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Nobuyuki Kobayashi

November 5, 2019, 11:00 pm
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Nobuyuki Kobayashi es un fotógrafo japonés (nacido en 1970 en la ciudad de Yokoze, prefectura de Saitama) que trabaja en cámara de gran formato e imprime paisajes naturales utilizando platinotipia sobre papel Hosokawa Kozo Washi, un papel que sigue produciéndose hoy como hace más de mil años.

© Nobuyuki Kobayashi
© Nobuyuki Kobayashi


Desde la antigüedad, los japoneses han construido su cultura y valores a través de la naturaleza. El rápido crecimiento económico nos ha hecho perder la fe en ella y en los miles de dioses que habitan en todas las cosas. La costumbre de que el agua es una fuente de vida, y los dioses habitan montañas, rocas y árboles, está casi olvidada ahora.
Al redescubrir esos dioses en los paisajes que están frente a mí, ahora renacen como trabajo. Por eso continúo capturándolos. Porque creo que esto debería ser contado y transmitido a la siguiente generación para que pueda compartir un sentimiento similar al mío.


Biografía

Nobuyuki Kobayashi se graduó en la Escuela de Fotografía de Tokio, trabajando para una compañía especializada en publicación y edición y después, en 1993, comenzó a trabajar como fotógrafo freelance haciendo principalmente retratos y fotografías de moda para anuncios y revistas.

En 2001 se fue a Nueva York para estudiar los fundamentos de la fotografía artística y aprender habilidades de impresión alternativas, como la impresión en platino-paladio que utiliza con el papel Hosokawa con lo que logra crear un ambiente elegante y único en sus obras.  Con esta técnica especial espera que sus copias duren miles de años y que puedan coexistir con una naturaleza abundante como la que captura en sus imágenes.

Para él, los dioses se encuentran en la naturaleza. Como se enseña en la religión más antigua de Japón, el sintoísmo, la naturaleza es lo más sagrado. Por eso, sus imágenes de ríos, árboles, piedras y otros objetos de la naturaleza son representaciones de los mismos dioses.

Desde 2005 ha tenido la oportunidad de presentar su trabajo en varios países europeos, incluido España (Portrait of Nature, una cuidada muestra de quince platinotipias de tamaño 50×60 cm.), así como en Taiwán, con gran éxito de público. En 2008 estableció su empresa Zenne estudio, Inc. para la distribución y venta de su obra.

El platino-paladio se considera la más noble forma de impresión fotográfica porque ofrece una riqueza de tonos grises superior a cualquier otra técnica además de estimarse una longevidad de algo más de mil años. En la actualidad, Kobayashi es  uno de los máximos exponentes de la platinotipia a nivel mundial.  Y como parte de su compromiso para inmortalizar la naturaleza para generaciones venideras, sigue empleando materiales ancestrales como es el papel Hosokawa, cuya fabricación ha sido declarada patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

En los siguientes días después de la publicación de este artículo, se inaugurará en la galería Sway de Londres una exposición en la que Kobayashi reintroduce el sentido japonés de la belleza y la conexión con la naturaleza a través de la nueva serie de obras maestras de fotografía.




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Michael David Adams

November 7, 2019, 11:00 pm
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Michael David Adams es un fotógrafo estadounidense (nacido en Northeast, vive en Ciudad de Nueva York) que realiza fotografía de moda y belleza y de viajes. Especialista en la fotografía subacuática, emplea este entorno complicado para conseguir una estética visual intrínseca a cada colección y proyecto, ya sea de publicidad, retratos, moda o, incluso, belleza.

Fire in the sky © Michael David Adams
Fire in the sky © Michael David Adams


Mi esperanza es que con la emoción que pongo en las imágenes que creo, ese mismo impacto de la emoción se transfiera al espectador de las imágenes, y que esas imágenes consigan una impresión duradera.


Biografía

Michael David Adams descubrió la fotografía después de años de dibujo y pintura en su juventud y de numerosas exposiciones en galerías de pinturas. Posteriormente, la fotografía que comenzó de niño con una Kodak Instamatic X-15F con muy buena mano, tomó el relevo como su medio de expresión artística. Tuvo la suerte de pasar tiempo en el cuarto oscuro tocando el procesado físico de la película, lo que hizo que la fotografía fuera más tangible para él y que los conceptos de manipular tu trabajo fueran una experiencia física.

Siempre ha estado muy sintonizado para la experimentación, llevando más lejos lo que la cámara y el proceso de impresión clásico pueden lograr, mediante la manipulación física del papel o mediante el uso de múltiples ampliadoras para lograr una composición fotográfica que no podría existir de otra manera.

El éxito de su fotografía artística le llevó enseguida a hacer fotografía de moda y belleza y al trabajo publicitario en general, trasladándose de Pensilvania a Nueva York dedicándose a la fotografía ya a tiempo completo y comenzó enseguida a producir trabajos que fueron portadas de revistas, siendo contratado por las mejores revistas y clientes de publicidad de todo el mundo.

Su mujer Viktorija es nativa de la costa de Croacia y en un viaje allí, Adams aprendió a bucear y fotografía subacuática., en la que se ha convertido en un auténtico especialista dentro del mundo de la moda y belleza.

Hoy en día, tiene su sede en Nueva York, pero también se le puede encontrar en todo el mundo buscando localizaciones para sus próximas sesiones, desde París a Croacia, pasando por Venecia, Londres y muchos más lugares, o sumergido fotografiando su siguiente serie subacuática.

Su trabajo ha sido publicado en portadas de revistas de todo el mundo como Vogue Girl Korea, Vogue Nippon, Vanity Fair Italy, y otras ediciones internacionales y locales de Glamour, Elle, Harper's Bazaar, Marie Claire, Marie Claire Beauty, Gotham, Qvest, SOMA, MUSE, Cosmopolitan, Vision, y muchas otras.


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Rossano Ronci

November 9, 2019, 11:00 pm
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Rossano Ronci es un fotógrafo italiano (nacido en 1970 en Rimini) que ha explorado temas narrativos en todas las áreas, desde la fotografía industrial y arquitectónica hasta la moda y el retrato, en el que su hábil uso de la luz y el contraste le ha permitido expresar el lado más íntimo de las figuras populares que ha retratado.


© Rossano Ronci
© Rossano Ronci



Biografía

Rossano Ronci estudió arte comercial en la Escuela del Libro de Urbino, comenzando su carrera como fotógrafo cuando tenía quince años. Después de trabajar como asistente en un estudio de fotógrafo especializado en diseño de interiores, comenzó sus actividades artísticas y profesionales como freelance.

A los dieciocho años estableció una importante relación con Montanari Navigazioni, propietaria de petroleros y gaseros, que ofrecía la posibilidad de crear un gran portafolio de fotografías; de esta experiencia surgió más tarde la oportunidad de fotografiar arquitectura para las principales empresas de construcción y estudios de diseño. Ha producido imágenes para arquitectos destacados como Vincenzo De Cotis, Norman Foster (WTC RSM), Zaha Hadid (MAXXI, Roma, Italia), Giancarlo De Carlo (Nuevo Palacio de Justicia, Pesaro), Gino Valle (Deutsch Bank, BiCocco) y Marg von Gerkan (Fiera di Rimini y Palacongressi, Rímini).

En 2000 se acercó a la fotografía de moda, trabajando en campañas publicitarias y editoriales para varias revistas italianas y extranjeras. Trabajó de 2001 a 2007 como fotógrafo en Condé Nast (Vogue y AD), y en 2013 en Men’s Vogue.

Desde 2005 ha producido notables libros de fotografía de retratos con editoriales como Skira y Electa Mondadori. Sus retratos de celebridades italianas como Fiorello, Arbore y Boncompagni, y figuras deportivas como Valentino Rossi, Zoff, Agostini, Rivera, Totti y Buffon, revelan una humanidad e intimidad absolutamente sin precedentes. Su hábil uso de la luz y el contraste le ha permitido expresar su lado más íntimo, dando una visión más límite de estas figuras populares.

En 2008 la editorial milanesa L'Archivolto creó una monografía sobre su obra, un camino creativo que ha explorado temas narrativos en todas las áreas, desde la fotografía industrial y arquitectónica hasta la moda y el retrato. Imparte talleres de fotografía de retrato y de arquitectura.


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Sara Zorraquino

November 11, 2019, 11:00 pm
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Sara Zorraquino es una fotógrafa española (nacida en 1972 en Madrid) que ha centrado su actividad fotográfica en la moda y la publicidad. Es una gran comunicadora con mirada positiva y personal y capacidad de transmitir mensajes sin perder de vista la finalidad del proyecto que tenga entre manos. Destaca por su creatividad, dirección de arte, selección y dirección de los personajes así como por su tratamiento del color.


© Sara Zorraquino
© Sara Zorraquino




Biografía

Sara Zorraquino obtuvo un grado en Fotografía General en el CEV en 1994 y se licenció en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Antonio de Nebrija en 1997. Curiosa por aprender y fan de la fotografía de moda, disfruta al máximo pensando y contando historias con imágenes.

Ha trabajado para revistas como Vanity, Neo2, Dealer de Luxe, Vogue, El País Semanal, Telva, Woman, Yo Dona o Glamour. Dentro del ámbito de la publicidad se mueve entre importantes marcas comerciales y ha formado equipo con clientes, productores, productoras, empresas productoras, agencias de publicidad como Tous, Coca-Cola, McCann, SCPF, Renfe, ING Banking, Santander, Global Events, Hoss Intropia, Opel, TBWA, Affinity, Ogilvy, Women Secret, Ikea, Publicis, Movistar, Rushmore, VMLY&R, Mirinda Company, Ford, Chicco, Procter&Gamble, Ketchum, Finallypress, Louis Vuitton, Vitruvio Leo Burnet, Tag Heuer, Primo films, Lee films, Brother's films...

Su trabajo se ha visto recompensado con los premios Kodak Gold, Mejor fotógrafo Publicitario porClub de Creativos Españoles (CDCE), Plata Hoffman, Mejor fotógrafo por la revista Glamour, nominación en el Fashionfilm MadridFFF y el Primer Premio Gin Larios de Fotografía de Moda en 2003.

Durante 2012 ha experimentado con la fotografía en movimiento: películas de moda, "making of" y videoclips. Está interesada en la fotografía de estilo de vida, los retratos y la dirección de arte, y colabora con el también fotógrafo Pedro Vikingo en Lookandbite.es.

Su curiosidad y experiencia le han llevado a aprender otras habilidades como marketing digital y de contenidos, customer journey experience, e-commerce, gestión de presupuestos, estrategia de producción y comunicación. Realizó el Master en Internet Bussines, #MIBer, ISDI en 2017. Sara Zorraquino colabora en la escuela de Condé Nast en los cursos de estilismo y moda.



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Libros

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Maureen Bisilliat

November 11, 2019, 11:00 pm
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Maureen Bisilliat es una fotógrafa brasileña (nacida el 16 de febrero de 1931 en Englefield Green, Surrey, Inglaterra) que ha construido una sólida investigación fotográfica del alma brasileña desde la década de los 50. Su mirada extranjera impregnada con un profundo respeto por la gente que documentaba (sertanejos e indios sobre todo) y una investigación apoyada conceptualmente en antropología y en las grandes obras de la literatura brasileña son las bases de su obra, junto con sus estudios y trabajos de pintura que le dejaron una fascinación expresionista por el claroscuro.


Torso Treated as a Grecian Frieze, 1971 © Maureen Bisilliat
Torso Treated as a Grecian Frieze, 1971© Maureen Bisilliat


Brasil era una búsqueda de las raíces que yo no tenía de niña. Nací en Inglaterra, sí, pero vivía en muchos lugares. Mi padre era diplomático, lo que me obligó a vivir una especie de vida camaleónica. El destino me ató a Brasil. Fue una estancia deliberada.


Biografía

SheilaMaureen Bisilliat nació en Inglaterra, hija de pintora inglesa y diplomático argentino y viajó intensamente (Inglaterra, Estados Unidos, Dinamarca, Colombia, Argentina y Suiza) cuando era niña, lo que más tarde la llevó a buscar las raíces que han  caracterizado su trabajo. Llegó por primera vez a Brasil en 1952 acompañada por su primer marido, el fotógrafo español José Antonio Carbonell. Inició sus estudios en artes plásticas con André Lhote en París en 1955 y en el Art Students' League con Morris Kantor en Nueva York en 1957, tras lo que se estableció en Sao Paulo, y se naturalizó brasileña en 1963.

Sintiendo la necesidad de un contacto más directo con la realidad aparente, llegó de la pintura a la fotografía en 1962. Trabajó como fotoperiodista para la Editora Abril, entre 1964 y 1972, en la revista Quatro Rodas y especialmente en la desaparecida revista Realidade. Diez años de fotoperiodismo que le dieron la posibilidad de viajar constantemente a las regiones más lejanas del país y le permitieron la elaboración de un proyecto en el que traza equivalencias fotográficas de los mundos retratados por los escritores Euclides da Cunha, João Guimarães Rosa, Jorge Amado, João Cabral de Melo Neto, Mário de Andrade y Adélia Prado plasmados en libros.

De 1972 a 1977 viajó con frecuencia al Xingu y, en 1979 publicó junto con con los hermanos Villas Boas el libro Xingu. TerritórioTribal, publicado en cinco idiomas, y del que se derivó una instalación en la XIII Bienal de São Paulo que consiguió el  Premio de la Crítica en 1975, y Xingu/Terra (1982), un largometraje documental filmado por Lúcio Kodato, que abrió en 1982 el Margaret Mead Film Festival en el Museo de Historia Natural de Nueva York.

Ha obtenido las becas John Simon Guggenheim Foundation (1970), Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico CNPq (1981-87), de la Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo FAPESP (1984-87) y de la Fundación Japón (1987).

Junto a su 2º marido, Jacques Bisilliat, y su socio, el arquitecto Antônio Marcos Silva, creó O Bode Galeria de Arte Popular (1972 a 1992). Durante este período, viajó por Brasil en busca de obras de artistas y artesanos populares, para componer la colección de la galería. Esa experiencia práctica y vivencial motivó su invitación a la creación del Acervo de Arte Popular Latinoamericano, del que nació el Pabellón de la Creatividad del Memorial de América Latina, inaugurado en 1989, del que fue directora desde su creación.

En 2003 el Instituto Moreira Salles adquirió su archivo fotográfico, con más de 16.000 imágenes, incluyendo fotografías, negativos en blanco y negro y tarjetas de colores, en formatos de 35mm y 6x6cm, publicando, en octubre de 2009, el libro Fotografías / Maureen Bisilliat y organizando la exposición de su trabajo. Una iniciativa que ha reavivado el interés por su fotografía, hasta entonces olvidada en los armarios del tiempo. Los premios Porto Seguro de Fotografía, la Orden de Ipiranga, la Orden del Mérito Cultural y la Orden de la Defensa, todos ellos en 2010, señalan la repercusión positiva de este redescubrimiento.


Referencias




Libros

  • A João Guimarães Rosa, 1969.
  • A Visita, 1977.
  • Xingu: Detalhes de uma Cultura, 1978.
  • Xingu: Território Tribal, 1979.
  • Sertões, Luz e Trevas, 1982.
  • O Cão sem Plumas, 1983.
  • Terras do Rio São Francisco, 1985.
  • Chorinho Doce (con poemas de Adélia Prado), 1995.
  • Bahia Amada Amado (con textos de Jorge Amado), 1996.
  • Fotografías / Maureen Bisilliat, 2009.
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Emmy Andriesse

September 28, 2019, 11:00 pm
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Emmy Andriesse fue una fotógrafa holandesa (nacida el 14 de enero de 1914 en La Haya, fallecida el 20 de febrero de 1953 en Ámsterdam) conocida por su trabajo con el grupo Underground Camera (De Ondergedoken Camera) durante la ocupación alemana de Holanda durante la Segunda Guerra Mundial, principalmente por su inolvidable representación del sufrimiento civil en el Invierno del Hambre de Ámsterdam de 1944-1945. Su enfoque riguroso pero sensible le permitió producir imágenes de un poder poético inusual, mientras que sus versátiles fotografías de moda, documentales, retratos y paisajes revelan su curiosidad por sus semejantes y su sentido de la belleza.



Boy with a pan © Emmy Andriesse


Su inquietante toma del "niño con cacerola", un niño solitario y desnutrido fotografiado en un canal de Ámsterdam en 1944, se ha convertido en su imagen más famosa, icono de una población hambrienta y agotada que lucha por sobrevivir el último año de la guerra.


Biografía

Emmy Eugenie Andriesse fue hija única de padres judíos liberales empleados en empresas textiles. Con 15 años perdió a su madre y como su padre estaba a menudo de viaje como representante internacional, fue criada por varias tías, todas ellas trabajadoras y autónomas. Así que mostró gran interés en la emancipación de las mujeres y en ideas políticas orientadas a la izquierda.

Aunque Emmy se formó diseño publicitario en la Academia de Bellas Artes de La Haya fundada en 1929 por el diseñador Gerrit Kiljan, apenas desarrolló sus preferencias por esta dirección, perteneciendo a un grupo de estudiantes agrupados alrededor del arquitecto izquierdista Paul Schuitema. Asistió a una clase experimental de éste, donde aprendió fotografía y el uso de la fotografía en carteles, publicidad y artículos de periódico. Ya desde el segundo año de estudios se centró  casi exclusivamente en la fotografía, consiguiendo el apodo de “Emma Leica”. Pronto, sin embargo, cambió la rápida cámara de 35"mm por una Rolleiflex de 6x6”.

En 1941 Andriesse se casó con el diseñador gráfico y artista visual Dick Elffers, pero a pesar de ser un matrimonio mixto durante la ocupación nazi ella no pudo publicar y se vio obligada a esconderse. Ambos crearon documentos falsos para los combatientes de la resistencia y los judíos. A fines de 1944, con la ayuda de la antropóloga Arie Froe, falsificó sus papeles y se reintegró a la vida cotidiana, uniéndose al grupo de fotógrafos De Ondergedoken Camera (Cas Oorthuys, Charles Breijer, …) que trabajaron clandestinamente con peligro de sus vidas para documentar la ocupación alemana de Holanda.

A las pocas semanas de la liberación, sus fotos formaron parte de una exposición sobre la ocupación que se convirtió en un libro en 1947. Sus fotos más icónicas (Niño con cacerola, La excavadora de la muerte y Los niños de Kattenburg) son de esa época, de la hambruna de 1944 conocida como el Invierno del Hambre, y no son sólo documentos de hambre, pobreza y miseria durante la ocupación sino también una muestra de sus inquietudes artísticas.

También documentó la liberación de los Países Bajos por los Aliados en 1945 y los primeros años de lucha y reconstrucción de la posguerra.  Después se convirtió en fotógrafa de modas y fue asociada y mentora de Ed van der Elsken; participó en la exposición colectiva Photo'48 y en 1952, junto con Carel Blazer, Eva Besnyö y Cas Oorthuys en la exposición Photographie, ambas en el Museo Stedelijk de Ámsterdam.

Su fotografía fue incluida en 1951 en la mítica exposición The Family of Man de Edward Steichen. Su último trabajo, el libro El mundo de Van Gogh, fue publicado póstumamente en 1953, tras su muerte, joven como su madre, por cáncer.

El Museo de Fotografía de La Haya conmemoró el 50 aniversario de su muerte con una importante retrospectiva de su trabajo. En octubre de 2006 fue incluida en una exhibición de fotografía europea del siglo XX en la Barbican Art Gallery de Londres. El Museo Van Gogh realizó también una exposición de su obra en el centenario de su nacimiento. Su archivo se guarda en la Universidad de Leiden.


Referencias



Libros

  • The world of Van Gogh, 1953.
  • Emmy Andriesse : 1914-1953, 1996.
  • Emmy Andriesse: Hidden lens, 2013.
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Björn Lofterud

November 13, 2019, 11:00 pm
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Björn Lofterud es un fotógrafo sueco (vive en Estocolmo) que realiza principalmente fotografía de arquitectura.


© Björn Lofterud
© Björn Lofterud



Biografía

Björn Lofterud es un fotógrafo sueco especializado en fotografía simple pero hermosa. Algunos de sus mejores trabajos están realizados al atardecer o al amanecer, ya que es especialmente bueno en la manipulación de la luz solar y los niveles de luz en sus fotografías.

Comenzó en la fotografía a principios de los años 80 realizando retratos y paisajes. A finales de los años 90 empezó a dedicarse profesionalmente a ella. Lofterud tiene un portafolio diverso que va desde la fotografía de alimentos a la fotografía de interiores, pasando por los objetos y su favorita, la fotografía de arquitectura.

Trabaja para empresas de publicidad y directamente también para marcas, en campañas como las de Absolut, Budweiser y Ever-clear. Su estilo simplista le permite obtener imágenes llamativas con mensajes y motivos fáciles de entender. La naturaleza muerta es otra área en la que es especialista gracias a su capacidad para fotografiar artículos básicos de una manera elegante y emocionante.



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Nicholas Samaras

November 15, 2019, 11:00 pm
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Nicholas Samaras es un fotógrafo griego que realiza fotografía submarina y, cuyo amor y dedicación al mar y a sus criaturas en combinación con su deseo de sacar a la luz la belleza del mundo marino con una estética única, lo han convertido en un período muy corto de tiempo en un fotógrafo admirado tanto en Grecia como en el extranjero.


© Nicholas Samaras
© Nicholas Samaras



Biografía

Nicholas Samaras buceó por primera vez en 1994 en la isla de Creta. En algún momento sintió la necesidad de llevar consigo a la superficie la belleza del mar, porque las palabras y los recuerdos no eran suficientes, y llegó a la fotografía submarina como continuación natural de su interacción con el mar a través del buceo.

Su entusiasmo por buscar constantemente conocimiento a partir de sus estudios y su formación como director creativo durante años en una empresa de publicidad moderna, las nuevas técnicas y su tendencia a innovar nuevas ideas, lo transformaron de un buceador consciente a un fotógrafo subacuático con una forma de fotografía propia, un estilo único.

Los elementos básicos de su trabajo incluyen equipos especiales de buceo y fotografía, horas interminables bajo el agua y una mínima corrección/mejora de imagen digital. Nicholas tiene como objetivo resaltar la belleza submarina oculta y el efecto estético especial que surge cuando el agua "entra" en una foto.

Su talento para la fotografía submarina fue evidente desde sus primeras fotografías bajo el agua. Su primera participación en un concurso de fotografía se saldo con premio. Fue en el concurso DAN Europe Photo 2006 y esto le animó a dedicarse a esa actividad. Desde entonces ha obtenido numerosos premios internacionales, como el Festival Mondial De L'Image Sous Marine, Scuba Diving Magazine International Annual Contest (EEUU), Concurso Internacional "Through The Lens" SDAA/MIDE, concurso internacional de fotografía y video subacuático "Our World Underwater", G.D.T. European Wildlife Photographer of the Year y muchos más.

En 2008 Nicholas presentó su primera exposición individual Soulfly en Tesalónica, y luego en Katerini Pieria y en Viena. Sus fotografías se ha publicado en la revista National Geographic, Scuba Diving Magazine (EEUU), Australasia Scuba Diving Magazine, Asian Diver Magazine, Through the Lens Magazine, Discovery Channel Magazine y sus trabajos han ilustrado las páginas de numerosas publicaciones de buceo y fotografía.

Con sede en Grecia, Nicholas trabaja en su estudio editando su nuevo trabajo mientras divide su tiempo dirigiendo talleres fotográficos y la exploración de las bellezas del océano.


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Fachico Rojas Fariña

November 17, 2019, 11:00 pm
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Fachico Rojas fue un fotógrafo español (nacido el 1 de agosto de 1926 en Santa Cruz de Tenerife, fallecido en 2007 en Las Palmas de Gran Canaria) considerado uno de los fotógrafos más importantes que han dado las Islas Canarias. Pionero también del género audiovisual, ha dejado un legado visual imprescindible para el conocimiento de la historia reciente del archipiélago.


© Fachico Rojas Fariña

© Fachico Rojas Fariña




Biografía

Fachico Rojas Fariña, alias Fachico, se trasladó con su familia cuando tenía 4 años a Las Palmas de Gran Canaria, donde residió hasta su muerte, salvo sus estudios de Ciencias Exactas y Economía en Madrid. Llegó tarde a la fotografía. Mitad técnico y mitad artista, esta afición era el medio adecuado para su desarrollo integral, pero hasta después de su matrimonio y del nacimiento de su primer hijo no se relacionó seriamente con ella. Era una afición que podía cultivar sin excluir a la familia: el ajedrez, el motorismo o la pesca submarina restaban más tiempo a la relación familiar. Y esta afición se convirtió en profesión.

Así que, ya a principios de los 60, Rojas abandonó un puesto de trabajo estable y bien remunerado como era la representación de Nestlé en Canarias, para dedicarse profesionalmente a la fotografía, realizando unos cursos de formación de Agfa-Gevaert en Amberes y en Kodak-Pathé en París que le permitieron afrontar con solvencia diversos proyectos profesionales.

Desde entonces, unas veces como alumno y otras como ponente, participó en múltiples encuentros y simposios fotográficos, organizando con Sunicolor en 1982 el primer Simposio de Fotografía Profesional de Las Palmas. También impartió muchos años clases de fotografía en el I.B. Isabel de España.

En 1963 elaboró su primer audiovisual profesional (proyección de diapositivas sonorizadas con música y palabra) sobre Maspalomas, un hito en la pequeña historia fotográfica de Canarias. Al mismo tiempo ganó diversos premios provinciales e internacionales con su fotografía. Empezó a exponer fotografía (Cátedra de Arte de la Universidad de Sevilla) y a proyectar audiovisuales, principalmente de temática canaria. Esto le llevó a que le encargaran realizar audiovisuales para la promoción del turismo en canarias, que se proyectaron en Madrid, Barcelona, Bilbao, Valencia, Vigo, etc., y en 1972 en Nueva York, Washington y Toronto.

Colaboró en distintas revistas nacionales como Ronda Iberia, El País, Aguilar, e internacionales como Architecture D’Aujourd’hui, Merian, así como con diarios como ABC, La Vanguardia, y la prensa local canaria. Fotografió para monografías y catálogos de obra de diversos artistas como César Manrique, Manolo Millares, Pablo Serrano, y colaboró extensamente con el mundo editorial, ocupándose en 1990 y 1991 de la coordinación general y gráfica del Magazine SAUERMANN.

Entre los premios fotográficos que obtuvo podemos destacar el premio mundial convocado por BMW y Zeiss Ikon en Stutgart en 1971, dotado con un coche y una cámara fotográfica, y el de Un día en la vida de España (Comunidad Canaria) en 1987, donde participaron fotógrafos invitados de todo el mundo. Sus últimas exposiciones han girado en torno a César Manrique, en 1994 y 1996.

Tras su muerte, el Cabildo de Gran Canaria ha asumido la custodia y conservación su archivo, que está compuesto por 249.000 registros emulsionados en distintos soportes fotográficos, como fotos, negativos y contactos, y que abarca una temática variada, agrupada en diversidad de series: arquitectura popular y moderna, rural y urbana, retratos, etnografía, oficios, fotoperiodismo, publicidad y turismo, entre otros, además de interesantes y acertados experimentos donde usaba los adelantos tecnológicos en busca de un lenguaje gráfico propio. En estas fotografías encontramos una fuente de patrimonio único, que completa como testimonio y como testigo la historia canaria desde finales de los años 50 hasta la primera década del siglo XXI, y el nacimiento de la modernidad en estas islas, a través de la irrupción de las vanguardias artísticas personificadas en las figuras del grupo Zaj, Manolo Millares, César Manrique y Pepe Dámaso.

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María Espeus

November 19, 2019, 11:00 pm
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María Espeus es una fotógrafa sueca (nacida en 1949 en Borås, Suecia, vive en Badalona) que trabaja profesionalmente en el mundo de la moda, la publicidad y el retrato. Es también realizadora cinematográfica. Su obra personal es intimista y está centrada en el paisaje urbano de Barcelona, sus edificios singulares y los rincones del barrio del Raval.


© María Espeus
© María Espeus




Biografía

María Espeus se inició en la fotografía a los diez años, cuando descubrió la magia del laboratorio gracias a un tío aficionado. Estuvo en una escuela de Bellas Artes, pero la dejó y buscó trabajo como asistente de fotografía. Con unos veinte años se mudó a París buscando cumplir el sueño de dedicarse a ello profesionalmente y allí vivió y trabajó entre 1971 y 1976.

Se estableció en Barcelona en 1977, integrándose plenamente en sus ambientes culturales, artísticos y fotográficos, y participando en numerosas iniciativas artísticas y exposiciones tanto individuales como colectivas. Vivió más de treinta años en el barrio del Raval, donde tuvo su estudio. Su estancia en el barrio inspiró su magnífico libro en gran formato El Otro que refleja su visión del barrio y su gente.

Se autoproclama una amante de la sencillez y la sobriedad y afirma que trabaja construyendo imágenes, en el sentido que estudia y planifica hasta el último detalle la imagen que pretende conseguir. Sus fotografías poseen un aura mágica que  envuelve al espectador en una atmósfera etérea e imperceptible.

Ha trabajado la fotografía de moda y su nombre ha sido muy reconocido en el entorno publicitario, pero si algo le apasiona es el retrato. Ha fotografiado a Mikis Theodorakis, Carles Santos, Georges Moustaki, Montserrat Caballé, Plácido Domingo, Josep Carreras, Michael Nyman, Angelo Baladamenti, Ryuichi Sakamoto, Sir Andrew Lloyd Webber, Sarah Brightman, Dennis Hopper, Jeanne Moreau, Pedro Almodóvar, Antoni Tàpies, Frederic Amat, Bigas Luna, Jaume Plensa, John Cale, Pascual Maragall, Miguel Bosé y Lola Flores.

Trabaja con agencias de publicidad, instituciones públicas (Gobierno Autonómico Catalán, Gobierno Municipal de Barcelona, PSOE, PSC, Expo 92, Canal+, ONCE), editoriales (Planeta, Zeta) y revistas y periódicos españoles e internacionales (Vogue, Uomo Vogue, Time, The New York Times, The Sunday Times, Elle, Marie-Claire, El País, La Vanguardia, NOX, DT Platinum). Fue fotógrafo oficial de retratos en las ceremonias de inauguración y clausura de los  Juegos Olímpicos de 1992 en Barcelona.

Entre las diferentes exposiciones que ha realizado se encuentran las series De la sombra a la luz, De Rerum Natura, realizada a partir de pequeños elementos del Museo de Botánica de Barcelona, y sus veinte retratos del mundo de la cultura dentro de la colección Hola! Barcelona. Ha expuesto en Instituto de Estudios Norteamericanos (Barcelona 1982), Sala Vinón (Barcelona, 1991), Expo 92 (Sevilla, 1992), Centro Cultural La Caixa (Barcelon, 1994), Hasselblad Center (Gotemburgo, Suecia, 1995), Fundación Guifré (Barcelona, 2003), Galería María José Castellví (Barcelona, 2007 y 2009), Foyer del Gran Teatre del Liceu (Barcelona, 2008), Palau Robert (Barcelona, 2009), Abecita Konstmuseum (Boras, Suecia, 2012), Fundació Setba (Barcelona, 2015 y 2017),  DHUB (Museu del Disseny de Barcelona, 2015), La Capella (Barcelona, 2017). Los hoteles H1898, GTower, U232 y Gran Vía muestran sus fotografías de Filipinas, Malasia y Barcelona, como parte integral de su decoración.

Obtuvo el León de Plata en Cannes 2002 por la película Orígenes: año internacional Gaudí y el premio al mejor comercial de medicina en 1996 de Bayer Aspirina. También el Premio Qwerty 2007 por su libro El otro. En 2017 fue galardonada con el Premio Nacional de Cultura del Consejo Nacional de Cultura y Artes de Cuenca. 



Referencias




Libros

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Dan Kennedy

November 21, 2019, 11:00 pm
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Dan Kennedy es un fotógrafo inglés (nacido en Norfolk, vive y trabaja en Londres) que trabaja regularmente en el Reino Unido y en los EEUU en el mundo editorial para revistas, en el de la publicidad para marcas comerciales y agentes de celebridades.


© Dan Kennedy
© Dan Kennedy



Biografía

Dan Kennedy estudió un curso de Práctica fotografíca profesional en el London College of Printing. Sus primeros trabajos relacionados con la fotografía fueron en su periódico semanal local The Great Yarmouth Mercury. Luego se trasladó a Nottingham y trabajó como fotógrafo de agencias de noticias, aún en el mundo analógico, teniendo que revelar a toda prisa en los baños de los pubs. Posteriormente se fue a Londres trabajando para The Times y periódicos independientes. Centrado en el retrato, descubrió el estudio y fue deslizándose hacia el mundo editorial y la publicidad.

Con más de 20 años de experiencia trabajando en el Reino Unido, Estados Unidos y Medio Oriente, ha retratado a  personalidades como Angelina Jolie, Keira Knightley, Dua Lipa, Naomi Campbell, Alexa Chung, Pet Shop Boys, Leona Lewis, …

Con su trabajo en todas las plataformas, desde editoriales y publicitarias hasta relaciones públicas y campañas sociales, su portafolio incluye trabajo con clientes como M&S, ITV, BBC, Penguin, Nikon, SKY Television, The Times, The Telegraph, Independent, Observer, Q Magazine, Glamour, Guardian, Marks and Spencer, Head and Shoulders, Olay, River Island, Lacoste, Charles Tyrwhitt, Orient Express, Hill and Knowlton, Talk PR, Cancer Research, Children In Need, British Heart Foundation, …

También ha trabajado para instituciones benéficas como sus fotografías de Keira Knightley para Wateraid en Londres, y viajó por Etiopía con The Brooke Foundation. Realiza talleres de retrato en estudio.



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David Drew Zingg

November 23, 2019, 11:00 pm
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David Drew Zingg fue un periodista y fotógrafo estadounidense (nacido el 14 de diciembre de 1923 en Montclair, Nueva Jersey, fallecido el 28 de julio de 2000 en Sao Paulo, Brasil) que pasó casi cuarenta años en Brasil (principalmente en Río de Janeiro y Sao Paulo), a partir de 1964, convirtiéndose en una figura importante en la vida cultural de ambas ciudades y en el movimiento bossa nova de la década de los 60.


Vinicius de Maraes, Pixinguinha, Dorival Caymmi …, 1965 © David Drew Zingg

Vinicius de Maraes, Pixinguinha, Dorival Caymmi …, 1965 © David Drew Zingg



Biografía

David Drew Zingg estudió en la Universidad de Columbia en Nueva York, especializándose en historia y literatura, y donde más tarde dio clases de periodismo. Trabajó en la NBC, y se ofreció como voluntario para la Fuerza Aérea de los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial estando en servicio en Inglaterra. Después se convirtió en corresponsal de guerra en Francia y Alemania para la Armed Services Radio.  

Ya de vuelta en Nueva York, Zingg fue editor, escritor y reportero de las revistas Look y Life. A mediados de los años 50, después de haber cargado las bolsas de muchos fotógrafos famosos, compró una Nikon y se convirtió en un escritor y fotógrafo freelance. 

Desde su base en Nueva York, viajó por el mundo y contribuyó con texto y fotografías a una larga lista de publicaciones, incluyendo las antedichas Look y Life, Esquire, Show, Town and Country, GQ, Sports Illustrated, Vogue, Interview, El Paseante, Zoom, Modern Photography, Popular Fotografía, New York Times, London Sunday Times, London Sunday Telegraph y The Observer. Fotografió a muchas celebridades como John Kennedy, Winston Churchill, Che Guevara, Marcel Duchamps, Lawrence Durrell, Louis Armstrong, Duke Ellington, Bobby Short y Ella Fitzgerald. De muchos se hizo amigo. 

En 1959, Zingg desembarcó en Río de Janeiro como tripulante en la Buenos Aires-Rio Ocean Race, que también había cubierto para Life y Sports Illustrated. Hechizado por este país, comenzó a viajar muy a menudo entre Nueva York y Brasil. Su cobertura del desarrollo de Brasil, incluyendo la construcción de Brasilia, apareció en varias publicaciones estadounidenses y británicas. En una asignación de cuatro meses que cubrió para Show Magazine, estuvo presente en la noche de apertura del show de Bossa Nova con Tom Jobim y Vinicius de Morais en el club Bom Gourmet de Río. Fue fundamental en la organización para el concierto de 1962 de Bossa Nova en el Carnegie Hall de Nueva York. 

En 1964, Zingg llegó a Río para hacer un ensayo fotográfico para Look Magazine, pero una lluviacontinua, la pesadilla de un fotógrafo, le “obligo” a permanecer más de 3 meses seguidos allí. Cuando el clima mejoró, ya había decidido vivir en Río. Allí comenzó a fotografiar para la revista Manchete, varias películas del movimiento Cinema Nova, fue invitado a formar parte del equipo que estaba produciendo la innovadora revista mensual Realidade. Desde entonces, Zingg ha fotografiado para un amplio espectro de publicaciones brasileñas, como las ya señaladas Realidade y Manchete, Playboy, VIP, Veja, Claudia, Elle, Quatro Rodas, Status, Isto E, Fotoptica, Iris e Icaro. También ha colaborado con Folha de Sao Paulo, donde escribía una columna titulada "Tio Dave", Estado de Sao Paulo, Jornal de Tarde, Jornal do Brasil y Zero Hora.  En 1978 se mudó de Río de Janeiro a Sao Paulo. David también interpretó un papel en la banda punk-big-small-pop-rock Joelho de Porco con su amigo Tico Terpins. Una gran contribución para la cultura de la escena underground del arte música de Sao Paulo. 

Hasta su muerte en 2000, continuó fotografiando y escribiendo. Su colección, compuesta por más de 150.000 imágenes fotográficas (principalmente diapositivas en color), documentos y objetos personales, se unió a la colección del Instituto Moreira Salles en 2012.


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Libros

  • Mato Grosso. Fronteiras, 1985.
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Sara Zorraquino

November 24, 2019, 11:00 pm
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Sara Zorraquino es una fotógrafa española (nacida en 1972 en Zaragoza) que ha centrado su actividad fotográfica en la moda y la publicidad. Es una gran comunicadora con mirada positiva y personal y capacidad de transmitir mensajes sin perder de vista la finalidad del proyecto que tenga entre manos. Destaca por su creatividad, dirección de arte, selección y dirección de los personajes así como por su tratamiento del color. Tiene la capacidad de producir imágenes comerciales con mirada artística y un sello característico. Escuchadora de briefings y creadora de imágenes.


© Sara Zorraquino
© Sara Zorraquino



Biografía

Sara Zorraquino obtuvo un grado en Fotografía General en el CEV en 1994 y se licenció en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Antonio de Nebrija en 1997. Curiosa por aprender y fan de la fotografía de moda, disfruta al máximo pensando y contando historias con imágenes.

Ha trabajado para revistas como Vanity, Neo2, Dealer de Luxe, Vogue, El País Semanal, Telva, Woman, Yo Dona o Glamour. Dentro del ámbito de la publicidad se mueve entre importantes marcas comerciales y ha formado equipo con clientes, productores, productoras, empresas productoras, agencias de publicidad como Tous, Coca-Cola, McCann, SCPF, Renfe, ING Banking, Santander, Global Events, Hoss Intropia, Opel, TBWA, Affinity, Ogilvy, Women Secret, Ikea, Publicis, Movistar, Rushmore, VMLY&R, Mirinda Company, Ford, Chicco, Procter&Gamble, Ketchum, Finallypress, Louis Vuitton, Vitruvio Leo Burnet, Tag Heuer, Primo films, Lee films, Brother's films...

Su trabajo se ha visto recompensado con los premios Kodak Gold, Mejor fotógrafo Publicitario porClub de Creativos Españoles (CDCE), Plata Hoffman, Mejor fotógrafo por la revista Glamour, nominación en el Fashionfilm MadridFFF y el Primer Premio Gin Larios de Fotografía de Moda en 2003.

Ha experimentado con la fotografía en movimiento: películas de moda, "making of" y videoclips. Está interesada en la fotografía de estilo de vida, los retratos y la dirección de arte, y colabora con el también fotógrafo Pedro Vikingo en Lookandbite.es.

Su curiosidad y experiencia le han llevado a aprender otras habilidades como marketing digital y de contenidos, customer journey experience, e-commerce, gestión de presupuestos, estrategia de producción y comunicación. Realizó el Master en Internet Bussines, #MIBer, ISDI en 2017. En docencia colabora en la escuela de Condé Nast en los cursos de estilismo y moda. Está representada en México por www.brownie.mx.


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Cody Cobb

November 27, 2019, 11:00 pm
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Cody Cobb es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1984 en Shreveport, Luisiana, vive en Seattle, Washington) cuyas fotografías tienen como objetivo capturar breves momentos de quietud del caos de la naturaleza, retratos de la superficie de la Tierra carentes de interacción e interferencia humana.


© Cody Cobb

© Cody Cobb



Biografía

Cody Cobb empezó en la fotografía capturando texturas en edificios abandonados y pantanos extraños y cosas por el estilo para collages de arte digital que estaba haciendo en ese momento. Era un adolescente aburrido que crecía en Luisiana, y la fotografía era sólo un pasatiempo, y hasta cierto punto todavía lo es para él, pues trabaja a tiempo completo en diseño en movimiento, así que la fotografía es una un escape de estar detrás de una pantalla todo el día.

Durante semanas, Cobb vaga por el oeste americano solo con el fin de sumergirse completamente en un desierto aparentemente intacto, trabajando tanto en película como en digital para capturar breves momentos de quietud del caos de la naturaleza, componiendo cuidadosamente con luz natural.. Este aislamiento le permite observaciones muy sensibles tanto del paisaje externo como de la experiencia interna de la soledad. A través de sutiles toques de luz y geometría, la ilusión de la trama aparece como un rostro místico. Estos retratos de la superficie de la Tierra son un intento de capturar la emoción de la tierra tanto como su topografía.

Sus fotografías transmiten una sensación de paz y calma que pocas imágenes son capaces de conseguir. Quizás por que  estas fotografías muestran la serenidad de un viajero solitario en una travesía por algunos de los lugares más increíbles y abrumadoramente bellos de la geografía norteamericana. Viajar solo le permite concentrarse en sus musas, los paisajes, y retratar la belleza de la naturaleza salvaje e intacta desde un punto de vista único.

Cody fue nombrado por PDN uno de los 30 fotógrafos emergentes en 2018 y es parte de la lista Critical Mass Top 50 de Photolucida. Su trabajo ha aparecido en publicaciones como The California Sunday Magazine, Aint-Bad Magazine, MADE Quarterly y Another Place Press.



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Anaïs Boileau

November 29, 2019, 11:00 pm
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Anaïs Boileau es una fotógrafa francesa (nacida en 1992, vive y trabaja entre París y el sur de Francia) que combina sus trabajos por encargo con sus proyectos personales donde la arquitectura convive con el retrato mostrando una relación entre lo humano y el entorno que lo acoge.


© Anaïs Boileau
© Anaïs Boileau


Biografía

Anaïs Boileau estudió una licenciatura en Fotografía en la Escuela de Arte de Lausana (ECAL) en 2014, y está realizando un master en fotografía en Central Saint Martins (Londres). ​Trabajó en 2012 con el fotógrafo Charles Freger y en 2014 obtuvo una residencia en el Instituto de Diseño de Hong Kong.

Su trabajo fotográfico se ha mostrado en diversas exposiciones colectivas. En 2015, su proyecto fotográfico Plein Soleilformó parte de la exposición Black Mirror de Nueva York, organizada por Aperture Foundation, y se presentó al festival Katmandu Photo en Nepal.

Ha sido seleccionada para la proyección de Boutographies 2016 en Montpellier y fue una de las 10 finalistas de la 31a edición del Festival Internacional de Moda y Fotografía en Hyéres, donde recibió el premio del público y la beca Elie Saab.

Su trabajo más renombrado es la ya citada serie Plein Soleil, que trata sobre mujeres que toman el sol y que se alojan a lo largo de la costa de ciudades costeras marcadas por una arquitectura latina, brillante y colorida. Hay un juego de temporalidad entre las mujeres y las arquitecturas porque están modelando de la misma manera por la luz del sol. Estos retratos representan esa especie de ocio feliz que existe en todos los sures pero, al mismo tiempo, muestran una dimensión de artificialidad y falsedad en todo eso, un mundo de apariencia, de superficies…


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Ellen Cantor

December 1, 2019, 11:00 pm
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Ellen Cantor es una fotógrafa estadounidense (nacida en Chicago, Illinois, vive en el sur de California) cuyas imágenes son sobre el tiempo, la pérdida y la memoria. Al fotografiar y recontextualizar recuerdos preciosos, intenta entender cómo procede la vida y luego, en última instancia, cómo desaparece. Documenta los artefactos del pasado con el fin de enriquecer su presente.


© Ellen Cantor
© Ellen Cantor

Prior Pleasures recuerda la alegría de leer libros de la infancia, un hábito que poco a poco se está reemplazando por la tecnología digital actual. Los libros fotografiados para esta serie son los que he llevado conmigo desde la infancia, no sólo de casa en casa, sino también dentro de mis recuerdos.



Biografía

Ellen Cantor se graduó de la Universidad de Illinois y en Diseño Interiory Arquitectónico en UCLA. Después de una carrera en esto cambió su enfoque hacia la fotografía artística, estudiando en Santa Fe Workshops, Maine Media y The Los Angeles Center of Photography, y especializándose en bodegones, con la esperanza de capturar y expresar, a través de sus fotografías, los recuerdos y eventos que la memoria puede haber pasado por alto.

Utiliza la cámara para reimaginar el álbum de fotos familiar y los objetos que contienen historias personales con el fin de explorar la persistencia de la memoria. Su trabajo examina cómo las familias archivan y transmiten recuerdos de generación en generación. Este trabajo responde a una experiencia universalmente relacionable, de tamizar a través de los elementos dejados atrás, determinando cómo incorporar nuestra herencia.

Su proyecto más conocido actualmente, Prior Pleasures, está profundamente influenciado por su amor por la literatura, explora la memoria y la preservación del pasado, a la vez que garantiza la creación de un legado visual para la próxima generación. Los libros fotografiados para esta serie son los que ha llevado consigo desde su infancia. Su madre se los leyó a ella y ella  a sus hijos, manteniendo la tradición de la palabra escrita y hablada. Está realizada con la técnica de exposición múltiple en película y muestra la emoción de un libro revoloteando abierto que da vida a lectores de todas las generaciones.

Éste y otros trabajos han sido presentados en una veintena de exposiciones individuales como las realizadas en dnjGallery en Santa Mónica,  The Griffin Museum of Photography, The Center for Fine Art Photography y The Spartanburg Museum of Art. Fue finalista de la Critical Mass en 2015 y 2016 y ganadora del Premio Julia Margaret Cameron para Mujeres Fotógrafas, así como primer lugar en la categoría de Bellas Artes. Desde 2016, ha participado en más de 25 exposiciones colectivas nacionales e internacionales.

Sus fotografías han sido publicadas en papel en Harper's Magazine, Muzee Magazine y SHUTR Magazine y en línea en Lenscratch, F-StopMagazine, Fraction Magazine, Rfotofolio, Voyage LA Magazine, My Daily Photograph, Lightleaked, Float Online Magazine, ThisIsColossal.com y Silvershotz.

Sus fotografías son vendidas  por dnj Gallery en Santa Monica, CA, Susan Spiritus Gallery en Irvine, CA, y Truth and Beauty Gallery en  Vancouver, BC, Canadá.



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Jaime Belda Alted

December 3, 2019, 11:00 pm
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Jaime Belda Alted fue un fotógrafo español (nacido en 1878 en Novelda, Alicante, fallecido en 1951 en Albacete) ejemplo de la fotografía costumbrista, folclórica y etnográfica de su época, principalmente en la provincia de Albacete.


© Jaime Belda Alted
© Jaime Belda Alted



Biografía
Jaime Belda Alted estudió el oficio fotográfico en Valencia junto a Antonio García, el retratista más prestigioso de la capital, que le enseño las técnicas del estudio y del laboratorio. En 1898 regresó a su pueblo natal donde se puso a trabajar con su hermano mayor Antonio, trabajando bajo el nombre comercial de Hermanos Belda,  realizando  retratos y vistas de la ciudad. A partir de 1901 se anuncia en solitario como Jaime Belda o J. B. Alted en esta misma localidad. Entre 1901 y 1905 no sabemos si mantuvo un estudio en Denia con el nombre de Belda y Señora, o era su hermano Antonio. En 1914, se trasladó a Albacete dedicándose al retrato, haciéndose cargo su sobrino Alberto Escolano del establecimiento de Novelda. 

De su trabajo se conservan cientos de placas de cristal, principalmente retratos y fotografía costumbrista, en formatos que van del 18×24 hasta el 9×13, siendo reseñables dos trabajos en concreto: el álbum fotográfico de 1913 que realizó  con motivo de la celebración del segundo centenario del natalicio de Jorge Juan y Santacilia que es considerado como uno de los primeros reportajes gráficos de un importante acontecimiento de comienzos del siglo XX, y el que, para la empresa Manuel Alberola e Hijos,  realizó sobre el comercio y exportación del azafrán en la primera década del siglo XX.

Fue corresponsal de prensa gráfica como Blanco y Negro, Mundo gráfico, Oro y Azul, La Flecha, y también un consumado paisajista, siendo comercializada su colección de postales de Novelda por Hauser y Menet en 1904. Concursó y consiguió importantes premios, como la medalla de oro en la exposición de Valencia de 1910. Incluso practicó el dibujo.

Ha sido el origen de una saga de fotógrafos de 4 generaciones hasta el momento, que ha tenido su reconocimiento por el Ayuntamiento de Albacete que en 1996 organizó la muestra Albacete, cuatro miradas, un recorrido de la obra de los cuatro fotógrafos, y en 2010, Tiempos de Feria, un centenar de fotografías de los Belda realizadas entre 1910 y 1965, testimonio antropológico de la evolución de la Feria de Albacete.

Su hijo, Jaime Belda Seller, le ayudaba en su estudio y al final se dedicó a esta profesión. Aprendió la técnica del color en Sevilla, de la mano de Ducker, yse dedicó a la fotografía de arquitectura y estudio social, heredando posteriormente el negocio. Tras la Guerra Civil española destruyó gran parte de su trabajo para evitar que los vencedores identificasen a los asistentes a los actos republicanos fotografiados en Albacete durante la contienda.

Jaime Belda Martínez estudió Derecho pero, al acabar la universidad, empezó como ayudante en el estudio familiar, para acabar haciéndose cargo de su dirección hasta 2012. Su obra se caracteriza por el uso del color, siendo destacables sus fotos de paisajes manchegos. Actualmente, el estudio familiar está a cargo de Víctor Belda Garrido.



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Dhiky Aditya

December 5, 2019, 11:00 pm
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Dhiky Aditya es un fotógrafo indonesio (vive en Solo, Java) que tiene como temas principales la fotografía creativa y la artística y, cuyo estilo, eminentemente abstracto, combina esteticismo y surrealismo.


Tarian Ikan Cupang© Dhiky Aditya



Biografía

Dhiky Aditya tuvo su primera cámara en 2010 con 20 años. Autodidacta, ganó rápidamente competiciones en toda Indonesia, su país natal, antes de conquistar el mundo (Indonesia Nikon Photo Competition en 2012, Fujifilm X Batik Photocontest en 2016, 3º premio en el APEC de 2016, HIPA 2016, Canon Photo Marathon IX  en 2017, International Photography Awards en 2017, 2º premio en la categoría de fotografía creativa en los Sony World Photography Awars en 2019, etc.).

Vivir en un país lleno de diversas culturas, tradiciones y belleza natural, combinado con una visión moderna de la fotografía, un meticuloso e incansable trabajo y una reposada post-edición en Photoshop le llevan al éxito en su producción fotográfica, en la que toca todos los temas: moda, boda, paisaje, retrato, viajes, calle, manipulación digital y fotografía creativa y artística.


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Nieves Mingueza

December 7, 2019, 11:44 pm
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Nieves Mingueza es una artista visual española (nacida en Valencia, vive y trabaja en Londres) que trabaja con fotografía experimental, collage y texto. Los temas que trata tienen en común su fascinación por los libros antiguos, historias cinematográficas, cámaras vintage, micropoesía y dibujos minimalistas. En última instancia, su trabajo trata sobre la relación nebulosa entre la ficción y la realidad. Además, actualmente está explorando sobre la memoria, la salud mental y los conflictos humanos.

© Nieves Mingueza
© Nieves Mingueza


Elegí la fotografía analógica porque adoro la magia de los negativos y por mi profunda afinidad con el cine. Es un medio de expresión con el que puedo experimentar y jugar, y sorprenderme con los resultados finales.
Sin embargo hay otros proyectos en los que deseo una específica narrativa, que no puedo obtener a través de fotos, entonces acudo al collage, … porque adoro el acto de buscar piezas antiguas de papel, incluyendo libros, revistas, fotos, postales, etc, que toco, huelo y acumulo en cajas, y después cuando llega el momento las recorto y manipulo para obtener la imagen deseada.


Biografía

Nieves Mingueza vive y trabaja en Londres, donde ejerce como educadora en un Colegio Especial de Primaria para niños-as autistas. Experimenta con la fotografía, el collage, textos... Conocida por su práctica narrativa y visual, ella manipula y reinterpreta imágenes, agrega palabras, dibujos y, como consecuencia de este proceso, otorga un significado completamente nuevo a las piezas originarias.

Como ejemplo de su trabajo podemos citar su serie Here I am, compuesta por 19 collages analógicos y un poema que muestran un retrato sensible y no invasivo del autismo en la niñez, que ha sido inspirada en su experiencia profesional en una escuela para estudiantes con necesidades especiales en el sur de Londres. Esta serie fue premiada en el marco del Alpine Fellowship Visual Arts Prize en Venecia.

En su serie The malady of Suzanne explora la historia de Suzanne, una mujer vietnamita que después de casarse con un inglés se mudó a Londres, y algunos años más tarde se enfermó mentalmente. Cuando Nieves se mudó a su nuevo apartamento en Londres, se enteró de que este lugar había sido un hospital de salud mental, cruzando así caminos con Suzanne.

Su trabajo  se ha mostrado en numerosas exposiciones internacionales en España, Reino Unido, Francia, Australia y  EEUU, como The Royal Academy of Art y Tate Britain en Londres, PhotoEspaña2016 en Madrid,  Retina Scottish International Photography Festival en Edimburgo, Espai Rambleta en Valencia, Copeland Gallery, Les rencontres de la photographie Arles, Fondazione Giorgio Cini, Saatchi Gallery,… 

Destaca su estrecha colaboración artística con sellos discográficos de música experimental, así como con revistas y editoriales entre las que podemos citar Low Light Magazine, SHOTS Magazine, WITTY KIWI Magazine, Sarmad Magazine, Eyemazing Editions, YET Magazine, VogueIT,  LensCulture, Editorial 8mm, Fisheye, Der Greif, Low Light Magazine y L'oeil de la photographie, entre otros.

Recientemente, en julio de 2019, su primer libro monográfico all other voices gone, only yours remains fue publicado por IIKKI Books Editorial.


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Nick Onken

December 9, 2019, 11:00 pm
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Nick Onken es un fotógrafo estadounidense (vive en Nueva York) que realiza fotografía de moda y estilo de vida para las mejores marcas, artistas y emprendedores de hoy en día.


© Nick Onken
© Nick Onken


Biografía

Nick Onken trabajó inicialmente como diseñador gráfico, tocando un poco la fotografía porque tuvo algunas clases obligatorias en la escuela secundaria y en la universidad como parte del programa de diseño. Cuando apareció la fotografía digital, se compró una cámara para apoyar con imágenes (bodegones y cosas parecidas) su trabajo de diseño. Consiguió convencer a una ONG cliente suya de compartir los gastos de un viaje a África para hacerles un banco de imágenes y disfrutó tanto del viaje y la fotografía que empezó a fotografiar con un mayor interés, terminando por  enamorarse de la fotografía y poco a poco, con mucha sangre, sudor y lágrimas, se convirtió en fotógrafo a tiempo completo.

Consigue imágenes impactantes (lo que él llama Realismo elevado) para emprendedores que quieran elevar su marca personal y conectar con su audiencia profundamente a través de la narración visual. Ha fotografiado a celebridades como Justin Bieber, Tom Hanks, Usher y Jessica Alba y a empresarios como Tony Robbins y Lewis Howes. También ha trabajado en campañas publicitarias mundiales para grandes marcas como Nike, Chevy, Adidas, Lamborghini y Coca-Cola. Su trabajo ha sido publicado en Marie Claire, Seventeen, Conde Nast Traveler, French Cosmopolitan y otros medios.

En NION Radio Nick explora el cuerpo, la mente y el alma del emprendedor creativo, trayendo a invitados inspiradores e influyentes para ayudar a llevar la creatividad, negocios y vida al siguiente nivel. Adobe también le ha reconocido por su actividad como difusor de la creatividad. Ha trabajado con la organización benéfica Pencils of Promise y cree que la educación es el problema fundamental de nuestro mundo.


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