Iñaki Domingo es un editor y fotógrafo español (nacido en 1978 en Madrid, donde vive y trabaja) cuyos proyectos personales investigan el uso de la fotografía como herramienta para la introspección, y en ellos utiliza su propio contexto para abordar diferentes conceptos relacionados con la fragilidad de la existencia contemporánea.

© Iñaki Domingo

Biografía

Iñaki Domingo ha recibido por su trabajo, entre otros, el Premio Injuve de Fotografía y el Premio Revelación de PhotoEspaña como miembro del colectivo Nophoto. Ha sido becado para participar en el programa Estancias para Jóvenes Artistas del Mº de Trabajo y Asuntos Sociales y en la Joop Swart Masterclass de la World Press Photo Foundation. Ha expuesto centros de arte y galerías en Europa, Latinoamérica y Asia.

Durante más de cuatro años ha sido responsable del departamento editorial de Ivorypress. Desde 2010, es codirector del blog 30y3.com, especializado en fotografía española contemporánea. Actualmente es editor creativo en la editorial RM, donde es el responsable de una línea de fotolibros de jóvenes autores iberoamericanos.

Ha comisariado exposiciones internacionales en Krakow Photomoth 2013 y PhotoEspaña 2014.  Es docente en IED y Lens, y habitualmente imparte talleres y conferencias sobre fotografía en diversos centros.

Referencias

• su página web inakidomingo.com [1f],
• 30y3 [?f],
• Iñaki Domingo en nophoto [15f],
• Iñaki Domingo en antonioperezrio [22f],
• Iñaki Domingo. Entrevista en nosotros-art [14f],
• Iñaki Domingo en inesbarrenechea [4f],
• Ser sangre, de Iñaki Domingo en dalpine [10f],
• "LÁSER" de Iñaki Domingo y Alejandro Marote en encuentrosfotografiacontemporanea [6f],
• Nada dura siempre: Iñaki Domingo (2001-2011) en arteenlared [1f],
• Iñaki Domingo en facebook [+60f].

Libros

• Ser sangre (2014),
• El ojo en la llaga (2008),
• Vía de la Cruz (2011).

Elad Lassry es un artista israelí y estadounidense (nacido en 1977 en Tel Aviv, vive y trabaja en Los Ángeles), que define su práctica como “consumo de imágenes”, siendo éstas imágenes genéricas y vintage extraídas de revistas y de archivos de películas.

© Elad Lassry

Estoy fascinado por el colapso de las historias y la confusión que se produce cuando hay algo ligeramente mal en una fotografía.

Biografía

Elad Lassry estudió cine en el California Institute of the Arts  y luego obtuvo un máster en la University of Southern California. Trabaja la cultura visual de imágenes fijas y en movimiento y se involucra en tradiciones de construcción de historias con imágenes y así los fantasmas de la historia persisten en imágenes mucho después de haber salido de su contexto original.

Lassry desafía el medio por el cual una obra se estructura visualmente. Sus vibrantes imágenes: naturalezas muertas, collages fotográficos y retratos de estudio de amigos y celebridades, nunca superan las dimensiones de una página de revista y se muestran en marcos que derivan sus colores de los tonos dominantes en las fotografías. Incluso estos marcos pueden ser de plata si la fotografía es la clásica de blanco y negro de gelatina de plata.

Utiliza la serigrafía y fotografía para revivir composiciones icónicas, como las parejas madre / niño o la disposición de la fruta un bodegón convencional, alterando su armonía original con motivos geométricos desplazados o una paleta de colores brillantes.

En parte dentro de la cultura pop, sus obras imitan la fotografía comercial. Sin embargo, las fotografías que puede parecer a primera vista más directas se complican por exposiciones dobles, falta de definición a veces, o por la superposición de múltiples negativos. Lassry muestra a menudo sus fotografías junto a proyecciones de películas de 16 mm, a un tamaño similar al de sus fotografías. La presencia de Untitled(2009), una película con el actor Eric Stoltz como coreógrafo enseñando un paso de baile a una artista con traje rojo, provoca tensión entre la impresión estática de una tira de negativos y la temporalidad del cine (movimiento). También ha realizado diversas perfomances.

Lassry fue el ganador del premio John Jones Art 2007 on Paper. Como parte del premio expuso, varias obras en el Zoo Art Fair 12 meses en 2008. En 2010 expuso y fue nominado para el Premio Descubrimiento de los Rencontres d’Arles. En 2011, fue uno de los 4 nominados para el premio Deutsche Börse Photography.

Referencias

• Elad Lassry en wikipedia (EN [1f]),
• Elad Lassry en moma (EN [16f]),
• Elad Lassry en 303gallery (EN [30f]),
• Elad Lassry en francescapia (EN [4f]),
• Elad Lassry en whitecube (EN [31f]),
• Elad Lassry en luhringaugustine (EN [31f]),
• Elad Lassry en interviewmagazine (EN [6f]),
• Elad Lassry en zabludowiczcollection (EN [4f]),
• Elad Lassry en aimiaagophotographyprize (EN [22f]),
• Elad Lassry en davidkordanskygallery (EN [59f]),
• Elad Lassry: Towards a new image en dromemagazine (EN [12f]),
• Elad Lassry en huma3 [5f],
• Elad Lassry, fotografía pop en xatakafoto [2f 1v],
• Elad Lassry en parisphoto (EN [5f]),
• Elad Lassry en pomeranz-collection (EN [3f]).

Libros

• Elad Lassry: 2000 Words  (2013)
• On Onions (2012),
• Elad Lassry (2010).

Peter Allert es un fotógrafo alemán (vive en Hamburgo) que realiza una fotografía que habla de sus sentimientos y emociones. Cuando era un niño soñaba con espíritus benefactores y hadas. Su nueva fotografía refleja estos temas: fantasmas, hadas y almas.

© Peter Allert

Biografía

Peter Allert se ha sentido fascinado por la fotografía desde los 7 años. Durante el período de niñez y juventud estuvo obsesionado con las posibilidades de este medio y era su gran pasión. Su amor por la naturaleza y sus estudios de biología, que financió con pequeños trabajos fotográficos, fueron terreno fértil para la expansión de sus trabajos fotográficos en áreas nuevas y fascinantes. Sus primeras fotos eran fotografía de naturaleza, macros de animales y plantas, y luego retratos.

Co-fundó Allert&Hoess Photography con sede en Múnich en 1989, empresa especializada en la naturaleza muerta, fotografía técnica y científica. Tras haber abierto su propio estudio en 1991 y el establecimiento de sus propias instalaciones de luz, de laboratorio y de impresión, la compañía hizo su explosión en 1992, con una serie de fotos para Joop! – women’s shoes.

Su lista de clientes es larga y prestigiosa: Mercedes Benz, Audi, VW, BMW, Ford, Philip Morris, McDonalds, Ballantines, Wrigleys, Veltins, Wella, Miele, Bosch, Dresdner Bank, Deutsche Bahn AG, Siemens, Logitech, MAN, Microsoft, GREENPEACE, ...

Su trabajo con gran éxito en publicidad, principalmente para la industria del automóvil y moda, le llevó al agotamiento, y perdió toda su pasión por la fotografía. Después de muchos años dolorosos y difíciles, en 2013, sintió una nueva fuerza en él, que le ha llevado a formas completamente nuevas y originales de fotografía.

Hoy su fotografía es artística, con una larga elaboración, trabajando con múltiples exposiciones y diferentes ajustes de enfoque dentro de una fotografía. Autodidacta, los procesos de laboratorio analógicos que practicó en sus comienzos, como negativos de color, diapositivas, ampliaciones de color, también el blanco y negro, incluso el  antiguo procedimiento de impresión en bromóleo han inspirado su flujo de trabajo digital para darle un cierto toque analógico, que a menudo se deriva de los primeros tiempos de la fotografía. Está fascinado por la autenticidad que dio forma a esa maravillosa fotografía y es una gran motivación para su propia creación fotográfica.

Referencias

• su página web www.peterallert.de (EN [+350f]),
• su página web peterallert.com (EN [?f]),
• Peter Allert en 1x.com (EN [11f]),
• Peter Allert en deviantart (EN [185f]),
• Peter Allert en 500px (EN [34f]),
• Peter Allert en nationalgeographic (EN [29f]),
• Peter Allert en saatchiart (EN [78f]),
• Peter Allert en fotoblur (EN [25f]),
• Entrevista a Peter Allert en all-about-photo.com (EN [16f]),
• Peter Allert en stern (EN [+50f]),
• Peter Allert en artlimited (EN [40f]),
• Entrevista a Peter Allert en wordsocialforum (IT [9f]),
• Peter Allert en google+ (EN [?f]),
• Peter Allert: Faces of Soul en pinterest (EN [89f]),
• Peter Allert en facebook (EN [+600f]).

César Comas fue un licenciado en Medicina y fotógrafo aficionado catalán (nacido en Barcelona en 1874 y fallecido en 1956 en esta ciudad), considerado el introductor de los rayos X en España.En paralelo, realizó más de 3.000 fotografías que documentan la Barcelona de principios del siglo XX.

César Comas

Biografía

César ComasLlabería dedicó 50 años de su vida al estudio, la aplicación y la propagación de la radiología. Cuando en 1895 el profesor de física alemán Wilhelm Röntgen presentó el descubrimiento científico de los rayos X, Comas se encontraba en quinto de carrera y llevaba tres años ejerciendo de fotógrafo de la Facultad de Medicina de Barcelona.

Queriendo unir su pasión por la medicina y por la fotografía, reunió los elementos necesarios para desarrollar la acción fotográfica de los rayos X y el 2 de febrero de 1896 inició sus ensayos. Su trabajo fue premiado con la Medalla de Médico Numerario del Hospital de la Santa Cruz y de San Pablo después de su jubilación y con la Medalla de Plata del Ayuntamiento de Barcelona, concedida a título póstumo en 1957.

Creó un gabinete radiológico con su primo y amigo Agustin Prió también médico de la Facultad de Barcelona. Ambos sabían que la exposición prolongada a los rayos X podría ser peligrosa,por eso llegaron a un pacto: manipular las máquinas de rayos X con sólo una de sus manos. Prió expuso su mano derecha, mientras que Comas lo hizo con la izquierda. Pasados varios años sucedió lo que temían. Prió enfermó de cáncer en su brazo derecho, pero a pesar de que le fue amputado la enfermedad terminó con su vida. César también tuvo cáncer pero le amputaron su mano izquierda, y logró sobrevivir hasta ser octogenario.

Respecto a su fotografía, muestra la más variada temática, representando hechos destacados de la vida social, cultural y artística de Barcelona, con un claro componente testimonial y documental. Destaca su interés por la transformación de los espacios urbanos, por los edificios en construcción, las remodelaciones, las zonas ajardinadas, los edificios singulares y los conjuntos arquitectónicos.

Con ejemplo de su variada obra podemos citar la fotografía del eclipse de sol en Vinaroz, las de la Universidad Industrial con su gran valor testimonial como potente documento histórico, las del Hospital de la Santa Cruz y San Pablo experimentando los nuevos procedimientos fotográficos que iban apareciendo y capturando las transformaciones arquitectónicas que se iban realizando en el proceso completo.

Distintas exposiciones han rendido homenaje a su trayectoria, como las celebradas en el Hospital Prínceps d’Espanya y el Instituto de secundaria Mercè Rodoreda de Barcelona. En 1996, con motivo del centenario de la radiología en Cataluña, el Ayuntamiento de Barcelona bautizó con su nombre el jardín situado frente al Hospital Militar.

Referencias

• César Comas en ub [1pdf],
• César Comas en alpoma [?f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI  2013.
• La obra de César Comás en el contexto de la radiología ibérica (1896-1950).

Guenter Knop es un fotógrafo alemán (nacido en junio de 1954, en Bremen, Alemania, vive en Nueva York) conocido por sus fotografías de desnudos en blanco y negro de mujeres reales.

© Guenter Knop

La desnudez puede ser un tema delicado y al principio era difícil encontrar voluntarias. Pronto tuve una selección de fotografías para mostrar, lo que hizo más fácil a las mujeres comprender mis fotografías. Cuando me encuentro o veo una mujer que creo que sería un buen modelo, le entrego mi tarjeta y le explico brevemente el concepto. Ellas pueden visitar y ver mi web por si mismas. La respuesta siempre ha sido favorable.

Biografía

Guenter Knop comenzó su carrera trabajando en el estudio de Hamburgo de la fotógrafo de moda y publicidad Charlotte March a finales de los 70. Tras un viaje alrededor del mundo de un año, trabajó 10 años como primer asistente de Henry Wolf,  director de arte de las revistas Esquire, Harper's Bazaar y Show, en la alta costura, televisión y publicidad impresa para los principales clientes de los años ochenta y noventa, antes de abrir su propio estudio en Chelsea, Manhattan, en 1989, dedicado ala fotografía comercial de publicidad, cosméticos y editorial.

Sus imágenes incorporan una iluminación espectacular y elementos personalizados construidos  inspirados en los diseños de la Bauhaus, Art Nouveau y Art Deco. Una característica única de su obra es el uso exclusivo de mujeres reales que selecciona en las calles de Nueva York.

Ve el mundo en blanco y negro, y la inspiración para sus fotografías le llega a través de observaciones de la vida y de la luz. Aunque experimenta con temas fotográficos, su enfoque es la conversión del desnudo de las mujeres normales en piezas atemporales de arte. Trabajaba con película de 35 mm, debido a su calidad de textura y a un sinfín de posibilidades para la experimentación. La mayor parte de su trabajo se crea en el estudio donde puede controlar perfectamente la luz, que es su herramienta favorita. La luz es un lenguaje silencioso que crea profundidad visual y dirige al espectador a puntos específicos de atención. A partir de 2012 se cambió a la fotografía digital.

Su currículum incluye decenas de exposiciones y publicaciones y tiene una fuerte presencia en la red gestionada por su mujer y representante Kristin.

Referencias

• su página web artística guenterknop.squarespace.com (EN [+60f]),
• su página web comercial ktanith.wix.com/guentercommercial (EN [?f]),
• Guenter Knop en ktanith (EN [31f]),
• Guenter Knop en wikipedia (EN),
• Guenter Knop – Belleza Real en enkil [18f],
• Guenter Knop en saatchiart (EN [18f]),
• Guenter Knop en phyllislucasgallery (EN [26f]),
• Guenter Knop en bloglovin (EN [+25f]),
• Guenter Knop en flickr (EN [8f]),
• Guenter Knop en erfiga (EN [+50f]),
• Guenter Knop en barebrush (EN [34f]),
• Guenter Knop en mastersofphotography (EN [10f]),
• Guenter Knop en facebook (EN [+1.000f]).

Libros

• Nudes Index, 1999
• Indexi, 2002
• Naked, 2004
• Guenter Knop on Women, 2005
• The Nude Bible, 2007
• The Nude Bible II, 2008.

Emilio Beauchy fue un fotógrafo español (nacido en Sevilla en 1847, y fallecido en la misma ciudad en 1928) que desarrolló su labor en Andalucía, y muy especialmente en Sevilla. Está considerado uno de los primeros fotoperiodistas españoles. Sus fotografías, muchas de ellas comercializadas en álbumes, difundieron la imagen de la Andalucía del último tercio del siglo XIX.

^{142, Café cantante, Sevilla, 1888, Emilio Beauchy}

Biografía

Emilio Beauchy Cano fue hijo del fotógrafo francés Jules Beauchy, que castellanizó su nombre por el de Julio Beauchy, que tuvo un estudio en Sevilla, donde empezó a colaborar Emilio como ayudante, en los trabajos del estudio, así como en la toma de vistas exteriores en calles y plazas.  Hacia 1880 traspasó el estudio a su hijo Emilio.

Emilio Beauchy se dio cuenta de la gran demanda existente de fotografías de España, de sus gentes y sus monumentos, y salió con su cámara a recorrer Andalucía. Una de las primeras series que realizó fue Sevilla con más de 400 imágenes. Entre los motivos que recoge destacan los temas taurinos: retratos de toreros, e imágenes de la fiesta en plazas de toros. Por otra parte, la Catedral de Sevilla, la Casa de Pilatos, los Reales Alcázares, o Triana, son recogidos por la cámara de Emilio, que se desplaza a todos los festejos retratando a sus gentes.

En 1888 se trasladó a su nuevo establecimiento fotográfico Casa Beauchy, donde vendía todo tipo de material fotográfico. También puso un laboratorio a disposición de los aficionados. Sus fotografías se publicaron en revistas como La Ilustración Española yAmericana, Sol y Sombra (revista de toros), y en periódicos como ABC, en su primera época.

En cierto modo, Beauchy siguió la estela de otros fotógrafos que le precedieron, como J. Laurent. Y, a su vez, fotógrafos posteriores copiaron encuadres de Beauchy.

En sus álbumes montaba preferentemente copias a la albúmina. A veces aprovechaba clichés de su padre, realizando nuevos tirajes de copias. Parte de sus fotografías se conservan repartidas entre los fondos de la Biblioteca Nacional, Universidad de Sevilla, Ayuntamiento de Sevilla, Archivo Espasa, Fototeca Hispalense y otras colecciones privadas.

Su fotografía más emblemática es la titulada Café Cantante, de Sevilla, hacia el año 1888, que ha sido publicada en varios libros de historia de la fotografía, y exhibida en importantes exposiciones. También fue utilizada por el pintor José Gutiérrez Solana en la realización de su obra también titulada Café cantante.

También es destacable la titulada: Nº 114. Hundimiento en la Catedral de Sevilla. Agosto 1º. / 88, tomada días después del hundimiento del cimborrio de la catedral.

En 1905 se retiró de la actividad profesional, dejando el establecimiento a su hijo Julio Beauchy García. Falleció en 1928 y sus descendientes guardaron parte del legado fotográfico de la familia. En 2009 algunas de sus obras formaron parte de la exposición itinerante Prohibido el Cante. Flamenco y fotografía del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Referencias

• Emilio Beauchy en wikipedia [1f],
• Emilio Beauchy en unav [22f],
• Emilio Beauchy en bne [69f],
• Emilio Beauchy en us [2f],
• Emilio Beauchy,  Sevilla, Andalusien en fotohistorie (DE [2f]),
• La Parrala y La Cuenca (Emilio Beauchy Cano) en flamencodepapel [2f],
• Los Pasos de Sevilla desde el objetivo de Emilio Beauchy (1847-1928) en artecofradiero [5f],
• Fotógrafos y Postales en cfrivero [2f],
• Las Cigarreras sevillanas de Beauchy en cfrivero [1f],
• Sevilla: Riada de 1892 en fvalle [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

Su obra aparece en los libros:

• 150 años de Fotografía en España, 1999
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI  2013.

Biografía

Referencias

• Walter Hege en wikipedia (DE),
• Walter Hege en fotomarburg (DE [10f]),
• Walter Hege en artic (EN [10f]),
• Walter Hege en artnet (EN [26f]),
• Walter Hege en wewastetime (EN [8f]),
• Walter Hege en imdb (EN [1f]).

Libros

• Der Naumburgerdom Und Der Meister Seiner Bildwerke,1935
• Olympische Kunst, 1936
• Kronen und Kleinodien: Meisterwerke des Mittelalters und der Renaissance aus den Schatzkammern der Residenz zu München,  1955
• Akropolis 1956.
• Salzburg1956
• Tilman Riemenlchneider : Leben Und Werk : Aufnahmen Von 1986
• Walter Hege 1893 - 1955 2006.

Ted Anderson es un diseñador y fotógrafo estadounidense (reside en el estado de Nueva York y Maine) con una gran pasión por fotografiar paisajes, interiores y personas. Muchas de sus fotografías reflejan su interés por la historia natural, por el paso del tiempo y por los restos del pasado en el presente.

Silver Heart© Ted Anderson

Biografía

ATed Anderson, cuando era niño, le encantaba dibujar, y también compone canciones para  guitarra desde hace años. La fotografía, sin embargo, es lo que le da el mayor nivel de satisfacción creativa y ese sentido de conexión con los demás. Cualquier persona puede hace una fotografía, pero crear una imagen que podría mover emocionalmente o intelectualmente a otra persona es un reto que le gusta.

Sus fotografías han sido realizadas en lugares tan diversos como los lagos y las playas de Maine, jardines de Inglaterra y colinas rurales del centro del estado de Nueva York, pero todas ellas revelan su preferencia por la sencillez y cierta alegría que puede existir con la austeridad. ¿Hay una historia detrás de cada una de sus imágenes? Siempre.

Se siente atraído por la austeridad, la sencillez y la belleza de lugares que podrían parecerlo solo para algunos. Piensa mucho en la relación entre las personas y sus entornos, y, a veces busca una figura o un vestigio del pasado en sus fotografías exteriores o interiores. No pone elementos juntos artificialmente, sino que trata de presentar las imágenes como las encuentra.

Referencias

• su página web ted-anderson.squarespace.com (EN [+200f]),
• Ted Anderson en 500px (EN [+120f]),
• Entrevista a Ted Anderson en photography-news (EN [4f]),
• Ted Anderson en artcollectormaine (EN [33f]),
• Entrevista a Ted Anderson en all-about-photo (EN [9f]),
• Ted Anderson en jpgmag (EN [3f]).

Stephen Waddell es un fotógrafo canadiense (nacido en 1968 en Vancouver, Columbia Británica) cuya obra evidencia una preocupación dedicada y profunda de la representación de la figura humana en su entorno. Su obra podría ser considerada como una aproximación al realismo en pintura.

© Stephen Waddell

Biografía

Stephen Waddell nació en una familia involucrada con las artes y dibujó y pintó de niño. Con 17 años, se matriculó en el programa de Bellas Artes de la Universidad Simon Fraser y tomó cursos con Jeff Wall. Obtuvo su MFA de la Universidad de British Columbia en 1994.

En 1990 Waddell empezó a utilizar fotografía instantánea Polaroid como herramienta de dibujo para su pintura. Las limitaciones de este medio, reduciendo y simplificando los fenómenos visuales, con pérdida de gran cantidad de detalle, le influyó en su manera de ver.

En 1997 pasó a una cámara de 35mm como instrumento de esbozo. Pronto se dio cuenta de que la calidad de sus fotografías de 35 mm a veces era muy buena y comenzó a hacer grandes copias C-Print de sus negativos. Su interés en la fotografías creció y la pintura empezó a ocupar un segundo plano. En 1998 se trasladó a Berlín donde trabajó diez años antes de volver a Vancouver. Hacia 2002 se cambió a cámaras de formato medio y comenzado a trabajar seriamente como fotógrafo.

Ha expuesto en galerías e instituciones, entre ellas Monte Clark Gallery en Vancouver y Toronto, The Vancouver Art Gallery, Espai d'Art Contemporani de Castelló,Kunstforum Baloise en Basilea y C / O Berlin.

Obras suyas son hoy parte de la colección Armand Hammer en Los Ángeles, así como las colecciones permanentes de la Galería de Arte de Vancouver y la Galería Nacional de Canadá en Ottawa.

Waddell se topa con sus temas normalmente por casualidad, capturadas generalmente subrepticiamente en lugares públicos. Sus imágenes conservan un sentido de distancia y dignidad, que nos permite observar sus sujetos retratados en el trabajo, en el juego o en reposo, ayudado por su hábil empleo del color y la composición.

Referencias

• su página web stephenwaddell.com (EN [4f]),
• Stephen Waddell en monteclarkgallery (EN [44f]),
• Stephen Waddell en contemporaryartgallery (EN [1f]),
• Stephen Waddell en galerietanit (EN [3f]),
• Stephen Waddell en artsync (EN [1f]),
• Stephen Waddell en preview-art (EN [3f]),
• Off the Radar: Jeff Wall Puts the Spotlight on Stephen Waddell en time (EN [21f]).

Libros

• Hunt and Gather, 2011.

Adou es un fotógrafo chino (nacido en Mianyang, provincia de Sichuan, en 1973, vive y trabaja en Chengdu, en la misma provincia), cuya obra, mediante la utilización de rollos caducados de película, crea texturas y anomalías que evocan una nostalgia melancólica por el pasado. Sus obras no hablan ni explican la situación de las personas que aparecen en ellas, sino que pasan a formar parte del lenguaje visual del artista en su autoexpresión.

© Adou

No hay diferencia entre hacer una foto de los demás y a uno mismo. La cámara puede encuadrar hacia afuera, pero tanto si te gusta como si no, siempre te revela.

Biografía

Adou se graduó en el Departamento de Bellas Artes del Sichuan Aba Normal College en 1995. Trabajó como diseñador y director creativo en publicidad hasta que, en 2002, su esposa notó un bajón en su comportamiento, y le dijo que dejara de ponerse excusas a sí mismo e hiciera lo que realmente quería. Y así Adou comenzó a hacer fotografías de gente en autobuses con una pequeña cámara digital, inspirado por la fotografía documental de Julia Margaret Cameron, Robert Frank, Sally Manny August Sander.

Sus fotografías de la minoría étnica Yi van más allá de la documentación de las realidades de la vida en las montañas Da Liang en Sichuan. Mientras los paisajes y retratos de la serie Samalada (2006) son más como autorretratos, reflejos del autor y meditaciones sobre la vida y la muerte, el pasado y el presente, ofreciendo visiones atemporales de su lugar de nacimiento, su serie Adou explora varias provincias del interior del país, como Gansu, Mongolia y Qinghai entre otros. Estas fotografías evocan el encuentro del hombre con la naturaleza. El artista juega con los efectos texturales de tierras desérticas, las olas causadas por la reacción química, y ángulos expresionistas, creando una atmósfera casi mística.

Ha obtenido varios premios importantes fotografía, incluidos el Three Shadows Photography Award (2009) y el Japón MIO Internacional de Jóvenes Fotógrafos por su serie Public Buses & Chinese People (2005). En 2007 recibió una Honorable Mención en el Premio KLM Paul Huf en Holanda.

Sus fotografías se han expuesto en Asia, Europa y Estados Unidos, incluyendo dos exposiciones individuales en Nueva York y San Francisco (2009) y una exposición retrospectiva en Kyoto (2007).

Referencias

• Adou en m97gallery (EN [96f]),
• Adou en pacemacgill (EN [22f]),
• Adou en all-about-photo (EN [9f]),
• Adou en escapeintolife (EN [9f]),
• Adou en gruppof (EN [5f]),
• Adou en photographyofchina (EN [10f]),
• Adou en decanteddesign (EN [19f]),
• Interview With Sichuanese Photographer Adou en blouinartinfo (EN [8f]),
• Adou en randian-online (EN [20f]),
• Adou en artnet (EN [3f]),
• Adou’s first solo show in China en photodigest (EN [4f]),
• Nero: Cover of the Month en otheredition (EN [2f]).

Libros

• 2013 Adou | Samalada,
• 2008 Outward Expressions, Inward Reflections.

Evelyn Hofer fue una fotógrafa alemana que disfrutó también de las nacionalidades mexicana e inglesa (nacida el 21 de enero 1922 en Marburg, Alemania, murió el 2 de noviembre del 2009 en Ciudad de México) en cuyos retratos daba una grave serenidad a sus sujetos humanos y arquitectónicos y que colaboró en una serie de libros de viajes con eminentes escritores en los años 50 y 60. No muy reconocida en su tiempo, sus admiradores la llamaban “la más famosa fotógrafa desconocida de América”.

© Estate of Evelyn Hofer

Biografía

Evelyn Hofer nació en Marburg, Alemania, en una familia acomodada (su padre era director de una compañía farmacéutica) pero su familia se trasladó a Ginebra en 1933 por su descuerdo con gobierno nazi, y más tarde a Madrid. Evelyn quería ser pianista e intentó sin éxito entrar en el Conservatorio de París y luego se pasó a la fotografía, primero como aprendiz en Zúrich y Basilea y luego tomó clases particulares en Zúrich con Hans Finsler, uno de los pioneros del movimiento “Nueva objetividad”.

Después de que Franco llegara al poder en España se trasladaron de nuevo a México. Evelyn se mudó a Nueva York en 1946, donde trabajó con Alexey Brodovitch de Harper’s Bazaar y se hizo amiga del pintor Richard Lindner, que la enseñó a mirar, y de Saul Steinberg.

Hofer utilizaba una cámara 4x5” para hacer retratos ordenados y bien construidos y fotografías panorámicas. Su estilo estaba centrado en composiciones sencillas, claras, pero no simples. Sus retratos muestran a los sujetos con mirada perdida, triste, o por lo menos ambigua. Su enfoque estudiado, la gravedad y la inmovilización de sus retratos recuerdan mucho al fotógrafo alemán August Sander.

El entrenamiento metódico que tuvo de joven le preparó para emprender cualquier tipo de fotografía en cualquier tipo de circunstancia: jardines en París, sepultureros en Dublín, modelos de moda en Nueva York, ruinas en Roma. Hofer se ganó rápidamente una reputación que mantuvo cuatro décadas. Publicó en diversos periódicos y revistas: Vogue, House and Garden, The London Times, Vanity Fair, Time-Life Books, Harper’s Bazaar, Connoisseur, The New York Times, Life, ... Su reputación no era la de una artista, sino la de un fotógrafo profesional brillante, por lo que permaneció desconocida por la mayoría de los críticos y comisarios, y nunca expuso en un museo en los Estados Unidos. En 1994, el Musée de l'Elysée de Lausana, Suiza, presentó una retrospectiva de su obra, llamada El Ojo Universal. También su obra ha sido expuesta en Aarggauer Kunsthaus en Suiza (2004) y en el Fotomuseum The Hague (2006).

Su relación fue mejor con los escritores, muchos de los cuales estaban dispuestos a colaborar con ella, como Mary McCarthy, V. S. Pritchett y James Morris, en prestigiosos libros de viajes de Florencia, Londres, Nueva York, Dublín y España.

En sus últimos años fotografió el País Vasco y su gente, así como el pueblo de Soglio en Suiza, donde pasaba sus veranos. También produjo una serie de fotografías, exuberantemente pictóricas de naturaleza muerta, en color, utilizando el proceso de Dye-transfer. Muchas de estas imágenes fueron incluidas en su monografía Evelyn Hofer, publicada por Steidl.

Referencias

• su página web evelynhofer.com (EN),
• Evelyn Hofer en wikipedia (EN),
• Evelyn Hofer en danzigergallery (EN [29f]),
• Evelyn Hofer en galerie-m-bochum (DE, EN [27f]),
• Evelyn Hofer en rosegallery (EN [31f]),
• London Perceived. Text V.S. Pritchett, photos Evelyn Hofer en thelondoncolumn (EN [5f]),
• Evelyn Hofer: Still Lifes en newyorkartworld (EN [3f]),
• Evelyn Hofer, Subtle Photographer of People and Places, Dies at 87 en nytimes (EN [4f]),
• Evelyn Hofer en artnet (EN [70f]),
• Evelyn Hofer en 5000photographs (EN [1f]),
• Evelyn Hofer en utata (EN [4f]),
• Evelyn Hofer en ojoscien [5f],
• Evelyn Hofer en archdezart (EN [33f]),
• Evelyn Hofer en onlynylives (EN [11f]),
• Evelyn Hofer en parisphoto (EN [2f]).

Libros

• Los encantos de Méjico.
• The Pleasures of Mexico 1957.
• The Stones of Florence 1956, 1959, 1976 y 1987.
• Florenz, 1960.
• London Perceived 1962, 1986, 1990, 2003 y 2011.
• London. Herz und Antlitz einer Stadt, 1964.
• New York Proclaimed1965 y 1966.
• New York. Herz und Antlitz einer Stadt, 1966.
• Dublin: A Portrait 1967, 1991 y 2011.
• The Presence of Spain 1964.
• Spanje zoals het is, 1965.
• Spanien. Porträt eines stolzen Landes, 1967 y 1968.
• Evidence of Washington 1966 y 1967.
• Portrait: Theory: Photographs and Essays by David Attie, Chuck Close, Jan Groover, Evelyn Hofer, Lotte Jacobi, Gerard Malanga, Robert Mapplethorpe and James Van Der Zee. 1981.
• Emerson in Italy 1989
• Evelyn Hofer: Photographs 1994
• Evelyn Hofer 2004.

Florence Henri fue una pintora fotógrafa suiza (nacida el 28 de junio 1893 en Nueva York y fallecida el 24 de julio 1982 en Laboissière-en-Thelle en Oise, Francia) que experimentó la técnica del fotomontaje, la impresión negativa asociada a la positiva, la superposición de imágenes, el uso de espejos para distorsionar las perspectivas y muchas otras técnicas innovadoras. Gracias a su enfoque especial, sus temas, que van desde retratos de la naturaleza muerta a desnudos, respiraron siempre un aire original e innovador.

© Florence Henri

La nueva visión positivista da al hombre confianza y hace suya la verdadera imagen que se aplica en la traducción exacta. El encuadre se convierte en un elemento esencial del desarrollo y la originalidad del retrato. Pero la característica más llamativa sigue siendo la exaltación de la nitidez donde ningún detalle se escapa el objetivo.

Biografía

Florence Henri fije hija de un francés y una alemana. Tras la muerte de su madre, se trasladaron a Silesia, cerca de la familia de su madre. Vivieron también en París, Múnich, Viena y luego la isla de Wight. Tras la muerte de su padre, 3 años más tarde, se fue a vivir a Italia con sus tíos, estudiando piano en Roma. Después de tocar como pianista en conciertos, se pasó a la pintura. En Berlín, estudió con Kurt Schwitters y en París con Fernand Léger, y se unió a la Bauhaus en 1927 en Dessau, donde contó entre sus profesores a Josef Albers. Finalmente estudió fotografía con László Moholy-Nagy, y trabó amistad con su mujer Lucia.

A su regreso de Alemania, se unió a la escena artística parisina y creó su propio estudio, donde se dedicó al retrato, la fotografía de moda y publicidad. En París, conoció entre otros a Man Ray, Germaine Krull y al húngaro André Kertész, que fueron importantes para su trabajo fotográfico. Desarrolló un trabajo muy personal, basado en experimentos con espejos y prismas, con un estilo que tocaba desde la Bauhaus, el dadaísmo y el surrealismo, y no dudando tampoco en adoptar ángulos originales y la producción de imágenes fragmentadas, como cubista.

Florence participó en 1929 en las exposiciones pioneras de la nueva fotografía, Film und Foto (FiFo) en Stuttgart y Photographie der Gegenwart. En 1930, contribuyó a la revista Cercle et carré fundada por Michel Seuphor y Joaquín Torres-García.

Como pintora, estuvo próxima a las tendencias contemporáneas de los años 20 y se dedicó exclusivamente a la pintura abstracta  después de la Segunda Guerra Mundial, debido a la escasez de productos para la fotografía durante la ocupación nazi de París y que su estilo era decadente para los nazis.

En 1959 viajó a Cadaqués invitada por Dalí, y durante los tres años siguientes vivió en Ibiza, en compañía de Jeanne Taffoireau, para regresar después a la Picardía francesa.

Incluso en la década de 1950, sus fotografías de los años 30 se celebraban como iconos de la vanguardia. Su obra fotográfica fue reconocida durante su vida en exposiciones en solitario y en publicaciones en diversas revistas. También produjo fotografías durante este período, como una serie de fotos de la bailarina Rosella Hightower. El último periodo de su vida lo dedicó a la publicación personal de su antiguas fotografías y volvió de nuevo a trabajar el collage, en una serie de obras abstractas y geométricas, siguiendo la tendencia marcada por el constructivismo y su experiencia de la Bauhaus.

Sus obras se han exhibido en el Centro Pompidou, y en el Hotel de Sully en 2009, como parte de la Paris capitale photographique 1920-1940, exposición colectiva de colección de Christian Bouqueret organizada por el Jeu de Paume.

Referencias

• Florence Henri en wikipedia (FR),
• Florence Henri en bauhaus-online (EN [1f]),
• Florence Henri. Miroir des avant-gardes, 1927-1940 en jeudepaume (EN [22f]),
• Florence Henri en erosfcom (EN [7f]),
• Florence Henri en mujericolas [5f],
• Florence Henri en kamerawork [29f],
• Florence Henri en thegorgeousdaily (EN [10f]),
• Florence Henri en martini-ronchetti (EN [23f]),
• Florence Henri en galerie-depardieu (EN [1f]),
• Florence and the Machine en fansinaflashbulb (EN [?f]),
• Florence Henri: A la luz de los espejos en purakastiga [19f],
• Florence Henri en luminous-lint (EN [11f]).

Israel Ortiz de Zárate es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1967) que realiza principalmente retrato, fotografía de calle y ambientes y músicos de jazz.

  J. Siankope  © Israel Ortiz de Zárate

Biografía

Israel Ortiz de Zárate se inició en el mundo de la fotografía muy joven, en 1984, en la Universidad Popular de Alcorcón. Se fue formando en talleres y cursos de diferentes fotógrafos: Marc Riboud, Sebastiao Salgado, José Mª Mellado, Manuel Toro, entre otros.

Fue socio durante varios años de la Real Sociedad Fotografica de Madrid y cofundador del estudio EB espacio en blanco.

Indagar en la biografía a través de la imagen es uno de sus principales retos, habiendo retratado a escritores, músicos y actores. También nos traslada la mirada más cotidiana de las ciudades con Ciudades de Paso en Galería Un enfoque Personal en Segovia en 2011 y Fragmentos Cotidianos en Galería Mediadvanced de Gijón en 2013.

Uno de sus últimos proyectos consiste en trasladar la atmósfera de los clubs de Jazz a las salas de exposiciones, como Jazz life en CICA de Gijón dentro del Festival Internacional de Jazz de Gijón en 2011 y El Jazz y sus interpretes en la Escuela Julian Besteiro de Madrid en 2012.

También ha realizado trabajos de fotografía corporativa y deportiva, y ha colaborado con diferentes medios editoriales y de comunicación. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas de ámbito nacional. En la actualidad desarrolla su actividad profesional como fotógrafo freelance.

Referencias

• su página web www.israelortizdzarate.com [+100f],
• su blog [?f],
• Israel Ortiz de Zárate. Madrid en mediadvanced [15f],
• Israel Ortiz de Zárate en infotografos [2f],
• Israel Ortiz de Zárate. Fragmentos Cotidianos en objetivoasturias [1f],
• Israel Ortiz de Zárate: sobre todas las ciudades en nevillescu [2f],
• Exposición "Jazz Life" de Leo Cobo e Israel Ortiz de Zárate en infoelmodernario [1f],
• "Ciudades de paso " con un Enfoque Personal en segoviaaldia [1f],
• El Madrid del jazz en elcomercio,
• Jazz para los ojos en lne [2f].

Julio Álvarez Yagüe es un fotógrafo español (nacido en Madrid en 1957) que, desde el comienzo de los 80, paralelamente y hasta el día de hoy, desarrolla dos líneas totalmente opuestas en su obra: una puramente fotográfica, otra de creación e investigación sobre el fotograma.

© Julio Álvarez Yagüe

Con una cámara partes de la realidad. Yo parto de mi fantasía.

Biografía

Julio Álvarez Yagüe comenzó a practicar la fotografía en 1978, teniendo una formación autodidacta. Su interés por la fotografía de autor comenzó como prolongación de su actividad profesional, la fotografía aérea. También realizó trabajos publicitarios en Telefónica y Amper, para su división de Desarrollo, y tirajes de calidad de la obra de autores nacionales e internacionales de reconocido prestigio. También ha realizado foto fija en varias películas.

Fue uno de los fundadores del Colectivo 28 (Madrid, 1979) junto a Ángel Sanz, Evaristo Delgado, José María Díaz-Marotoy Manuel Sonseca. Ha sido profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche (Alicante), y en la actualidad imparte clases en la escuela Efti de Madrid. Desde 1980 ha realiza talleres de positivado de calidad y conservación y también talleres de fotogramas.

De su obra personal destacan Aliens (1999), colección de imágenes abstractas realizadas mediante la manipulación química de fotogramas, y Memoria frágil (2008), serie fotográfica que aborda el papel de la memoria sobre el paso del tiempo. También ha desarrollado proyectos de encargo para la Oficina de Turismo de Portugal (Portugal, viaje a Poniente, 1992), el Cabildo Insular de Tenerife (Teide, 2006) y la Fundación Rafael Botí (Una aproximación visual a la guitarra, 2008), entre otras entidades.

Ha realizado exposiciones individuales en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1995), el Centro Cultural Cajastur-Palacio de Revillagigedo (Gijón, 2001), el Centro Municipal de las Artes de Alcorcón (Madrid, 2002) y numerosas galerías nacionales.

Además, ha participado en ferias y festivales como Arcomadrid (1983, 1984), PHotoEspaña (Breve recorrido por una colección del siglo XX, Real Sociedad Fotográfica, Madrid, 1999), The Affordable Art Fair y Photomonth (ambas en Londres, 2009). Su obra está presente en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Instituto Valenciano de Arte Moderno y la Fundació Joan Miró (Barcelona), entre otras.

Referencias

• su blog Julio Álvarez Yagüe [?f],
• Julio Álvarez Yagüe en blancaberlingaleria [+190f],
• Julio Álvarez Yagüe en flickr [+50f],
• Julio Álvarez Yagüe en efti [1f],
• Julio Álvarez Yagüe en encuentrosfotograficos [1f],
• Entrevista a Julio Álvarez Yagüe en diariosur,
• Infotógrafos V - Ecos Primigenios - Julio Álvarez Yagüe en ua [1v],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• Viaje a Poniente
• Julio Álvarez Yagüe (Biblioteca de Fotógrafos Madrileños siglo XX), 1998,
• Aliens: miedos-medios, 2001,
• Íntimo, 2002,
• Así trabaja el fotógrafo-- Julio Álvarez Yagüe, 2009,
• A través del espejo, 2010.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Guilhem Alandry es un productor de multimedia y fotógrafo francés (con sede en Londres).

Water in Dhaka© Guilhem Alandry 

Biografía

Guilhem Alandry cofundó en el año 2000 el colectivo de fotógrafos Documentography. Ha trabajado en temas socialmente comprometidos para una serie de organizaciones benéficas, agencias, revistas, periódicos, publicaciones y galerías en línea.

Es uno de los pioneros de las narrativas fotográficas interactivas y un profesional reputado en nuevos medios. Es un verdadero artista y productor multimedia, versátil y acostumbrado a utilizar fotografía, vídeo, tecnología VR y sonido y siempre en busca de nuevas formas de unir estos medios.

Ha ganado premios importantes y su trabajo ha sido expuesto en formas tan variadas como son la impresión, los proyectos interactivos, proyecciones y exposiciones.

Es director de Doculab, estudios de producción multimedia, en Londres.

Sus clientes y publicaciones incluyen: Time, The Guardian, Le Monde, Der Spiegel, FT, Save the Children, la Organización Mundial de la Salud, WaterAid, Malteser Internacional ...

Referencias

• su página web www.guilhemalandry.com (EN [+400f]),
• Doculab (EN [?f ?v]),
• Kroo Bay en doculab (EN [?f ?v]),
• Child Of Mine en wateraid (EN [?f]),
• Documentography (EN [?f]),
• Guilhem Alandry en all-about-photo (EN [12f]),
• Guilhem Alandry en theguardian (EN [8f]),
• Impresionante trabajo de panorámica tridimensional. en ivasfot [1f],
• Anna Kari & Guilhem Alandry en wird (EN [13f).

Héctor Acebes es un cineasta y fotógrafo colombiano (nacido en Nueva York en 1921, vive en Bogotá, Colombia) conocido principalmente por sus fotografías de sus viajes por África, documentando sus pueblos del período colonial tardío en los años 50 con dignidad, orgullo y una intimidad rara vez conseguida incluso en obra fotográfica contemporánea.

© Acebes Archive

Biografía

Héctor Acebes nació en el seno de una rica familia española y colombiana que se dedicaba a la importación de vinos y textiles españoles a América, se crió en Madrid  y asistió al Colegio del Pilar. Su familia se trasladó a Bogotá, Colombia, donde estudió en el Gimnasio Moderno. Volvió a los Estados Unidos para estudiar en la escuela secundaria en la Academia Militar de Nueva York. Consiguió gran parte de su habilidad técnica fotográfica participando en el club de cámara de la escuela y por medio del estudio y la práctica por su cuenta. Con 15 años Acebes convenció a sus padres que le dejaran hacer su primera y atrevida  excursión en solitario: varios viajes en barco por el Orinoco y otros ríos del este de Colombia y el oeste de Venezuela.

Después de graduarse en la Chauncey Hall School en Boston, ingresó en el Instituto de Tecnología de Massachusetts para estudiar ingeniería, manteniendo su propio estudio fotográfico mientras estudiaba. Durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el Ejército de Estados Unidos y sirvió en Alemania y Bélgica. A su regreso, completó sus estudios en el MIT y luego se trasladó con su esposa a Bogotá.

A finales de 1947, Acebes se dirigió a España para trabajar en una película, pero los planes del productor no se concretaron. En lugar de regresar a casa, Héctor viajó al norte de África. Fue cautivado por la mezcla de culturas variadas. Diversos pueblos del continente, con sus vestidos y adornos de colores, tonos, texturas, luz, elementos arquitectónicos y características geográficas le proporcionaron temas sorprendentes para sus fotografías y filmaciones. Siguió a este viaje con un segundo viaje, también en el norte de África y Malí, en 1949. Pasó tres meses explorando y fotografiando todo lo que capturó su imaginación. El punto culminante fue un viaje en camello a Tombuctú, en Mali, un destino muy difícil de conseguir en el 1949. Algunas de sus imágenes más impactantes provienen de este viaje.

A lo largo de las décadas de los 40 y 50, Acebes realizó expediciones por África y América del Sur y comenzó su trabajo como cineasta profesional y docente. A finales de los 50, Acebes Productions había establecido una reputación en la creación de excelentes documentales y películas industriales. Acebes escribió, filmó, dirigió y editó cada una de las 43 películas de Acebes Productions.

Su vida de novela como fotógrafo, cineasta, documentalista, ingeniero, excombatiente durante la Segunda Guerra Mundial, pionero de la publicidad, aventurero y viajero incansable, ha sido reflejada por el documental Héctor Acebes, el ojo de un aventurero, de Juan Carlos Delgado, que narra los acontecimientos más importantes de su vida, como sus tres expediciones a África, el haber sido uno de los primeros expedicionarios en llegar al nacimiento del Orinoco y retratar a los nativos Yucos de Venezuela, Yanomamis en Colombia y a los Shuars (jibaros reductores de cabeza) del Ecuador.

Referencias

• su página web hector-acebes.com (EN [30f]),
• Héctor Acebes en anahitaphotoarchive (EN [17f]),
• Héctor Acebes en ggibsongallery (EN [1f]),
• Héctor Acebes en holdenluntz (EN [19f]),
• Héctor Acebes en banrepcultural [2f],
• Héctor Acebes en nomadgallery (EN [31f]),
• Héctor Acebes en illadeltresor,
• Héctor Acebes en telenet (EN [1f]),
• Héctor Acebes en estromatolitos [2f],
• Héctor Acebes en all-about-photo.com/photographer (EN [17f]).

Libros

• Hector Acebes: Portraits in Africa, 1948-1953,2004.
• Orinoco Adventure by Hector Acebes, 1954.

Francisco de Leygonier fue un marino mercante y fotógrafo español (nacido en Sevilla en 1812, y fallecido el 1882) que fue uno de los pocos calotipistas españoles.

Francisco de Leygonier y Haubert 

Biografía

Francisco de Leygonier y Haubert nació, de padres franceses, en el barrio sevillano de Santa Catalina. Se inició en el procedimiento del daguerrotipo en Burdeos en 1842, y en 1843 abrió en la calle Imperial de Sevilla lo que sería el primer gabinete comercial fotográfico de la ciudad.

También  introdujo en España el negativo a la albúmina y la enseñanza fotográfica, cobrando a sus alumnos 160 reales por un curso completo de iniciación a esta disciplina. Su fuerte fue la rápida asimilación y difusión comercial de los nuevos productos fotográficos: antes de 1851, una década después de que se publicaran los “puntos de vista heliográficos", Leygonier estaba haciendo daguerrotipos y negativos de placas de vidrio al colodión húmedo, así como positivos calotipo. También realizó imágenes estereoscópicas en placa de vidrio.

Realizó algunas de las fotografías de Sevilla de mayor interés iconográfico, entre ellas las del derribo del Convento de San Francisco o las de la Puerta de Carmona derruida en 1868, un documento de gran interés histórico, y la Puerta del Perdón de la Catedral, primera imagen que se conoce de la que ha sido la puerta más fotografiada de la historia de la ciudad. Entre otras cosas, muestra el emplazamiento de la macabra Mesa Real, una mesa de disección de ajusticiados para su exposición ejemplarizante, llevada  allí en el siglo XVI. En 1852 también fotografió la Alhambra.

Pronto incorporó a su hacer el uso de procesos reproducibles, que superaban el inconveniente de la pieza única, y así en 1869 comenzó a utilizar la técnica de copias al albúmina. Fue corresponsal de La Lumière en Sevilla, y suspendió su actividad hacia 1879.

Existen fotografías de Leygonier en el Fondo Fotográfico de la Fundación Universitaria de Navarra (fff) y en la Universidad de Texas de Austin (EEUU), que en 1980 compró un gran álbum fotográfico de vistas de Sevilla realizado por este fotógrafo.

Referencias

• Francisco de Leygonier en wikipedia,
• Francisco de Leygonier en unav [10f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f].
• De París a Cádiz. Calotipia y colodión en railowsky [?f],
• Francisco de Leygonier en galeon [1f],
• Francisco de Leygonier en genova-cafebar [1f].

Libros

• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI  2013.
• De París a Cádiz. Calotipia y colodión.

Shinya Arimoto es un fotógrafo japonés (nacido en Osaka en 1971, vive en Tokio) que realiza principalmente fotografía de calle en blanco y negro en formato cuadrado.

© Shinya Arimoto

Biografía

Shinya Arimoto es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Osaka. Su amor por la fotografía nació tras leer el libro Tokio: 1970-1985 del fotógrafo japonés Masatoshi Naito.

Con poco más de 20 años fotografió en la India, Nepal y el Tíbet, donde pasó más de 18 meses. En 1998, ganó el 35 PremioTaiyo por su libro de fotografía Portrait of Tibet.

Fotógrafo documental, en su obra hay mucho de conceptualismo gráfico transmitido con gran sinceridad a través de fotografías de calle. Las personas que pueblan el corazón de la ciudad de Tokio, son sus protagonistas, incidiendo en los más anónimos, los casi invisibles a la vista de todos como son los sin techo. A diferencia de otros fotógrafos, no es un mero observador, sino que a través de su cámara consigue comunicarse con los retratados, creando, en el caótico mundo de la urbe y, aunque sea por unos instantes, una sensación de cierta intimidad y sosiego.

Abrió su galería Totem Pole Photo Gallery (TPPG) en Shinjuku, Tokio, en 2008.

Su trabajo ha sido publicado en Asahi Cámara y Kaze no Tabibito, entre otras revistas, y expuesto en numerosas ocasiones en Japón. Shinya también da clases en diversas escuelas de fotografía, incluyendo el Centro de Artes Visuales de Tokio.

Referencias

• su página web arimotoshinya.com (EN, JP [+300f]),
• su galería Totem Pole Photo Gallery (TPPG) (JP [?f]),
• Shinya Arimoto en flickr (EN [+600f]),
• Shinya Arimoto en phmuseum (EN [30f]),
• Shinya Arimoto en curatingtheunseen (EN [21f]),
• Shinya Arimoto Gallery en japanexposures (EN [16f]),
• Interview with Shinya Arimoto, Totem Pole Photo Gallery en invisiblephotographer (EN [15f]),
• Shinya Arimoto, los que habitan la ciudad en lamonomagazine [18f],
• Interview with Shinya Arimoto en japanexposures (EN, JP [2f]),
• Shinya Arimoto en all-about-photo (EN [17f]),
• Shinya Arimoto en 500photographers (EN [9f]),
• Shinya Arimoto en stampsy (EN [10f]),
• Shinya Arimoto en bondgirlgoestoheaven (EN [14f]),
• Shinya Arimoto en photoquai (EN [14f]).
• Shinya Arimoto en rinse (EN [24f]),
• Jesse’s book review – Ariphoto Selection by Shinya Arimoto en japancamerahunter (EN [7f]).

Libros

• 1999 Portrait of Tibet
• 2001 Rush
• 2010 ariphoto selection vol.1
• 2011 ariphoto selection vol.2
• 2012 Photography Today 4
• 2012 ariphoto selection vol.3
• 2013 ariphoto selection vol.4
• 2014 ariphoto selection vol.5.

Pierre Baëlen es un fotógrafo francés (nacido en el sur de Francia en 1981, vive en París) cuyo principal tema son los paisajes imaginarios, un viaje entre los sueños y la realidad contemporánea.

© Pierre Baëlen

Biografía

Pierre Baëlen se empezó a interesar por la fotografía con 14 años cuando su mejor amigo le prometió diversión entrando en edificios abandonados para sus clases de fotografía. Sorprendido por el descubrimiento de la cámara The 6x6, su primer amor fue enseguida el cuarto oscuro del laboratorio donde comenzó a experimentar a revelar y a hacer copias en el cuarto de baño familiar.

Fue a la Escuela de Artes Visuales de Orthez donde aprendió ilustración y fotografía de reportaje y experimental.

En 2001 se trasladó a París, comenzando a realizar pequeños encargos como fotógrafo freelance. Enseguida comenzó a trabajar como primer asistente para un fotógrafo publicitario de coches, con el cual estuvo trabajando 8 años por todo el mundo.

A partir de 2011se dedica a la fotografía a tiempo completo. Está representado por Zeynep.

En su serie Imaginary Landscapes, Baëlen recurre a fotomontajes donde encontramos algún vestigio humano, pero el personaje principal es la naturaleza, haciéndonos reflexionar sobre los contrastes que hay entre los espacios abiertos y salvajes y la invasión masiva del turismo. Su inspiración viene de sus viajes y de escenas banales del día a día, y a partir de esto monta atmósferas surrealistas en lugares familiares.

Referencias

• su página web www.pierrebaelen.com (EN [180f]),
• su blog (FR [?f]),
• Pierre Baëlen en zeyneprepresents (EN [89f 1v]),
• Pierre Baëlen en all-about-photo (EN [17f]),
• Pierre Baëlen. Imaginary Landscapes en loeildelaphotographie (EN [13f]),
• Pierre Baëlen y sus paisajes absurdamente surrealistas en eintheroom [8f],
• Pierre Baëlen en fashionproduction (EN [16f]),
• Pierre Baëlen en one360 (FR [12f]),
• Pierre Baëlen: Photographe en bewaremag (FR [8f]),
• Pierre Baëlen en plainpicture (EN [+200f]).

Herlinde Koelbl es una cineasta documental y fotógrafa alemana (nacida en Lindau en 1939, vive en Múnich) considerada una de las documentalistas más prestigiosas de su país. La estética de sus imágenes es su inconfundible firma característica, y también la sensibilidad con la que trata los temas que selecciona.

Angela Merkel, 1991 © Herlinde Koelbl

Es importante autoimponerme retos.

Biografía

Herlinde Koelbl descubrió su pasión por la fotografía por casualidad y de forma autodidacta, en 1976. Siempre visionaria y amante de investigar temas poco populares, realizó su primer trabajo para la revista alemana Stern, y posteriormente para los diarios Die Zeit y New York Times.

Se hizo famosa por retratar, en forma de series cronológicas, a políticos alemanes de la talla de la actual canciller, Angela Merkel, el ex ministro de Asuntos Exteriores Joschka Fischer y el ex canciller Gerhard Schröder.

Ha sido galardonada en numerosas ocasiones y ha expuesto en prestigiosas galerías de como Villa Stuck en Múnich (2008), Kunsthal Rotterdam, Martin-Gropius Bau en Berlín (2009), Stadtmuseum en Graz (2010) y  Stadtmuseum en Múnich (2011). ha obtenido numerosos premios como la Leica Medal of Excellence (1987), Epica Award  y Kodak Pro Prize (1992), Golden Camera (2000), Dr. Erich Salomon Prize (2001), Federal Cross of Merit (2009) y el Lindau Cultural Award (2010).

En su afán por explorar temas en profundidad, compagina la fotografía con la literatura y suele sacar un libro por cada serie de imágenes realizadas. A su juicio, lo más interesante de su trabajo consiste en experimentar.

Su exposición retrospectiva Herlinde Koelbl. Fotografías 1976-2009 pretende analizar al detalle los temas que han centrado desde siempre la obra de Koelbl. Presenta casi todo su trabajo, con más de 450 fotografías y bastante material multimedia y desconocido, como por ejemplo sus primeras instantáneas, que realizó en Estados Unidos en los años 70.

Referencias

• su página web www.herlindekoelbl.de (DE, EN [+50f 4v]),
• Herlinde Koelbl en wikipedia (DE),
• Starke frauen en galerie-borchardt (DE [2f]),
• Herlinde Koelbl: Targets en 20minutos [4f],
• What Different Countries Look at for Target Practice en slate (EN [9f]),
• Caught in the crosshairs: the woman who photographs shooting ranges en theguardian (EN [8f]),
• Hair. Herlinde Koelbl en kunsthal (EN [5f]),
• Herlinde Koelbl’s Provocative Exploration Of Target Practice Cut-Outs en konbini (EN [9f 1v]).

Libros

• Targets 2014
• Kleider machen Leute2012
• Mein Blick 2009
• Haare 2007
• Screiben! 30 Autorenportraits 2007
• Die Kommissarinnen 2004
• Schlafzimmer 2002
• Spuren der Macht.2002
• Im Schreiben zu Haus1998
• Opfer1996
• Starke Frauen1996
• Männer 1995
• Kinder1994
• Jüdische Portraits 1989
• Feine Leute: 111 Photographien Der Jahre 1979 Bis 1985 1996
• Das deutsche Wohnzimmer 1980.