Fritz Kempe fue un publicista y fotógrafo alemán (nacido el 22 de octubre de 1909 en Greifswald y fallecido el 27 de diciembre de 1988 en Hamburgo) cuya obra más reconocida fue la de retratar a las personalidades del Hamburgo de la postguerra.

Max Ernst, 1964 © Fritz Kempe

Biografía

Fritz Kempe, después de completar su formación como fotógrafo con su padre, Max Kempe, abrió su propio taller de publicidad y fotografía industrial en Berlín en 1938.

En 1939 fue reclutado por el ejército como un fotógrafo. Tras la derrota alemana en la Segunda Guerra Mundial, estuvo preso hasta su liberación en 1945 en que se trasladó a Hamburgo y trabajó como oficial de prensa para una obra de caridad, así como editor de la Allgemeine Zeitung de Hamburgo.

De 1949 a 1974 dirigió la Staatliche Landesbildstelle Hamburg, dedicado al cine, televisión y sobre todo a la fotografía.

En 1952, fundó la Landesbildstelle (colección de historia de la fotografía) de Hamburgo. Por lo tanto, él fue el responsable de que una de las primeras colecciones de fotografías entrara en un museo.

Aunque el retrato tuvo un lugar destacado en su obra (realizó unos 1.300 retratos de personalidades de la vida cultural, política e intelectual de Hamburgo), Fritz Kempe nunca se olvidó de su actividad de publicista y de organizador. Sus conferencias y más de 450 libros y otras publicaciones han contribuido a hacer conocer y reconocer la fotografía como medio artístico.

Obtuvo los siguientes premios:

• 1964: Premio de Cultura de la Sociedad Alemana de Fotografía
• 1969: GDL-ring
• 1974: Medalla David Octavius Hill
• 1979 DGPH - Premio de Investigación historia fotográfica de la Sociedad Alemana de Fotografía
• 1981: Medalla de Senador Biermann Ratjen por servicios artísticos a la ciudad de Hamburgo.

Referencias

• Fritz Kempe en wikipedia (DE),
• Fritz Kempe en lesmeilleursphotographes (FR [7f]),
• Fritz Kempe en van-ham (DE [4f]),
• Fritz Kempe en bildindex (DE).

Libros

• Hamburger, 1963
• Fetisch des Jahrhunderts. 1964
• Das Bild und die Wirklichkeit, 1974
• Vor der Camera. Zur Geschichte der Photographie in Hamburg,  1976
• Photographie. Zwischen Daguerreotypie und Kunstphotographie, 1977
• Daguerreotypie in Deutschland, 1979.

Peter Bialobrzeski es un fotógrafo alemán (nacido en 1961 en Wolfsburg) conocido principalmente por sus fotos de las grandes metrópolis de Asia.

© Peter Bialobrzeski

Biografía

Peter Bialobrzeski estudió Ciencias Políticas y Sociología antes de trabajar como fotógrafo de un periódico local en su natal Wolfsburg.

Viajó por Asia antes de volver a estudiar fotografía en el Folkwangschule de Essen y en el London College of Printing de Londres.

Después de haber trabajado como fotógrafo durante casi 15 años, para clientes corporativos como Daimler-Chrysler, Philip Morris, Siemens y Volkswagen, y de haber publicado en todo el mundo, Peter comenzó a centrarse más en proyectos personales. Su obra se ha expuesto en Europa, EEUU, Asia, África y Australia.

Ha ganado varios premios importantes, incluyendo el prestigioso premio World Press Photo en 2002 y 2009 (también ha sido jurado en este concurso). En 2012 fue honrado con el Premio Erich Salomon por la Sociedad Alemana de Fotógrafos(DGPh).

Desde 2002 Peter es profesor de fotografía en la Universidad de las Artes de Bremen. Realiza talleres de fotografía por todo el mundo.

Está representado por Laurence Miller Gallery de Nueva York, LA Galerie en Frankfurt y también expone en la Robert Morat Gallery en Hamburgo y en la m97 Gallery en Shanghái.

Referencias

• su página web www.bialobrzeski.de (EN [+150f]),
• Peter Bialobrzeski en wikipedia (EN),
• Peter Bialobrzeski en laurencemillergallery (EN [40f]),
• Peter Bialobrzeski en lagallery-frankfurt (EN [+130f]),
• Peter Bialobrzeski en robertmorat (EN [19f]),
• Peter Bialobrzeski en m97gallery (EN [+100f]),
• Peter Bialobrzeski en hatjecantz (EN [?f]),
• WPP: 2009, Peter Bialobrzeski, 2nd prize, Nature stories en worldpressphoto (EN [9f]),
• WPP: 2002, Peter Bialobrzeski, 1st prize, Arts and Entertainment stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• Peter Bialobrzeski en 500photographers (EN [7f]),
• Entrevista a Peter Bialobrzeski en aphotostudent (EN [14f]),
• Peter Bialobrzeski en ndmagazine (EN [18f]),
• Peter Bialobrzeski. Habitat en parisphoto (EN [5f]).

Libros

• 1996 Transit
• 2000 XXXholy
• 2004 Neon Tigers
• 2004 XXX Holy: Journeys into the Spiritual Heart of India
• 2005 Heimat
• 2007 Lost in Transition
• 2007 Calcutta: Chitpur Road Neighborhoods
• 2009 Paradise Now
• 2009 Case Study Homes
• 2010 Informal Arrangements
• 2012 The Raw and the Cooked

Biografía

Referencias

• George de Vincent en washingtonpost (EN [3f]),
• George de Vincent en independent (EN [1f]).

Libros

• The shame of a Nation
• O, say can you see?, by dawn's urban blight.

Keiichi Tahara es un fotógrafo japonés (nacido el 20 de agosto de 1951 en Tokio) muy reconocido por su fotografía de arquitectura y por sus esculturas de luz.

© Keiichi Tahara

Biografía

Keiichi Tahara aprendió la técnica fotografía desde pequeño al lado de su abuelo, que era fotógrafo profesional.

En 1972, mientras viajaba por Europa con el Red Buddha Theater, donde era técnico de iluminación y visual, se encontró en Francia con una luz fuerte, dura y penetrante que nunca había experimentado en Japón y se quedó en París 30 años, comenzando su carrera como fotógrafo.

En su primera serie de trabajo Ville (1973-1976) capturó la luz única en París en fotografía en blanco y negro. Su siguiente serie Fenetre (1973-1980) le consiguió el premio al mejor nuevo fotógrafo en el Festival Internacional de Fotografía de Arles en 1977. Después siguieron Portrait (1978), Eclat (1979-1983) y Polaroid (1984) consiguiendo diversos premios incluido el Ihei Kimura en 1985. En Homo Loquence (1983) hizo retratos y entrevistas a artistas como Joseph Beuys y Pierre Klossowski. En 1988 obtuvo el Prix Nicéphore Niépce y en 1993 fue nombrado Chevalier des Arts et des Lettres en Francia.

Su enfoque morfológico a la luz se extendió a la escultura, las instalaciones, … En 1993, en el foso del Castillo de Angers, instaló la primera escultura de luz en Francia, Fighting the Dragon. Su obra más representativa es Jardín de Luz (Eniwa, Hokkaido, 1989), donde esculturas de luz están instaladas en un espacio público que está cubierto por un metro de nieve seis meses al año. La luz cambias en respuesta a la música y presenta un espacio de dimensiones poéticas.

Basado en el mismo concepto, en el año 2000, Echos du Lumières se instaló en el canal Saint-Martin, en París. Espectaculares colores emergentes de prismas iluminan la pared de piedra sincronizados con el sonidos.

Otras instalaciones permanentes al aire libre son Niwa (Jardín) en la Maison Européenne de la Photographie en París en 2001, la instalación Portrail de Lumiere como parte de la Capital Europea de la Cultura Lille 2004, y Escultura de luz en el Museo de Arte Metropolitano Teien de Tokio en 2004.

Tahara sigue produciendo proyectos de instalaciones de luz en espacios urbanos.

Referencias

• su página web www.keiichi-tahara.com (EN, FR, JP [?f]),
• Keiichi Tahara en wikipedia (EN),
• Fenetres. Keiichi Tahara en fractionmagazinejapan (EN [29f]),
• Keiichi Tahara en takaishiigallery (EN [9f]),
• Keiichi Tahara en wadagarou (EN [5f]),

Libros

• 2009I.M. Pei - Museum of Islamic Art
• 2008 Seikimatsu Kenchiku (3) Liberty Youshiki to Toho e no Yume
• 2007 Seikimatsu Kenchiku (1) Art Nouveau
• 2004 Hikari No Choukoku
• 2001 Light, Sculpture, Photography
• 2000 Art Nouveau Architecture
• 2000 El Egipto de Keiichi Tahara
• 1998 Egypt
• 1996 Coty: Parfumeur and Visionary
• 1996 Haute Couture: Tradesmen's Entrance
• 1995 The Louvre: An Architectural History
• 1993 H (etch) (friend of the eye)
• 1993 Eros: A Collection of Sensuous Photographs by Keiichi Tahara
• 1993 Hoshoku No Bunka-shi / Platinum Hoshoku no Karei na Sekai
• 1989Images of Fin-de-siecle
• 1986 Metaphore
• …

Cecilia de Val es una cantante y fotógrafa aragonesa (nacida en Zaragoza en 1975) que explora a través de su trabajo la ambigua línea divisoria entre realidad y ficción, sirviéndose de la fotografía y del concepto tradicional que la define como documento de la realidad, al mismo tiempo que experimenta con la imagen para acercarla a otras disciplinas como la pintura, la escultura o  la performance.

Lily & Mum © Cecilia de Val

Mis fotos tienen el contraste de la vida.

Biografía

Cecilia de Val ha obtenido numerosas becas y premios como el Premio de Arte de  la UNED (Fundación Ramón J. Sender), el primer premio de la Fundación José García Jiménez de Murcia o el Gran premio Santa Isabel de Portugal en Zaragoza. En 2009 fue finalista en Descubrimientos del festival PHOTOESPAÑA por su serie El otro reino y en el concurso de fotografía Purificación García.

También en 2009 expuso de forma individual en la feria de arte ESTAMPA en la que obtuvo el primer premio del concurso Estampa photographica. En 2011 obtuvo la beca de la Fundación Arte y Derecho para realizar su serie Tiempo y Ruinas y fue nominada para el Sovereign European Art Prize.

Cecilia ha expuesto de forma individual y colectiva en España, Europa, Asia y EEUU, en prestigiosas ferias como Miamiphoto, Circa, Madridfoto, Fotofever, …en la Bienal de Pamplona (2011), en la exposición  Desnudando a Eva: Creadoras de los siglos XX y XXI organizada por el Instituto Cervantes itinerante por Europa y Asia, así como la participación en numerosos festivales de forma individual y colectiva.

Su obra se encuentra en prestigiosas colecciones públicas y privadas y ha sido publicada en revistas especializadas como Contraluz, My buffer Guest magazine, revista Duende (2011), 10×15 (Febrero 2010) y Digital Camera (Diciembre 2010).

En sus fotografías se autorretrata dentro de diversos escenarios que son construidos con infinito cuidado y detalle, como si se tratara de escenas de películas o recreaciones de cuentos soñados. Su interés por la literatura, el cine y la música están presentes en todas sus obras, así como una búsqueda de la propia identidad que a veces la lleva a desdoblarse en múltiples personajes dentro de un mismo entorno. La fantasía y el dolor están presentes en sus imágenes, como si fueran una evocación de la vida a través de un sueño, lo cual les da un aire perturbador e inquietante que nos hace pensar y preguntarnos que hay detrás de esas escenas.

Es también la vocalista del grupo de folk country Gery Geld and the Dead Monegros.

Su proyecto más reciente es La pesanteur que trata una aproximación simbólica al desamparo y en el que retrata a personas en lugares periféricos de diferentes ciudades; y paisajes en los que irrumpen enigmáticas cabelleras.

Referencias

• su página web ceciliadeval.com [40f],
• Entrevista a Cecilia de Val en antoncastro [2f],
• Cecilia de Val. Nunca te prometí un jardín de rosas en graficacolectiva [3f],
• Cecilia de Val en lamiradafotografica [6f],
• Entrevista a Cecilia de Val en elperiodicodearagon [1f],
• Cecilia de Val en aprendefotografiadesdecero [9f 2v],
• Nunca te prometí un jardín de rosas. Cecilia de Val en multimagen [2f],
• Cecilia de Val. Contar con la luz en antoncastro [1f],
• Cecilia de Val: La Pesanteur en makma [6f],
• Tiempo y Ruinas. Fotografías de Cecilia de Val en arteenlared [2f].

Kurt Julius fue un fotógrafo alemán (nacido el 28 de enero 1909 en Hannover, fallecido el 4 de agosto 1986 en Kirchheim, cerca de Múnich) al que se considera uno de los más importantes fotógrafos de la posguerra de Hanover y cronista de la vida teatral de la ciudad desde 1949 hasta el final de la década de 1970.

Ursula Volkmar © Kurt Julius

Biografía

Kurt Julius era hijo del fotógrafo Hugo Julius. Pasó sus años escolares en Hannover, donde asistió a la Escuela de Bismarck. En 1928 comenzó sus estudios de fotografía en la Escuela Estatal de Baviera, que terminó en 1930 con honores. Hasta certificar su maestría en el oficio (1937), trabajó en varios estudios fotográficos en Alemania y en el extranjero (Lippstadt, Leipzig, Starnberg, Stolp, Rotterdam, Graz y Hamburgo).

En 1938 Julius comenzó su propio negocio y se hizo cargo del de su padre. En 1943 tuvo graves problemas por los bombardeos de la ciudad. Trabajó principalmente como fotógrafo de retratos, publicidad y teatro. En 1949 consiguió su primer trabajo como fotógrafo de teatro, en la producción Fausto II de Goethe  en el Teatro del Estado de Baja Sajonia en Hannover. A partir de entonces documentó el resurgimiento del teatro después de la Segunda Guerra Mundial en la capital de Baja Sajonia hasta 1979.

Sin embargo, sus fotografías de teatro no son documentación pura. Julius fotografió no sólo la escena, sino la secuencia dramática de la pieza, exponiendo las características especiales de cada escena y su esencia.

Gracias a su hermano Rudolf Jugert entró en contacto con la industria cinematográfica. Para su película Film ohne Titel(Película sin título) 1947/8 puso a los actores en la escena fotográfica. Su foto de la actriz Hildegard Knef fue la portada del primer número de la revista Stern (1 de agosto de 1948). A lo largo de sus años de trabajo para la industria cinematográfica Julius fotografió a muchos actores prominentes, ganándose el nombre de "fotógrafo de celebridades".

En 1950 Julius recibió una invitación para la primera Photokina (1951) en Colonia, la primera exposición de fotografía y el cine en Alemania después de la guerra. También presentó su trabajo en la exposición conjunta Kamera und Kreide. Y expuso internacionalmente, recibiendo diversos premios, entre ellos la medalla DavidOctavius Hill en 1979, que da la Deutsche Akademie Fotografische (GDL).

En 1980 se trasladó a Kirchheim, cerca de Múnich, donde trabajó como fotógrafo independiente, sobre todo haciendo retratos. Tras su muerte, en 1993, el Theatermuseum Hannover adquirió su archivo fotográfico, realizando en 2009 su retrospectiva Der Theaterfotograf Kurt Julius (1909-1986).

Referencias

• Kurt Julius en wikipedia (DE),
• Kurt Julius en sendeplanung (DE [1f]).

María Cristina Orive es una editora y fotógrafa guatemalteca (nacida en 1931 en Antigua, Guatemala, vive en Buenos Aires, Argentina) que se ha dedicado principalmente al fotoperiodismo.

© María Cristina Orive

Biografía

María Cristina Orive estudió en Estados Unidos, trabajó como reportera de radio y periódicos cubriendo arte, música y teatro para Radio Faro Aviateca y El Imparcial y después se trasladó a París donde estuvo viviendo durante quince años colaborando con la prensa guatemalteca (era la corresponsal del diario El Imparcial en la capital francesa) y la televisión francesa en artículos sobre cultura y sociedad.

Luego comenzó a trabajar como reportero gráfico para ASA Press, contribuyendo a revistas como la versión española de Life. Volvió a América del Sur, navegando a través del Canal de Panamá en un barco soviético, tomó impresionantes imágenes de Eva Duarte y el funeral de Juan Domingo Perón, y conoció a Salvador Allende y otras celebridades.

Tras su traslado a Buenos Aires en 1973 fundó con Alicia D'Amico y Sara Facio la primera editora fotográfica en América del Sur con el nombre de La Azotea. Al mismo tiempo colaboraba con la agencia Gamma Presse.

La Azotea ayudó a publicar la obra de artistas latinoamericanos, entre ellos JJ Yas, JD Noriega y Luis González Palma de Guatemala, Alejandro Witcomb yMarcos López de Argentina, y Martín Chambi de Perú. También publicó la obra de fotógrafas como Annemarie Heinrich, Grete Stern y Adriana Lestido. Fue la primera empresa de su tipo en América del Sur publicando el trabajo de cerca de 100 fotógrafos

En colaboración con Sara Facio realizó en 1980 un libro titulado Actos de fe en Guatemala en el que recogía imágenes de las diversas religiones que existían en el país. Miguel Ángel Asturias puso el prólogo al libro.

Ha realizado exposiciones en Buenos Aires, París, Londres, Nueva York y Guatemala, y mantiene su residencia en Buenos Aires.

Referencias

• María Cristina Orive en wikipedia,
• María Cristina Orive, escritora de la luz en claudianavas [1f],
• María Cristina Orive en leopl [1f],
• María Cristina Orive. Sol y luna plata en luisfernandoponce [1f].

Libros

• Actos de fe en Guatemala
• La Antigua, Guatemala.

Rut Blees Luxemburg es una fotógrafa alemana (nacida en 1967 en Trier, Alemania, vive y trabaja en Londres) especialista en fotografía urbana, con la que investiga el paisaje metropolitano y las formas en que la ciudad afecta a la condición humana, así como su relación con la literatura y la música. Con un sentido de juego y fluidez, sus obras sugieren nuevas formas de moverse por la ciudad, y explorar las posibilidades de redescubrimiento, belleza y poesía, que existen bajo la superficie áspera del entorno construido.

© Rut Blees Luxemburg

Biografía

Rut Blees Luxemburg estudió Ciencias Políticas en la Universidad de Duisburg, posteriormente estudió fotografía en el London College of Printing y obtuvo un master en fotografía en la Universidad de Westminster en Londres.

Emplea a largas exposiciones lo que le permite utilizar la luz que emana la propia calle, por ejemplo, de edificios de oficinas o las luces de la calle en sus fotos. Las obras así resultantes son extrañas y hermosas, a veces inmediatamente reconocibles, en otros casos son casi abstractas, inundadas de luz verde y dorada. Los paisajes urbanos suelen parecer amenazantes y deshumanizantes, pero a través del trabajo poético y seductor de Blees Luxemburg nos atraen, nos hacen mirar de nuevo llevándonos a nuevas formas de ver e interactuar con las ciudades que habitamos.

Su fotografía Towering Inferno fue utilizada como carátula del álbum Original Pirate Material de The Streets. La foto muestra la belleza de una torre de viviendas iluminada. También A Modern Project se utilizó como la carátula del álbum A Weekend in the City de Bloc Party.

Trabaja con película al ser mejor para la fotografía de noche. También utiliza una cámara de gran formato para obtener mayor resolución ya que a menudo crea copias de 2 y 3 metros.

BleesLuxemburg es profesora en el Royal College of Art, y ha realizado numerosas exposiciones en todo el Reino Unido, incluyendo Rencontres D’Arles (2011) y la exposición Phantom, una exploración fotográfica de la  arquitectura moderna de Dakar, Senegal, en la Tate Liverpool en 2003. En 2007, fue encargada para crear una instalación de arte público para el metro de Londres en la Terminal 4 del Aeropuerto de Heathrow y produjo la obra titulada Piccadilly’s Peccadilloes. En 2012, el Museo Simeonstift de Trier, Alemania, llevó a cabo una muestra con su trabajo Lustgarten.

Referencias

• su página web rutbleesluxemburg.com (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• Rut Blees Luxemburg en wikipedia (EN),
• Rut Blees Luxemburg en theguardian (EN [13f]),
• Rut Blees Luxemburg en tate (EN [3f]),
• Rut Blees Luxemburg en rca (EN [5f]),
• Rut Blees Luxemburg en sophierutherford (EN [9f]),
• Rut Blees Luxemburg en artnews (EN [2f]),
• Rut Blees Luxemburg en sjwohinvertedworld (EN [5f]),
• A conversation between Rut Blees Luxemburg and David Campany 1999 en union-gallery (EN [2f]),
• Rut Blees Luxemburg en parisphoto (EN [3f]).

Libros

• 1997 London: A Modern Project
• 2000 Liebeslied: My Suicides
• 2000Visurbia
• 2003 Ffolly. Rut Blees Luxemburg
• 2009Commonsenual: The Works of Rut Blees Luxemburg

Uta Barth es una fotógrafa conceptual alemana (nacida en 1958 en Berlín, vive y trabaja en Los Ángeles, California), que examina la percepción fotográfica y visual constatando la diferencia entre ambas y cómo lo incidental y la propia atmósfera de lo fotografiado puede llegar a ser objeto en sí y por sí mismos.

Deep Blue Day (Untitled 12.10), 2012 © Uta Barth

Mi trabajo se ocupa de la percepción visual, con cómo vemos más de lo que vemos. Las imágenes a menudo carecen de un tema central y capturan una atmósfera, el cambio de la luz y el inevitable paso del tiempo.

Biografía

Uta Barth se trasladó a los EEUU de adolescente. Se licenció en Arte en la Universidad de California, Davis, e hizo un master en Bellas Artes por la Universidad de California, Los Ángeles.

De 1990 a 2008, fue profesora en el Departamento de Arte de la Universidad de California, Riverside, donde actualmente es profesor emérito. A pesar de recibir la beca MacArthur en 2012, sigue queriendo dar clases a tiempo parcial porque la enseñanza le obliga a poner en palabras lo que está pensando.

A primera vista, la fotografía de Barth parece muy simple, y es absolutamente cierto en el sentido convencional. Sus imágenes se ajustan a las normas más tradicionales de la composición ... con la excepción de que no hay sujeto explícito, sino que gran parte de su trabajo es lo que normalmente sería el primer plano o el fondo de una fotografía convencional.

Su trabajo forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas como las del Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art, Solomon R. Guggenheim Museum y Whitney Museum of American Art en Nueva York; Tate Gallery en Londres; Art Institute of Chicago y Museum of Contemporary Art en Chicago; Los Angeles County Museum of Art, Museum of Contemporary Art, J. Paul Getty Museum y Hammer Museum en Los Ángeles; San Francisco Museum of Modern Art; Walker Art Center en Minneapolis y Massachusetts Museum of Contemporary Art en North Adams, Massachusetts.

Ha realizado exposiciones en solitario y en grupo en galerías y museos de Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Londres, Estocolmo,  Düsseldorf, Bilbao  y Tokio.

Ha obtenido numerosas becas y galardones desde la beca de la National Arts Association (1983) hasta la MacArthur Fellow (2012), pasando por una John Simon Guggenheim Fellowship (2004) y 2 National Endowment for the Arts (1990 y 1994).

Barth continúa expandiendo su práctica fotográfica para investigar el tema de la percepción de formas nuevas e inventivas, animando a los espectadores a reconsiderar las funciones y expectativas de la imagen fotográfica tradicional.

Referencias

• Uta Barth en tanyabonakdargallery (EN [10f]),
• Uta Barth en tate (EN [12f]),
• Uta Barth en wikipedia (EN [1f]),
• Uta Barth en kireei [10f],
• Uta Barth en macfound (EN [1v 3f]),
• Uta Barth en artic (EN [1f]),
• Uta Barth en utata (EN [4f]),
• Uta Barth: In Between Places en tfaoi (EN [7f]),
• Uta Barth en artsy (EN [15f]),
• Uta Barth en guggenheim (EN),
• Sublimely Mundane: Uta Barth en fadedandblurred (EN [6f 1v]),
• Uta Barth en janathiel (EN [16f]),
• Uta Barth en artnewsonline (EN [4f]).

Libros

• 2012 - Uta Barth: To Draw with Light
• 2010 - Uta Barth: The Long Now
• 2006 - Uta Barth 2006: Just Spanning Time.
• 2004 - Uta Barth: White Blind
• 2004 - Uta Barth
• 2002 - Uta Barth: Moca Catalogue
• 2000 - Uta Barth: ...and of time
• 2000 - At the Edge of the Decipherable: Recent Photographs by Uta Barth.
• 2000 - Uta Barth. In Between Places
• 1999 - Uta Barth: Nowhere near 
• 1995 - At the Edge of the Decipherable: Recent Photographs by Uta Barth

Daniel Blaufuks es un fotógrafo portugués (nacido en Lisboa en 1963) que utiliza principalmente la fotografía y el vídeo, y realiza la presentación de su trabajo a través de libros, instalaciones y películas. Tiene predilección por temas como la relación entre el tiempo y el espacio y la representación de la memoria privada y pública.

© Daniel Blaufuks

Biografía

Daniel Blaufuks es nieto de judíos ashkenazi polacos y alemanes que se trasladaron a Portugal a finales de los años 20 y 30. Se trasladó a Alemania en 1976 y regresó a Portugal en 1983, pasando varios años en el negocio de importación, lo que le proporcionó su primer y último trabajo regular. Blaufuks quería ser escritor desde muy joven, pero carecía de confianza en su capacidad.

Estudió fotografía (AR.CO, Lisboa en 1989, Royal College of Art, Londres en  1993, Watermill Center, Nueva York en 1994, International Studio and Curatorial Program, Nueva York en 2001 y 2, Location One, Nueva York en 2003) y comenzó su carrera como freelance en el periódico semanal de música Blitz, y luego en el diario O Independente y, más tarde, en el Marie Claire portugués y otros periódicos.

En 1989 ganó el Premio Kodak de Portugal. En 1996, fue uno de los primeros ocho elegidos para el European Photography Award.

En 1991, Blaufuks publicó con Paul Bowles, My Tangier, y en 1994 London Diaries, seguido de Ein Tag en Mostar (1995) y Uma Viagem a S. Petersburgo (1998). Ha expuesto recientemente en la Fundación Gulbenkian y el Centro Cultural de Belém, de Lisboa, el Palacio de los Papas de Siena, y el Lincoln Center y la Elga Wimmer Gallery de Nueva York. En PhotoEspaña 2007, su libro Under Strange Skies fue declarado el mejor libro de fotografía del año, mientras que su obra Terezin recibió en el mismo año el BES Photo Award.

Ha vivido en Inglaterra y los Estados Unidos y ha viajado por Europa, India, Rusia, África y América del Sur.

Además de producir muchas exposiciones Blaufuks ha dirigido varias películas y videos: Life is not a pic (1998, una película sin una historia), Black and White (2000, la historia de una chica que no ve los colores) , Under Strange Skies (2002, un documental sobre los refugiados judíos en Lisboa durante y después de la Segunda Guerra Mundial), Reversed Landscapes (2002, una película sobre la arquitectura portuguesa) y Slightly Smaller than Indiana (2006, un documental sobre la actual Portugal).

Referencias

• su página web www.danielblaufuks.com (EN, PR [?f]),
• Daniel Blaufuks en wikipedia (EN),
• Daniel Blaufuks en elcultural [1f],
• Daniel Blaufuks. Blaufuks (PHE-07) en nexo5 [1f],
• The Patina of History en sebald (EN [5f]),
• Daniel Blaufuks: Next to nothing en galeriasiboney (EN [19f]),
• Parabéns, Daniel Blaufuks en saisdeprata-e-pixels (EN [10f]),
• Daniel Blaufuks en frieze (EN [6f]),
• Daniel Blaufuks en facebook (EN [+700f 3v]).

Libros

• Fábrica
• Terezin
• Works on Memory: Selected Writings and Images
• Ilhas Poemas Escolhidos
• Iran
• Collected Short Stories
• Tasso
• London Diaries
• Andorra
• …

Elisenda Pons es una fotógrafa catalana que lleva cerca de un cuarto de siglo con una cámara colgada del cuello cubriendo temas de información diaria y realizando reportajes para el Periódico de Catalunya.

© Elisenda Pons

Después del viaje por tierras americanas seguí persiguiendo las huellas de la crisis por Europa, porque hasta que no la entendamos en toda su magnitud y con todas sus consecuencias no podremos salir de ella.

Biografía

Elisenda Pons estudió arte en la Universidad de Barcelona, y fotografía en el Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). Es fotógrafa de El Periódico de Catalunya desde hace 24 años donde se dedica tanto a cubrir información diaria como a realizar reportajes.

Colabora con las ONGs Ojos del Mundo, Arquitectos sin fronteras, PSV, Fundació Doctor Ramon Martí i Bonet.

Ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas como en el festival Visa pour l’Image y en el CCCB de su ciudad natal, Barcelona.

Su último proyecto se titula For Sale, un libro de fotografías que propone una reflexión en torno a la actual crisis económica. Las fotografías están realizadas con una XPan de Hasselblad, lo que ha ayudado a conseguir una sensación de soledad y desamparo. El origen del proyecto está en el año 2009, pocos meses después de la declaración de quiebra de Lehman Brothers, el cuarto banco de inversión más grande de Estados Unidos, y tras un ERE en el periódico donde trabajaba, Pons decidió irse de viaje dispuesta a emprender una travesía en coche de Los Ángeles a Nueva York, encontrándose con la crisis por todo el país: amplios paisajes repletos de casas en venta, locales cerrados, coches en alquiler, carteles sin publicidad… rastros de la crisis económica que pronto llegaría a Europa, transformando los paisajes de Irlanda, Portugal, Grecia y España.

Referencias

• su página web elisendapons.com (EN [+80f]),
• Elisenda Pons en elperiodico [4f]),
• Entrevista a Elisenda Pons en tener-cultura [6f]),
• Elisenda Pons en quesabesde [3f]),
• Detrás de una foto: Elisenda Pons en geaphotowords [?f]),
• For Sale, de Elisenda Pons en pedroarroyo [10f]),
• “For Sale”: Lista por Elisenda Pons en syl [1v]),
• Abriendo los ojos a Bolivia de Elisenda Pons entre los finalistas del Premio Revela en ullsdelmon [1f]),
• Entrevista a Elisenda Pons en syl [18f]),
• @elipauns en twitter [?f]),
• Elisenda Pons en facebook [+100f]).

Libros

• For Sale.

Video

Chris McGrath es un fotógrafo australiano (vive y trabaja en Tokio) especializado en trabajos fotográficos comerciales y editoriales.

Photograph by Chris McGrath/Getty Images

Biografía

Chris McGrath comenzó su carrera fotográfica en un pequeño periódico regional en Queensland, Australia.

En 2001, fue contratado por Getty Images cubriendo la región Asia/Pacífico desde su sede en Sídney. En 2007 fue destinado a la oficina de Getty en Nueva York y pasó los siguientes cuatro años cubriendo noticias, deportes y otras tareas en todo Estados Unidos e internacionalmente. En 2011 pasó a la oficina de Getty Images en Singapur desde donde cubrió encargos en todo el sudeste asiático.

En los últimos 13 años ha fotografiado 4 Juegos Olímpicos, Juegos Paralímpicos, juegos de la Commonwealth, la FIFA World Cup, la Copa Mundial de Rugby, las MLB World Series, el Super Bowl, la Daytona 500,  US Open Golf, numerosos Open de EE.UU. y Open Grand Slam australianos , el tsunami asiático de 2004, la elección de Barack Obama, el terremoto y el tsunami en Japón y más recientemente el tifón Yolanda.

Ha trabajado para clientes como Nike , NFL, Coca-Cola , la LPGA, NASCAR, Wilson, Discovery Channel, Time Magazine y el New York Times.

Sus imágenes se han publicado sistemáticamente en publicaciones de medios de comunicación como Stern, Newsweek, Time, Sports Illustrated, The Independent, The New York Times, Los Angeles Times, USA Today, la revista ESPN, The Guardian, L' Equipe y en sitios web de noticias deportivas diarias en todo el mundo.

Su obra ha sido reconocida con numerosos premios como POYi, NPPA, Chipp, AIPP, The Atlanta Photojournalism, PX3, la New York Press Photographers Association y, más recientemente, el tercer lugar en el  World Press Photo 2013 en la categoría de historias de deporte, y el 1º en el World Press Photo 2014 en historias generales.

A finales de 2013, Chris se ha trasladado a la oficina de Getty Images enTokio, donde reside actualmente y cubre noticias, deportes y tareas comerciales en toda Asia.

Referencias

• su página web www.chrismcgrathphotography.com (EN [+300f]),
• su blog (EN [?f]),
• Chris McGrath en gettyimages (EN [32f]),
• EOS Professional: Chris McGrath en canon (EN [7f]),
• After the Typhoon by Chris McGrath / Getty Images en thenational (EN [15f]),
• WPP:  2013, Sports Action, 3rd prize stories, Chris McGrath en worldpressphoto (EN [9f]),
• WPP: 2014,   General News, 1st prize stories, Chris McGrath en worldpressphoto (EN [12f]),
• Chris McGrath, the man behind the camera en myactivesg (EN [8f 1v]),
• Chris McGrath en facebook (EN [13f 1v]).

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Iain McMillan fue un fotógrafo escocés (nacido el 20 de octubre de 1920 en Dundee, fallecido el 8 de mayo de 2006 en Carnoustie, Angus) famoso por haber realizado la fotografía de la portada del álbum Abbey Road de los Beatles en 1969.

Avery Road © Iain McMillan

Biografía

Iain Stewart Macmillan, creció en Escocia, asistió a High School de Dundee y se graduó en 1954. Trabajó como aprendiz gerente en una fábrica de yute. Se trasladó a Londres en 1958 para estudiar fotografía en la Regent Street Polytechnic. Su primer trabajo fue como fotógrafo de crucero.

Regresó a Dundee en 1959 para fotografiar escenas callejeras. The Sunday Times y The Illustrated London News le encargaron trabajos de este tipo a principios de 1960.

A mediados de los 60 trabajó en un catálogo de la exposición The Sculpture of David Wynne. También fotografió The Book of London (1966), donde Yoko Ono aparece en la página 181 presentando una demostración de Piece Handkercheif. Luego ella le encargó fotografiar su exposición en la Galería Indica en Londres, y le presentó a John Lennon, que lo invitó a ser el fotógrafo de la portada de Abbey Road. Trabajó con los Lennon durante varios años, incluso permaneciendo un tiempo en su casa de Nueva York.

En la década de 1970 Iain enseñó fotografía a tiempo parcial en la universidad en Stoke-on-Trent. En 1980 hizo la foto de portada para el álbum Hinge and Bracket at Abbey Road, que era una parodia de la foto de los Beatles. En la década de 1980 su obra fue expuesta en los EE.UU., Gran Bretaña y Europa. La BBC utilizó algunas de sus fotos en la serie The Rock and Roll Years.

Después de la muerte de su madre, Iain volvió a Carnoustie, Escocia. El 22 de julio 1993 fotografió a Paul McCartney en Abbey Road en el famoso paso de cebra, esta vez con sólo un viejo pastor inglés. La fotografía se utilizó en la portada de Paul is Live.

Referencias

• Iain McMillan en wikipedia (EN [1f]),
• From Dundee to Abbey Road en imaginepeace (EN [9f]),
• Abbey Road Photo session en norwegianwood (EN [25f]),
• Iian McMillan en lluviaartificial (EN [7f]),
• Photographer Iain Macmillan's iconic work displayed en bbc (EN [3f]).

Libros

• The Sculpture of David Wynne, 1949-1967
• The book of London
• The Young Meteors: an Inside Report on the Rising Stars of London in Fashion, Entertainment, Modeling, Art, Politics, Journalism
• Civil Aviation
• The Death of the English Pub.

Eduardo Comesaña es un fotoperiodista argentino (nacido en Buenos Aires el 14 de marzo de 1940) conocido como autor de retratos de personajes famosos.

Jorge Luis Borges © Eduardo Comesaña

Biografía

Eduardo Comesaña estudió Comercio y Bellas Artes en la Universidad de la Plata, especializándose en realización cinematográfica. En 1964 comenzó a trabajar en la revista Primera Plana, posteriormente en Confirmado, Panorama ySiete Días Ilustrados.

Durante 1969 realizó un retrato de Jorge Luis Borges que ha recibido bastante difusión. En 1977 fundó una agencia de prensa en Buenos Aires.

En 1978 fue miembro fundador del Consejo Argentino de Fotografía junto a Alicia D'Amico, Sara Facio, Andy Goldstein, Annemarie Heinrich, María Cristina Orive y Juan Travnik.

Construido a lo largo de su trayectoria como fotoperiodista durante 40 años, Comesaña dispone de un nutrido stock de fotografías en blanco y negro de personalidades argentinas e internacionales del campo del periodismo, las artes, la literatura, la ciencia y la política.

Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas desde 1969 en Argentina, Bélgica, Brasil, Chile, France, Alemania, México, EEUU y España.

Referencias

• su página web comesana.com [?f],
• Eduardo Comesaña en wikipedia,
• Eduardo Comesaña en socialphy (EN [41f]),
• Eduardo Comesaña en espaciomakarius [7f].

Libros

• Fotos poco conocidas de gente muy conocida 

Frank Fournier es un fotógrafo francés (nacido en 1948 en Saint-Server, vive en Nueva York) considerado un profesional con una gran sensibilidad humana y un fuerte sentido de compromiso con aquellos que más lo necesitan, que hace que el observador empatice con las apremiantes necesidades del retratado, haciendo que sea difícil no se sentir el dolor o el sufrimiento de las víctimas, que se revela en su obra.

Omayra Sánchez, 1985 © Frank Fournier

Al tomar su fotografía me sentí totalmente incapaz, sin poder alguno de ayudarla. Ella enfrentaba la muerte con coraje y dignidad, sentía que su vida se le iba.

Biografía

Frank Fournier es hijo de cirujano, y comenzó los estudios de medicina, si bien a los cuatro años, en 1975, decidió abandonar todo por la fotografía, trasladándose a Nueva York, donde pudo iniciar su carrera como fotógrafo. Desde 1977 estuvo realizando diferentes labores en la agencia Contact Press Images, hasta que en 1982 entró a formar parte del equipo de fotógrafos de dicha compañía.

Es muy conocido por su cobertura de la tragedia de Armero en 1985 en Colombia donde el volcán Nevado del Ruiz hizo erupción, dando lugar a una avalancha de lodo que mató a más de 25.000 personas. Su retrato de Omayra Sánchez, una niña de 13 años de edad, atrapada bajo los escombros de su casa, ganó el premio World Press Photo 1985

Además, Fournier es autor de historias sobre niños con SIDA en orfanatos de Rumania, África Occidental, genocidio de Ruanda, víctimas de violación durante la guerra en Sarajevo, Bosnia y Herzegovina, Nueva York, el ataque del 11 de septiembre., … ha retratado a Rabin, Clinton y Arafat.

Muchas de sus fotografías se han publicado en importantes medios de comunicación como Time Life, National Geographic, New York Times, London Sunday Times, Paris Match, Stern y Figaro.

Como ejemplo, la foto The Eye Candy Store formó parte de una importante exposición que tuvo lugar en la Joseph Sudek Gallery de Praga (2003) y en 2004, participó junto a destacados fotógrafos de todo el mundo en la muestra titulada About Face. Photography and the Death of the Portrait.

Referencias

• Frank Fournier en contactpressimages (EN [+40f]),
• Frank Fournier en wikipedia (FR),
• WPP: 1985, Frank Fournier, World Press Photo of the Year & 1st prize, Spot News stories en worldpressphoto (EN [1f]),
• WPP: 1987, Frank Fournier, Honorable mention, Science & Technology stories en worldpressphoto (EN [5f]),
• WPP: 1987, Frank Fournier, 2nd prize, News Features stories en worldpressphoto (EN [10f]),
• WPP: 1990, Frank Fournier, 1st prize, General News en worldpressphoto (EN [1f]),
• WPP: 1990, Frank Fournier, 1st prize, General News stories en worldpressphoto (EN [10f]),
• Frank Fournier en mirenarrigain [11f],
• Frank Fournier en finearts360 (EN),
• Frank Fournier en pdngallery (EN [1f]),
• Frank Fournier: La fotografía de Omayra en pepaortiz [1f],
• Omayra Sánchez. Agonía en directo por Frank Fournier en ibasque [4f],
• Frank Fournier en pathshala (EN [1f]).

Liselotte Strelow fue una fotógrafa alemana (nacida el 11 de septiembre en 1908 en Redel, Pomerania, y fallecida el 30 de septiembre 1981 en Hamburgo) muy conocida en Alemania en los años de la reconstrucción de la posguerra y el "milagro económico". Hizo retratos de personajes importantes del mundo de los negocios y la política, y de destacados autores, pintores, músicos, actores y arquitectos.

Marlene Dietrich © Liselotte Strelow

El retrato, como yo lo entiendo, es capaz de reunir en una sola imagen los rasgos más característicos de los cientos de posibles rasgos de una persona.

Biografía

Liselotte Strelow era hija de un granjero y se formó también como agricultor, pero las difíciles circunstancias económicas le hicieron trasladarse a Berlín en 1930, donde asistió a cursos de fotografía en la Escuela de la Lette-Verein. En 1932 trabajó en el estudio del fotógrafo judío Suse Byk, y después fue contratada por Kodak (Alemania). Posteriormente, en 1938, en la Alemania nazi,  se hizo cargo del estudio de Suse Byk. Posteriormente el estudio y sus archivos fotográficos fueron completamente destruidas en un bombardeo.

Tras el final de la guerra, en 1945 se trasladó a Detmold, y en 1950 a Dusseldorf. Se especializó en retrato y en fotografía de teatro. Sus imágenes, en colaboración con Gustavo y Elizabeth Flickenschildt, pronto la hicieron conocida.

Podía hablar durante horas con sus modelos, para relajarlos y ser capaz de capturar la atmósfera adecuada. Con un equipo muy sencillo, una Rolleiflex y sólo dos reflectores, podría crear retratos de una increíble intensidad.

Su retrato del Presidente FederalTheodor Heuss en 1959 fue seleccionado para una serie de sellos. Fueron muy conocidos sus retratos de Konrad Adenauer, Rudolf Augstein, Maria Callas, Uwe Johnson, Thomas Mann, Ingeborg Bachmann, Gottfried Benn, Joseph Beuys, Jean Cocteau, Marlene Dietrich, Salvador Dalí y Hildegard Knef.

Liselotte Strelow fue miembro de la Sociedad Alemana Lichtbildner (GDL) y la Sociedad Alemana de Fotografía (DGPh). Una parte de su trabajo fotográfico, principalmente retratos, se encuentra en la Rheinische Landesmuseum de Bonn, y la mayor parte en el Theatermuseum de la ciudad de Dusseldorf, anteriormente Archivo Dumont-Lindemann.

Obtuvo los premios Medalla David Octavius Hill (1969) y el Premio de Cultura de la Sociedad Alemana de Fotografía (junto con Rosemarie Clausen y Regina Relang) en 1976.

Referencias

• Liselotte Strelow en wikipedia (DE [2f]),
• Liselotte Strelow en phil-fak.uni-duesseldorf (DE [9f]),
• Liselotte Strelow en fokussiert (DE [5f]),
• Liselotte Strelow en artnet (EN [63f]),
• Liselotte Strelow en kirm (DE [3f]),
• Liselotte Strelow en van-ham (DE [3f]),
• Liselotte Strelow en stralcidicultura (IT [6f]),
• Liselotte Strelow en prophoto-online (DE [4f]).

Libros

• Liselotte Strelow. Das manipulierte Menschenbildnis oder Die Kunst, fotogen zu sein, 1961
• Gesicht als Ereignis: Liselotte Strelow. Porträtphotographie 1939-1974. 1997
• Liselotte Strelow: Portrats 1933-1972  1977
• Liselotte Strelow (1908-1981). Erinnerungen 
• Liselotte Strelow. Momente der Wahrheit - Bilder eines Jahrhunderts 2006

Martin Hürlimann fue un editor y fotógrafo suizo (nacido el 12 de noviembre de 1897 en Zúrich, fallecido el 4 de marzo de 1984, también en Zúrich) fundador de la editora Atlantis y también de la revista Atlantis.

Raghunath Temple Jammu, 1927 © Martin Hürlimann

Biografía

Martin Hürlimann se graduó en Frauenfeld, estudió historia, literatura alemana y filosofía en las universidades de Zúrich, Leipzig y Berlín. Obtuvo su doctorado en 1924 con la tesis La Ilustración en Zúrich.El desarrollo del protestantismo en Zúrich en el siglo 18.

En 1929 Hürlimann creó la revista Atlantis y en 1930 la editorial Atlantis Verlag,

Como editor creó algunas obras clásicas, como el libro Atlantisbuch der Musik (1934) y Grosse Schweizer (1938), y en 1939 el catálogo oficial de la Exposición Nacional Suiza.  Además, escribió libros con sus propios textos y fotografías. Desde 1922, realizó numerosos viajes por Europa y Asia en busca de material para sus textos y fotografías, creando documentos históricos importantes. Fotógrafo autodidacta, fue especialmente conocido por su fotografía de arquitectura.  En sus textos, se ocupaba principalmente de la historia y la cultura de los diferentes países y de personalidades famosas.

Su trabajo le valió el reconocimiento nacional e internacional. Entre otras premios, obtuvo en 1966 con la Medalla David Octavius Hill de la Academia de Fotografía Alemana. También fue presidente de la Sociedad Científica de Zúrich, del Teatro de la ciudad de Zúrich y presidente de la Asociación de Libreros y Editores suizos.

Su patrimonio fotográfico se encuentra en los archivos de la Fundación Suiza para la Fotografía (SSP).

Referencias

• Martin Hürlimann en wikipedia (DE),
• Martin Hürlimann en fotostiftung (DE [2f]),
• Kashmir by Martin Hürlimann, 1927 en searchkashmir (EN [13f]),
• Martin Hürlimann en magnoliabox (EN [44f]).

Libros

• Burma, Ceylon, Indo-China - Siam, Cambodia, Annam, Tongking, Yunnan, 1930
• Bilder aus Berlin, Potsdam und Umgebung, 1936
• Gothic cathedrals: Paris, Chartres, Amiens, Reims, 1937
• Englische Kathedralen, 1948
• Eternal France, 1952
• Italy 1953
• Paris 1954
• London 1956
• Europe,1957
• Spain 1958
• Traveller in the Orient, 1960
• Japan1970
• Vienna 1970
• Leningrad1971
• Zurich: Stadt und Land1974
• Peking und seine Geschichte 1976
• Die konigliche Residenzstadt Potsdam und Sanssouci 1990
• Photographic Impressions of Burma, Siam, Cambodia, Yunnan, Champa, and Vietnam2001
• Berlin: Konigsresidenz, Reichshauptstadt, Neubeginn

Nuno Cera es un artista portugués que trabaja con video y fotografía (nacido en Beja en 1972, vive y trabaja en Lisboa) y que trata principalmente en sus trabajos el tema de la relación de la arquitectura, principalmente la de las grandes mega-urbes, con las personas, aunque éstas no aparezcan normalmente en sus imágenes.

A ROOM WITH A VIEW # #6, ( ARTS, BARCELONA), 2007 110 x 145 cm© Nuno Cera

Biografía

Nuno Cera estudió publicidad en IADE, pero su práctica diaria como fotógrafo ha definido su rumbo artístico. Cera ha dividido su actividad entre las ciudades de Lisboa y Berlín. Su reciente incursión en el campo del cine puede ser entendida a la luz de las preocupaciones destacadas en su trabajo basado en la foto. Utiliza dos aproximaciones diferentes en su obra: una más fotográfica y otra más conceptual. Puede hacer fotografías de una forma diaria, registrando momentos, lugares y situaciones diferentes que luego selecciona para desarrollar un proyecto para una exposición. El proceso inverso también puede ocurrir: basado en una idea, desarrolla una serie de imágenes que corresponden a un concepto.

Nuno fue galardonado en 2001 con la Fundación Calouste Gulbenkian João Hogan de becas para artistas residentes en el Künstlerhaus Bethanien en Berlín.

En 2003 publicó Cimêncio con el arquitecto Diogo Lopes, un trabajo sobre el paisaje y la condición suburbana. En 2004, fue nominado para la primera edición del Besphoto - Photo Award. En 2006 se le concedió una residencia artística en el ISCP - Estudios Internacionales y Programa Curatorial en Nueva York. En 2007 y 2008 recibió subvenciones de los DGARTES del Ministerio de Cultura de Portugal, para sus proyectos de vídeo, Sans,  Souci, de 2008 y de su investigación artística en 9 mega-ciudades FutureLand 2008-2010.

Fue el artista invitado (fotografía y video) del Pabellón de Portugal en la Expo Zaragoza 2008. En 2012 llevó a cabo dos proyectos de vídeo (II y SUSPENSÃO) para la OLIVA Creative Factory en São João da Madeira.

Fue galardonado con el Foundación Botin Grant 2012 para realizar su proyecto The Symphony of the Desconocido a lo largo de 2013 y las International Artist Residency Récollets en París en 2013.

Su obra está representada en varias colecciones públicas y privadas y ha sido mostrada en numerosas exposiciones en grupo e individuales, como Symphony of the Unknown Dérive Noire, MNAC – Museu do Chiado (Lisboa, 2014) y en Galeria Pedro Cera (Lisboa, 2012), O Passageiro en Carpe Diem (Lisboa, 2011), Futureland en Espaço Avenida & Galeria Pedro Cera (Lisboa, 2010), por nombrar las más recientes.

Referencia

• su página web www.nunocera.com (EN [+180f 15v]),
• Lost, Lost, Lost en pedrocera (EN, ES, PT [6f]),
• Nuno Cera: Cimitero di San Cataldo. Aldo Rossi en europaconcorsi (EN [12f]),
• The Empty Treasure Chest en uncubemagazine (EN [4f]),
• Nuno Cera - A room with a view en whospeaksforart (EN [7f]),
• Nuno Cera en estudo-v (EN [8f]),
• Nuno Cera – A room with a view ,2007-2009 en photopapaya [3f],
• How I Work: Nuno Cera en spikemagazine (EN [2f]),
• The Globlurban Spread en airoots (EN [6f]),

Libros

• Suspensão / Suspension, 2013
• O Passageiro / The Passenger, 2011
• Futureland. 2010
• Territórios de Transição #10, 2009
• Fantasmas/Phantasms, 2006
• Dark Forces, 2004
• Cimêncio, 2003 con Diogo Lopes
• Nuno Cera - Works - Werke - 2000 - 2002, 2002

Christopher Rimmer es un fotógrafo inglés (nacido en Ormskirk, en el rural Lancashire occidental, vive en Melbourne, Australia), conocido mayormente por sus imágenes a gran tamaño en blanco y negro de África, que capturan la esencia del espíritu africano y su belleza.

Sign of Life 11 © 2014, Christopher Rimmer

Biografía

Christopher Rimmer nació en Inglaterra pero emigró a Sudáfrica siendo niño. Se inició en la fotografía de adolescente con una cámara Hanimex de plástico de 35 mm. Después de emigrar a Australia en 1981, estudió fotografía formalmente, en primer lugar, con Werner Hammerstingl y luego más tarde en el Rusden College con Paul Green. Se graduó en 1991.

Sus grandes retratos en blanco y negro de las últimas tribus del sur de África han sido aclamadas por la crítica y han sido ampliamente publicadas, incluso cuando era adolescente en Sudáfrica. Ha realizado exposiciones en grupo y en solitario tanto en Australia como en el Reino Unido, Francia y los EEUU. Su obra forma parte de varias colecciones públicas y privadas.

Es EFIAP platino, miembro de la Royal Photographic Society y fue preseleccionado por la revista británica B&W para fotógrafo del año por su trabajo en el sur de África en 2011 y 2012 .

Expuso Christopher Rimmer - Spirits Speak en Without Pier Gallery en Melbourne en 2012. El mismo año participó en el proyecto Fifty Photographers in Madagascar que es llevado a cabo cada año por la asociación de fotógrafos de la esperanza en Francia. También expuso en Manton y Montier en Der Festivals en Francia en 2013.

Rimmer volvió recientemente a Namibia para comenzar a trabajar en su último proyecto, Sign of Life, que es un examen visual de la tragedia de la importancia perdida y la inutilidad de la actividad humana. Filmada en los pueblos mineros de diamantes, Kolmanskop y Elizabeth Bay, abandonados en el desierto de Namidia, una selección de esta serie en color y también a gran tamaño está disponible para su visualización en su página web y se expone en el año 2014, a partir del 29 de mayo en la Angela Tandori Fine Art Gallery de Melbourne, tras el éxito en la New York Art Expo en abril.

Referencias

• su página web www.christopherrimmer.com (EN [+50f]),
• Christopher Rimmer en angelatandori (EN [40f]),
• Christopher Rimmer - In Africa en africanoz (EN [3f]),
• Christopher Rimmer en lenskygallery (EN [12f]),
• Christopher Rimmer en withoutpier (EN [33f]),
• Christopher Rimmer en saatchiart (EN [6f]),
• Capture Namibia: Photography Tips from Christopher Rimmer en namibiatourism (EN [6f 1v]),
• Christopher Rimmer’s Haunting Images of Abandoned Towns Buried by Sand.en yellowtrace(EN [24f]).