidió dedicarse completamente a la fotografía. Para ello, en el 2007 se trasladó a Cataluña, España, y realizó varios talleres con renombrados fotógrafos como Rafa Badia, José Manuel Naviay Tino Soriano que no hicieron más que reforzar su camino por la fotografía documental. Entre otras cosas, en el 2010 cofundó el primer colectivo de fotografía urbana en España: Calle 35.

Ha expuesto su trabajo en Barcelona, Las Palmas, Ciudad Real, Miami, Perpiñán y Buenos Aires. Ha participó en festivales de fotografía como Ojo de Pez Photo Meeting, Biennal Xavier Miserachs, DOCfield y Visa Off.

En 2013 consiguió un 3º premio en el Street Photography FujiFilm de Barcelona. En 2015 publicó su primer libro: Colores Humanos. Y en el 2016, resultó finalista del Miami Street Photography Festival 2016.

En la actualidad colabora con revistas y agencias fotográficas europeas, realiza talleres y charlas sobre fotografía y escribe sobre fotografía documental en su blog: Miradas Cómplices.

En 2017 junto con un grupo de fotógrafos ha dado vida a Quitar Fotos que se expresa como un espacio de diálogo y difusión de propuestas visuales documentales.

Referencias

• su página web www.marcelocaballero.com [?f],
• su blog [?f],
• Miradas Cómplices [?f],
• Marcelo Caballero en flickr [+290f],
• Marcelo Caballero en quitarfotos [?f],
• Marcelo Caballero. Colores humanos en efti [7f 1v],
• Marcelo Caballero en photocertamen [8f],
• El arte de lo particular a lo general en calle35 [?f],
• Fotógrafos de calle (II): 13 fotógrafos españoles a los que seguir la pista en xatakafoto [1f],
• Finalistas: Marcelo Caballero en miamistreetphotographyfestival (EN [?f]),
• Taller de street photography a cargo de Marcelo Caballero en blackkamera [?f],
• Marcelo Caballero en google [?f],
• @MarcelCaballero en twitter [?f],
• Marcelo Caballero en facebook [?f].

Libros

• Colores Humanos, 2015.

Sohei Nishino es un fotógrafo japonés (nacido en Hyogo in 1982, vive en Kanazawa y Shizuoka) que durante los últimos 10 años, ha viajado por el mundo produciendo a mano mapas de unas 16 grandes ciudades, a base del collage de unas 10.000 fotografías por ciudad. 

San Francisco © Sohei Nishino

Biografía

Sohei Nishino siempre sintió fascinación por dibujar porque su abuelo fue un artista. Por supuesto, una fotografía es como dibujar con el sol. Tras la escuela secundaria, en su viaje de graduación, hizo una peregrinación a los 88 templos de la isla de Shikoku, caminando mucho y también haciendo muchas fotografías: fue el momento en que se enamoró de caminar y fotografiar.

Desde entonces, caminar ha sido fundamental para todo lo que hace. Cuando camina, su cabeza siempre se vuelve más clara: las distracciones desaparecen y puede concentrarse en las ideas. Primero camina, después fotografía, y ambas cosas siempre vienen antes que las palabras.

Se graduó de la Universidad de las Artes de Osaka en 2004, cuando comenzó a trabajar en su serie de Diorama Map. Se dio cuenta de que estaba mucho más interesado en la masa de fotografías no seleccionadas, que en las pocas escogidas para ser exhibidas. Para él, la selección entera era más la representación verdadera de su trabajo que la edición final refinada de una fotografía. Esto, junto con su amor por caminar y la influencia del cartografista y topógrafo japonés del siglo XVIII Inō Tadataka, le llevó a la creación del primer mapa/diorama de la ciudad de Osaka.

Al hacer sus mapa/diorama, Nishino combina la fotografía, el collage, la cartografía y la psicogeografía para crear grandes impresiones de paisajes urbanos. Camina por las calles de una ciudad una media de tres meses, explorando muchos puntos de vista y reuniendo cientos de rollos de película expuesta. A continuación, imprime cuidadosamente las fotografías (unas 10.000) a mano y las compila para formar los murales que utilizará como base para sus fotografías de edición limitada.

El efecto general no es una vista de pájaro tradicional, sino una forma ilustrada de ver tres dimensiones en un plano. Aunque la precisión geográfica es importante en este proceso, las escalas se alteran y las ubicaciones se repiten ocasionalmente, imitando nuestros propios recuerdos fluidos de lugar y tiempo. Desde la distancia los mapas son casi abstractos, no es hasta que los examinamos en detalle que el diorama completo se desarrolla mostrando el teatro de la ciudad en miniatura. Así ha creado hasta 16 mapas de ciudades de todo el mundo (dos de ellos en color, i-LAND y Night).

Desde entonces, ha participado también en varias exposiciones colectivas, festivales y exposiciones individuales: Daegu Photo Biennale en Korea en 2010,  Hong Kong International Art Fair, Seoul Photo,  Out of Focus en Saatchi Gallery en Londres en 2012, Contemporary Japanese Photography vol.10 en el  Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio en 2012, A Different Kind of Order en la ICP Triennial en Nueva York en 2013, New Dioramas en la Michael Hoppen Gallery de Londres en 2015, New Work en el San Francisco Museum of Modern Art en 2016, Bricolage en la Bryce Wolkowitz Gallery de Nueva York en 2017.

También ha obtenido numerosos premios, entre ellos el President Award de la Universidad de Artes de Osaka (2004), el Premio de la Asociación de Fotógrafos japonesesYoung Eye (2005), el Canon New Cosmos Photography Award (2005), Photographic Society of Japan: Newcomer's Award y Foam Talents Call (2013) y Sagamihara Newcomer's Award (2016).

Referencias

• su página web soheinishino.net (EN [?f]),
• Sohei Nishino en instagram (EN [+190f]),
• Sohei Nishino en vimeo (EN [21v]),
• Sohei Nishino en michaelhoppengallery (EN [+10f]),
• New Work: Sohei Nishino en sfmoma (EN [4f 1v]),
• Sohei Nishino: Diorama City Maps en lensculture (EN [27f]),
• Sohei Nishino en saatchigallery (EN [3f]),
• Sohei Nishino, Bricolage en loeildelaphotographie (EN [5f]),
• Sohei Nishino: How the Diorama Map was made en telegraph (EN [1v]),
• Sohei Nishino en brycewolkowitz (EN [6f]),
• Sohei Nishino en wired (EN [10f]),
• Sohei Nishino. Cartografías imaginarias en lamiradadelmamut [5f],
• @soheinishino en twitter (JP [?f]),
• Sohei Nishino en facebook (EN, JP [?f]).

Libros

• Sohei Nishino. Tokyo, 2016.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Juan Ruiz de Luna Rojas fue un pintor, ceramista y fotógrafo español (nacido en Noez, Toledo, el 12 de julio de 1863, fallecido en Talavera de la Reina el 25 de septiembre de 1945) heredero de la tradición cerámica de Talavera de la Reina, que tanta fama adquirió en la España del Siglo de Oro. Fiel a su estilo supo interpretar su naturaleza elevándola a la máxima expresión del arte en cerámica.

Sorolla pintando en Lagartera © Juan Ruiz de Luna

Biografía

Juan Ruiz Luna pasó su infancia y juventud en su pueblo natal, ayudando a sus padres, de condición muy humilde. Se dedicaban a la fabricación de castañuelas, oficio muy habitual entre los vecinos de Noez que lo ejercían cuando no había jornales en el campo. Desde muy pequeño dio muestras de su buena disposición para las artes, alentado por sus hermanos Jerónimo y Emilio que ejercían la profesión de pintores decoradores en Madrid, y con los que se reunió en Talavera con 17 años, aprendiendo todas las modalidades del oficio y otras como la pintura escenográfica, dorado de retablos y restauración de imágenes religiosas.

En el año 1885 murieron su madre en Noez y sus hermanos Emilio y Jerónimo en Talavera, a causa del cólera, así que con 22 años se encontró solo en Talavera, sin saber qué destino tomar, sufriendo además la discriminación que le suponía no ser hijo del pueblo para poder trabajar libremente en su oficio. Decidió quedarse, apartando a un lado sus sueños de ser pintor. Pasó dos años de muy duros trabajos para poder mantener el estudio de pintura y decoración que le dejaron sus hermanos, pero lo consiguió.

Hacia 1890 se asoció con su amigo Juan José Perales, que viajó a Madrid para aprender la técnica fotográfica, para poner en marcha un estudio de fotografía aprovechando el vacío que el sector presentaba en la ciudad. La sociedad Perales-Ruiz de Luna se mantuvo hasta 1895 aproximadamente, dedicada al retrato individual y familiar de estudio. A partir de entonces Ruiz de Luna se interesó por la capacidad creativa de la fotografía y destacó especialmente en composición e iluminación.

En 1902 amplia el repertorio de su actividad fotográfica: 1ª colección de Fotos-Postales de Talavera de la Reina, tarjetas de visita, edición de postales de monumentos, calles, plazas, puentes, rio Tajo en varias series de más de cuarenta imágenes, fotografías de los talleres de cerámica, su proceso productivo, sala de exposiciones, visitas de personalidades como la Infanta Isabel o la Reina de Rumania, escenas de la vida cotidiana de Talavera de la Reina, el mercado, inauguración del puente de hierro, etc., que constituyen un excepcional documento histórico de la época. Colaboró también con la prensa de la época: ABC, Castilla, El Castellano Gráfico, Toledo, etc

En 1907 compaginaba en su nuevo estudio sus trabajos de pintura con los de fotografía. Se abastecía de material enviado desde Francia por los hermanos Lumière, que le ofrecieron la posibilidad de implantar el cinematógrafo en España, pero lo declinó por falta de presupuesto y porque ya en esas fechas tenía la intención de llevar a cabo el resurgimiento de la cerámica de Talavera, desaparecida con la Guerra de la Independencia. Ruiz de Lunadescubrió asombrado la riqueza y esplendor de una artesanía que tuvo un pasado glorioso y que se encontraba en franca decadencia. Tras recopilar y coleccionar multitud de piezas se propuso devolver a la cerámica su magnificencia de antaño y en 1908 nació su alfar de Nuestra Señora del Prado.

Su progresiva implicación en la fabricación de cerámica comenzó a restar tiempo a su actividad como fotógrafo. Sin embargo, dejó un importante patrimonio documental de la ciudad de Talavera y sus alrededores, siendo suministrador de fotos de tipos populares castellanos al pintor Joaquín Sorolla, quien los reflejó en sus lienzos. El Museo Ruiz de Luna de Talavera de la Reina alberga su colección de cerámicas y fotografías.

Referencias

• Juan Ruiz de Luna en wikipedia [32f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• Juan Ruiz de Luna, fotógrafo en abc [1f],
• Juan Ruiz de Luna Rojas en retabloceramico [2f],
• Juan Ruiz de Luna en arteclm [1f],
• El Museo Casa Ibáñez ingresa dos fotos de Ruiz de Luna en su colección en teleprensa [1f].

Libros

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.
• La llamada de la luz,  2007
• Imágenes de una ciudad y sus gentes. Fotografía en Talavera de la Reina [1857-1950], 1997
• Talavera y los Ruiz de Luna, 1989.

Graciela Magnoni es una fotógrafa francesa-uruguaya-brasileña (nacida en Montevideo, Uruguay, vive actualmente en Singapur) que recorre el mundo retratando momentos, escenas, personajes, situaciones del día a  día que cuando reúnen algo especial, se convierten en eventos visuales. Siempre persiguiendo la luz por las calles entre personajes interesantes que pueden transformar una escena banal en una imagen extraordinaria.

© Graciela Magnoni

Mi obsesión es conseguir una imagen bella, fuerte que transporte al observador a un mundo imaginario. Quizás todo ello se haga posible, con un pequeño detalle que la distingue de todas las demás.

Biografía

Graciela Magnoni nació en Uruguay, pero a los 2 meses ya comenzó su vida nómada, pasando su infancia moviéndose de un país a otro, del mundo en desarrollo al mundo desarrollado y viceversa. Aunque en ese momento parecía una vida disfuncional, fue una infancia increíblemente interesante con la fortuna de haber experimentado una vida sin fronteras. Pasó su adolescencia en París. Viajar y fotografiar han sido una obsesión desde los 15 años. Cuando se convirtió en adulta no podía dejar de subir a aviones y vivir en un nuevo lugar. 

Comenzó su carrera en la prensa en Brasil, pasando de fotografiar en un pequeño periódico político a la prensa principal. En 1990 se trasladó a Nueva York y trabajó para unos cuantos periódicos y revistas brasileños y argentinos que cubrían las noticias. Era bastante apasionada y obsesionada por la fotografía, pero en 1996 dejó de fotografiar por motivos personales y logísticos.

En 2003 se mudó a Singapur y después empezó a fotografiar ya en digital y de manera personal, lo que permitió que su creatividad y estilo se desarrollaran, fotografiando las calles de muchas ciudades de la región, especialmente en ciudades y pueblos de la India, que le encantan. Hay momentos en que una escena totalmente banal es transformada por la cámara en una imagen cautivadora. Ese es el tipo de imágenes que busca.

Tiene una Licenciatura en Periodismo y un master en Comunicación Visual e Internacional por la Universidad de Minnesota  y ha participado en varios talleres magníficos del fotógrafo Nikos Economopoulos. Es miembro del colectivo de fotografía de calle In-Public.

Referencias

• su página web gracielamagnoni.com (EN [?f]),
• Graciela Magnoni en instagram (EN [+200f]),
• Graciela Magnoni en in-public (EN [28f]),
• “La imperfección de una imagen es parte de su éxito” Graciela Magnoni en quitarfotos [5f],
• Graciela Magnoni en lensculture (EN [+90f]),
• Graciela Magnoni: cidadã do mundo en estadao (PB [12f]),
• Announcing the Winners, Finalists, Jurors’ Picks, & Top 100 2016 en lensculture (EN [3f]),
• Havana, a Slice of the Fifties by Graciela Magnoni en foto8 (EN [44f]),
• Graciela Magnoni en artonapostcard (EN [4f]),
• Nueva incorporación a Calle 35: Graciela Magnoni en calle35 [5f],
• The female street photographers of Instagram – in pictures en theguardian (EN [1f]),
• Graciela Magnoni en streetlondon (EN [5f]),
• Fotógrafos de calle (y III): 13 fotógrafos internacionales para inspirarnos y aprender en xatakafoto [1f],
• 5 Fotógrafas en el Top de la fotografía de calle en blackkamera [3f],
• Graciela Magnoni en facebook (EN [?f]).

Pau Buscató es un fotógrafo catalán (nacido en 1975 en Barcelona, vive en Oslo, Noruega) que realiza fotografía de calle.

© Pau Buscató

Biografía

Pau Llobet Buscató nació en Barcelona, donde vivió hasta los 8 años cuando su familia se mudó a la isla de fascinante belleza que es Ibiza, viviendo en un pueblo muy pequeño, rodeado por el típico paisaje rural de olivos, almendros e higueras, y un montón de espacio para jugar. Tras 9 años allí volvió a Barcelona a estudiar arquitectura siguiendo los pasos de su padre.

Se trasladó a Oslo en 2009 por trabajo. Compró su primera cámara “seria”, una Nikon D90, en 2010, y estuvo 2 años probando un poco de todo, haciendo fotos muy aburridas y cayendo en todos los lugares comunes y clichés. En 2012 su trabajo se le hizo muy cuesta arriba, y comenzó un profundo proceso de transformación en el que la fotografía ha tomado un papel central, acercándose más a la fotografía de calle. Simplificó su equipo al máximo, comprándose una cámara telemétrica analógica, un objetivo, un montón de carretes Tri-X y material para revelar en casa, y estuvo un año aprendiendo mucho y disfrutando, aunque casi todas sus fotos se limitaban a ejercicios de luz y composición bastante simples.

Al cabo de un tiempo empezó a fijarse en la foto de calle más contemporánea, en especial en aquella con cierto acento británico que llegaba, principalmente del colectivo iN-PUBLiC y en 2014 dejó el blanco y negro y empezó a trabajar sólo en color.

La fotografía callejera es su manera de explorar la naturaleza mundana de la vida. Le ayuda a estar más en contacto con el mundo y al mismo tiempo a escapar de sus limitaciones. Cree que si rascamos bajo la superficie de nuestros eventos de la vida cotidiana, es posible desvelar un "mundo detrás del mundo" en el que ocurren cosas extraordinarias y, a través de la fotografía, trata de tener tantas visones como sea posible de esa trans-realidad, y la mejor manera de lograrlo es mirando a lo familiar, a lo cotidiano, con ojos frescos y una mente abierta.

Esa es la manera que tiene de escapar de nuestras limitaciones temporales y espaciales mundanas, y de salvarse de la aplastante seriedad del mundo. En sus fotos a menudo juega con ideas de manera humorística o imaginativa y deja que una dimensión ilógica se infiltre, subvirtiendo la realidad cotidiana y experimentando una excepción a las reglas.

Es miembro del colectivo internacional de fotografía Burn My Eye.

Su lista de reconocimientos y premios es extensa, desde ser finalista en EyeEm international photo competition / Street Photography (2014) hasta ser primer y segundo premio en el London Photo Festival Street Photography (2016) o finalista en el Miami Street Photography Festival en los años 2014 y 2016, entre otros.

Referencias

• su página web www.buscato.net (EN [+50f]),
• Pau Buscató en instagram [+90f],
• Pau Buscató en flickr [+300f],
• Pau Buscató en eyeem [+100f],
• Pau Buscató en burnmyeye (EN [+40f]),
• Interview with Pau Buscató en in-public (EN [6f]),
• "La fotografía estará a salvo siempre que haya gente que la ame". Pau Buscató en quitarfotos [4f],
• Un fotografo callejero en 5 preguntas - Pau Buscató en gaelporlascalles [3f],
• Pau Buscató: Descubre a uno de los mejores fotógrafos callejeros españoles en oldskull [20f],
• Pau Buscató en urbanpicnic-streetphotography (EN [?f]),
• Pau Ll. Buscató – An Architect who Passionate in Street Photography en 121clicks (EN [30f]),
• Pau Buscató en life-framer (EN [8f]),
• 10 Consejos de Fotografía de calle por Pau Buscató en rubixephoto [3f],
• Pau Buscató en google+ [?f],
• @paubuscato en twitter (EN, ES [?f]),
• Pau Buscató en facebook [?f].

Caspar Claasen es un fotógrafo holandés (vive en Ámsterdam) que realiza fotografía de calle, documentando los diferentes aspectos de la soledad, explorando la capacidad de la cámara para aislar y expresar momentos privados de aislamiento experimentados por sujetos tanto jóvenes como viejos, humanos y no humanos.

© Caspar Claasen

Biografía

Caspar Claasen está fascinado por las interacciones extraordinarias entre las personas, a menudo en soledad, y su entorno cotidiano y por cómo un momento aparentemente cotidiano puede convertirse en un cuento corto cuando es fotografiado. Puede parecer que ese momento capturado, tan surrealista, significativo, estético o humorístico está preparado, pero no es así. Cuando consigue esto es un momento emocionante.

Durante los últimos años, Claasen ha estado documentando los diferentes aspectos de la soledad, explorando la capacidad de la cámara para aislar y expresar momentos privados de desprendimiento experimentados por sujetos tanto jóvenes como viejos, humanos y no humanos. Esta búsqueda le ha llevado a realizar una serie, Even firemen, más conceptual con su hija como modelo, también sobre el tema de la soledad.

Su trabajo ha sido publicado en diversas revistas como Harper's Magazine, GUP Magazine, Trouw, NRC-next, iGNANT,  Booooooom, De Correspondent, The Street Photographer's Manual, Feature Shoot, New Dawn Paper, ERECT Magazine,  La Repubblica,…

Referencias

• su página web casparclaasen.com (EN [?f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• Caspar Claasen en instagram (EN [+450f]),
• Caspar Claasen en flickr (EN [+600f]),
• Het straatbeeld volgens Caspar Claasen en vice (NL [12f]),
• Caspar Claasen en lensculture (EN [50f]),
• Candid photography by Caspar Claasen en lostateminor (EN [7f]),
• Caspar Claasen en ignant (EN [13f]),
• Caspar's Stories en phmuseum (EN [60f]),
• Moments of Detachment and Solitude Captured by Street Photographer Caspar Claasen en featureshoot (EN [8f]),
• Caspar Claasen - Sporting en newdawnpaper (NL [8f]),
• Chisinau, Moldova en gupmagazine (EN [8f]),
• Caspar Claasen en file-magazine (EN [5f]),
• Caspar Claasen en photogrist (EN [12f]),
• Caspar Claasen en booooooom (EN [10f]),
• @casparclaasen en twitter (EN, NL [?f]),
• Caspar Claasen en facebook (EN, NL [?f]).

José F. Aguayo fue un torero y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1911, fallecido en 1999 también en Madrid) que realizó labores de fotografía fija y de director de fotografía en una gran cantidad de películas españolas desde los años 40 a los 60.

José F. Aguayo

Biografía

José Fernández Aguayo fue hijo del fotógrafo taurino Baldomero Fernández Raigón yentró en contacto con la fotografía a los nueve años como ayudante de su padre en el laboratorio. Durante su adolescencia fue torero profesional, carrera que comenzó con 13 años y abandonó en 1933, después de sufrir tres graves cogidas y también por su escasa estatura. A partir de este momento, que coincidió con la llegada del cine sonoro a España, comenzó a trabajar como reportero gráfico especializado en corridas de toros.

En 1935 realizó un reportaje sobre el rodaje del Currito de la Cruz de Fernando Delgado, trabajo que lo llevó a ser contratado para foto-fija por el operador alemán Enrique Guerner, del que luego sería discípulo y uno de sus más destacados discípulos. Durante la Guerra Civil española participó en los noticieros republicanos, lo que le originó algunas dificultades en la posguerra para incorporarse al trabajo, pero las depuraciones en el terreno cinematográfico fueron mínimas, consiguiendo dedicarse a la dirección de fotografía en cine y a la docencia en la Escuela Oficial de Cinematografía (entre 1958-76).

A lo largo de casi 50 años de trabajo, participó en más de 100 películas españolas como director de fotografía. Debutó en 1945 con Castañuela, del director Ramón Torrado, y colaboró con Juan de Orduña en algunos de los grandes éxitos del cine de posguerra, como La Lola se va a los puertos (1947), Locura de amor (1948) y El último cuplé (1957). También participó en otros títulos destacados como Maribel y la extraña familia (1960), de José María Forqué; Mi calle (1960), la última película del director Edgar Neville, y El extraño viaje (1964), de Fernando Fernán-Gómez. Trabajó junto a Luis Buñuel en Viridiana (1961) y Tristana (1970), dos de las grandes obras maestras del director.

En 1987 recibió el Goya de las Artes y Ciencias Cinematográficas, y en 1996 la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes. Tres años antes de morir, la película José F. Aguayo: imágenes del cine español y la exposición en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid le rindió un último homenaje.

Referencias

• José F. Aguayo en wikipedia,
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
• José F. Aguayo, 50 años detrás de la cámara en elpais,
• Locura de Amor (1948) en galeon [8f],
• La Lola se va a los puertos en eldardodelapalabra [4f],
• Muere José Fernández Aguayo, un gran director de fotografía del cine español en elpais,
• Viridiama. Casting en mubi (EN [18f]).

Libros

• José F. Aguayo: imágenes del cine español, 1996.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Ormond Gigli es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1925 en Nueva York) reconocido por su fotografía de moda y  retratos de celebridades de los años 50 y 60.

Girls in the Windows, 1960 © Ormond Gigli

Biografía

Ormond Gigli nació en Nueva York en 1925 en el seno de una familia de clase trabajadora. Tuvo su primera cámara cuando era un adolescente, regalo de su padre que pidió prestado el dinero para comprarla. En la escuela secundaria, trabajó como asistente a varios fotógrafos, entre ellos, para Wilhela Cushman, una editora de moda del Ladies 'Home Journal, de quien aprendió sobre el mundo de la fotografía de moda.

Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo de fotógrafo e instructor aéreo en la Marina de los Estados Unidos y luego volvió a la vida civil para ir a la School of Modern Photography en Nueva York. A pesar de tener la posibilidad de trabajar  para el Ladies 'Home Journal se fue a París, donde vivió la vida del clásico artista muerto de hambre.

Viajó a España y Portugal, regresando a París con fotografías para la revista Life, que se las publicó y comenzó una carrera de éxito a principios de la década de los 50 por sus fotografías de teatro, danza, celebridades, personas y lugares exóticos. Su trabajo apareció asiduamente en las portadas y páginas editoriales de Life, Time, Paris Match, Colliers, Esquire y The Saturday Evening Post entre otras publicaciones internacionales.

Sus retratos, muy innovadores, incluyen a Sofía Loren (con 21 años), Anita Ekberg, Marcel Duchamp, John F. Kennedy, Halston, Gina Lollobrigida, Diana Vreeland, Giancarlo Giannini, Marlene Dietrich, Judy Garland, Sir Laurence Olivier, Alan Bates, Richard Burton, Willem de Kooning, Liza Minnelli, Louis Armstrong, Miles Davis y muchas más celebridades de su época.

Algunas de sus fotografías más gratificantes no han sido realizadas por encargo. A finales de los años 50, inició una ola de fotografías de proporciones épicas, incluyendo una de sus más famosas "auto-asignaciones", las ampliamente publicadas Girls in the Windows. Esta fotografía muestra a 43 mujeres de pie en las ventanas de tres edificios condenados a desaparecer en la calle de su estudio

Gigli trabajaba más como un director de cine que como un reportero gráfico. Su habilidad para ganarse la confianza de sus modelos para realizar complicadas, incómodas e incluso peligrosas configuraciones, era tan importante para las fotos como su habilidad técnica con la cámara.

Fue recibido entre bastidores en Broadway con la misma facilidad que en la vida privada de las celebridades. Durante los años 70 y 80, Gigli volvió a la fotografía publicitaria mientras continuaba su trabajo editorial. Sus trabajos le llevaron a viajar repetidas veces por todo el mundo. Hoy en día, sus fotografías se exponen en importantes galerías de todo el mundo, como podemos ver en las referencias que siguen.

Referencias

• Ormond Gigli en sohnfineart (EN [+50f]),
• Ormond Gigli en peterfetterman (EN [2f]),
• Ormond Gigli en staleywise (EN [9f]),
• Ormond Gigli en hlphotogallery (EN [10f]),
• Ormond Gigli en jacksonfineart (EN [4f]),
• Ormond Gigli en monroegallery (EN [3f]),
• Ormond Gigli en artnet (EN [9f]),
• Ormond Gigli en artsy (EN [10f]),
• Ormond Gigli en theprint-room (EN [8f]),
• “Girls in the Windows”: The Real Story Behind an Iconic New York Photo en time (EN [1f]),
• Ormond Gigli. Girls in the Windows and Other Stories en loeildelaphotographie (EN [7f]),
• Ormond Gigli's best photograph - Women in the windows in Manhattan en theguardian (EN [1f]),
• Ormond Gigli en culturainquieta [8f],
• Ormond Gigli en beetlesandhuxley (EN [1f]),
• Gigli's 1960 brownstone shot launched Madison Avenue career into orbit... en we-heart (EN [8f]).

Libros

• Ormond Gigli. Girls in the Windows and Other Stories.

Maria Plotnikova es una fotógrafa rusa (nacida en 1984 en Moscú) especialista en fotografía deportiva, que realiza también fotografía de calle.

© Maria Plotnikova

Biografía

Maria Plotnikova estudió filología en la Universidad Pedagógica Estatal de Moscú, y comenzó a trabajar como fotógrafa durante los estudios, encontrando poco a poco su género favorito, la fotografía deportiva. De 2006 a 2010 trabajó exclusivamente como fotógrafo deportivo en diversos medios de comunicación de Moscú, obteniendo numerosos premios en concursos rusos de fotoperiodismo. En 2007 se graduó en el curso anual de fotoperiodismo en la Universidad Estatal de Moscú.

En 2010 se trasladó a Buenos Aires, y luego a Sao Paulo, en Brasil. Mientras estaba en Buenos Aires, desarrolló un ensayo con el que registró su propia preparación para una carrera de formato olímpico en la que soñaba participar: la Maratón Internacional de Buenos Aires. Surgió de ese modo Maratón, su primer trabajo sobre un aspecto poco transitado habitualmente, el de la intimidad de la preparación previa a una prueba. Día tras día, semana tras semana, registró con mirada directa sus intensas jornadas de entrenamiento, un gran sacrificio hecho de rutina, cansancio, sobreexigencia y lesiones, que culminan con unas imágenes plenas de calma alegría y satisfacción al finalizar la competición.

En América Latina, se convirtió en fotógrafo freelance y se interesó por el género de la fotografía callejera. Desde 2012 es miembro del colectivo internacional deStreet Photographers. Entre sus premios podemos citar el 1º premio en series en el Festival de la Luz en Buenos Aires en 2012 con Marathon, y en 2013 en el Festival de Fotografía de calle de Moscú.

Actualmente coopera con algunos medios rusos, trabajando como fotógrafo deportivo en eventos deportivos tan importantes como los Juegos Olímpicos de Invierno en Sochi y Los juegos Olímpicos de Río de 2014 en Brasil.

Referencias

• su página web mariaplotnikova.com (EN, ES, RU [?f]),
• Maria Plotnikova en instagram (EN [+2.000f]),
• Maria Plotnikova (trípticos) en instagram (EN [+200f]),
• Maria Plotnikova en flickr (EN [+140f]),
• Maria Plotnikova en ugallery (EN [+82f]),
• Maria Plotnikova en lensculture (EN [35f]),
• Maria Plotnikova en nationalgeographic (EN [5f]),
• Las antiguas tradiciones rusas, vivas en América Latina en rbth [10f], 
• Pasión Carnavalesca en multimagen [6f],
• América del Sur, la gran casa del fútbol en sputniknews [13f],
• Maria Plotnikova Fotógrafa en hernanvilla [4f],
• Maria Plotnikova en facebook (RU [?f]).

Libros

Su fotografía ha aparecido en estos libros:

• 100 Great Street Photographs, 2017.
• The Street Photographer's Manual, 2014.

Chris Burkard es un consumado explorador, fotógrafo, director creativo, conferenciante y autor estadounidense (nacido el 12 de marzo de 1986 en San Luis Obispo, California, vive en Pismo Beach, también en California) que captura historias que inspiren a considerar la relación de las personas con la naturaleza, al mismo tiempo que promueven la preservación de lugares salvajes en todo el mundo.

© Chris Burkard

Biografía

Chris Burkard se matriculó en el Cuesta Junior College tras terminar la escuela secundaria, acercándose a la fotografía como una forma de arte y la idea de la composición capturó rápidamente su atención. Al vivir en la costa y practicar en deportes acuáticos como body surf, bodyboard y surf,Burkard buscó utilizar la fotografía como un modo de expresión para destacar el movimiento del agua y documentar a sus amigos.

En los primeros años de su carrera, trabajó como fotógrafo independiente en proyectos editoriales y comerciales, acumulando una lista de clientes que incluye American Airlines, Nikon, Volkswagen, Apple Inc, Fuel TV, Burton, Volcom, RVCA, Poler, … También consiguió tener su trabajo publicado en más de 35 portadas nacionales e internacionales de revistas incluyendo Surfer Magazine, The New Yorker, National Geographic Adventure y SPN.com.

Entre  2008 y 2010 fue fotógrafo senior en plantilla en Surfline y también en Water Magazine. A partir de 2009 fue contratado por Patagonia, Inc. como fotógrafo de proyectos. En 2010, Surfer Magazine le ofreció un puesto de fotógrafo en plantilla, que mantiene en la actualidad.

Burkard viaja durante todo el año por las más lejanas extensiones de la Tierra, enfocado en los temas de la vida al aire libre, viajes, aventura, surf y estilo de vida. Es reconocido por sus imágenes de paisajes salvajes y potentes. A través de las redes sociales, se esfuerza por compartir su visión de lugares salvajes con millones de personas, e inspirarlos a explorar por sí mismos.

Además de cazar olas perfectas en algunas de las condiciones más duras del mundo, Burkard ha fotografiado, tanto personal como comercialmente, en seis de los siete continentes. Sus viajes han incluido más de 21 viajes a Islandia, así como viajes a Noruega, Islas Feroe, India, Cuba, Nueva Zelanda, Rusia, Suiza e Italia.

Su perspectiva visionaria le ha valido la oportunidad de trabajar en campañas globales y destacadas con clientes de Fortune 500, hablar en conferencias TED, diseñar líneas de productos y publicar una creciente colección de libros y videos.

Junto con su equipo, Burkard dirige su estudio de producción y una galería de arte en la Costa Central de California, y está considerado como un fotógrafo muy influyente a escala mundial, sobre todo en viajes de aventura.

Referencias

• su página web www.chrisburkard.com (EN [?f ?v]),
• Chris Burkard en wikipedia (EN),
• su fotoblog (EN [?f]),
• Chris Burkard en instagram (EN [+2.700f]),
• Chris Burkard en 500px (EN [+650f]),
• Chris Burkard en vimeo (EN [25v]),
• Su estudio (EN [?f]),
• Chris Burkard en coolhunting (EN [7f]),
• 2 fotógrafos con los que viajar: Chris Burkard en thelightingmind [9f 2v],
• Chris Burkard, el fotografo del frío en margruesa [1v],
• Chris Burkard en oldskull [17f],
• Masters of Photography: Adventure Photographer Chris Burkard en briansmith (EN [8f 1v]),
• Chris Burkard’s northern exposures en redbull (EN [18f]),
• Faroes Island x Benjamin Weiland & Chris Burkard en stafmagazine (EN, ES [6f 1v]),
• @chrisburkard en twitter (EN [?f]),
• Chris Burkard en facebook (EN [?f]).

Libros

• The California Surf Project,2010
• Come Hell or High Water: Plight of the Torpedo People,2013
• Russia: The Outpost Vol. 1, 2013
• Distant Shores, 2014
• Alberta, 2014
• The Boy Who Spoke To The Earth, 2015
• High Tide, 2015.

Videos

• Russia: The Outpost Vol. 1 (2013)
• Faroes: The Outpost Vol. 2 (2015)
• The Cradle of Storms (2014).

Benedicte Guillon es una fotógrafa francesa (nacida en Corea del Sur, vive en París) que realiza fotografía de calle, maestra en el uso de la luz natural para pintar escenas únicas, ya sea viajando por el mundo o en su ciudad, París.

© Benedicte Guillon

Biografía

Benedicte Guillon nació en Corea del Sur pero se crio en el oeste de Francia. Se trasladó a París, en 2009, y poco después compró su primer iPhone. Sin apenas experiencia previa de fotografía, el móvil le permitía una gran libertad para captar escenas cotidianas y le parecía espontáneo y natural. Visitando la Apple Store, encontró Polarize, ShakeIt, ToyCamera y finalmente Hipstamatic. Entonces empezó a hacer fotos en su camino al trabajo: un montón de retratos de metro que empezó a publicar en Flickr donde encontró una gran comunidad de muy buenos fotógrafos con el iPhone. Siguió retratando a personas en la calle, personas como ella en sus trayectorias cotidianas, y empezó a sentir las posibilidades de expresarse de una manera emocional.

Aquello fue el origen del MPG (Mobile Photo Group), un colectivo internacional de fotógrafos que utilizan el móvil como herramienta de trabajo. Este colectivo, del que Benedicte fue miembro fundador, acuñó el término iPhoneography (de iPhone y photography) para describir su forma de entender la fotografía.

Utiliza un iPhone como parte de su proceso fotográfico cuando viaja porque le permite sentir sus primeras impresiones cuando llega a un nuevo lugar. El hecho de ser una cámara tan compacta le me hace sentir más cómoda utilizándola los primeros días. Así es capaz de empezar a explorar el área de una manera que le ayuda a aprender sobre la gente y la forma en que viven.

Pero más allá de la cámara que utiliza, Benedicte demuestra en sus imágenes un gran talento para captar escenas callejeras con una fuerte carga poética. Su escenario preferido es su ciudad de residencia, París, pero sus frecuentes viajes le han llevado a muchos otros logares que también ha retratado: Marruecos, China, Turquía o su Corea natal.

Referencias

• su página web benedicteguillon.wix.com (EN [+70f]),
• Benedicte Guillon en flickr (FR [+600f]),
• Benedicte Guillon en instagram (EN [+1.000f]),
• Interview with Benedicte Guillon, Parisian Street Photographer from the Mobile Photo Group en erickimphotography (EN [30f 1v]),
• iPhoneographer of the Day – Benedicte Guillon en iphoneogenic (EN [6f]),
• 25 Talented Street Photographers You Should Follow on Flickr en erickimphotography (EN [5f]),
• Fotógrafos de calle (y III): 13 fotógrafos internacionales para inspirarnos y aprender en xatakafoto [1f],
• The Best Street Photographer Portfolios for Inspiration – Part3 en 121clicks (EN [1f]),
• Benedicte Guillon en google+ (EN [?f]),
• @iphoneographic en twitter (FR [?f]),
• Benedicte Guillon en facebook (FR [?f]).

Libros

• PORTFOLIO 2011 / 2012 (ebook), 2012.

Charles Monney fue un fotógrafo francés (fallecido en Madrid el 13 de Abril de 1875) que vivió en España más de 20 años recorriéndola con su oficio de fotógrafo de sur a norte y al que se atribuye el primer reportaje de guerra en la península.

Vista de la ría del Nervión en el primer día del bombardeo durante la segunda guerra carlista (Bilbao, 21 de febrero de 1874).Charles Monney

Biografía

Charles Monney Millet (también conocido como Carlos Monney), fue un fotógrafo francés, español de adopción, que vivió en España más de 20 años. Fue uno de esos fotógrafos que decidió dejar de la seguridad del estudio para salir a la calle, como fotógrafo ambulante. Recorrió España desde Córdoba hasta Santander, pasando por Granada, Sevilla, Murcia, Bilbao, hasta morir en Madrid. A él le debemos el primer reportaje gráfico español de un conflicto acaecido en nuestro país: el bombardeo de Bilbao por parte de las tropas carlistas el 21 de febrero de 1874.

En su recorrido por las ciudades de España, se asoció con otros fotógrafos, como Eduardo Jolivot en Córdoba y  Carlos Mauzaise en Granada. En Bilbao montó un estudio y coincidió con la II Guerra Carlista y el sitio de 4 meses de los carlistas del Bilbao liberal, realizando un conocido álbum sobre este acontecimiento en 1874, con unas 50 fotografías en papel albuminado de 27 × 18 cm y pies de foto manuscritos, encuadernadas en un álbum en gran folio, apaisado y presentado en una caja. Este álbum es uno de lo primeros ejemplos del uso de la fotografía en la documentación bélica que se hicieron en España. A día de hoy se conservan dos ejemplares, uno de ellos dedicado al rey Alfonso XII.

Estéticamente muy cuidadas y trabajadas, las imágenes que contiene quizás sean las de mayor calidad que se conservan de este conflicto, y en ellas se recogen las diferentes baterías que conformaban el cinturón de seguridad de Bilbao durante la guerra. También se retrata a voluntarios auxiliares y los interiores de los fuertes del Morro y Miravilla, los últimos preparativos de los defensores del fuerte de San Agustín, los batallones populares formados en las calles, la protección de sus edificios más emblemáticos mediante la colocación de sacos terreros o pieles de vacuno, el retrato del General Castillo, jefe de la defensa de Bilbao y una magnifica panorámica del momento exacto en que caen los proyectiles sobre la capital vasca el primer día de su bombardeo. Monney junto con Carrouche y Doistua fueron los grandes retratistas del Ejercito liberal.

Referencias

• Charles Monney en fototeca_patrimonio [48f],
• Las Guerras Carlistas en la fotografía en juantxoegana [?f],
• 12 fotoperiodistas de guerra españoles clásicos que deberías conocer en xatakafoto [1f],
• La defensa de Bilbao en la "batería de la muerte" en elcorreo [1f],
• Un nuevo dato sobre los fotógrafos Leandro Desages y Carlos Monney en fotografiaantiguadecantabria [3f],
• Las Guerras Carlistas, en imágenes en diariovasco [3f],
• Fotoperiodistas de guerra españoles en elpais [?f],
• Disparos contra la guerra en elmarginador [1f],
• Montaje fotográfico de los Diputados Constituyentes, mayo democrático en memoriademadrid [1f],
• Los conflictos carlistas a través de las artes visuales (1833-1939) en artearqueohistoria [1pdf],
• Itsas marruma Viejas imágenes fotográficas del litoral vasco. 1850-1960 en untzimuseoa (ES, EU [1pdf]),
• Siglo y medio de ferrocarril en Vizcaya en historiastren [1f].

Libros

• España a través de la fotografía. 1839-2010,
• Directorio de Fotógrafos en España (1851-1936),
• 1863-1940. Fotografía en la Región de Murcia. La imagen rescatada.
• Cien años de fotografía en Cantabria, 1987.
• Fotoperiodistas de guerra españoles. 2011.

Shin Noguchi es un galardonado fotógrafo callejero japonés (basado en Kamakura y Tokio) que describe su fotografía callejera como un intento de capturar momentos extraordinarios de emoción, belleza y humanismo, entre el fluir de la vida cotidiana. Tiene un enfoque discreto, poético y enigmático sensible a las sutilezas y complejidades de la cultura japonesa sin utilizar puestas en escena ni posados.

© Shin Noguchi

La fotografía callejera siempre proyecta la "verdad". La verdad de la que hablo no es necesariamente lo que veo, sino lo que existe en la sociedad, en la calle, en la vida de la gente.  Siempre intento capturar esta realidad por encima de mis propios valores y mi punto de vista y perspectiva personal.

Biografía

Shin Noguchi es un diseñador gráfico y fotógrafo callejero freelance con sede en Kamakura y Tokio, en Japón. Es miembro del colectivo internacional de fotógrafos callejeros Street Photographers. Describe su fotografía callejera como un intento de capturar momentos extraordinarios de emoción, belleza y humanismo, extrayéndolos del flujo de la vida cotidiana. Tiene un enfoque discreto, poético y enigmático que es sensible a las sutilezas y complejidades de la cultura japonesa.

Shin Noguchi fue capturado por la fotografía tras leer el libro A l’est de Magnum 1945-1990 de Magnum Photos en su adolescencia y le hizo presente la fotografía de la calle por primera vez. Antes de ver ese libro, pensaba que el arte y el documental eran opuestos entre sí. Sin embargo, en este libro expresaban su opinión artística como fotógrafos de calle por la habilidad en la toma de elementos tales como la composición y el tiempo, así como la luz y la sombra.

Aunque tiene una absoluta adoración por la fotografía clásica en ByN de Henri Cartier-Bresson, cree que uno no se desarrolla como artista simplemente imitando a tus maestros. Como alguien que captura el presente, trata de usar los colores como elementos principales para expresar la calle como es: un momento intrigante visto allí, la belleza de la gente viva y de elementos como la luz y la sombra, las conexiones interesantes entre cada elemento, que se pueden generar mediante la adición de capas, …

Utiliza una Leica M9 para digital y una Yashica 35 GX para película. Ha obtenido numerosos premios, como el 1º premio en la Leica World Street Photography Competition de 2012 y en el Prix Talents MAP Toulouse Festival de 2014. Su obra ha aparecido en MAP Talent, Liberación, The Independent, Leica Camera y muchos otros medios.

Referencias

• su página web www.shinnoguchiphotography.com (EN, JP [?f]),
• su fotoblog (EN, JP [?f]),
• Shin Noguchi en instagram (EN [+800f]),
• Shin Noguchi en flickr (EN [+500f]),
• Shin Noguchi en ceiling-gallery (EN [8f]),
• Shin Noguchi en lensculture (EN [+90f]),
• Ready or Not? by Shin Noguchi, Japan en invisiblephotographer (EN [20f]),
• Nonverbal Space, by Shin Noguchi en invisiblephotographer (EN [18f]),
• Shin Noguchi en thisispaper (EN [16f]),
• Shin Noguchi/Before You Make Me en ignant (EN [6f]),
• Nonverbal Space en leica-camera (EN [16f]),
• Shin Noguchi: Open for Interpretation en leica-camera (EN [19f]),
• Street Poet with A Camera en artofcreativephotography (EN [5f]), 
• Shin Noguchi en aint-bad (EN [15f]),
• Something Here by Shin Noguchi en dodho (EN [31f]),
• Shin Noguchi From Japan Shoots The Invisible Elements In Street Photography en 121clicks (EN [31f]),
• @shin_noguchi en twitter (JP [?f]),
• Shin Noguchi en facebook (EN [?f]).

Libros

• HAWAII (próximamente).
• 100 Great Street Photographs (David Gibson), 2017.
• The Street Photographer’s Manual  (David Gibson), 2014.

José Luis Barcia es un fotógrafo asturiano (nacido en Pola de Siero, vive en Madrid) interesado, principalmente, en la fotografía de calle. Entiende la fotografía como una forma de canalizar y expresar emociones y estados de ánimo a través de un cuidado uso de luces, sombras, y una gran habilidad para componer las escenas y dotar de emotividad a los sujetos de sus fotografías tomadas exclusivamente con móvil.

© José Luis Barcia

Biografía

José Luis Barcia Fernández sacó su primera foto a los 5 años con una Kodak de funda de piel que tenían sus padres. Su interés por el arte comenzó cuando tenía 13 años y vio por primera vez el Guernica de Picasso, su pintura favorita, que le impactó por su simbolismo y significado. Tiene un grado en Química y trabaja como coordinador de logística en una compañía internacional de distribución. Se interesó por primera vez en la fotografía en 2003 y luego comenzó a mezclarla digitalmente con pintura, componiendo sus primeros collages digitales. Entre 2004 y 2009 participó en 20 exposiciones nacionales e internacionales de arte digital y fotografía. En 2011 comenzó a hacer fotografía móvil con su Iphone 4 y esto se convirtió rápidamente en una de sus aficiones favoritas y comenzó a compartir sus fotos en Instagram.

La música es su principal inspiración. Escucha música mientras fotografía en la calle y mientras está editando. Le gusta el genero post-rock por el amplio espectro emocional que recorre y que Barcia trata de reproducir en sus fotos.

Le encanta jugar con la luz y las sombras y crear imágenes de alto contraste en blanco y negro. Le interesan los personajes en tránsito y los escenarios mínimos en los que sujeto, luz y oscuridad son los únicos protagonistas. De esta forma intenta recrear, a partir de escenas cotidianas, un halo de misterio a través del uso de subexposiciones, espacios negativos, siluetas y sombras.

Ha realizado exposiciones individuales en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y en el Festival Internacional Latitudes de Huelva. Ha participado en más de 30 colectivas en Madrid, Paris (Louvre), Barcelona, San Diego, Toronto, Tokio, Nueva York, etc. Ha impartido charlas sobre fotografía en el congreso internacional MOWO, en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, en el Centro de Arte de Alcobendas y en la Universidad Carlos III, entre otros.

Entre otros, ha obtenido los siguientes premios:

• iPhone Photography Awards 2013. Categoría Arquitectura. Primer premio.
• Mobile Photography Awards 2013. Categoría Arquitectura. Primer premio.
• iPhone Photography Awards 2014. Segundo mejor fotógrafo del año.
• Street Photography Photokup. Barcelona 2016. Primer premio.
• Kokga Tbilisi Photo Awards (Georgia). Categoría Mobile One Shot. Primer premio.

También ha sido finalista en los Lens Culture Street Photography Awards en 2015 y en las ediciones 2016 y 2017 del StreetFoto Festival de San Francisco.

Referencias

• su fotoblog (EN [?f]),
• José Luis Barcia en instagram [+600f],
• José Luis Barcia en facebook [EN, ES [?f]).
• José Luis Barcia en flickr [+60f],
• José Luis Barcia en dailymotion [1v],
• José Luis Barcia en lensculture (EN [22f]),
• José Luis Barcia, un Instagramer que no te dejará indiferhofmann ente. en [?f],
• 'In Shadow/En Sombra', buscando el minimalismo con la luz y la sombra en xatakafoto [14f],
• How José Luis Barcia Takes Stunning iPhone Street Photos en iphonephotographyschool [EN [?f]),
• Los iPhone Photography Awards 2015 premian a dos fotógrafos españoles en applesfera [1f],
• José Luis Barcia Fernandez from Spain makes an Incredible Combo out of iphone and Street Photography en 121clicks [EN [27f]),
• José Luis Barcia en portfoliobox [EN [6f]),
• The Instagram tour: José Luis Barcia Fernández en timeslive [EN [5f]),
• José Luis Barcia. 2015 Winners – People en ippawards [EN [1f]),
• José Luis Barcia en luz [EN [4f]),
• Photographer of the day: José Luis Barcia Fernandez and his Stunning Black & White iPhone Street Photos. en resourcemagonline [EN [19f]).

Jungjin Lee es una artista y fotógrafa coreana (nacida en Taegu, Corea de Sur, en 1961, vive y trabaja en Nueva York)  para la que fotografiar el paisaje supone explorar su propia mente: los estados introspectivos de la artista, cuya mirada fotográfica es insistente y transformadora. Sus imágenes en blanco y negro representan mundos de quietud y asombro y sugieren que, a pesar de la aparente fluctuación, algunas verdades fundamentales permanecen inalteradas.

© Jungjin Lee

Biografía

Jungjin Lee estudió caligrafía en la infancia y se especializó en cerámica en la Universidad de Hongik, graduándose con un Bachillerato en Bellas Artes en 1984.

En 1987, se sumergió durante un año en un proyecto centrado en documentar la vida de un anciano que se ganaba la vida buscando ginseng salvaje. Esta experiencia motivó a Lee a convertirse en fotógrafa y a ampliar su conocimiento técnico viajando a Nueva York y matriculándose en la Universidad de Nueva York para obtener un master en fotografía, donde se dio cuenta de que los estudiantes occidentales estaban más interesados en las ideas, mientras que en Asia se daba más peso a la expresión de los sentimientos.

Mientras estaba en Nueva York, trabajó para el icónico fotógrafo Robert Frank, cuyos famosos viajes por Estados Unidos pudieron haber influido en la decisión de Lee de embarcarse también en un viaje por los Estados Unidos. En sus viajes se encontró con el desierto americano, un paisaje que le conmueve profundamente  y que se ha convertido en el tema de varias de sus series fotográficas, entre ellas Desert(1990-94),  American Desert I – IV (1990-1996), On Road(2000-01), Wind(2004-07) y Remains(2012 -).

Las fotografías de gran formato de Jungjin en papel de arroz coreano hecho a mano se confunden a menudo con dibujos al carboncillo a primera vista. En el cuarto oscuro, pinta la emulsión fotosensible sobre papel de arroz coreano hecho a mano y luego proyecta con la ampliadora la imagen del negativo sobre la superficie preparada. Los resultados son impresiones únicas en texturas, pues las huellas de pinceladas de la emulsión fotográfica dan una calidad pictórica, mientras que el papel de arroz da a la imagen una sensación más táctil y orgánica.

Desde su reciente serie Unnamed Road ha combinado sus tradicionales prácticas de laboratorio con tecnologías de impresión digital por primera vez. Usando el mismo proceso que para crear sus tradicionales impresiones escanea estas impresiones iniciales para imprimir digitalmente en papel de morera japonesa, agregando así más texturas y rangos tonales con esta fuente secundaria de papel.

Sus imágenes a menudo parecen ilusorias y melancólicas. La tierra, el cielo, las nubes y el mar se funden unos con otros, transformándose en estructuras abstractas con la lente de su cámara. Su fotografía está impregnada por una extraña y solitaria belleza que es sombría y apasionada al mismo tiempo.

Referencias

• su página web www.jungjinlee.com (EN [?f]),
• Jungjin Lee en wikipedia (EN),
• Jungjin Lee en howardgreenberg (EN [36f]),
• Jungjin Lee en andrewbaegallery (EN [66f]),
• Jungjin Lee en stephanwitschi (DE, EN [5f]),
• Jungjin Lee en galeriecameraobscura (EN [50f]),
• Jungjin Lee en this-place (EN [9f 2v]),
• This Place: an interview with Jungjin Lee en paper-journal (EN [6f]), 
• Jungjin Lee en lensculture (EN [9f]),
• Jungjin Lee en artnet (EN [26f]),
• Echo. Jungjin Lee en gabrielacendoya [51f],
• Jungjin Lee: Everglades en ivorypress (EN [1f]),
• Jungjin Lee en sepiaeye (EN [18f]),
• Jungjin Lee. This Place exhibition en medium (EN [8f]),
• Jungjin Lee: Wind en aperture (EN [3f]).

Libros

• 2016. Everglades.
• 2016.Echo.
• 2014. Unnamed Road.
• 2009. Wind.
• 2006. Jungjin Lee.
• 2005. Thing.
• 2002. Desert.
• 2001. On Road/Ocean.
• 2000. Jungjin Lee: Beyond Photography.
• 1997. Wasteland.
• 1996. Dissolving Landscapes.
• 1993. Jungjin Lee: The American Deserts.
• 1988. Lonely Cabin in a Far Away Island.

Liz Nielsen es una fotógrafa estadounidense (nacida en Wisconsin en 1975, vive en Brooklyn) que realiza su obra sin cámara, en su cuarto oscuro en color.

Force Fields, 2017 © Liz Nielsen

Biografía

Liz Nielsen obtuvo un master de la Universidad de Illinois en Chicago en 2004, su BFA en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2002 y su BA en Filosofía y Español de la Universidad de Seattle en 1997.

Sus fotografías (fotogramas) las crea en su cuarto oscuro de color analógico iluminando con fuentes de luz naturales sus negativos que son realmente collages cortados a mano y compuestos de geles de diferentes colores, sobre papel cromogénico creando abstracciones luminosas y brillantes. Como el papel que utiliza es un papel negativo en vez de positivo, los colores de los geles se invierten a menudo creando nuevas combinaciones sorprendentes donde el control de la composición se encuentra cara a cara con la magia de la química fotográfica. Cada fotografía es única, y tiene un tamaño entre 100x50" y 8x8".

Sus obras se han publicado en The New Yorker, New York Times, Wall Street Journal, Libération y ArtSlant. Ha expuesto su obra en Nueva York, Chicago, París, Londres, Budapest y Berlín. Podemos citar sus exposiciones en solitario en Schalter Gallery en Berlín, Benrimon Contemporary en Nueva York, Interlochen Center for the Arts en Interlochen, Michigan, y en Laurence Miller Gallery de Nueva York, entre otras.

Liz actualmente trabaja con Danziger Gallery en Nueva York, SOCO Gallery en Carolina del Norte y NextLevel Galerie en París, Francia.

Referencias

• su página web www.liznielsen.com (EN [9f]),
• Liz Nielsen en wikipedia (EN),
• Liz Nielsen en instagram (EN [+600f]),
• Liz Nielsen en danzigergallery (EN [13f]),
• Liz Nielsen. The Medium en danzigergallery (EN [34f]),
• Liz Nielsen. Inquire+ en soco-gallery (EN [8f]),
• Liz Nielsen en nextlevelgalerie (EN [15f]),
• Liz Nielsen en dennygallery (EN [28f]),
• Liz Nielsen en artsy (EN [79f]),
• Liz Nielsen en artslant (EN [52f]),
• Liz Nielsen en mutualart (EN [2f]),
• Liz Nielsen. Force Fields en wsimag (EN [4f]),
• Artist Liz Nielsen's Photograms en coolhunting (EN [4f]),
• Liz Nielsen en facebook (EN [?f]).