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Channel: Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red
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JM Ramirez-Suassi

February 25, 2020, 11:00 pm
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JM Ramirez-Suassi es un fotógrafo español (nacido en 1970 en Mallorca, vive y trabaja en Madrid) cuya fotografía, que a primera vista parece encajar perfectamente en la gran nada, implica muchas visitas a los mismos paisajes para observar el cambio año tras año. Su obra ocupa una posición ambigua en algún lugar entre el retrato y el paisaje social.


© JM Ramirez-Suassi
© JM Ramirez-Suassi


Regreso siempre a los mismos lugares, una y otra vez, hasta que me acostumbro a una especie de ciclo de ilusión, desencanto y reincidencia en el que soy capaz de entenderme a base de imágenes.


Biografía

Joan Miquel Ramírez-Suassi es un fotógrafo autodidacta que expone su obra artística en Europa y Estados Unidos. No es una persona muy habladora, y para él la fotografía afirma el silencio como respuesta al acoso verbal de su conciencia. Se hace preguntas que la mayoría de la gente evita y cuyas respuestas las encuentra en la fotografía, un espejo que no se deforma ni altera, simplemente muestra lo que hay: la imperfección. Y la fotografía analógica le permite no sólo la imperfección, sino también la sorpresa.

Sus serie Peripheries, Wrong side of the road, Faith and mirage y Mountains facing our town documentan las afueras de las ciudades de Madrid y Ciudad de México. Sin embargo, su trabajo más reciente (Eden,The Days of the Barber's Winding Sheet y Uterus or invisibility) también enfatiza las tomas aparentemente casuales de su familia y amigos.

En One Eyed Ulysses propone un viaje serpenteante donde la soledad, la melancolía y los encuentros con la muerte y la naturaleza en entornos marginales van pasando. El objetivo de este fotolibro no es documentar una época específica, sino resumir la experiencia humana para que podamos contemplar sus imágenes en un plano igual y desde el mismo punto de vista desde el que las observamos.

Ramírez-Suassi es una persona muy solitaria. Quizá por eso busca personas solitarias para los retratos. Deambula por las calles donde hay mucha gente sin hogar, algunos le conocen, otros no. Siempre trata de ganarse su confianza. Y busca aquellos en los que el paso destructivo del tiempo es evidente, como en un paisaje fragmentado y erosionado.

Sabemos que en la fotografía, lo importante sucede en un momento. Por ello, siempre vuelve a los lugares que le han inspirado. Incluso si has tomado una buena fotografía, no significa que no puedas o no debas volver al mismo lugar. La posibilidad de hacer una mejor fotografía es lo que te empuja hacia este lugar. Desafortunadamente, las fotografías que más recuerda son las que no pudo hacer. El atisbo de luz, o aquel gesto, se fueron para siempre.



Referencias




Libros




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Sedat Pakay

February 27, 2020, 11:00 pm
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Sedat Pakay fue un cineasta y fotógrafo turco (nacido en 1945 en Estambul, fallecido el 20 de agosto de 2016 en Hudson, Nueva York) conocido principalmente por sus retratos y documentales sobre artistas del siglo XX.


Baldwin at a typewrite in his Istambul apartment © Sedat Pakay


Bearing Witness from Another Place / Dar testimonio desde otro lugar comparte fotografías raramente vistas de James Baldwin en Turquía, tomadas por su amigo Sedat Pakay.Íntimas y cándidas, estas imágenes capturan el vibrante mundo de conocidos, amigos y colaboradores que Baldwincultivó mientras vivió intermitentemente en Turquía de 1961 a 1971. Después de la publicación de Notes of a Native Son y The Fire Next Time, la estrella literaria de James Baldwins se acercó a su apogeo durante la turbulenta década de los 60. Su floreciente papel como celebridad, profeta y líder amontonó una cantidad insostenible de presión y responsabilidad sobre él en un entorno estadounidense que le castigó doblemente por ser negro y gay, y a menudo se trasladaba  a Turquía como  santuario. Bearing Witness from Another Place incluye ensayos de escritores y eruditos que utilizan sus estancias en Turquía como una lente para entender a Baldwincomo ser humano y su necesidad de santuario con el fin de seguir dando testimonio del sueño de igualdad racial en EEUU.



Biografía

Sedat Pakay se graduó en el Robert College de Estambul, trasladándose más tarde a los Estados Unidos para estudiar en la Yale School of Art, con el legendario Walker Evans, Paul Strand y Herbert Matte, donde recibió su máster en Diseño Gráfico en 1968. Después de graduarse, fue freelance en la ciudad de Nueva York y fotografió para revistas como Holiday, New York y Esquire.

A pesar de que comenzó haciendo naturalezas muertas, fueron los rostros los que le empujaron a hacer fotografías. Los retratos fueron muy interesantes para él, siempre ha estado coleccionando rostros humanos por todas las partes. A partir de 1967, Pakay se propuso un proyecto para realizar retratos de artistas conocidos de varias disciplinas, como el escritor James Baldwin al que ya había retratado cuando Sedat tenía 18 años, Andy Warhol, los pintores  Mark Rothko y Josef Albers, Gordon Parks, y muchos más. A finales de los años sesenta, dos de sus fotografías fueron aceptadas en la colección del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, y una de sus fotografías, un retrato de James Baldwin, fue exhibida en el Smithsonian Museum en 1969 y más tarde fue incluida en la colección de este museo.

Al mismo tiempo, realizaba cortos documentales con la misma temática y también publicitarios para marcas como Proctor and Gamble, Johnson and Johnson, Iberia y DuPont, entre otras. En 1989 fundaría Hudson Film Works Inc., produciendo y dirigiendo películas sobre las vidas y el trabajo de importantes artistas del siglo XX. Durante 2000, junto con su trabajo fotográfico, Pakay produjo numerosas películas comerciales y documentales. Dos de sus documentales, sobre Walker Evans y Josef Albers fueron transmitidos a nivel nacional en PBS y obtuvo un premio National Endowment for the Arts conel documental de 1 hora Walker Evans/America.

Ha realizado muchas exposiciones individuales en destacados museos y galerías como el Museo de Arte Turco e Islámico de Estambul (1995), Tremaine Gallery (1999), University of Wisconsin (2002), el Museo de Fotografía de Bal-kesir (2003), el Museo de Arte Moderno de Estambul (2005) y el Northwest African American Museum (NWAAM) en Seattle (2013).

Sus fotografías se pueden ver en colecciones privadas y museísticas internacionales, incluyendo las del Museum of Modern Art,, Smithsonian, Museo de Artes Turcas e Islámicas, Museo Getty, Metropolitan Museum of Art, University of Wisconsin, Museo Moderno de Estambul y Lehigh University.

Pakay siguió trabajando en Ciudad de Nueva York, dirigiendo talleres en su estudio, y dando conferencias sobre cine y fotografía en todo el mundo, hasta su repentina muerte.



Referencias



Libros


Documentales
  • Josef and Anni Albers: Arts is everywhere, 2006.
  • Walker Evans/America, 2000
  • James Baldwin in Turkey: Bearing Witness from Another Place, 1973
  • Walker Evans: His Time, His Presence, His Silence, 1970.
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Lázaro Blanco

February 29, 2020, 11:00 pm
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Lázaro Blanco fue un fotógrafo mexicano (nacido en Ciudad Juárez, Chihuahua, el 1 de abril de 1938, fallecido en Ciudad de México el 4 de mayo de 2011) que supo retratar la mexicanidad desde una lente exquisitamente sencilla. Dedicado plenamente a la fotografía, fue un creador de imágenes, poseedor de una mirada original, única, y también un gran maestro, que compartió la riqueza y el rigor de sus conocimientos en el Taller de Fotografía de Casa del Lago, que él mismo inició, donde se formaron varias generaciones de fotógrafos.


Cabezas huecas, Guanajuato, 1975 © Lázaro Blanco
Cabezas huecas, Guanajuato, 1975 © Lázaro Blanco



Biografía

Lázaro Blanco Fuentes aprendió con su padre el oficio de electricista y mecánico de aparatos domésticos. Realizó entre 1958 y 1963 estudios de física en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y de didáctica de la ciencia y de la física en las universidades de Michigan y del estado de Nueva York. Durante 20 años impartirá clases de física y matemáticas.

En 1966 ingresó en el Club Fotográfico de México donde tuvo su primer contacto con la fotografía. En 1968 fue coordinador del Fondo Internacional de Fotografía para los XIX Juegos Olímpicos de México. Al mismo tiempo se compró una Leicaflex y realizó fotografías con las que consiguió un tercer lugar en el National Newspaper Snapshot Award.

Su actividad como docente le ocupó gran parte de su vida y desde 1969 estuvo impartiendo talleres fotográficos en la Casa del Lago de la UNAM. Desarrolló el Taller de fotografía y fundó en 1973 la primer galería de fotografía en México también en la Casa del Lago. En 1976 fue miembro fundador del Consejo Mexicano de Fotografía del que fue su primer vicepresidente. También organizó la Primera Muestra de Fotografía Latinoamericana en 1977.

Participó en varias exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero, como 500 fotografías de Lázaro Blanco en el Museo Carrillo Gil en 1980, Musicantes en la Galería del Museo Mural  Diego Rivera en 1990, Luz en el tiempo en el Palacio de Bellas Artes en 1991, Tiempo Cautivo en la Casa del Lago, The photographs of Lázaro Blanco en la Universidad de Texas, …Temporarios, en el Centro de la Imagen, en 2010, fue su última exposición mostrando 400 fotografías que sintetizaban su trayectoria.

Asimismo comisarió exposiciones fotográficas como Fotografía como fotografía 1951-80 en 1983.  Publicó en revistas como Life, The New York Times y The Christian Science Monitor.

Artista, investigador, editor, museógrafo y comisario, Lázaro Blanco es una figura trascendente en la historia de la fotografía en México. Su legado es una referencia fundamental para artistas, historiadores y críticos. A lo largo de su vida recibió diversos reconocimientos como la Medalla al Mérito Fotográfico, otorgada por la Fototeca Nacional en 2008.




Referencias



Libros

  • Diccionario de historia de la fotografía, de M.L. Sougez y H. Pérez Gallardo, 2003.
  • Luces y tiempos, 1987.
  • Encyclopédie internationale des photographes de 1839 à nos jours/Photographers Encyclopaedia International 1839 to the Present. Volumen I (A-K), de Michèle y Michel Auer, 1985.
  • La mujer en sus actividades, 1981.









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Lourdes Grobet

March 2, 2020, 11:00 pm
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Lourdes Grobet es una fotógrafa mexicana (nacida el 25 de julio de 1940 en Ciudad de México, donde vive) considerada una de las exponentes de la fotografía mexicana contemporánea más importantes en la actualidad. Su obra es dinámica y ha representado el folclore de la cultura urbana mexicana durante los últimos treinta años. Sus obras más conocidas se basan en la cultura de la lucha libre, pero su obra fotográfica en muy amplia y en gran parte está dominada por la transgresión, el humor y la provocación, lejos de exquisiteces. En medio de las paradojas siempre busca una posición de combate: buscar la mirada de los que no son escuchados, siempre lejos del discurso de moda.


Blue Demon visitando la exposición La Filomena, Centro de la Imagen, Ciudad de México, 1996.© Lourdes Grobet





Biografía

Lourdes Grobet Argüelles creció en una familia sin acercamiento al arte, pero con una gran apertura en cuanto a las relaciones sociales, le permitió conocer todo tipo de personas e indirectamente se interesó por el arte. Su familia era asidua a la lucha libre mexicana pero su padre no le permitió nunca ir a este tipo de espectáculos no “aptos” para mujeres. Estudió y practicó danza 5 años hasta que una enfermedad le impidió hacer cualquier tipo de ejercicio físico.

Posteriormente quiso tomar clases de dibujo en la Academia de San Carlos, pero tenía un ambiente demasiado liberal para sus padres, que la mandaron a estudiar con el profesor católico José Suárez Olvera, al que ayudó en la realización de los murales de la Iglesia de San Francisco.

Decepcionada con éste, finalmente estudió Arte en la Universidad Iberoamericana, donde descubrió su creatividad gracias a los planteamientos sobre la libertad artística de su maestro el escultor, poeta, historiador del arte, arquitecto y pintor mexicano de origen alemán Mathias Goeritz. También influyeron en su formación académica Katy Horna, que le dio clases de fotografía, y el pintor, escultor y grabador Gilberto Aceves Navarro, uno de los mayores exponentes del expresionismo abstracto en México, así como el mítico luchador El Santo, el enmascarado de plata, posteriormente.

Viajó a París donde conoció el arte quinético y a su vuelta decidió que pintar era totalmente anacrónico y sin sentido en una era marcada por los medios de difusión masiva, y quemó sus pinturas para dedicarse a la fotografía de una manera muy libre. Buscó dónde estudiar fotografía y decidió viajar a Inglaterra donde estudió Diseño Gráfico en el Cardiff College of Art y y Fotografía en Derby College for Higher Education. De vuelta de Inglaterra, formó parte de los fundadores del Consejo Mexicano de Fotografía junto a Pedro Meyer, Lázaro Blanco y la crítica de arte Raquel Tibol.

Lourdes es una artista que utiliza la fotografía como medio de expresión. Así interviene un paisaje pintando magueyes y nopales,  se convierte ella misma en una performance en un expositor de imágenes, en otras revela y no fija fotografías que desaparecen bajo la luz del sol, experimenta con diapositivas, infrarrojo en blanco y negro, hipercromatismo, … Su fotografía callejera es muy potente y con una narrativa excitante.

Pero el proyecto al que más tiempo ha dedicado es la lucha libre mexicana, en buena parte por la imposibilidad de acceder a las canchas de lucha libre en su juventud. Irremediablemente accedió a este entorno donde, tras superar las trabas iniciales para poder fotografiar allí como mujer que era, ha estado fotografiando más de 30 años este tema, con una propuesta que va más allá de lo estético, dedicándose a resaltar la imagen de los grandes personajes de la lucha libre.

Su versatilidad la ha llevado a realizar trabajos para teatro, cine y vídeo. Sus trabajos sobre la lucha libre se mostraron en video en la Televisión francesa y en la BBC, es muy interesante su trabajo sobre el Teatro Campesino, parejo con el de la Lucha Libre y que aún no se ha plasmado en libro, y tres videoinstalaciones y un documental sobre el estrecho de Bering (su trabajo más reciente) han sido presentados en México y en Francia. Su pieza Prometeo Unisex se presentó en la 36 New York Expo - Film & Video, y en el 13 Festival Internacional de Arte Electrónico de São Paulo (Brasil).

Ha participado en exhibiciones en solitario o en grupo en México y en el extranjero, como en la Galería Silverstein de Nueva York, el Centro Cultural Tijuana y el Centro Alvarez Bravo en Oaxaca (México), Casa de América y Galería Xanon en Madrid, Festival Internacional de Pyngao (China), Museo Quai Branly de París, así como en múltiples galerías de Alemania, de los Países Bajos y de Inglaterra. También ha mostrado su fotografía por medios distintos a los tradicionales mediante performances y teatros-musicales. Ha colaborado con museos y editoriales para labores de archivo, publicaciones de catálogos y libros de arte.

Ha recibido 13 becas y premios, entre los que destacan el premio Emancipación e Identidad de América Latina 1492- 1992 (Ecuador, 1992), Juan Pablos Editores (México, 1988), Libro Propositivo (México, 1984) y el premio de la Bienal de Bellas Artes (México, 1982).

Grobet ha impartido clases en varias universidades y colegios de México, los Estados Unidos e Inglaterra, y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la Colección Helmut Gershaim (Universidad Austin Texas), el Museo de Fotografía de San Francisco (California), la Fundación Cultural Televisa y el Instituto de Cultura de Veracruz.


Referencias



Libros











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Kirsty Mitchell

March 4, 2020, 11:00 pm
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Kirsty Mitchell es una fotógrafa inglesa multifacética (nacida en 1976 en el condado de Kent, donde vive y trabaja) que aprovecha sus experiencias pasadas en el diseño de moda y en la fabricación de disfraces, para producir imágenes de mundos de ensueño cautivadores, filmados en paisajes ingleses que rodean su casa.


© Kirsty Mitchell
© Kirsty Mitchell


Esta creación física es mi parte favorita, y me ha llevado a lugares que nunca habría conocido. He caminado sobre la nieve cubierta de flores, he estado en lagos a la puesta del sol, he pintado árboles, prendido fuego a sillas, sombrillas fumadoras y gigantescas pelucas de flores robadas. Me he reído, me han abrumado y he dejado de temer a todas las cosas que me habían pasado previamente. La vida se ha convertido en un lugar diferente, “una segunda oportunidad” es tal vez la única manera de describirlo, y por eso estoy muy agradecida. He hecho que mis ojos se abran, y no importa lo triste que sea el origen de todo esto. Siempre recordaré el hecho de que este despertar pequeño y precioso ha sucedido.


Biografía

Kirsty Mitchell nació y se crio en el condado de Kent, también conocido como “El jardín de Inglaterra”. Sus primeros recuerdos son siempre las historias que le leía su madre cuando era niña. Profesora de inglés, le leía casi todos los días, inculcándole el regalo más precioso que una madre puede ofrecer, su imaginación y su creencia en la belleza.

Al crecer Kirsty, el arte se convirtió en su única pasión, estudiando historia del arte y bellas artes, y dentro de ellas, clases de fotografía analógica con 18 años. Su primer contacto con la fotografía fue frustrante, pues ella veía la fotografía como una forma de arte y los profesores ponían el foco en los procesos técnicos en lugar de la expresión creativa. Así que estudió diseño de moda, e hizo vestuario para cine y teatro en el London College of Fashion.

Después de graduarse trabajó por un corto periodo de tiempo en esta industria, decidiendo continuar con su educación y volviendo a la Universidad donde completaría un grado en diseño de moda en Ravensbourne College of Art en 2001. Durante ese tiempo realizó prácticas en los estudios de diseño de Alexander McQueen y Hussein Chalayan, que tendrán un gran efecto en ella. Desde entonces trabajó a tiempo completo como diseñadora de moda para una marca de diseño global, hasta que en 2007, el recuperarse de una grave enfermedad le llevó 13 años después de su primer contacto a coger de nuevo una cámara, una apunta-y-dispara que llevaba siempre en su bolso y con la que fotografiaba en el camino al trabajo, en el tren, en el autobús, dondequiera que estaba.

Poco después su madre fue diagnosticada con un tumor cerebral y su cámara se convirtió en una vía de escape de los horrores de su tratamiento y rápido declive, y en la única salida para su autoexpresión. Además de fotografía callejera, comenzó a fotografiarse a mí misma, creando imágenes cada vez más elaboradas, para desplazar al mundo real lo más lejos posible. Nueve meses después de la muerte de su madre, se sumergió en lo que se convirtió en una serie inesperada y que cambió la vida titulada Wonderland pensada como un libro en la memoria de su madre, que obtuvo un gran e inmediato reconocimiento internacional y que le llevó a dejar definitivamente su carrera en la moda en 2011 y dedicarse a la fotografía artística, publicando artículos en BBC News, Vogue Italia, Harper's Bazaar, The Guardian, The Telegraph, Spiegel On Line, The British Journal of Photography, Blink Magazine y Stern, entre otros.

Finalizada en 2014, Wonderland, con 74 fotografías a gran escala, ganó inmediatamente 2 premios internacionales y tuvo gran éxito, y el proyecto, incluyendo las propias fotografías, su diario y las fotografías del cómo sehizo, se publicó en 2015 tras una rapidísima campaña en Kickstarter.

Kirsty describe su enfoque como Fantasía real y pasa meses diseñando y creando meticulosa y artesanalmente los trajes y accesorios para que coincidan con la floración de las flores silvestres y los aspectos estacionales de su entorno local. En algunas obras ha tardado hasta 5 meses en crear cada uno de los elemento a mano, y más de un año para llevarlas a cabo. Las fotografías son reales, organizadas como mini sets de películas, con un pequeño equipo: modelos, maquilladora y su marido. En su página web sus series están documentadas extensamente, con fotografías y videos entre bastidores para demostrarlo.


Referencias



Libros

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Boris Ignatovich

March 6, 2020, 11:00 pm
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Boris Ignatovich fue un fotógrafo, fotoperiodista y cineasta ruso (nacido el 4 de abril de 1899 en Slutsk, provincia de Minsk, Imperio ruso, hoy Bielorusia, fallecido el 4 de abril de 1976 en Moscú), un pionero de la fotografía de vanguardia soviética en las décadas de los años 20 y 30, uno de los primeros fotoperiodistas en la URSS y uno de los artistas más significativos de la era soviética.


At the Hermitage, 1930. Boris Ignatovich
At the Hermitage, 1930.  Boris Ignatovich



Biografía

Boris Vsevolodovich Ignatovich nació en el Imperio ruso, hijo de un profesor de matemáticas. Estudió gimnasia en Lodz y Lugansk, hasta que fue expulsado en 1917 por la publicación de una revista manuscrita, Shantrapa, y por participar en actividades revolucionarias. En 1918, se graduó en el gimnasio Vyborg en Petrogrado, regresando a Lugansk donde comenzó a trabajar como periodista y se unió al Partido Comunista. Trabajó como asistente editorial en el periódico Krasnaya Zvezda de Járkov y en el periódico Vseizdat de Kiev y luego como editor gerente del periódico Krasnaya Bashkiria en Ufa, Baskortostán.

También estuvo a cargo de la oficina regional de la Agencia Rusa de Telégrafos (ROSTA) en Sterlitamak. En 1918, se convirtió con 19 años en uno de los primeros miembros de la Unión Rusa de Periodistas Soviéticos en 1918. En 1922, fue editor jefe del periódico Gornyak de Moscú, pero fue acusado de publicar reportajes no verificados y fue despedido de su trabajo como editor, trasladándose a Petrogrado, donde dirigió los consejos editoriales de las revistas Drezina, Smekhach y Buzotyor.

En 1923, Ignatovich hizo su primer reportaje fotográfico: una instantánea del escritor Mikhail Zoshchenko comprando manzanas, tomada con una cámara Kodak de bolsillo. En 1925, fue restaurado a las filas del Partido Comunista y regresó a Moscú, donde continuó trabajando como editor y pronto se unió al prominente periódico Bednota como fotógrafo de prensa, cubriendo la vida rural, el campesinado y los desarrollos industriales. Sus fotografías comenzaron a aparecer en la revista de fotografía Sovetskoe Foto, y a finales de la década estaba trabajando como fotógrafo para numerosas publicaciones, incluyendo las revistas Sovremennaia arkhitektura, Radioslushatel e Illiustrirovannaia rabochaia gazeta.

En 1927, participó en la exposición fotográfica de la Sociedad de Amigos del Cine Soviético (Obshestvo Druzey Sovetskogo Kino – ODSK), en Moscú, a través de la cual conoció a Alexander Rodchenko, quien lo influyó poderosamente. En 1929, fue incluido en la histórica exposición modernista Film und Foto (FiFo) en Viena y Stuttgart.

Aunque se consideraba fotorreportero, principalmente mostrando con su cámara el avance industrial y tecnológico de la Unión Soviética, su uso de ángulos picados y contrapicados extremos, así como el abundante uso del encuadre inclinado (plano holandés) hacían que su trabajo coqueteara con el aspecto artístico. También fue uno de los primeros fotógrafos rusos en hacer fotografía aérea.

Fue miembro del movimiento Octubre junto con El Lissitzky, Dmitrii Bebabov, Varvara Stepanova y Alexander Rodchenko. Este colectivo reunía arquitectos, artistas, fotógrafos y cineastas de la vanguardia soviética, que expresaban los intereses culturales del proletariado y promulgaban el «realismo proletario». Ignatovich encabezó la sección fotográfica y cuando Rodchenko fue expulsado por demasiado leninista, Boris tomó su lugar hasta la disolución del grupo en 1932 por decreto gubernamental de Stalin. No fue perseguido porque sus imágenes compartían el realismo socialista que se convirtió por decreto en una auténtica estética de estado.

Publicó foto-ensayos, fotografías y tomas aéreas en publicaciones como Pravda, Ognyok y Krasnaya nova. Trabajó en la agencia Soyuzfoto. Su trabajo fue expuesto en Viena, Lituania e Inglaterra. Participó como cámara en 4 películas documentales.

Ignatovich fue fotógrafo militar durante la II Guerra Mundial, cubriendo los frentes occidental y oriental, continuando hasta 1950. Durante la posguerra experimentó con la fotografía a color y realizó retratos, pero su trabajo más acabado siempre lo realizó en blanco y negro.

Participó en la exposición histórica en Moscú Arte fotográfico en la URSS: 40 años. En 1969 se presentó una retrospectiva en Moscú con ocasión de su 70º aniversario, con fotografías de todos los períodos de su carrera, desde 1923 hasta 1963, e incluyó impresiones a gran escala, realizadas por Ignatovich, con un tamaño inusual para las exposiciones de ese momento. Hacia el final de su vida, compartió sus conocimientos de forma generosa con discípulos y trabajó con la cámara hasta el fin de sus días.


Referencias



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