Colin Delfosse es un fotógrafo belga (nacido el 2 de junio de 1981 en Bruselas) que realiza fotografía documental sobre cuestiones sociales.

© Colin Delfosse

Biografía

Colin Delfosse es un fotógrafo documentalista que estudió Periodismo. Junto con Pauline Beugnies, Thomas Freteur y Thomas Vanden Driessche, fundó el colectivo Out of Focus en el año 2005, colectivo centrado sobre todo en la documentación fotográfica de cuestiones sociales.

Colin ha viajado extensamente a países como China, Malí, Kurdistán iraquí, Iraq, Vietnam y la República Democrática del Congo. Uno de sus últimos proyectos se ha centrado en Kazajstán y Uzbekistán, donde se concentra en el legado soviético del país. También regresa periódicamente a Kinshasa continuar su labor en la lucha libre congoleña.

En 2011 ganó el PDN Photo Award por su trabajo sobre la lucha libre congoleña. En 2010 con The PKK Amazons ganó el premio del Museo de Fotografía de Charleroi.

Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Le Monde, The International Herald Tribune, Esquire Russia, Le Monde, Jeune Afrique, Vision China, Standaard, Inrock, Feuilleton, La Libre Belgique, Vice, L’Echo, De Tijd (2012), Polka, 6Mois, GQ italy, L’Echo, De Tijd, Time Lightbox,  De Morgen, Squaremag, Inrock, Photoraw, Eyemazing, Causette, VSD, Le Soir,  View (Bélgica), …

Referencias

• Colin Delfosse en outoffocus (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• Learning to sail, the Russian way en cnnphotos (EN [17f]),
• Rumble in the Jungle II: Congolese Wrestling en time (EN [23f]),
• Colin Delfosse: POYI. Portraits. Award of Excellence en poyi (EN [7f]),
• Colin Delfosse celebrates the Tour of Rwanda – a national symbol of hope en bjp-online (EN [5f]),
• Catch à Kinshasa en picturetank (EN, FR [35f]),
• Colin Delfosse: Congolese Wrestling en contourmagazine (EN [18f]),
• Colin Delfosse en joiamagazine [6f],
• Colin Delfosse en 500photographers (EN [9f]),
• Les sorciers du Ring, portraits de catcheurs congolais par Colin Delfosse en urba-actu (FR [8f]),
• Colin Delfosse en oldskull [15f],
• My Ukrainian Wedding, Julie David De Lossy and Colin Delfosse en slate (EN [14f]),
• Colin Delfosse Photographs African Fighters in Costume en trendhunter (EN [8f]),
• La vida en los campamentos de desplazados internos de R.D. del Congo en oxfam (EN [8f]),
• Intriguing Portraits of Congolese Wrestlers en anthonylukephotography (EN [22f]),
• Colin Delfosse en facebook (EN [+140f]).

Chen Man es una fotógrafa china (nacida en Pekín, en 1980, donde trabaja) que está considerada como una de las mas excitantes fotógrafas emergentes de China, combinando su talento con la cámara y el procesado digital.

© Chen Man

A veces el trabajo de un artista es suscitar controversia, prefiero que mi trabajo sea criticado a que pase desapercibido.

Biografía

Chen Man terminó sus estudios de diseño gráfico en la Central Academy of Fine Arts de China en 2005 y ya había publicado portadas en Vision, revista china de arte y diseño.

Inicialmente retocaba mucho sus fotografías. Podía hacer solo una fotografía al mes y tenía que sacarle partido a base de tratamiento digital para obtener varias imágenes distintas. 

Posteriormente se dedicó a la fotografía de moda y belleza, donde es la fotógrafa de moda del momento en China, y cada día gana más y más adeptos a su trabajo alrededor del mundo. Ha sabido marcar la diferencia con su propio estilo, que podemos definir como una mezcla entre la delicadeza tradicional de la belleza asiática y una estética poderosa y moderna.

En la actualidad, también realiza fotografía artística.

A través de su cámara fotográfica, logra evidenciar su particular visión de la belleza, a la que suma una mágica post-producción digital que realiza ella misma para cada toma. Con Photoshop, 3D Max y 3D Render, programas que Chen Man conoce perfectamente, nos sorprende con imaginarios asiáticos y fantásticos, añadiendo a menudo colores y texturas que no estaban en la imagen original utilizando el software de acabado fotográfico, para lograr una mirada que ella describe como esencia china, método occidental.

Su lista de clientes incluye a Panasonic,Toshiba, Lenovo, Motorola, Canon, Sony Ericsson, DFS, Adidas, Nike, Converse, Puma, Kappa, Pepsi, Leo Valli Jewellery, TSL Jewellery, Jason Wood jeans, Marie France Body line, Shu Uemura, MAC,Lancôme, Max Factor, Cover Girl, Colour Zone, Chlitina, Pantene y ENICAR.

Desde su incursión inicial en Vision, ha publicado sus fotos en otras publicaciones como Vogue China, Cosmopolitan , Elle , Marie Claire , Madame Figaro , Preferencia , Nylon, Unlimited y Esquire.

El trabajo de Chen ha sido presentado en varias galerías y museos de todo el mundo, incluyendo la exposición China Design en 2008 en el Museo Victoria and Albert de Londres, en los que se utilizó una de sus imágenes para publicitar la exposición especial. También ha expuesto en el Hotel Royal Monceau en París en una exposición llamada Partido de demolición. Su trabajo ha sido expuesto en la galería de arte Fabien Fryns en Los Ángeles, Hai Gallery en Londres, Galería Joyart en Beijing, Galerie Loft en París, OOIBOTOS Gallery de Hong Kong, Galerie Maeght de París y en el Museo de Arte en Beijing.

Referencias

• su página web www.chenmaner.com (EN [?f])
• Chen Man en artphotoexpo (EN [21f]),
• Entrevista a Chen Man en timeout (EN [4f]),
• Chen Man en i-donline (EN [14f]),
• Chen Man en miista (EN [+30f]),
• Chen Man en insomni-art (EN [8f]),
• Chen Man: Belleza oriental + Fotografía Digital en vistelacalle [+50f 1v],
• Entrevista a Chen Man en nymag (EN [2f]),
• Mesmerizing Beauty - Chen Man en mymodernmet (EN [9f]),
• Chen Man en ooibotos (EN [?f]),
• Chen Man en doctorojiplatico [12f].

Bharat Sikka es un fotógrafo indio (nacido en 1973, vive en Nueva Delhi) que ha estableciendo un enfoque artístico en el campo de la fotografía, desarrollando proyectos de fotografía documental, con el foco en la cultura y la gente de la India, los paisajes urbanos y de los barrios periféricos, así como un proyecto personal sobre su familia.

© Bharat Sikka

Biografía

Bharat Sikka se crió y trabajó como fotógrafo en la India antes de decidirse a estudiar en la Parson's School of Design donde obtuvo un BFA en fotografía.

Su portafolio está formado por retratos ambientales en Indian men, Urban landscapes de la India y un proyecto personal de su familia.

Desde su primera exposición Indian men en el Artists Space en Nueva York, su obra ha sido exhibida en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas una en el Museo Nacional de la India (2008).

Ha realizado exposiciones en solitario en Nature Morte de Nueva Delhi (2009) y Berlín (2011), Bose Pacia Kolkata (2007), Otto Zoo de Milán y el Museo Nacional de Nueva Delhi (2008), Project 88 en Bombay y el Centro de Arte Sunaparanta en Goa (2010). Su trabajo ha sido publicado en los periódicos y revistas de prestigio como , Vogue India, Vogue Hommes International, , la revista Time, The New Yorker, Bharat ha publicado en revistas como el The New York Times, GQ, New Yorker, ID, Vogue, Vogue Homme International, ID Magazine, Details y Time Magazine, donde fue presentado como uno de los mejores fotógrafos de 2005,  y ha sido colaborador de la campaña Incredible India.

Sikka viaja constantemente desde su casa en Nueva Delhi, trabajando como fotógrafo para numerosos proyectos entre Europa y la India. Su trabajo abarca un amplio rango de géneros: paisaje, retrato, interiores y naturaleza muerta.

Referencias

• su página web www.bharatsikka.com (EN [+900f 2v]),
• Bharat Sikka en julianmeijer (EN [+220f]),
• Bharat Sikka en billcharles (EN [+180f 2v]),
• Bharat Sikka en z2ogalleria (EN [8f]),
• Bharat Sikka en naturemorte (EN [43f]),
• Bharat Sikka en whitezine (EN [40f]),
• Bharat Sikka en emptykingdom (EN [20f]),
• Photographer Bharat Sikka Takes Photos of Real Life en trendhunter (EN [8f]),
• Bharat Sikka en rencontres-arles (FR [2f]),
• Bharat Sikka en wkexp (EN [15f]),
• Bharat Sikka en 500photographers (EN [9f 1v]),
• Bharat Sikka, gente Royal en pistonbrew [7f],
• Bharat Sikka en anormalmag [6f],
• Bharat Sikka en oldskull [19f].

Xavier Ferrer Chust es un fotógrafo levantino (nacido en 1958 en Vila-real, Castellón) que eleva el concepto de instantánea a su máxima expresión, deteniendo el tiempo en el momento preciso, para contar una historia única e irrepetible que sucede en una decima de segundo, en algún lugar del mundo.

© Xavier Ferrer Chust

Biografía

Xavier Ferrer Chust conoció pronto los secretos del laboratorio, ya que su padre era un aficionado a la fotografía, aunque no comenzó a hacer fotografías hasta el año 1982.

En sus inicios, sus trabajos fueron de tipo social y creativo sobre soporte en blanco y negro. En esta época participó en concursos consiguiendo galardones de carácter local y nacional.

Pero es a partir de 1988 cuando,  ya dominando la técnica, desarrolló su labor con más calidad y sin dejar de lado la concursística, se centró más en la elaboración de trabajos homogéneos para darlos a  conocer en exposiciones.

En el año 2000 dejó a un lado la fotografía y desmontó el laboratorio, pero en 2007, aprovechando el auge de la fotografía digital consiguió adaptarse al nuevo ritmo, al retoque y a las nuevas posibilidades de las cámaras, para realizar una nueva fotografía, un nuevo documentalismo ahora en color, rompiendo con las premisas que aun le atenazaban de la fotografía analógica de blanco y negro que en tantos años había realizado.

Tiene la suerte de poder viajar estos últimos años produciendo variados trabajos en diferentes países. 

Aunque se ha distinguido siempre por el foto reportaje, tanto antropológico como social, también ha realizado incursiones en fotografía creativa y conceptual y es un maestro del instante decisivo.

Ha expuesto individualmente en más de veinte salas de toda la geografía española (actualmente lo hace en la feria Entrefotos 2013), y su obra está presente en muchos centros y agrupaciones culturales y publicas y más de cien premios nacionales (los más recientes son 2 obras adquiridas en el ASISA 2012, y en 2013 1º premios en Ciudad de La Vilavella, Hermandades de Gandía y Casar de Cáceres) avalan la trayectoria del autor.

Referencias

• su página web xavierferrer.com [+800f],
• su blog Enfoca y dispara [?f],
• Calle Mayor, de Xavier Ferrer Chust en issuu [36f],
• Xavier Ferrer Chust en reflexiva [4f],
• ENTREFOTOS 2013: entrevista al fotógrafo Xavier Ferrer Chust en art-gossips [4f],
• Xavier Ferrer Chust: Calle Mayor en andaluciainformacionweb [1f],
• Xavier Ferrer Chust: Oremus en kooltureh [1f],
• Exposición de fotografía de Xavier Ferrer Chust en entarancon [1f],
• Xavier Ferrer Chust  en elcorreo,
• Xavier Ferrer Chust en facebook [+700f 1v].

Libros

• 1992. Ilustraciones de Gent, Ciutat i Paisatje,
• 1998. Sant Pasqual, Altres festes , altres pobles.

Miguel Candela es un joven fotógrafo español (nacido en Alicante en 1985, vive en Hongkong) que, con una fotografía directa, sin limitaciones, combinando elementos periodísticos y una narración antropológica, quiere realzar la figura humana captando su diversidad en su totalidad.

© Miguel Candela

Biografía

Miguel Candela descubrió la fotografía en su época del instituto en Connecticut, EEUU, donde tomó por primera vez contacto con la fotografía tradicional. En su último año de carrera y a pesar de su juventud, Candela consiguió el primer y tercer puesto en el concurso de fotografía Boston Press Photography Association (BPPA), llegó a ser finalista de los concursos Photographer´s Forum magazine, Sony World Photography Awards y National Geographic 2008, parafinalmente obtener diversos premios como, entre otros:

• 2012. - Prix de la Photographie (Px3): Mejor nuevo talento.
• 2012.- Ganador del premio The Art of Documentart, de SocialDocumentary.net
• 2012.- 3° International Contest 8 Marzo Fotografia Città di Montevarchi.
• 2011 - WPGA - Pollux Awards: 1º y 2º premios en Humanitarian documentary.
• 2011 - International Photography Awards (IPA): 1º en Photo Essay & Feature Story.
• 2011 – Ganador de la beca del Photon Festival.
• 2011 – Oro en el premio Zoom-in on poverty.
• …

En 2009 tuvo lugar su primera exposición en el extranjero (Hong Kong) con motivo del día del niño en Hong Kong. Con esta exposición, Candela participó, promovió y recaudo donaciones destinados a los programas de Médicos sin fronteras (MSF) en África.

Posteriormente también ha expuesto en Pekín Un amargo cuento de hadas, que muestra la cara más amable de una infancia a veces difícil, con niños que sonríen y juegan en Malí, uno de los estados más pobres del mundo. Además ha expuesto en otras ciudades de China, en Nueva York, París, Buenos Aires, en el festival PhotON de Valencia, en el The Art of Documentary en Nueva York, en Copenhague y en París como ganador del PX3.

Curioso, impulsivo, impaciente y testarudo, como se define él mismo, está especializado  en reportajes, fotografía documental, fotografía de viaje y retratos, o lo que es lo mismo, en el drama humano de la vida, capturando en imágenes el color y las reacciones de las personas, los lugares y los acontecimientos. Así muestra la diversidad de la humanidad,  su modo de vida, los hogares, las creencias, las tradiciones, las relaciones, los trajes y las reacciones a los problemas o situaciones generales de la época.

Candela ha viajado mucho y ha pasado largos períodos documentando a la gente y su forma de vida comunitaria en varios países como Malí, Kenia, Filipinas, Bangladesh y China, además de Hong Kong, su actual base de operaciones.

Sus fotografías se han publicado en CNN, CNN Go, Spiegel, South China Morning Post (SCMP), Grupo Vocento, Piel de Foto y La Voz de Galicia, entre otros.

Referencias

• su página web www.miguelcandela.com (EN [?f]),
• Brothels, by Miguel Candela en obtura (EN, ES [1v]),
• Brothels, by Miguel Candela en spiegel (DE [13f]),
• Hombres que se crucifican: una Semana Santa en Filipinas en cnn [8f],
• Retratos del Corazón Maasai, una exposición de Miguel Candela en javierfalco [6f],
• Miguel Candela en photonfestival2012 [10f],
• Miguel Candela: Brothels en eldadodelarte [8f],
• El español Miguel Candela lleva la realidad de los niños de Mali a Pekín en elmundo [1f],
• Entrevista a Miguel Candela en obtura [1v],
• Miguel Candela en nuestramirada [1f].

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Biografía

Referencias

• Philip-Lorca diCorcia en wikipedia (EN [2f]),
• Philip-Lorca diCorcia en lslimited (EN [+200]),
• Philip-Lorca diCorcia en moma (EN [47f]),
• Philip-Lorca diCorcia en 20minutos [20f],
• Philip-Lorca diCorcia en thecollectiveshift (EN [+80]),
• Real People, Contrived Settings en nytimes (EN [9f]),
• Philip-Lorca diCorcia en artspace (EN [8f]),
• Entrevista a Philip-Lorca diCorcia en elcultural [1f],
• Philip-Lorca diCorcia en numerof [1f],
• A Storybook Life en artic (EN [4f]),
• Philip-Lorca diCorcia, la obsesión de un artista en fotografiad [5f],
• Philip-Lorca diCorcia en metalocus [6f 1v],
• Philip-Lorca diCorcia. Su foto favorita en photochiguire [1f],
• Heads, by Philip-Lorca diCorcia en juan314 [9f],
• Eleven, by Philip-Lorca diCorcia en juan314 [15f],
• Philip-Lorca diCorcia, el maestro de la luz artificial y su master class en Alcobendas en xatakafoto [2v].

Libros

• A storybook Life
• Eleven
• Heads
• Hustlers
• Lucky 13
• Philip-Lorca diCorcia
• Philip-Lorca diCorcia (Contemporaries, a Photography Series)
• Philip-Lorca diCorcia habla con Nan Richardson
• Streetworks
• Thousand
• …

Biografía

Referencias

• su página web www.alfredyaghobzadeh.com (EN [+600f]),
• Alfred Yaghobzadeh en wikipedia (EN [1f]),
• Behind the Scenes: In a Holy City en nytimes (EN [18f]),
• Photos: Iran 1979-2009 by Alfred Yaghobzadeh en payvand (EN [32f 1v]),
• Alfred Yaghobzadeh en lensculture (EN [35f]),
• WPP: 1985, Alfred Yaghobzadeh, 1st prize, News Features stories en worldpressphoto (EN [8f]),
• Alfred Yaghobzadeh en theredlist (EN [14f]),
• Earthquake in Turkey en foto8 (EN [6f]),
• A New Crisis for Egypt's Copts en smithsonianmag (EN [17f]),
• Iran by Alfred 1979-2009 en pixfan (EN [3f 1v]),
• Alfred Yaghobzadeh en facebook (FA [?f]).

Libros

• Iran'S Religious Minorities
• Christianity around the World
• War Iran-Iraq
• Faces of War
• Promised Peace
• …

Biografía

• Unveiling, 1993. Serie fotográfica.
• The Women of Allah, 1993-1997. Serie fotográfica.
• Turbulent, 1998. Instalación audiovisual de dos pantallas.
• Rapture, 1999. Instalación audiovisual de dos pantallas.
• Soliloquy, 1999. Instalación audiovisual de dos pantallas.
• Fervor, 2000. Instalación audiovisual de dos pantallas.
• Passage, 2001. Instalación audiovisual.
• Logic of the Birds, 2002. Performance multimedia.
• The Last Word, 2003. Instalación audiovisual.
• Mahdokht, 2004. Instalación audiovisual de tres pantallas.
• Zarin, 2005. Instalación audiovisual.
• Munis, 2008. Cortometraje.
• Faezeh, 2008. Cortometraje.
• Women without men, 2009. Largometraje.
• Games of Desire. Video-instalación fotográfica ambientada en Laos que ahonda en los cánticos rituales de cortejo propios de esta región.  

Referencias

• Shirin Neshat en wikipedia [1f],
• Women witout Men (EN [?f]),
• Shirin Neshat en pinceladasalmargen [20f],
• Shirin Neshat Turns Toward Laos in Madrid Exhibition en nytimes (EN [2f]),
• Shirin Neshat en rtve [3f 1v],
• Entrevista a Shirin Neshat en elcultural [1f],
• Estreno de "Women witout Men" de Shirin Neshat en cimamujerescineastas [2f],
• Shirin Neshat en araboislamica [6f],
• Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo en fundaciontelefonica [3f 1v],
• Shirin Neshat: Winter en nytimes (EN [1v]).

Libros

• Shirin Neshat: The Last Word
• Shirin Neshat

Lynn Davis es una fotógrafa estadounidense (nacida en Minneapolis, Minnesota, en 1944, vive y trabaja en Hudson, Nueva York) conocida por sus fotografías a gran escala y en blanco y negro de paisajes y monumentos arquitectónicos.

©  Lynn Davis

Biografía

Lynn Davis estudió en la Universidad de Colorado de 1962 a 1964, y en la Universidad de Minnesota hasta 1966. Obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes por el San Francisco Art Institute en 1970, y en 1974 comenzó su carrera como aprendiz de Berenice Abbott en Nueva York.

Su primera exposición fue en el International Center of Photography (Nueva York) en 1979, junto a su amigo Robert Mapplethorpe y sobre el tema de desnudos. Después de su primer viaje a Groenlandia en 1986 renunció a la fotografía de la forma humana, cambiando su objetivo hacia los paisajes monumentales e iconos culturales y arquitectónicos por los que es más conocida.

Aunque su estética nos podía recordar la tradición del siglo XIX de la fotografía de viajes, incluso la de anteriores siglos con dibujos, las fotografías de Lynn Davis van mucho más allá de este concepto. La  artista no se siente fascinada por el exotismo como sus predecesores y sus trabajos invitan al espectador a emprender su propio peregrinaje espiritual.

Con un estilo estético constante, Lynn procede adopta grandes formatos cuadrados, por lo general en blanco y negro. Sus tomas son mayoritariamente neutrales encuadres de frente que recuerdan la  fotografía de inventarios o, por el contrario, amplían la geometría y la monumentalidad de los paisajes y arquitecturas. El ojo se centra en los propios sitios, desérticos, mientras que el fotógrafo desaparece de la imagen.

Ha obtenido los premios:

• 2005 Academy Award in Art de la American Academy of Arts and Letters
• 2003 Richard Crowley Award for Excellence en Historic Preservation,
  Hudson River Heritage
• 1979 Creative Artist Public Service Program Grant.

Sus obras aparecen en las colecciones permanentes del Museum of Modern Art (Nueva York), Los Angeles County Museum of Art, Chicago Museum of Contemporary Art yel Museum of Fine Arts, (Houston) entre otros. En 1999, el J. Paul Getty Museum organizó una exposición suya y  se celebró en el Center for Creative Photography de Tucson la exposición en solitario de su serie África.

Referencias

• su página web lynndavisphotography.com (EN [+125f]),
• Lynn Davis en wikipedia (EN),
• Lynn Davis en houkgallery (EN [+100f]),
• Lynn Davis en artnet (EN [69f]),
• Lynn Davis en photo-muse (EN [6f]),
• Lynn Davis: can photography save melting glaciers? en rue89 (EN [5f]).

Libros

• Sacred Landscapes: The Threshold Between Worlds
• Space Project (2009)
• Illumination (2007)
• Persia (2006) Catálogo exhibición en Galerie Karsten Greve
• Water (2005) Catálogo exhibición en Edwynn Houk Gallery 
• American Monument (2004)
• Ice(2001) Catálogo exhibición en Edwynn Houk Gallery
• Lynn Davis (2000) Catálogo exhibición en Edwynn Houk Gallery 
• Monument (1999)
• Bodywork: 1978-1985(1994)
• Wonders of the African World (1999)
• …

Holly Roberts es una pintora y fotógrafa estadounidense (nació en Boulder, Colorado, en 1951 y vive en Corrales, Nuevo México) que combina fotografía y pintura de una manera que le permite lograr más de lo que una de ellas podría hacer sola. Independientemente, ambas artes pueden tener cierta belleza o fuerza, pero unidas son capaces de conseguir una compleja doble realidad.

© Holly Roberts

Biografía

Holly Roberts creció y aún vive en Nuevo México, una región rodeada por el desierto. Conocido por su patrimonio nativo americano, Nuevo México es un lugar donde la ideología indígena y las creencias occidentales se fusionan, creando un espacio mágico lleno de un sentido de la historia y la espiritualidad, que son elementos esenciales para Roberts y su trabajo.

En 1980, mientras vivía en una reserva Zuni en Nuevo México, Roberts pintó calladamente en las fotografías que había hecho de su marido, niños, animales y amigos. El resultado fue sorprendente, y su trabajo fue bien acogido en todo el país por su estilo innovador y los dramas psicológicos que enfrentan angustias, alegrías, desafíos y complejos involucrados en la vida cotidiana.

En 2003 Roberts se tomó un año sabático. Cuando empezó a trabajar de nuevo se invirtieron sus métodos. Durante años había pintado sobre fotografías para hacer figuras que participaban en una narración, y ahora pinta abstracciones, a continuación utiliza la superficie pintada como fondo y la narración se hace exclusivamente a partir de fragmentos de sus propias fotografías. Los temas de este nuevo trabajo son algo diferentes: menos personales y más acerca de la humanidad, tal como se representa en los mitos y también cómo la sociedad contemporánea ve el estado de nuestro mundo y lo que estamos haciendo a la naturaleza.

Gran parte del trabajo puede ser humorístico en un nivel, y bastante horrible en otro. A través de su firme e inquebrantable mirada de una brutal honestidad y una templada tenacidad, Holly Roberts nos invita a mirar dentro de nosotros mismos para descubrir nuestros propios miedos y verdades.

Premios:

• 1988 National Endowment for the Arts en fotografía.
• 1986 National Endowment for the Arts en fotografía.
• 1986 Ferguson Grant, Friends of Photography, Carmel, California
• 1981 Henry Laurence Gully Memorial Graduate Award Arizona State University

Ha realizado numerosas exposiciones en solitario y en grupo (la más reciente en 2013 en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca en México) y sus obras forman parte de numerosas colecciones públicas y privadas de Estados Unidos. También imparte conferencias y talleres sobre su técnica.

Referencias

• su página web www.hollyrobertsstudio.com (EN [+40f]),
• su blog (EN [?f]),
• Holly Roberts en edelmangallery (EN [57f]),
• Holly Roberts en ethertongallery (EN [46f]),
• Holly Roberts en zanebennettgallery (EN [23f]),
• Holly Roberts en morpethcontemporary (EN [15f]),
• Holly Roberts en craigkrullgallery (EN [18f]).

Libros

• Holly Roberts
• Holly Roberts: Works 1989-1999
• Holly Roberts: Works 2000-2009

Pierre Jamet fue un fotógrafo y cantante francés (nacido el 24 de mayo 1910 en Saint-Quentin, Aisne, y fallecido el 17 de agosto de 2000 en Belle-Ile-en-Mer, Morbihan) representante de la fotografía humanista y miembro del cuarteto vocal Les Quatre Barbus.

Dina sur la route, 1937 © Pierre Jamet

Si me gusta tanto la fotografía, debe de ser, además de por el placer de la sensación y la forma, por la voluntad de extender lo efímero, de salvar el instante.

Biografía

Pierre Jamet era hijo de carniceros que se asentaron en París. Desde muy temprana edad, mostró un gusto por la canción y adquirió su primera cámara en 1924, con motivo de su participación en el Jamboree Scout en Dinamarca, donde se cantaban canciones populares francesas.  A partir de ahí no dejó de cantar y fotografiar, mientras se ganaba la vida como radio en la marina mercante, mecanógrafo, modelo, bailarín, figurante y luego director un campamento infantil.

En la época del Frente Popular, se involucró intensamente en el desarrollo de los albergues impulsados ​​por el entonces Ministro de la JuventudLéo Lagrange. En 1937 creó y dirigió un grupo de niños y niñas que cantaban y bailaban, Le Groupe 18 ans, que tuvo mucho éxito, y del que obtuvo una gran cantidad de imágenes que, en 1982, fueron objeto de la exposición organizada por la Fondation Nationale de la Photographie titulada 36 Au-devant de la vie.

En los años previos a la guerra, Pierre Jamet publica reportajes en el semanal Regards en el que también publicaban en ese momento Capa, Chim, Cartier Bresson.

En 1939, Pierre fue movilizado como intendente-radio en la marina francesa, y tras finalizar ésta, comenzó a cantar en el cuarteto vocal Les Compagnons de Route, que serían más tarde Les Quatre Barbus, donde era el vocalista tenor del grupo, y que tuvo grandes éxitos, mientras continuaba con la fotografía.

En 1991, participó en la exposición Trio pour une expo junto con Fred Mella y Paul Tourenne, también fotógrafos y cantantes, y que recorrió varias ciudades de Francia desde su inauguración en el Château Lumière en Lyon.

Pierre Jamet fue un fotógrafo humanista, testigo de su siglo, que recogió en su obra muy diversa una Francia modesta a la vez que creativa. Deseoso de registrar lo real, es autor de fotografías de importancia histórica.

A pesar de su muerte en 2000, sigue estando presente su fotografía. Como ejemplo, en 2013 se han realizado 6 exposiciones, incluida 1936, Dina, Pierre, Sacha ... en Rencontres d’Arles 2013.

Referencias

• su página web www.pierrejamet-photos.com (EN, ES, FR [+250f]),
• Pierre Jamet en wikipedia (FR]),
• Retrospective. 1930–1970. Dina Vierny and Other Stories en mamm-mdf (EN, RU [12f]),
• Pierre Jamet en kroutchev (EN [36f]),
• Pierre Jamet en la-chambre (FR [4f]),
• Expo photo: Pierre Jamet 24/06/2013 en alsatica (FR [3f]),
• Exposición Pierre Jamet en paris-art (FR [3f]),
• “1936, Dina, Pierre, Sacha…” by Pierre Jamet en photocomm2013 (EN [3f]),
• Pierre Jamet: Changement de décor à Paris 14º 1944-1984 en photosapiens (FR [1pdf]),
• Pierre Jamet en photographie (FR [4f]),
• Pierre Jamet en Arles en lettresexpres (FR [13f]),
• Pierre Jamet en facebook (FR [16f]).

Libros

• Belle île en Mer 1930-1960
• Temps de Pause, junto con Fred Mella y Paul Tourenne.

Erik Kessels es un coleccionista y fotógrafo holandés (nacido en 1966) que, aparte de su trabajo creativo en su agencia KesselsKramer, publica y expone fotografías vernáculas (antiguas y de particulares) que ha ido coleccionando. Su espíritu creativo, su enfoque conceptual y actitud lúdica es un impulso para aquellos que estén abiertos a explorar formas más laterales en la creación de imágenes.

Instalación en Foam (impresión de todas fotografías cargadas en Flickr en 24 horas)

Poner fotografías fuera de su contexto, mostrarlas, editarlas y hablar de ellas te hace darte cuenta de las cosas.

Biografía

Erik Kessels es socio fundador y director creativo de KesselsKramer, una agencia de comunicación internacional independiente con sede en Ámsterdam. KesselsKramer emplea 38 personas de ocho nacionalidades diferentes y ha estado en funcionamiento desde 1996.

Kessels trabaja y ha trabajado para clientes nacionales e internacionales como Nike, Diesel , J & B Whisky , Oxfam , Ben, Vitra y el Hans Brinker Budget Hotel. Ha ganado numerosos premios internacionales.

Erik ha diseñado, editado y publicado varios libros de fotografía vernácula través de KesselsKramer Publishing incluyendo The Instant Men y Wonder.

Desde 2000, es editor de la revista de fotografía alternativa Useful Photography, que también publicado fotografía vernácula comisariada por temas.

Ha comisariado exposiciones como Loving Your Pictures en el Centraal Museum de Utrecht, Holanda, y en Rencontres Internationales de la Photographie de Arles.

Fue uno de los cuatro comisarios (con Lou Reed, Fred Ritchin y Vince Aletti) del New York Photo Festival 2010 donde presentó la exposición Use me Abuse me.

Referencias

• Su página web www.kesselskramer.com (EN [?f]) !!!???
• www.kesselskramerpublishing.com (EN [?f]),
• Collector extraordinaire Erik Kessel's latest unconventional photographic exhibition, Album Beauty en itsnicethat (EN [8f]),
• Album Beauty - Erik Kessels en foam (EN [6f]),
• Entrevista a Erik Kessels en jmcolberg (EN [?f]),
• Erik Kessels, Photographer, Prints Out 24 Hours Worth Of Flickr Photos en huffingtonpost (EN [3f]),
• Useful Photography en lensculture (EN [9f]),
• Erik Kessel en n-bolton1114-dc (EN [20f]),
• Artist Erik Kessels unveils 24 hour photo installation en bbc (EN [1f]),
• Erik Kessels en lensculture (EN [?f]).

Libros

• Numerosos libros de fotografía vernácula, de recopilación de trabajos de su agencia, y editados de otros autores.

Norbert Ghisoland fue un fotógrafo belga (nació en La Bouverie el 17 de marzo de 1878, y fallecido en Frameries el 2 de noviembre de 1939) que dejó tras de sí un testimonio único y conmovedor acerca de sus conciudadanos en la época de la minería del carbón en la Bélgica francófona.

Marc y Norbert Ghisoland

Biografía

Norbert Ghisoland (según fuentes el apellido es Ghuisoland) fue hijo de minero, uno de los que bajaban a las galerías del subsuelo de la comuna de Frameries, en la Bélgica francófona, que consiguió dar oficio a sus dos hijos: uno, el primogénito, estudió para fotógrafo y el otro, Norbert, para carpintero. Cuando el mayor murió en un accidente en la mina, donde trabajaba para llevar a casa unas monedas extra, el otro tomó su lugar como fotógrafo.

A los 24 años, Norbert logró alquilar una casa la cercana ciudad de Mons. Ofrecía retratos para tarjetas de identidad, postales familiares de recuerdo, instantáneas para enviar como regalo a los parientes lejanos… Trabajaba en un estudio mínimo que acomodó en la parte frontal de la vivienda. Los modelos posaban ante un foro pintado o, como alternativa, frente a una simple tela blanca. El cuarto oscuro en el que Norbert estaba en la bodega de la casa.

Norbert fotografió la vida de una región: familias enteras se presentan en sus hermosas ropas nuevas de domingo, inmortalizan sus hazañas niños con disfraces de carnaval, haciendo deporte o encaramados en un caballo de cartón, …  delante de lienzos pintados y con accesorios y a veces ropa, proporcionados por el fotógrafo,. Sus fotos nos dan un conmovedor testimonio de los sueños y aspiraciones de estos hombres y mujeres a menudo congelados, rígidos o sofocados, sin una sombra de sonrisa.

Hasta su muerte hizo más de 90.000 negativos de cristal. Numeró cada uno y los guardó en tarjeteros, quedando almacenados en el granero de su casa. Tras unas inundaciones en Holanda, donó sus primeras 45.000 placas tras la necesidad de vidrio que hubo, por lo que sólo se conservan las 45.000 más recientes.

Su hijo Edmond, combatió en la II Guerra Mundial y fue prisionero de los nazis. Cuando salió del campo de internamiento, decidió reabrir el estudio de su padre y seguir retratando a los habitantes de la comarca minera. No era insólito que vinieran a hacerse fotos los hijos y nietos de personas a las que su padrehabía retratado años antes.

El hijo de Edmond, Marc iba a seguir la tradición familiar de su padre, sin saber que su abuelo, al que no llegó a conocer, también fue fotógrafo. Tras morir su padre, descubrió por casualidad en 1969 los negativos de cristal de su abuelo en el ático de la casa, en los mismos tarjeteros donde los había archivado con paciente mimo el primer fotógrafo de la saga familiar. Y se divertía positivando por contacto las placas que más le gustaban.

Un día, hacia 1970, el gran fotógrafo alemán Otto Steinert llegó a la comarca de La Cambre como profesor extraordinario, y miraba con desprecio y seriedad las fotos que les mostraban los alumnos hasta que Marc (uno de ellos) le enseño algunas copias de las fotos de su abuelo, y sus gestos cambiaron para mostrar una gran admiración. Más tarde Jacques Evrard pudo ver una selección de la colección, fue el primero en creer en el potencia de estas fotografías  y editó un libro en 1977 que tuvo muy buenas críticas y que hoy está desaparecido. Más tarde Robert Delpire editaría su monografía en la colección Photopoche y organizaría en 1991 una exposición en el Palais de Tokyo, museo de la Ville de Paris, una retrospectiva sobre la fotografía belga, teniendo a Norbert Ghisoland como autor principal con 70 de sus obras.

Y así, la fotografía de este gran fotógrafo belga, gestionada y positivada por su nieto Marc, salió del desván de su casa para ser patrimonio cultural de la humanidad.  Su exposición más reciente ha sido en la 55th International Art Exhibition de la Biennale di Venezia, y del 14 al 15 de noviembre estará en el Gran Palais en ParísPhoto.

Referencias

• su página web www.ghisoland.com (EN, FR [+70f]),
• Norbert Ghisoland en lautresite (FR [9f]),
• El fotógrafo que encontró luz en el carbón en 20minutos [11f],
• Norbert Ghisoland en camarademocratica [28f],
• Norbert Ghisoland en parisphoto (FR [1f]),
• Norbert Ghisoland en photonumerique (FR [13f]),
• Norbert Ghisoland en imagerie-lannion (FR [3f]),
• Norbert Ghisoland le petit frère du peuple en borinage (FR [13f]),
• Norbert Ghisoland en facebook (EN, FR [+50f]),

Libros

• Norbert Ghisoland, photographies 1910-1930 1977
• Norbert Ghisoland (Photopoche nº 48) 1991
• Norbert Ghisoland, fragments de vies ordinaires 2002
• Norbert Ghisoland 2011

Arturo Cerdá y Rico fue un fotógrafo español (nacido en Monóvar, Alicante, el 11 de Octubre de 1844, y fallecido el 15 de Febrero de 1921 en Cabra del Santo Cristo, Jaén) que se dio cuenta de la importancia que la fotografía tenía desde el punto de vista cultural y etnográfico, antropológico, insistiendo en retratar el pueblo llano en sus quehaceres más cotidianos: oficios, trabajos, fiestas, acontecimientos meteorológicos, componiendo verdaderos cuadros impresionistas, costumbristas, y otras veces escenas de un finísimo humor.

Arturo Cerdá y Rico

Biografía

Arturo Cerdá y Rico fue hijo de acomodados hacendados y comerciantes, cursó Medicina en la facultad de San Carlos de Madrid, compaginando sus años universitarios con una formación bastante intensa en Bellas Artes.

En el año 1871 viajó a Cabra del Santo Cristo, para atender a un hermano enfermo, y conoció a Rosario Serrano Caro, con la que se uniría en matrimonio fijando su residencia en Cabra donde ejerció su profesión de médico y administró las haciendas de su propiedad que compaginaba con su afición a la fotografía, a la que se dedica con verdadera pasión.

En 1900 hizo levantar una hermosa casa, siguiendo los cánones de estilo regionalista para destinarla a hogar familiar, aunque en el fondo fue pensada y diseñada para la fotografía. El laboratorio, tenía tres ventanas redondas con postigos, orientadas al mediodía, una con vidrios rojos, otra verdes y la tercera blancos, con objeto de poder trabajar con material ortocromático, pancromático o con la luz del día, de tal manera que podía conseguir efectos diferentes sobre los negativos.

Hombre culto e inquieto estuvo muy interesado por el arte en general y se rodeó de artistas y escritores de su tiempo, como Joaquín Sorolla, Cecilio Pla, López Mezquita, Rodríguez Acosta, Pablo Loyzaga, etc. y escritores, como su paisano José Martínez Ruiz, Azorín, el cronista provincial de Jaén Alfredo Cazabán, director de la revista cultural Don Lope de Sosa. También mantuvo contactos con otros fotógrafos aficionados, en especial con Carlos Iñigo, los hermanos Cánovas del Castillo, Kaulak y Máximo, etc. y su fraternal Manuel Martínez Victoria.

Su preferencia técnica era sobre todo la fotografía estereoscópica (con el veráscopo de Richard y el taxiphote) donde demostró su maestría. También se recreó en otras técnicas como la autocroma de Lumière. Fue pionero de la fotografía en color.

Colaboró en muchas publicaciones, sobre todo con la revista giennense Don Lope de Sosa donde se publicaron muchos de sus trabajos; también colaboró con la revista londinense Photograms of the Year que publicó varios de sus trabajos, con La Fotografía de Kaulak, Graphos Ilustrado, Photos, La Fotografía Ilustrada, etc., con temas como retrato, paisajes, costumbrismo y composiciones.

La condición de amateur le reportaría a Cerdá una absoluta libertad de acción, frecuentó estilos fotográficos distintos tales como el pictorialismo, la fotografía directa, y el reportaje gráfico, se interesó vivamente por la influencia de la pintura en la fotografía, etc..., pues no estaba condicionado a las exigencias de la clientela. El hecho de que él fotografiara para deleite suyo y por extensión para el de su círculo más íntimo, le permitió experimentar y bucear en las nuevas tendencias fotográficas, de las que estaba tan bien informado. Se dio cuenta de la importancia que la fotografía tenía desde el punto de vista cultural y etnográfico, antropológico, a diferencia de otros fotógrafos de su tiempo, que se quedaron en aspectos meramente artísticos del arte fotográfico.

Referencias

• su página web www.cerdayrico.com [150f] (Asociación Cultural Arturo Cerdá y Rico)
• Arturo Cerdá y Rico en wikipedia [?f],
• Arturo Cerdá y Rico en juanolallarodriguez [13f],
• El archivo de Cerdá i Rico, catalogado con más de 4.000 fotos en ideal [1f],
• Asociación Cerdá y Rico en facebook [+80f 1v],

Libros

• Del Tiempo Detenido. La fotografía etnográfica giennense del Dr. Cerdá y Rico
• Registro de Memorias.La obra fotográfica del Dr. Cerdá y Rico
• El Albayzín de Cerdá y Rico (1898-1909)
• Arturo Cerdá y Rico de Monóvar a Cabra del Santo Cristo.

Vídeos

David Jiménez es un fotógrafo andaluz (nacido en Alcalá de Guadaira, Sevilla, en 1970, habitualmente vive y trabaja en Madrid) que entiende la fotografía como un medio que reinventa la realidad, capaz de crear mundos habitables por nuestro inconsciente, y con él construye una sutil poesía visual.

© David Jiménez

Quizá sea esto lo que en el fondo defina el ser fotógrafo: no el hecho de lograr imágenes más o menos elaboradas, sino aprender a mirar.

Biografía

David Jiménez se trasladó a Madrid junto con su familia en 1983 y comenzó a interesarse por la escritura y la fotografía desde temprana edad.Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1993, consigue compaginar pintura y fotografía a la vez que completa su formación con su asistencia a talleres de Koldo Chamorro, Javier Vallhonrat y Jan Saudek, entre otros. Desde entonces se dedica exclusivamente a la fotografía, desarrollando trabajos personales que en forma de libros, exposiciones y audiovisuales se han podido ver en numerosos lugares de España y el extranjero, como Madrid, Rotterdam, Varsovia, Arles, Turín, Atenas , Seúl y Bogotá.

Su interés por la fotografía le hizo comenzar a viajar a diferentes destinos como Weimar, Bogotá o India, donde realizó uno de sus primeros encargos. En Oviedo fue profesor de fotografía durante dos años en la Escuela de Arte de la ciudad. También ha impartido diversos talleres sobre fotografía.

Destaca en su trayectoria el haber sido premiado como Fotógrafo Revelación en PHotoEspaña 99, la publicación del libro Infinito en 2000 y la exposición de este trabajo. También obtuvo el primer premio en el Notodofotofest 2005 y el Premio Kaulak Villa de Madrid 2008.

Referencias

• su página web muycerca.net [?f],
• David Jiménez: Lo que queda en galeriaastarte [16f],
• Entrevista a David Jiménez en sientateyobserva [5f],
• Entrevista a David Jiménez en elclubexpress [2f],
• Infinito, de David Jiménez en dalpine [8f],
• David Jiménez en elfotomata [+50f],
• David Jiménez en campusred [11f],
• David Jiménez en elblogdelacamararoja [2v].

Libros

• Estos y otros lugares (1999),
• Infinito (2000)
• Sevilla Santa Semana(2003).
• David Jiménez. Photobolsillo (2009).

Video

© Claudine Doury

Biografía

Claudine Doury viene del mundo de la prensa diaria y las revistas, pero desde el principio sabía que tenía que, además de sus actividades profesionales y editoriales, desarrollar sus propios proyectos, vinculando a sus viajes la problemática del tiempo y las metamorfosis.

Así, desde hace varios años, ha explorado las culturas de la "gente corriente" de Siberia, y después ha realizado la crónica del increíble campamento de vacaciones de Artek, Ucrania. También ha desarrollado, en un color cada vez más sutil, la exploración sensible de los pueblos de Asia Central, con su serie Loulan Beauty.

En su serie Sasha (2007-2010), la fotógrafa captura el paso de una niña de la infancia a la edad adulta, cuestionando la construcción de la personalidad a través de juegos secretos, de rituales íntimos, de los miedos y los sueños de la adolescencia.

• Premio Niepce 2004
• Yann Arthus Bertrand 2004
• Paris-Match 2000
• World Press Photo en la categoría Nature and environment stories, 2000
• Leica Oscar Barnack 1999
• Fiacre - Ministère de la culture 1997
• Villa Médicis hors les murs 1996

Referencias

• su página web claudinedoury.com (EN, FR [90f]),
• Claudine Doury en agencevu (EN, FR [+400f]),
• Claudine Doury en wikipedia (FR),
• Claudine Doury en lagalerieparticuliere (EN, FR [?f]),
• WPP: 1999, Claudine Doury, 2nd prize, Nature stories en worldpressphoto (EN [12f]),
• Usar la realidad para crear ficción. Claudine Doury en bibliotecasfotograficas [18f],
• Claudine Doury en the-youthquake [15f],
• About Claudine Doury en sowhatdikhrap (EN [4f]),
• Claudine Doury en ivasfot [12f],
• Entrevista a Claudine Doury en leica-camera (EN [12f]).

Libros

• Chronique d'un été Algérien. Varios (1993)
• Peuples de Sibérie (1999).
• Regards sur le monde : les visages de la faim (2004)
• Artek, un été en Crimée (2004).
• Misère urbaine: La faim cachée. Varios (2006)
• Loulan Beauty (2007).
• Sasha (2011).

Manuel Zambrana es un fotógrafo y director de fotografía español.

© Manuel Zambrana

Biografía

Manuel Zambrana, de formación autodidacta, comenzó a trabajar profesionalmente en 1987 colaborando con la Agencia de Prensa COVER en Estrasburgo (Francia). En 1989 se estableció en Madrid, abriendo su propio estudio y colaborando con los principales medios de prensa y redacciones como: El País Semanal, El Mundo, El Sol, Elle, Vogue, etc., además de agencias de publicidad, productoras discográficas y cinematográficas.

Su obra personal ha sido realizada en Europa, África, Perú, Ecuador, Cuba y Estados Unidos.

Ha participado en más de 50 exposiciones individuales y colectivas de fotografía (Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Círculo de Bellas Artes, CAF, EFTI, etc) y en el Pabellón de España en la Exposición Universal de Shanghai.

También ha impartido y dirigido cursos y talleres de producción audiovisual para cine y televisión, fotografía fija en cine, dirección de fotografía e iluminación cinematográfica. Desde 2006 da clases en EFTI como profesor del Master de Dirección de Fotografía / Iluminación Cinematográfica, y director del curso Retrato: De la publicidad y el cine al Retrato editorial.

Ha trabajado en más de 20 películas bajo la dirección de grandes directores como Carlos Saura (Goya en Burdeos), Vicente Aranda (La Mirada del Otro), Pedro Olea (Mas Allá del Jardín), Gerardo Vera (La Celestina), Manuel Gómez Pereira (Desafinado), Jaume Balagueró (Darkness), ... Además de estos trabajos en foto-fija y como director de fotografía también ha sido guionista y director de dos cortometrajes.

Su serie más reciente, Belleza y decadencia, es una serie de fotografías conceptuales de gran formato donde el autor se adentra en la belleza y la decadencia del ser humano. La ha expuesto en  la sala EFTI de Madrid. La estética de la exposición está basada en el maquillaje de las geishas y luego el modelo fotografiado imagina su propia decadencia y él mismo se autotransforma en la decadencia imaginada.

Referencias

• su página web www.manuelzambrana.es [+350f],
• Belleza y Decadencia, de Manuel Zambrana en elpais [10f],
• Manuel Zambrana en encuentrosfotograficos [?f],
• Belleza y Decadencia en crehaz [25f].

Libros

• Belleza y Decadencia.

Lalla Essaydi es una fotógrafa marroquí (nacida en 1956 en Marrakech, vive en Nueva York, EEUU) que realiza una fotografía crítica contra la represión e invisibilidad de la mujer islámica, un trabajo valiente y arriesgado.

© Lalla Essaydi

En mi arte, me gustaría presentarme a mí misma a través de múltiples lentes: como artista, como marroquí, como tradicionalista, como liberal, como musulmana.  En resumen, invito a los espectadores a romper los estereotipos.

Biografía

Lalla A. Essaydi obtuvo su máster en pintura y fotografía en la School of the Museum of Fine Arts / TUFTS University  en 2003, tras haber estudiado en la École des Beaux-Arts de Paris.

Su obra ha sido expuesta en importantes museos y galerías de Boston, Chicago, Minneapolis, Texas, Búfalo, Colorado, Nueva York, Siria, Irlanda, Inglaterra, Francia, Países Bajos, Sharjah, Emiratos Árabes Unidos y Japón, y forma parte de una serie de colecciones: Williams College Museum of Art, The Art Institute of Chicago, el Fries Museum en Holanda y The Kodak Museum of Art.

Su arte, que a menudo combina la caligrafía islámica con representaciones del cuerpo femenino, se refiere a la compleja realidad de la identidad femenina árabe desde la perspectiva única de su experiencia personal. En gran parte de su trabajo, regresa a su infancia marroquí, mirando hacia atrás como una mujer adulta atrapada en algún lugar entre el pasado y el presente, y como artista, explorando el idioma en el que "habla" de este espacio incierto.

Sus obras a menudo se asemejan a la imaginería orientalista de la tradición de la pintura occidental, invitando a los espectadores a reconsiderar la mitología orientalista.

Ha trabajado en numerosos medias: pintura, vídeo, cine, instalaciones y fotografía analógica.

Está representada por Howard Yezerski Gallery de Boston y Edwynn Houk Gallery de Nueva York.

Referencias

• su página web lallaessaydi.com (EN [+80f]),
• Lalla Essaydi en houkgallery (EN [27f]),
• Lalla Essaydi en milleryezerskigallery (EN [6f]),
• Lalla Essaydi en schneidergallerychicago (EN [20f]),
• Lalla Essaydi en lisasettegallery (EN [10f]),
• Lalla Essaydi en brooklynmuseum (EN [7f]),
• Lalla Essaydi en anyatishgallery (EN [8f]),
• Entrevista a Lalla Essaydi en pbs (EN [7f]),
• Lalla Essaydi en jacksonfineart (EN [48f]),
• Lalla Essaydi. Fotógrafa marroquí en araboislamica [4f],
• Lalla Essaydi at the Smithsonian’s National Museum of African Art en washingtonpost (EN [3f] 1v),
• Lalla Essaydi en yawmeyart (EN [4f]),
• Lalla Essaydi: Les Femmes du Maroc en bates (EN [6f]),
• Photographs by Lalla Essaydi: L’Écriture Féminine / Le Corps Féminin en blackbird (EN [8f]),
• Lalla Essaydi en escapeintolife (EN [10f]),
• Lalla Essaydi en facebook (EN [+150f 1v]).

Libros

• Converging Teriitories, 2005
• Encyclopedia of Arab American Artists, 2007
• Les Femmes du Maroc, 2009
• Arab Photography Now, 2012.

Arthur Meehan es un fotógrafo estadounidense (nació en Nueva Jersey en 1968, vive en Nueva York y Londres) que produce piezas sutiles y únicas de gran belleza. Sus copias lith se centran en las curvas sensuales y en los tonos de la naturaleza, en particular los desnudos femeninos y los bodegones de flores.

© Arthur Meehan

Muchas veces fotografío una flor repetidamente en distintas etapas de su vida, esperando ese momento indefinible cuando simplemente se ve o se siente bien.

Biografía

Arthur Meehan estudió en la Escuela de Artes Visuales (SVA) en Manhattan, Nueva York, considerada como una de las principales escuelas de arte de los Estados Unidos. Sus héroes artísticos son el escultor Rodin y el fotógrafo Edward Weston. Arthur se inspira en la belleza natural, pura y sin adornos como la naturaleza misma.

Para fotografiar desnudos, Meehan utiliza una cámara Polaroid 195 y película Polaroid en blanco y negro. Retrata con una luz muy suave que crea exposiciones largas y una suavidad en su trabajo. Esta técnica se complementa con el proceso de creación de copias lith, un proceso químico que aumenta el contraste y el grano. A través de este proceso fotográfico, crea retratos íntimos y viscerales con sutiles variaciones de tono.

Ha fotografiado para compañías como De Beers, antes de centrarse en la fotografía artística. Su trabajo se ha mostrado en una variedad de publicaciones, incluyendo: 125 Magazine, EXIT Magazine, Sunday Times, Esquire, The Guardian, The Observer,  Wallpaper y Black and White Photography.

Ha obtenido numerosos premios, entre los que destacan:

• Spotlight Award del Black and White Magazine 2013.
• Ganador en la categoría Fine Art Still Life en el PX3 Prix de la Photographic, París. 2010
• Ganador en la categoría Fine Art Nude en el International Photography Awards, 2009.
• Award of Excellence del Black and White Magazine, 2008.

Ha realizado exposiciones en solitario en:

• 2013 - Raw Beauty en Gallery 1, Holanda
• 2012 – Contour, en Studio Bergamott, Estocolmo
• 2012 - The Muse, en Park Walk Gallery, Londres
• 2010 - The Wine Box Series, en Park Walk Gallery, Londres
• 2008 - A Personal View, en Park Walk Gallery, Londres

Arthur sigue trabajando en nuevos proyectos entre Londres, París, Nueva York y Dinamarca.

Referencias

• su página web www.arthurmeehan.com (EN [+50f]),
• su blog (EN [?f]),
• Arthur Meehan en behance (EN [?f]),
• Arthur Meehan en jonathancooper (EN [25f]),
• Arthur Meehan en myfdb (EN [14f]),
• Arthur Meehan: The Wine Box Series en photoicon (EN [2f]),
• Arthur Meehan en pictify (EN [12f]),
• Arthur Meehan en culturainquieta [16f],
• Arthur Meehan en 20ltd (EN [18f]),
• Arthur Meehan en facebook (EN [+50f]).

Libros

• The Wine Box Series
• A Personal View
• Rustle
• Secludere