Yo Imae es un fotógrafo japonés (nacido en 1980 en Yokohama, vive en Brooklyn) cuya obra más conocida son los retratos en la calle.

© Yo Imae

Espero usar mis herramientas básicas como ser humano, todo lo que tengo dentro y fuera, y mi cámara como una herramienta para mediar el intercambio de la percepción, y servir como una herramienta más para conseguir una mayor claridad. A través de mi cámara espero tomar lo que percibo lo más claramente posible, y sentir el valor de la interacción. Quiero simplemente reaccionar ante el mundo en la medida de lo posible, y la sutil percepción de una fotografía que creo que me lleva a un cierto grado de claridad. Al estar en la calle y hacer fotografías de personas también en la calle, estoy interesado en lo que percibimos, y en las conexiones que establecemos. Más de la individualidad, o de buscar personas diferentes, estoy interesado en mostrar la unidad. A través de una interacción sencilla, espero que mis fotografías muestran algunos puntos en común que puedan ser percibidos por todos.

Biografía

Yo Imae estudió en una universidad japonesa antes de ir a Nueva York y graduarse en el International Center of Photography en fotografía documental y fotoperiodismo.

La mayoría de sus fotografías son retratos en blanco y negro en formato cuadrado con un simple fondo negro con textura de rayas suavemente iluminado desde la parte delantera y alto contraste. Suele hablar y llega a conocer a su modelo antes de disparar, lo que hace que los sujetos estén relajados frente a la cámara. Son retratos clásicos aunque personales. En otras series su fotografía es experimental, con tramas de color que ocultan los rostros o con múltiples puntos de luz.

Su trabajo ha sido mostrado internacionalmente en el Nikon Salon (Tokio), Descubrimientos PHE PHOTOESPANA (Madrid), el International Center for Photography y el New York Photo Festival (ambos en Nueva York), entre otros.

En 2008, Imae cosiguió una Honorable Mention en el PX3 Prix de La Photographie y fue finalista en el Tierney Family Foundation Grant en 2007. Sus fotografías han aparecido en muchas revistas, como SEKAI y American Photo.

Referencias

• su página web yoimae.com (EN [+40f]),
• Yo Imae en photography-now (EN [20f]),
• Yo Imae en gruppof (EN [2f]),
• Yo Imae en topics2008 (EN [5f]),
• CCNY 2011 National Juried Competition en cameraclubny (EN [1f]),
• Yo Imae en floresdelfango (EN, ES [4f]).

Sébastien Grébille es un músico y fotógrafo luxemburgués que realiza fotografía de larga exposición y retratos de músicos.

© Sébastien Grébille

Biografía

Sébastien Grébille, violinista de profesión, se acercó a la fotografía a través de la música. Inmerso en ese mundo, transcribir la emoción del público, el gesto técnico, o el poder de los maestros de la música clásica se convirtió en inevitable y, poco a poco, empezó a buscar estas escenas intensas, líricas y dramáticas en otros lugares ... en la naturaleza.

Utiliza la técnica de larga exposición (disparando al menos un minuto), que muestra los paisajes de una forma atemporal y surrealista. Los cielos pesados ​​cobran vida así como el agua del mar se vuelve lechosa, sumergiéndonos en una visión de otro mundo.

Referencias

• su página web www.sebastiengrebille.com (FR [+100f]),
• Sébastien Grébille en flickr (FR [20f]),
• Sébastien Grébille en 500px (EN [46f]),
• Sébastien Grébille en deviantart (EN [136f]),
• Sébastien Grébille en artlimited (EN [40f]),
• Sébastien Grébille en ipernity (FR [6f]),
• Sébastien Grébille en totem-gallery (FR [8f]),
• Sébastien Grébille en dodho (EN [18f]),
• Sébastien Grébille en delumiereetdevent (FR [4f]),
• Sébastien Grébille en nationalgeographic (EN [5f]),
• Sébastien Grébille en ndmagazine (EN [16f]),
• Sébastien Grébille en facebook (FR [+130f]).

Libros

• Another World.

Stefano Nobile es un fotógrafo italiano (nacido en Manfredonia el 12 de enero de 1972, vive en Lima, Perú) que realiza fotografía de retrato, moda y glamour.

© Stefano Nobile

Me fascina el hecho de que cada persona, dando vida a sus emociones, se transforma, muta y parece ser otra o más personas al mismo tiempo.

Biografía

Stefano Nobile empezó con la fotografía a la edad de trece años, cuando compró su primera réflex. Siempre se ha sentido atraído por la oportunidad de mirar a las personas en una sesión y ser capaz de capturar miradas, sonrisas, melancolía, miedo, sentimientos, emociones, etc. ...

Le apasiona crear servicios fotográficos para actores, actrices, modelos o aspirantes, por no hablar de la gente común, o aquellas personas que deciden disfrutar de una sesión especial de fotos para capturar los momentos más importantes de sus vidas. Está especializado en fotografía de retrato, moda y glamour y, también, bodas.

La búsqueda de diferentes expresiones culturales le llevó a emprender viajes por diferentes países de Europa y América del Sur.

Ha publicado en revistas como SguardiOnline (revista online de Nikon), FotoUp, Reportnet, Fotografare (donde publicó una portada) y Tutto Digitale. Ha realizado encargos de publicidad para empresas italianas y sudamericanas como D' Luxe, Coteinsac, TextilMercurio, Fateysac, ImportadoresPeru, etc ... En América del Sur ha realizado también algunos reportajes sobre la pobreza infantil.

Referencias

• Su página web www.stefanonobile.it (EN, ES, IT [?f]),
• Stefano Nobile en fotografianow (IT [37f]),
• Entrevista a Stefano Nobile en fotoup (IT [4f]),
• Entrevista a Stefano Nobile en conlafotografia (IT [18f]),
• Stefano Nobile: il fotografo degli sguardi en ithinkmagazine (IT [1f]),
• Stefano Nobile en modaylook [7f],
• Face Il “ritratto” fotografico di Stefano Nobile en stefanonobile (IT [5f]),
• Stefano Nobile en facebook [+100f].

Isabel Flores es una artista plástica multidisciplinar y fotógrafa canaria (vive y trabaja en Madrid) que además de una fotografía bastante especial, con incursiones en procesos alternativos, realiza grabados, pinta, dibuja y hace litografías. Además complementa las fotografías con elementos como madera, cajas, espejos, pluma, vidrio.

© Isabel Flores

A veces olvidamos que fotografiar nos permite atisbar un territorio que se extiende más allá de lo que puede captar una cámara, más allá de lo meramente visible.

Biografía

Isabel Flores González-Moro se licenció en 1994 en Bellas Artes, especialidad Pintura, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, Santa Cruz de Tenerife. En 1996 finalizó el doctorado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, en el programa Tecnologías
de lo Imaginario con la tesis El imaginario del paisaje.

Ha asistido a diversos talleres impartidos por maestros como Duane Michals, Chema Madoz, Antonin Kratochvil, Pierre Vallet, Miguel Arocha, Laura González, Juan Lara, Alejandro Castellote, Juan Manuel Castro Prieto, Quinn Jacobson, entre otros.

Ha expuesto su trabajo fotográfico en salas, galerías y museos nacionales e internacionales, y ha obtenido numerosos galardones (Generaciones 2001 de Cajamadrid, Fotógrafo revelación en Photoespaña 2000, entre otros) y su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas.

Ha sido profesora en la Escola de Fotografia de Terrasa, la escuela de fotografía Grisart y el Centre Pont del Dragó de Barcelona.

Ha desarrollado los siguientes trabajos fotográficos:

• Viaje a las Islas Raras (1995),
• Notas fotográficas de un aficionado en sus viajes (1996-97),
• Naufragio (1998-99),
• Aventuras… (2000),
• Cartas atlánticas (2001),
• Islario (2002),
• Airscapes (en curso).

Como ejemplo de sus trabajos, Aventuras de Arthur-Pierre Ledru es una serie fotográfica compuesta por 14 imágenes de corte narrativo. Siguiendo el trayecto sugerido por la narración, el texto adquiere forma objetual al acoplarse a la imagen, ilustrando escritos de André-Pierre Ledru, científico ilustrado que recaló en el siglo XVIII en Canarias tras sufrir un naufragio real, y fragmentos de Aventuras de Arthur Gordon Pym, la única novela de Edgar Allan Poe.

En Paisajes del aire, el aire, elemento ligero e inmaterial elude con facilidad cualquier forma definitiva que pueda sugerir el discurso. Por este motivo constituye un elemento clave para acceder al paisaje. En esta serie la poética del aire inspira un ejercicio de paisajismo en el que el objeto fotográfico, definido formal y conceptualmente a través de la disolución de sus límites ontológicos y el juego de las paradojas visuales, queda subvertido.

Referencias

• su página web isabelflores.carbonmade.com [22f],
• su blog [?f],
• Aventuras de Arthur-Pierre Ledru en mapamundistas [2f],
• Entrevista a Isabel Flores en diezencultura [1f],
• Catálogo Paisajes del Aire en uca [1pdf].

Lisette de Boisblanc es una fotógrafa estadounidense (nacida en Nueva Orleans, Louisiana) que realiza fotografías con rayos X de muñecas.

© Lisette de Boisblanc

Biografía

Lisette de Boisblanc nació y se crió en Nueva Orleans, abrazada por su herencia francesa en una ciudad vibrante, que celebra sin lugar a dudas las artes. Lisette desarrolló un temprano interés por la fotografía y, siempre una pensadora científica, comenzó una exploración independiente de las técnicas fotográficas de rayos X bajo la dirección del Dr. Bert Myers.

La universidad le dio la oportunidad de dejar el nido y viajó a Atenas, Georgia, buscando el título de medicina veterinaria. A las 2 semanas, el Katrina golpeó su querida Nueva Orleans, lo que tuvo como efecto el que estudiara bellas artes. Este cambio le permitió aprovechar su interés por la ciencia, mientras que era capaz de canalizar las emociones de una manera creativa y en 2010 Lisette se licenció en fotografía en la Universidad de Georgia en 2010, y volvió a Nueva Orleans, donde está trabajando como artista.

Cuatro años después de la tormenta encontró la colección de muñecas estropeadas de su abuela, que habían estado sumergidas en agua durante dos semanas. Empezó a utilizar los rayos X para ver el daño en el interior de las muñecas y se encontró con uñas, clavos, ganchos, resortes, objetos perdidos, imperdibles y piezas de joyería.

Las muñecas tienen un aura que es casi humano, a veces tienen fuerza; otras veces corazones rotos. Hacer estas fotografías le ayudó a ir más allá de su dolor.

Referencias

• su página web lisettedeboisblanc.com (EN [37f]),
• Lisette de Boisblanc en lenscratch (EN [13f]),
• Lisette de Boisblanc en vasa-project (EN [1f]),
• Lisette de Boisblanc en clatl (EN [3f]),
• Inspiration: Lisette de Boisblanc en audreybardou (EN [9f]).

Harvey Stein es un fotógrafo profesional, profesor, conferenciante, escritor y comisario (nacido en Pittsburgh, Philadelphia, vive en Nueva York) que realiza principalmente fotografía de calle.

© Harvey Stein

Biografía

Harvey Stein nació y creció en Pittsburgh donde todavía tiene familiares y amigos que viven allí, y a donde le gusta volver a fotografiar de vez en cuando. Es una ciudad montañosa, visualmente interesante, con gente amable. Un buen lugar para fotografiar.

Obtuvo una licenciatura en Ingeniería Metalúrgica de la Universidad de Carnegie Mellon, trabajó en Bethlehem Steel durante unos años, y luego asistió a la Universidad de Columbia para obtener un MBA en marketing. Trabajó en el mundo corporativo durante unos seis años, pero lo odiaba, se salió e intentó ganarse la vida con la fotografía, lo que, además, le alimenta emocionalmente y físicamente, le mantiene comprometido, informado y en contacto diario con sus semejantes y le lleva a lugares a los que no pertenece, lo que es siempre un reto. La fotografía le mantiene siempre alerta.

Ben Fernández fue uno de sus primeros maestros en la década de los 70 en Nueva York, y le sugirió que se comprara una Leica, con un 21 mm, y se fuera a Coney Island a disparar. Cuarenta años después ha publicado su libro Coney Island: 40 años (1970-2010) y no tiene claro si 40 años de hacer lo mismo te convierte en un tonto o un genio.

Harvey Stein es, actualmente, profesor en el International Center of Photography y en el Master of Professional Studies Program in Digital Photography en la School of Visual Arts. Con frecuencia es conferenciante sobre fotografía, tanto en Estados Unidos como en el extranjero y también da talleres.

Es el director de fotografía de Umbrella Arts Gallery, en Manhattan. También ha sido miembro de la facultades de New School University, Drew University, Rochester Institute of Technology y de la University of Bridgeport.

Las fotografías y portafolios de Stein se han publicado en revistas como The New Yorker, Time, Life, Esquire, American Heritage, Smithsonian, The New York Times, Reader's Digest, Glamour, Forbes, Psychology Today, Playboy, Harpers, Connoisseur, Art News, American Artist, New York, People, Der Spiegel, Die Zeit, The Hopkins Review (portada) y en las más importantes revistas de fotografía, incluyendo Camera Arts, Black & White Magazine (portada), Shutterbug, Popular Photography, American Photo, Camera, Afterimage, PDN, Zoom, Photo Metro, fotoMagazine (Alemania) y View Camera.

Sus fotografías han sido ampliamente exhibidas en los Estados Unidos y en Europa, con más de 70 exposiciones en solitario y más de 140  colectivas. También ha comisariado más de 15 exposiciones. Sus fotografías están en más de 55 colecciones permanentes, incluyendo la George Eastman House, Bibliotheque Nationale, Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts, Houston, Brooklyn Museum of Art, New Orleans Museum of Art, International Center of Photography, Denver Museum of Art, Carnegie Museum of Art (Pittsburgh), Portland (Oregón) Museum of Art, Museet for Fotokunst (Odense, Dinamarca), Musee De La Photographie (Charleroi, Bélgica), Portland (Maine) Museum of Art, Corcoran Gallery of Art, American Museum of Natural History, Santa Barbara Museum of Art, Addison Gallery of American Art y, entre otras, las colecciones privadas de grandes empresas como Polaroid, Reader's Digest, Johnson & Johnson, Hewlett Packard, LaSalle Bank (Chicago), Barclay Bank y Credit Suisse. 

Referencias

• su página web www.harveysteinphoto.com (EN [+140f]),
• Harvey Stein en umbrellaarts (EN),
• Harvey Stein: Harlem Street Portraits en acurator (EN [5f]),
• Harvey Stein: Coney Island 40 Years en klotzgallery (EN [24f]),
• Harvey Stein en junebateman (EN [49f]),
• Many Traveled Roads: An Interview with Harvey Stein en digiphotomag (EN [7f]),
• Harvey Stein en qlil2 (EN [21f]),
• Harvey Stein en facebook (EN [16f]).

Libros

• Harlem Street Portraits (2013).
• Coney Island 40 Years (2011).
• Parallels: A Look at Twins (1978);
• Artists Observed (1986);
• Coney Island (1998);
• Movimento: Glimpses of Italian Street Life.

George Tice es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1938 en Newark, Nueva Jersey, vive en Middletown, también en Nueva Jersey) cuyo trabajo, normalmente vestigios de cultura americana en peligro de extinción y paisaje americano, se caracteriza por el uso del gran formato, un exquisito tratamiento del blanco y negro, unido a una narrativa directa que convierte su trabajo en una obra muy sugerente.

Petit’s Mobil Station, Cherry Hill, New Jersey, 1974© George Tice

Se necesita el paso del tiempo antes de una imagen de un tema común se pueda evaluar. La gran dificultad de lo que intento hacer es ver más allá del momento, pues la cotidianidad de la vida se interpone en el camino de lo eterno.

Yo no hablo emocionalmente de mis fotografías. Eso es para que lo hagan otros. Tengo que decir que me encantan mis fotografías. Eso es lo que me mantiene vivo. Eso es lo que me mantiene ambicioso.

Biografía

George Tice comenzó a fotografiar a la edad de 14 cuando, siguiendo el consejo de un profesor, se unió al Camera Club. Tice estudió brevemente fotografía comercial en Newark Vocational and Technical High School, y se alistó a la Marina. 

En 1959, Edward Steichen, director de fotografía del MOMA entonces, seleccionó una fotografía de George Tice de una explosión a bordo del U.S.S. Wasp  para la colección del museo. Luego trabajó una década como retratista y ayudó a montar The Witkin Gallery. Este éxito le permitió concentrarse en proyectos personales.

En la década de los 60, fue pasando de formatos de cámara pequeños a los más grandes, lo que le permitió conseguir imágenes más detalladas y con una mejor graduación tonal. Retrató a las comunidades tradicionales Amish y Shaker, así como las duras vidas de los pescadores de Maine. En la década de 1970, Tice comenzó a explorar su estado nata, creando con estas fotografías su serie Urban Landscapes, que trabajó hasta el año 2000.

Con una carrera que abarca cinco décadas, su visión y su extraordinario dominio del positivado lo convirtieron en uno de los fotógrafos más prominentes de su generación. Su primera venta a un museo fue al Museum of Modern Art en 1959. Obtuvo la becas Fundación Guggenheim, National Endowment for the Arts,  Bradford Fellowship (Inglaterra) y New Jersey State Council of the Arts.

Ha realizado numerosas exposiciones tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Sus huellas se encuentran en numerosos museos, como el Museum of Modern Art, Art Institute de Chicago y el Metropolitan Museum, en el que tuvo una exposición individual en 1972.

Muy pronto se dio cuenta del potencial del libro de fotografía como forma de arte y ha publicado 18 libros. También ha realizado talleres para Maine Photographic Workshops desde 1977.

Referencias

• George Tice en nailyaalexandergallery (EN [53f]),
• George Tice en susanspiritusgallery (EN [16f]),
• George Tice en asherneimangallery (EN [10f]),
• George Tice en afterimagegallery (EN [17f]),
• George Tice en scottnicholsgallery (EN [33f]),
• George Tice en peterfetterman (EN [15f]),
• George Tice en getty (EN [1f]),
• George Tice en rafaelroa [?f],
• Travel, camera club frame George Tice's artistry en sfgate (EN [7f]),
• George Tice: Seeing Beyond the Moment en kickstarter (EN [1v]),
• George Tice en photography-now (EN [+25f]),
• Entrevista a George Tice en johnpaulcaponigro (EN [1f]).

Libros

• Fields of Peace: A Pennsylvania German Album  (1970), 
• Paterson, New Jersey  (1972), 
• Seacoast Maine: People and Places  (1973), 
• Urban Landscapes: A New Jersey Portrait  (1975),
• Artie Van Blarcum, An Extended Portrait (1977)
• Hometowns: An American Pilgrimage  (1988),
• Lincoln(1984),
• Stone Walls (1993),
• Grey Skies (1993), 
• A Vision of Yorkshire(1993),
• George Tice: Selected Photographs, 1953-1999 ( 2001)
• George Tice: Urban Landscapes(2002),
• Common Mementos(2005),
• Paterson II(2006),
• Ticetown(2007)
• Seacoast Maine(2009).
• …

Frank Gohlke es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1942 en Wichita Falls, Texas) figura destacada en la fotografía del paisaje americano.

© Frank Gohlke

En la década de los 70, desarrollé esta idea de mirar el mundo que hacíamos, más que al mundo donde nacimos. En esencia, el paisaje es el mayor artefacto que crea una cultura.

Parte de la razón por la que son interesantes (los paisajes alterados por el hombre) para mí es que nadie les presta atención. Yo prefiero no ir por ahí con los ojos cerrados. Quiero verlo todo.

Hay algo peculiar en la forma en que atribuimos la claridad de algunas de fotografías al propio mundo. Trato de reforzar esa paradoja al hacer fotografías que convenzan al espectador de que esas revelaciones, orden y potencial de significado vienen del mundo y no de la fotografía.

Biografía

Frank Gohlke estudió Literatura inglesa en la Universidad de Texas en Austin. En la Universidad de Yale, donde obtuvo su máster en Inglés en 1966, conoció a Walker Evans y luego estudió en privado con Paul Caponigro.

Frank Gohlke es una figura destacada en la fotografía del paisaje americano. Ha recibido dos becas Guggenheim y otras dos National Endowment for the Arts. Conocido por sus fotografías de gran formato de paisaje, su trabajo ha sido expuesto en museos de todo el mundo y se incluye en colecciones como la del Museum of Modern Art y Metropolitan Museum, ambos en Nueva York, George Eastman House International Museum of Photography and Film, Amon Carter Museum en Fort Worth, Texas, Australian National Gallery,  National Gallery de Canadá, Art Institute de Chicago, Minneapolis Institute of Arts,  Victoria and Albert Museum en Londres y la Bibliothèque Nationale de Paris

Gohlke ha viajado y trabajado en el centro de Francia, América del Sur y el Medio Oeste, Nueva Inglaterra y el Monte St. Helens después de una erupción volcánica.

Sus fotografías formaron parte de la mítica exposición colectiva New Topographics: Images of a Man-Altered Landscape en la George Eastman House International Museum of Photography and Film en Rochester, Nueva York en 1975.

Ha sido profesor en el Massachusetts College of Art and Design; en el Art Institute of Boston en Lesley College; en la School of the Museum of Fine Arts, Boston; y en las universidades de Harvard, Princeton y Yale. Actualmente enseña fotografía en la University of Arizona College of Fine Arts.

Gohlke ha realizado importantes encargos para empresas como Seagrams Corporation, AT&T, Laboratorio diFotografia de Reggio Emilia, The George Gund Foundation en Cleveland, y organismos públicos como Tulsa International Airport, la Ciudad de Venecia y la francesa Mission Photographique de la DATAR.

Accommodating Nature, una retrospectiva de la mitad de su carrera fue organizada por el Amon Carter Museum (en 2007 y 2008).  Está representado por la galería Howard Greenberg.

Referencias

Eric Bouvet es un fotógrafo francés (nacido el 16 de mayo de 1961 en París, donde vive) especializado en conflictos armados, logrando escenas impactantes por su crudeza pero también por su carácter intimista y cercano.

© Eric Bouvet

Biografía

Eric Bouvet comenzó su carrera fotográfica en 1981 después de estudiar Arte y Diseño Gráfico en la Estienne School de París.

Su interés por la fotografía se desató cuando, a la edad de 8 años, vio las primeras imágenes de televisión en directo de la misión del Apolo 11 aterrizando en la luna. Fue entonces cuando se dio cuenta de la importancia de las noticias y de los momentos históricos.

Bouvet trabajó como fotógrafo de plantilla de la agencia fotográfica francesa Gamma durante la década de los 80, e inició su carrera como freelance en 1990. Su primer reconocimiento internacional fue por sus casi 2.000 fotografías de las labores de rescate tras la erupción de un volcán en Omeyra, Colombia . Desde entonces Bouvet ha cubierto conflictos en Afganistán, Irak, Irán, Chechenia, Sudán, Somalia, la antigua Yugoslavia, Líbano, Israel. Irlanda del Norte, Kurdistán, Surinam, Burundi y Libia.

Ha cubierto también los principales eventos internacionales, como el funeral del ayatolá Jomeini en Irán, la Plaza de Tiananmen en China, la caída del Muro de Berlín, la Revolución de Terciopelo de Praga, el ataque de EE.UU. contra Libia, la liberación de Nelson Mandela y los Juegos Olímpicos.

También ha trabajado en muchas historias sociales como la vida en las cárceles rusas, marineros jóvenes en portaaviones, policías franceses que trabajan en los suburbios de París, los últimos mineros del carbón de Francia y la vida en una clínica pediátrica para los niños con cáncer. Durante  2012 trabajó en historias de paz y amor con una cámara de 4X5”.

Su trabajo ha sido publicado en numerosas revistas internacionales como Time, Life, Newsweek, Paris-Match, Stern, New York Times Magazine y The Sunday Times Magazine. También ha liderado campañas fotográficas de ONGs como Médicos Sin Fronteras (MSF), Cruz Roja Internacional (CICR), Medecins du Monde (MDM) y Action Against Hunger (ACF).

A lo largo de su carrera, Bouvet ha recibido cinco premios World Press Photo, así como dos Visa d'Or, la medalla de oro del 15º Aniversario de la Fotografía, el Premio Bayeux-Calvados para Corresponsales de Guerra, Visa d’Or du Festival du Photojournalisme y el Award Paris-Match, estos 3 últimos en 2000 con su serie Grozny, Tchéchénie,  donde retrata no sólo la guerra sino la vida diaria de los soldados rusos, con los que convivió dos semanas en la montaña.

También ha realizado numerosas exposiciones. La más reciente, Rainbow Family, ha terminado a principios de este noviembre en el Festival Photo La Gacilly.

Referencias

• su página web www.ericbouvet.com (EN [+350f 1v]),
• Eric Bouvet en fujifilm-x [6f],
• Eric Bouvet: Chechenia en joiamagazine [10f],
• Eric Bouvet en oldskull [17f],
• Eric Bouvet en festivalphoto-lagacilly (FR [1f]),
• Eric Bouvet en photographicmuseum (EN [15f]),
• Eric Bouvet en barrobjectif (FR [5f]),
• WPP: 1995, Eric Bouvet, 3rd prize, General News stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 1991, Eric Bouvet, 2nd prize, Spot News stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 1989, Eric Bouvet, 1st prize, News Features en worldpressphoto (EN [1f]),
• WPP: 1989, Eric Bouvet, 3rd prize, News Features stories en worldpressphoto (EN [10f]),
• WPP: 1986, Eric Bouvet, 2nd prize, Nature stories en worldpressphoto (EN [8f]),
• Eric Bouvet: Peace en picturetank (EN [46f]),
• Eric Bouvet en 500photographers (EN [9f 1v]).

Libros

• 1985: Le Canada.
• 1986: Les Ours Polaires.
• 1988: Jeux  Olympiques  de Séoul (colectivo),
• 1989: Rolland Garros (colectivo),
• 1991: Tempête  du désert (colectivo),
• 1994: Sarajevo (colectivo),
• 1997: 30 ans de Gamma (colectivo),
• 1998: Souffles du monde (colectivo),
• 1999: Femmes du Rwanda. Veuves du génocide,
• 2002: Femmes Afghanes (colectivo),
• 2002: Cahiers d’Afghanistan (colectivo),
• 2002: Une femme nue (colectivo),
• 2005: La Dernière mine,
• 2006: Don de vie.

Biografía

Referencias

• Massimo Berruti en agencevu (EN [+400f]),
• Massimo Berruti en epeaphoto (EN [1f]),
• Lashkars in Pakistan by Massimo Berruti en time (EN [22f]),
• On Pakistan’s Election Trail: Photographs by Massimo Berruti en time (EN [15f]),
• WPP: 2006, Massimo Berruti, 2nd prize, Contemporary Issues stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• WPP: 2011,   General News, 2nd prize stories, Massimo Berruti en worldpressphoto (EN [12f]),
• Massimo Berruti and Pakistan en resourcemagonline (EN [6f]),
• Massimo Berruti en theredlist (EN [16f]),
• Massimo Berruti en facebook (EN [50f]).

Libros

• Lashkars (2011).
• Made in Italy (2006).

Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo fue un pintor y fotógrafo español (nacido en Madrid en 1874 y fallecido en 1933), gran retratista, que trabajó para la nobleza y la Familia Real. 

© Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo

Biografía

Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo, también llamado Dalton Kaulak desde 1904 o simplemente Kaulak, era sobrino del político del mismo nombre, fue abogado y ocupó varios cargos públicos, además de pintar y de escribir dos novelas, antes de dedicarse a la fotografía gracias a su hermano Máximo Cánovas, miembro fundador de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid.

También ejerció la crítica artística, ya que dirigió La correspondencia de la España Ilustrada y colaboró con La Época y otros periódicos con sus crónicas de Bellas Artes. Fue también pintor bajo las enseñanzas de Carlos de Haes, firmando sus obras como Vascano.

En 1899 participó en el concurso convocado por La ilustración española y americana y obtuvo el primer premio con la serie titulada Tipos populares, compuesta por tres fotografías: Aparejando, Vendimia y Los esparteros. Todas de un claro contenido pictorialista, aunque posteriormente se opuso a esta corriente imperante en su época y cultivó un retrato pulcro y profesional al servicio de la burguesía.

En 1901 creó la revista La Fotografía que fue durante bastante tiempo el órgano de difusión de la Real Sociedad Fotográfica. También colaboró en diversas revistas, entre ellas cabe citar Blanco y Negro.

El mismo año, colaboró con los fotógrafos de origen suizo, Oscar Hauser y Adolfo Menet, quienes habían fundado en Madrid una empresa de artes gráficas, con varias fotografías realizadas en la ciudad de Cuenca para transformarlas en tarjetas postales.

El año 1902 ganó el premio patrocinado por la revista Blanco y Negro para ilustrar las Doloras de Ramón de Campoamor que, posteriormente, fueron reproducidas en un álbum de diecisiete postales del que se llegaron a vender 180.000 ejemplares. Antes había conseguido prestigiosos premios: Exposición de San Sebastián (1900), medalla de bronce en la Exposición Universal de París (1900), primer premio en la Exposición de Barcelona (1901), etc.

Criticado y denunciado entre sus colegas por no pagar impuestos (regalaba las fotografías) y no parar de conseguir premios,  abrió en 1904 el estudio Kaulak en Madrid en la calle Alcalá (en el que anteriormente había sido el estudio del también fotógrafo Antonio Portela). Desde el primer momento pasaron por sus salones la alta sociedad madrileña incluida la realeza y llegó a ser el fotógrafo que más contribución pagaba de toda España.

Sus retratos recogen imágenes de los más importantes políticos de la época como Antonio Maura, escritores como José de Echegaray, compañeros de la Real Sociedad Fotográfica como Guirao Girada, toreros como Manuel Granero y, por supuesto, la Familia Real.

Su estudio fue regentado por parte de su familia después de la Guerra Civil Española hasta que cerró definitivamente en 1989. En 2004 gran parte de sus fondos pasaron al Estado al ejercer éste el derecho de tanteo en una subasta dicho año.

Referencias

• Kaulak en wikipedia [1f],
• Kaulak en fotonostra [3f],
• Kaulak en alonsorobisco [9f],
• Kaulak, el fotógrafo de la aristocrácia en historia-urbana-madrid [7f 2v],
• El maestro Kaulak en asturiaspordescubrir [5f],
• El fotógrafo Antonio Cánovas del Castillo, y los baños del Sardinero en 1902 en fotografiaantiguadecantabria [12f],
• Kaulak en abc [1f],

Libros

• El retoque fotográfico (1921).
• La Fotografía Manual. Compendiado de los conocimientos indispensables del fotógrafo. (1912).
• Un milagro en Venecia (novela).
• La Trini.(novela).

Angel López Soto es un fotoperiodista argentino-español (nacido en Buenos Aires, Argentina, vive en Madrid) cuyo trabajo se centra en temas de actualidad, denuncia social y medio ambiente, a través de un  profundo acercamiento a las personas y su entorno, dentro de los estrictos límites establecidos por el periodismo. Ha realizado un trabajo muy interesante sobre el exilio tibetano.

Dalai Lama © Angel López Soto

Biografía

Ángel López Soto estudió Periodismo y Publicidad en Buenos Aires, ciudad desde la que se embarcó con destino a Europa a los 22 años. Vivió entre Londres, Ámsterdam, Zúrich e Ibiza donde trabajó de asistente de diversos fotógrafos y realizó talleres de fotografía.

Es, junto a Alfons Rodríguez y Juan Carlos de la Cal, uno de los fundadores de GEA PHOTOWORDS, asociación de fotógrafos y periodistas.

Sus reportajes se publican en revistas y diarios de todo el mundo.

Desde 1997 realiza un seguimiento fotográfico sobre los 150.000 tibetanos exiliados en el mundo tras la invasión china del Tíbet en 1949. Ha realizado una treintena de viajes a la India y Nepal, países donde se halla el mayor número de refugiados y donde, en Dharamsala, fue recibido por el Dalai Lama, líder espiritual y político del pueblo tibetano. Ha visitado diversos países de Norteamérica y Europa con este fin.

Entre sus exposiciones se pueden mencionar:

• Yemen. Círculo de Bellas Artes (Madrid).
• Valencia vista por el autor y los fotógrafos Tony Catany, Genín Andrada, José M. Revuelta, Guillermo Ferrer y Sabine Frank. Exposición y libro por encargo del Turismo Valencia Convention Bureau. IVAM (Valencia).
• Tíbet, el éxodo. En la Casa del Tíbet (Barcelona). Exposición realizada con motivo de la visita del Dalai Lama a Barcelona y que contó con su presencia.
• Imágenes por la Dignidad, junto a Cristina García Rodero y Sebastião Salgado entre otros fotógrafos, en PHotoEspaña.
• Femmes et espoir (Mujeres y esperanza). Exposición encargada por la ONU (UNFPA, United Nations Population Fund) y que forma parte de un proyecto que se enmarca en las acciones que desarrolla la ONU para erradicar la violencia de género en el país Centro Franco Guineano de Conakry (Guinea).

Ha conseguido diversos premios, entre ellos el Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, en sus ediciones II y IV, con una exposición que se Inauguró en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y después se paseó por España, y Merit en los Kodak Gold Awards en la especialidad de retrato.

Referencias

• su página web www.lopez-soto.com [?f],
• su blog [?f],
• Angel López Soto en google+ [?f],
• Angel López Soto en geaphotowords [1f],
• Angel López Soto en mundo-geo [9f],
• Angel López Soto en palabrayvoz [5f],
• Entrevista a Angel López Soto en nikonistas [1f],
• Angel López Soto en facebook [+600f],

David W. Lewis es un fotógrafo canadiense (nacido en 1946 en Toronto, vive en Callander, Ontario) reconocido internacionalmente como uno de los últimos maestros supervivientes de los procesos de pigmentos de aceite, bromóleo y transferencia. Es, sin duda, la principal autoridad del mundo en la historia y práctica de estos procesos.

© David W. Lewis

Biografía

David W. Lewis es uno de los pocos artistas del bromóleo activos. Fascinado con este proceso desde que tenía 20 años, su primera exposición fue en una galería Bowmanville en la década de los 70. Sólo unos pocos maestros del proceso quedaban entonces y David tuvo la suerte de conocer y aprender de Georgia Procter-Gregg en Inglaterra, Trevor Jones en Gales y Ralph Davis en Nueva York, entre otros. David tuvo la suerte de heredar trabajos terminados, materiales y pinceles de grandes artistas que deseaban preservar su arte. Tiene una copia de todos los libros y revistas conocidos sobre el bromóleo.

David realiza en bromóleo paisajes, retratos y estudios de figuras muchas de las cuales han sido expuestas en importantes galerías de arte, museos y empresas de todo el mundo. Sus imágenes son obras de arte únicas vendidas por el boca a boca en galerías de Toronto y Cape Cod, y ha realizado numerosas exposiciones individuales en América del Norte, Europa y Asia.

Captura sus imágenes en película con una cámara tradicional y luego escanea los negativos y con Photoshop escala y ajusta la densidad de la imagen antes de imprimirla con tintas pigmentadas sobre soportes transparentes. Luego usa su Omega D6 de luz fría como fuente de luz para la impresión.

En los últimos 30 años, David ha realizado cientos de talleres y clases magistrales (estuvo en 2010 en PhotoEspaña) y es sin duda el responsable del resurgimiento de esta forma de arte casi perdida.

Su libro The art of Bromoil & Transfer todavía se considera el libro más definitivo sobre este proceso. Lewis es el único fabricante y proveedor en el mundo que cuenta con una línea completa de materiales para los procesos de bromóleo y transferencia.

David está fotografiando actualmente abandonadas y aserraderos por toda América del Norte y le gustaría compartir sus conocimientos de ubicaciones de este tipo de sitios con otras personas interesadas. Viaja regularmente a West Virginia, Kentucky, Pennsylvania, Vermont, New Hampshire, Nueva York, Ohio, Montana y Oregón.

El bromóleo es uno de los más raros y el más permanente de los procesos de impresión fotográfica. Básicamente la imagen de plata se sustituye por la tinta litográfica. Fue inventado en 1907 por Wellbourne Piper tras una sugerencia de E J Wall, y construido sobre el proceso anterior de Rawlins. Dos años más tarde, el proceso de transferencia al bromóleo fue inventado por Fred Judge y popularizado por Robert Demachy. David W. Lewis ha actualizado los productos para este proceso.

Referencias

• su página web bromoil.com (EN [29f]),
• David W. Lewis en ferneyhoughgallery (EN [12f]),
• David W. Lewis en phsc (EN [+30f]),
• David W. Lewis en ljosmyndasafnreykjavikur (EN [4f]),
• David W. Lewis en grapevine (EN [1f]).

Libros

• The art of Bromoil & Transfer.
• Corporate Wasteland.
• The Passion Pit.

Linda Connor es una fotógrafa estadounidense (nacida el 18 de noviembre de 1944 en Nueva York, vive en San Anselmo, California) que ha tenido una vida creativa dedicada a la fotografía. Es conocida por sus fotografías luminosas e icónicas y por su fascinación por los sitios sagrados y los paisajes culturales. Su obra revela la esencia de sus temas, dando una sensación de atemporalidad evocando visualmente lo intangible.

Hagia Sofia © Linda Connor

Biografía

Linda Stevens Connor, después de estudiar con los fotógrafos estadounidense Harry Callahan y Aaron Siskind, se dedicó a una carrera docente en el Instituto de Arte de San Francisco, donde ha enseñado a estudiantes de pregrado y posgrado desde 1969.

Con su cámara de gran formato, que le permite lograr una gran nitidez y riqueza de detalles, ha viajado por África, el sudeste asiático, Nepal, India, Turquía, México, Tíbet, el suroeste de Estados Unidos, Europa y ha explorado lugares que evocan misterio y espiritualidad.  Realiza las copias por contacto directo del negativo 8x10” a la luz del sol. Viradas y fijadas con cloruro de oro, las copias tienen una calidez, luminosidad y delicadeza que rara vez se encuentran en la impresión fotográfica estándar.

Connor abarca una amplia gama de temas, que conectan el mundo físico y el espiritual. Así como el arte sagrado evoca un profundo significado muchas veces sin una comprensión explícita, ella espera que sus fotografías tengan una función metafórica similar.

Entre sus imágenes hay copias que ha hecho a partir de negativos astronómicos de placas de vidrio  del siglo XIX de los archivos del  Lick Observatory. Estas imágenes nos llevan a una contemplación de lo espiritual y lo científico, la cultura y la naturaleza, la admiración y el conocimiento.

Connor ha conseguido becas National Endowment for the Arts (1976, 1988) y Guggenheim (1979). Su obra se encuentra en las colecciones del Art Institute of Chicago; Center for Creative Photography, University of Arizona, Tucson; J. Paul Getty Museum, Museum of Modern Art, Nueva York; San Francisco Museum of Modern Art; y Victoria and Albert Museum, Londres . Linda Connor también es presidente y fundadora de PhotoAlliance, una organización sin ánimo de lucro que apoya el entendimiento, la apreciación y la creación de fotografía contemporánea.

Aunque su trabajo ha sido ampliamente exhibido y publicado, su monografía Odyssey es un conjunto global y coherente que representa treinta años de fotografía. En ella ha compuesto una secuencia para guiar a los espectadores a hacer asociaciones inesperadas, proporcionando una forma poética de ver sus imágenes.

Referencias

• Linda Connor en wikipedia (EN),
• Linda Connor en josephbellows (EN [26f]),
• Linda Connor en edelmangallery (EN [8f]),
• Linda Connor en clarkgallery (EN [36f]),
• Linda Connor en hainesgallery (EN [47f]),
• Linda Connor en gallery339 (EN [6f]),
• Linda Connor en sfai (EN [1f]),
• Linda Connor en ronslate (EN [7f]),
• Linda Connor en arizona (EN [79f]),
• Entrevista a Linda Connor en squarecylinder (EN [10f]),
• Linda Connor en photoeye (EN [3f]),
• Linda Connor - Odyssey en thephotobook (EN [7f]),
• Linda Connor: Heaven / Earth en lodimapress (EN [6f]).

Libros

• Odyssey: The Photographs of Linda Connor (2008),
• Heaven/Earth (2008).
• Odds n Ends (2008),
• On the Music of the Spheres,
• Luminance,
• Spiritual Journey: Photographs 1967-1990.
• Solos (1979)

Stuart Klipper es un fotógrafo estadounidense (nacido en el Bronx, Nueva York, el 27 de agosto de 1941, vive en Minneapolis) cuyo trabajo es variado (él se define como “generalista”), pero se le conoce principalmente por los paisajes panorámicos de los Estados Unidos y los de las dos zonas polares.

© Stuart Klipper

La fotografía no trata de fotografía, trata del mundo. Simplemente, ¡haz fotografías! No hay reglas. Encuentra tu propio vocabulario.

Biografía

Stuart Klipper estudió en la Universidad de Michigan. Vivió en Nueva York y Estocolmo, Suecia, en los años 60, luego se mudó a Minneapolis en 1970 y reside allí todavía. Normalmente realiza panorámicas con una Linhof Technorama 617, que utiliza película.

Ha realizado seis visitas a la Antártida para fotografiarla. La primera vez en 1987, como participante en una expedición privada de veleros, las 5 siguientes bajo el auspicio de National Science Foundation's Antarctic Artists and Writers Program.

En varias ocasiones también ha trabajado en el Norte: Groenlandia, Islandia, Svalbard , Alaska, y Laponia (donde fotografió regiones irradiadas por las consecuencias de la catástrofe de Chernobyl).

En julio de 2009 pisó el Polo Norte, lo que le hace formar parte del selecto club de las 400 personas que han pisado ambos polos.

Otros viajes importantes lo han llevado al Outback de los aborígenes del norte de Australia, a los desiertos bíblicos de Israel y el Sinaí, a las selvas tropicales de Costa Rica, a los confines de la Patagonia y Tierra del Fuego en Chile y Argentina y a las ciudades y provincias de Sri Lanka y Pakistán. También ha navegado miles de millas por mar, fotografiando todos los océanos de la Tierra y en muchos de sus mares y grandes masas de agua.

Durante casi 30 años ha realizado fotografías en los 50 estados de su país, extrayendo las características propias de cada regiones de América. También ha fotografiado extensamente los cementerios y los monumentos a los caídos en el Primera Guerra Mundial en el Frente Occidental en Bélgica y Francia, y las grandes instalaciones de investigación física y astronómica en EEUU. También ha realizado retratos de personas en Pakistán y Sri Lanka.

Sus fotografías han sido expuestas y coleccionadas por los principales museos nacionales e internacionales como el Museum of Modern Art, San Francisco Museum of Modern Art, The Art Institute of Chicago, The Minneapolis Institute of Arts, Walker Art Center, The Jewish Museum (Nueva York), The McDonald Gallery (Nueva Zelanda), The Israel Museum, The Victoria and Albert Museum en Londres, Artium - the Basque Museum of Contemporary Art (Vitora), Bonn Kunsthalle
(Alemania), Moderna Museet (Estocolmo), …

Ha conseguido premios y becas como Guggenhiem Foundation, Bush Foundation, McKnight Foundation, Minnesota State Arts Board, National Endowment of the Arts, … Ha recibido también una US Navy's Antarctic Service Medal. Ha sido profesor en el Colorado College.

Referencias

• su página web stuartklipper.com (EN [150f]),
• Stuart Klipper en wikipedia (EN),
• Stuart Klipper en mocp (EN [3f]),
• Stuart Klipper's images from Chicagoland en trains (EN [11f]),
• Stuart Klipper en gf (EN [8f]),
• Stuart Klipper en olsonlarsen (EN [61f]),
• Entrevista a Stuart Klipper en nicksmithphoto (EN [?f]),
• Stuart Klipper: United States en candacedwan (EN [50f]),
• Stuart Klipper en railroadheritage (EN [9f]).

Libros

• The Antarctic: From the Circle to the Pole.
• Stuart Klipper Cardinal Points.
• Bearing South: Antarctica at Sea (1991).

Mark Klett es un Investigador, docente y fotógrafo estadounidense (nacido en 1952 en Albany, Nueva York, vive en Tempe, Arizona) interesado en la Intersección de la cultura, el paisaje y el tiempo.

© Mark Klett

Biografía

Mark Klett estudió geología en St. Lawrence University en Canton, Nueva York, y trabajó como geólogo antes de iniciar su actividad como fotógrafo. Obtuvo un master en fotografía en la State University of New York en Buffalo.

En 1984, publicó Second View, un vasto proyecto que consistía en volver a fotografiar los escenarios del oeste norteamericano que fotógrafos tan conocidos como Timothy O'Sullivan, entre otros, realizaron en el transcurso de las expediciones encargadas por el Gobierno Federal durante la segunda mitad del siglo XIX.

Con este proyecto, Klett generó, a la vez, tres importantes elementos: la metodología necesaria para desarrollar el riguroso género de la refotografía, el equipo humano necesario para abarcar los ambiciosos propósitos de sus proyectos, y un discurso sobre la construcción del imaginario colectivo.

A finales de los años noventa Klett retomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografía Third Views, Second Sights, donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX.

Klett ha utilizado una cámara de 4x5” para su fotografía. En sus trabajos iniciales utilizaba película Polaroid positiva y negativa dejando una trama irregular alrededor de sus imágenes que se asemejaba a las asperezas de negativos en placa de vidrio utilizados por los fotógrafos del siglo XIX. Los bordes fueron recortados por razones estéticas, antes de su inclusión en libros. En sus trabajos más recientes, todavía utiliza a menudo una cámara de 4x5”, pero la técnica digital le permite mezclar las imágenes de otros fotógrafos con las suyas propias.

Es profesor regente de Arte en la Arizona State University. Klett ha recibido becas de la Guggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Buhl Foundation y Japan/US Friendship Commission. Su trabajo ha sido expuesto y publicado a nivel nacional e internacional a lo largo de más de 30 años, y su obra está en más de 80 colecciones de museos y galerías de todo el mundo.

Referencias

• Mark Klett y Byron Wolfe (EN [?f]),
• Third View (EN [?f]),
• Mark Klett en wikipedia,
• Mark Klett en phoenixtransect (EN [+220f]),
• Mark Klett en ethertongallery (EN [220f]),
• Mark Klett en lisasettegallery (EN [31f]),
• Mark Klett, el fotógrafo en la máquina del tiempo en arqueologiadelpuntdevista [10f],
• Mark Klett: Refotografía en Barcelona hasta el 19 de mayo en rebecapardo [5f],
• Mark Klett en uair (EN [16f]),
• Mark Klett en photography-now (EN [20f]),
• Mark Klett en soaportfolio (EN [15f]),
• Then and Now Come Together at the Grand Canyon en slate (EN [10f]).

Libros

• Reconstructing the View: The Grand Canyon Photographs of Mark Klett and Byron Wolfe.
• Saguaros (2007)
• After the Ruins: Rephotographing the 1906 San Francisco Earthquake and Fire (2005)
• Yosemite in Time: Ice Ages, Tree Clocks, Ghost Rivers, con Rebecca Solnit y Byron Wolfe, (2005)
• Third Views, Second Sights, A Rephotographic Survey of the American West (2004)
• The Black Rock Desert, con Bill Fox (2002)
• Desert Legends: Restorying the Sonoran Borderlands, con Gary Paul Nabhan, Henry Holt (1994)
• Capitol View: A New Panorama of Washington DC, con Merry Foresta (1994)
• Revealing Territory (1992)
• Photographing Oklahoma. 1889-1991 (1991)
• One City/Two Visions (1990)
• Headlands: the Marin Coast at the Golden Gate, con Miles De Coster, Mike Mandel, Paul Metcalf y Larry Sultan (1989)
• Traces of Eden: Travels in the Desert Southwest (1986)
• Second View: The Rephotographic Survey Project, con Ellen Manchester y Joann Verburg (1984)

Feng Bin es una fotógrafa china (nacida e 1972 en la provincia de Guangdong, vive en Pekín).

© Feng Bin

Estoy fascinada por la atmósfera surrealista y poética capturada en un espacio real. La fotografía, para mí, es una herramienta para observar el mundo que nos rodea, y para reflejar visualmente la "verdad personal".

Biografía

FengBin realizó un master en fotografía en la Beijing Film Academy. Trabaja como freelance y sus obra forma parte de colecciones como las de la George Eastman House y San Francisco Museum of Modern Art.

Ha expuesto en Nueva York, Alemania, Polonia, China y Nueva Zelanda.

Para captar la "realidad subjetiva", utiliza una cámara de gran formato y trabaja en blanco y negro. Imprime de forma tradicional en papel a base de fibras. Gracias a su amplia gama de tonos y calidad de archivo, las imágenes finales podrían concordar con las escenas pre-visualizadas en su mente y atesorar su "verdad personal" en una registro imperecedero en papel.

En su serie más conocida, Beijing Hutong, da una visión de las casas tradicionales de los callejones del barrio Hutong de Pekín, una zona que ya ha sido demolida, en blanco y negro de forma íntima, de noche, mediante larga exposición para extraer de esta parte de la ciudad unos delicados tonos que hagan su recuerdo aún más conmovedor, al saber que estos edificios mágicamente presentados pueden ya haber desaparecido.

Referencias

• su página web http://www.fengbinfoto.com (EN, ZH [43f]),
• Bin Feng en eastmanhouse (EN [5f]),
• Bin Feng en photography-now (EN [19f]),
• Bin Feng en fotofestiwal (EN [3f]),
• Bin Feng en tkellner (EN [1f]).

Joy Judith Ross es una fotógrafa estadounidense (nacida en 1946 en Hazleton, Pennsylvania) que ha creado un conjunto de retratos en blanco y negro, utilizando herramientas tradicionales de fotografía. Con su antigua cámara de 8x10” montada en un trípode retrata directamente a sus modelos, ya sean niños o miembros del congreso, capturando la humanidad y vulnerabilidad de sus modelos.

© Joy Judith Ross

Una buena historia en una imagen es mucho mejor que estar vivo. Estar vivo es complicado y difícil, pero una buena imagen … Me puedo perder en ella.

Biografía

Joy Judith Ross obtuvo una licenciatura en el Moore College of Art, Philadelphia, en 1968 y un master dos años más tarde en el Institute of Design at the Illinois Institute of Technology en Chicago, pero comenzó con la fotografía después de fracasar con el dibujo y la pintura. Sus primeras fotos buenas fueron realizadas en el Eurana Park, un pequeño parque municipal de su ciudad, y son el resultado de su búsqueda interior, inmersa en su dolor mental y depresión, intentando encontrar el propósito de su vida:  vio a algunos niños en el parque y vio a su propio futuro en el suyo.

Judith adoptó el estilo de August Sander de poner a la gente en el centro de la fotografía. Una vez que ella descubrió el tipo de luz que usaría, su propio estilo de la fotografía quedó fijado y sólo hace pequeñas variaciones de vez en cuando. Normalmente enfoca algunas partes de la imagen y las otras las deja desenfocadas.

Ross utiliza una cámara de 8x10 pulgadas y un proceso de impresión por contacto del negativo a  la luz del sol (no necesita ampliadora) para producir negativos y copias muy definidas con una amplia gama de tonos grises, que luego vira.

Como resultado de este proceso sus retratos tienen una apariencia antigua y su trabajo queda fuera de la corriente principal del retrato fotográfico contemporáneo. Su estilo es similar al de los fotógrafos de comienzos del siglo XX, como Eugène Atget, Lewis Hine y August Sander, que son las principales influencias en la obra de Ross.

Desde principios de los 80, ha fotografiado a niños en piscinas en Pennsylvania, visitantes del Monumento a los Veteranos de Vietnam en Washington, miembros del Congreso y sus ayudantes, y a los soldados que esperaban para ser enviados a combatir en la guerra del Golfo.

Su trabajo más famoso hasta la fecha es la colección de retratos Hazleton schools series, 67 retratos de estudiantes de las escuelas públicas de su ciudad natal de Hazleton, Pennsylvania. Entre 1992 y 1994 , Ross regresó a las escuelas de su juventud como una manera de volver a examinar la experiencia de crecer.

El trabajo de Ross se encuentra en muchos museos importantes. Dado que el tamaño de las copias es pequeñ0 (8x10”), por lo general deben exhibirse en grupo para conseguir trasladar su poder emocional a los espectadores.

Sus trabajos se han exhibido en numerosas exposiciones en solitario y en más de 50 en grupo. Ha obtenido diversos premios y becas como Guggenheim Fellowship (1985), National Endowment for the Arts Fellowship (1986), Charles Pratt Memorial Award (1992) y Andrea Frank Foundation Award (1998).

Su obra forma parte de numerosas colecciones, como las del Museum of Fine Arts, Boston; Museum of Fine Arts, Houston; Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Museum Ludwig, Colonia; Museum of Modern Art, Nueva York; National Gallery of Canada, Ottawa; Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Colonia; San Francisco Museum of Modern Art; Victoria and Albert Museum, Londres; …

Referencias

• Joy Judith Ross en wikipedia (EN),
• Joy Judith Ross en pacemacgill (EN [56f]),
• Joy Judith Ross en moma (EN [39f]),
• Joy Judith Ross en sfmoma (EN [43f]),
• The Portraits of Judith Joy Ross: Not Just Faces in the Crowd en nytimes (EN [?f]),
• Entrevista a Joy Judith Ross en ahornmagazine (EN [9f]),
• Joy Judith Ross en photography-now (EN [24f]),
• Joy Judith Ross en pictureyear (EN [16f]),
• Joy Judith Ross en utata (EN [3f]).

Libros

• Judith Joy Ross: Contemporaries/A Photography Series (1995)
• Portraits of the Hazleton Public Schools (2006)
• Protest the War: Judith Joy Ross (2007)
• Living With War: Portraits 1983-2007 (2008)
• Judith Joy Ross: Photographs.

Joan Vilatobà i Fígols fue un pintor, dibujante, profesor y fotógrafo catalán (nacido en Sabadell el 15 de noviembre de 1878 y fallecido en 1954, también en Sabadell) que es considerado como uno de los fotógrafos pictorialistas más destacados del primer tercio del siglo XX.

Joan Vilatobà. En quin punt del cel et trobaré? © Hereus de Joan Vilatobà

Biografía

Joan Vilatobà i Fígols nació en el seno de una familia culta. Hombre de inquietudes artísticas y de mentalidad avanzada, de joven ya se empezó a mover en los círculos artísticos y republicanos sabadellenses .

En 1898, le tocaba hacer el servicio militar, pero sus ideas republicanas y pacifistas y el hecho de que en aquellos momentos España estaba en guerra en Cuba, le hicieron huir del país, viajando a Francia y Alemania. Esto le permitió vivir unos años en Toulouse y París, donde tuvo contacto con el impresionismo allí descubrió las obras de los fotógrafos pictorialistas que entonces dominaban el panorama artístico europeo.

Tras regresar, en 1901 abrió un estudio fotográfico en Sabadell ganándose fama de buen retratista, con sus composiciones románticas. Mantuvo amistad con artistas como Joaquín Sorolla, Mariano Benlliure, Santiago Rusiñol,… y músicos como Andrés Segovia y Enrique Granados. En 1904 el rey Alfonso XIII le compró algunas obras y le encargó un retrato oficial y el de su prometida Victoria de Battemberg.

A principios del siglo XX recibió varios premios (por ejemplo, la Medalla de honor en la Exposición Nacional de Madrid de 1905) por sus fotografías de corte pictorialista que consistían en escenificaciones planificadas en línea con lo que algunos autores definen como pictorialismo victoriano de raíz bíblica y mitológica.

Además trabajaba con copias de grandes dimensiones y utilizaba las técnicas propias de ese movimiento: bromóleo, goma bicromatada e impresión al carbón (donde se sumergía el papel en una solución colodial de dicromato potásico que lo sensibilizaba a la luz y con el que se conseguían unos tonos oscuros y satinados de gran duración).

En 1919 realizó una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y el año siguiente en las Galerías Layetanas de Barcelona defendiendo la fotografía como arte. Ese mismo año publicó en la revista Lux un artículo titulado A los detractores de la fotografía, en el que defendía la concepción artística de la misma mediante el uso de las técnicas pictorialistas.

A partir de 1931, quizás por los grandes y rápidos cambios que experimentó la fotografía y a los que no pudo adaptarse, se dedicó exclusivamente a dar clases de dibujo y pintura en su casa y en la Escola Industrial d'Arts i Oficis de Sabadell, y también a la pintura de la que existen obras en algunos museos.

Murió olvidado como artista, fue redescubierto en los 80, pero sigue siendo poco conocido. El fondo de Joan Vilatobà, casi dos mil placas de vidrio, ha sido entregado por sus herederos a la custodia del Archivo Histórico de Sabadell y algunas de sus fotografías forman parte de las colecciones del Museo Nacional de Arte de Cataluña y del Museo de Arte de Sabadell.

Acaba de clausurarse una exposición sobre él en la galería A34.

Referencias

• Joan Vilatobà i Fígols en wikipedia,
• Joan Vilatobà i Fígols en a34 [43f],
• Joan Vilatobà i Fígols en 20minutos [6f],
• Joan Vilatobà i Fígols en tv3 [12f],
• La Mirada de Joan Vilatobà i Fígols en bajoelsignodelibra [17f],
• Joan Vilatobà i Fígols en mastersofphotography [13f],
• Un fotògraf, convidat d’honor al MNAC en espaifotografic (CA [1f]),
• Joan Vilatobà, en quin punt del cel et trobaré? en nuvol [2f].

Chema Conesa es un periodista y fotógrafo español (nacido en Murcia en 1952, vive en Madrid) cuya especialidad es el retrato. Ha trabajado para los dos grandes diarios españoles, El País y El Mundo. Apasionado de la imagen, hoy es comisario de exposiciones y editor gráfico de La Fábrica Editorial.

Miguel Delibes © Chema Conesa

Biografía

Chema Conesa se licenció en Filosofía y Letras y en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid. Se acercó al mundo de la fotografía a través de las imágenes de Cartier-Bresson.

Comenzó como periodista de la sección de deportes en el recién nacido diario El País, en 1976. Más adelante, su habilidad con la cámara le permitió ponerle palabras e imágenes a los acontecimientos de la joven democracia española. Ya por aquel entonces, su técnica se había perfeccionado y su particular mirada sobre la realidad se había comenzado a definir.

Es en los suplementos dominicales donde ha desarrollado gran parte de su carrera fotoperiodística. Durante un breve paso por la revista El Globo, vuelve a El País como editor gráfico del PaísSemanal hasta 1995, cuando se incorporó a la redacción de El Mundo comosubdirector de fotografía del suplemento dominical y en el año 2004 le encargaron la puesta en marcha de la revista femenina YoDona como director de imagen. Actualmente es subdirector de fotografía del suplemento dominical Magazine.

Además de su labor como fotógrafo, Chema Conesa es editor gráfico de libros y dirige la colección Photobolsillo: una serie de monografías de fotógrafos españoles editadas por La Fábrica Editorial. También es comisario de exposiciones de fotógrafos de la talla de Ramón Masats, Catalá Roca o Chema Madoz.

Ha impartido numerosos seminarios y conferencias y ha formado parte del jurado del Premio Nacional de Fotografía y del World Press Photo, del que es delegado para el descubrimiento de jóvenes talentos en España. Su contribución a la fotografía ha sido reconocida en PhotoEspaña 2010 con el PremioBartolomé Ros a toda su trayectoria profesional y en 2011 con el Premio Cultura Comunidad de Madrid. 

Referencias

• Chema Conesa en elmundo [10f],
• PHE premia la trayectoria de Chema Conesa, subdirector de 'Magazine' en elmundo [14f],
• Entrevista a Chema Conesa en blogbou [7f],
• Entrevista a Chema Conesa en laopinioncoruna [1f],
• Madrid se vueve flamenco en elpais [29f],
• Elogio de la Cultura en blogfundacionloewe [2f],
• Chema Conesa: "Fotografiar a Vargas Llosa es todo un reto" en revistavanityfair [1f].