Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red

Aëla Labbé es una intérprete de baile en danza contemporánea y autora de fotografía francesa (nacida en 1986 en Saint-Nolff, en la Bretaña francesa, vive en Nantes) que tiene un universo único, desde la danza hasta la escritura a través de la fotografía.

© Aëla Labbé

Biografía

Aëla Labbé nació en Bretaña, una región donde los bosques pueden ser mágicos y los cuentos de hadas forman parte de la cultura. Desde muy temprana edad se dedicó al baile, y se trasladó a Holanda para estudiar danza contemporánea en la Hogeschool voor de Kunsten de Ámsterdam. Después iría girando su mirada sensible y poética hacia la exploración de la fotografía, jugando un doble papel como fotógrafa y bailarina.

Como en la coreografía, sus hermosas fotografías dramatizan la expresión del cuerpo e ilustran la relación entre la humanidad y la naturaleza. Los sujetos que fotografía son parte de su mundo privado, sus amigos y familiares, principalmente sus sobrinas. Llena de elegancia y misterio, sus retratos no convencionales nos llevan de vuelta a nuestra infancia y a sus sueños secretos más profundos. La nostalgia, la niñez, los sueños, el amor, los recuerdos, la melancolía son temas recurrentes en sus obras.

La luz y los detalles son muy importantes en sus fotografías. Utiliza cámaras analógicas, le gusta experimentar con película de color o blanco y negro. Lo que le interesa es la materia, el grano, las imperfecciones que dan una dimensión atemporal a sus fotografías.

Su obra ha aparecido en destacadas revistas independientes de todo el mundo y ha expuesto en Francia, Italia, España, Reino Unido y Estados Unidos. Ha realizado trabajos en moda y con varias sellos de música en las imágenes.

Referencias

su página web www.aelalabbe.com (EN [?f]),
L’absente by Aëla Labbé en vimeo (EN [1v]),
Aëla Labbé en flickr (EN [240f]),
Aëla Labbé en bloodtreeliterature (EN [+50f]),
Aëla Labbé en lensculture (EN [20f]),
Aëla Labbé en artpil (EN [40f]),
Aëla Labbé en dirtyharrry (EN [10f]),
Aëla Labbé en famososfotografos [4f],
Aëla Labbé: Using Photography and Dance to Understand Herself en bjp-online (EN [8f]),
Aëla Labbé shoote en argentique avec l'objectif Petzval en lomography (FR [11f]),
Aëla Labbé en fluid-radio (EN [6f]),
This is Your World at the Carte Blanche Gallery en lenscratch (EN [?f]),
L'absente. Aëla Labbé en photobookstore (EN [1f 1v]),
Doors to open, with Aëla Labbé en dionisopunk (EN [34f]),
Aëla Labbé en theardorous (EN [10f]),
Aëla Labbé en facebook (EN [?f]).

Libros

L’Absente, 2013.

Alécio de Andrade fue un poeta, pianista y fotógrafo brasileño (nacido en 1938 en Río de Janeiro, Brasil, fallecido en París en 2003) que residió la mayor parte de su vida en París. Fue miembro de Magnum Photos y su obra está marcada por el uso del blanco y negro y la ausencia de retoque o flash. Le encantaba recorrer las salas del Museo del Louvre haciendo fotografías a sus visitantes.

© Alécio de Andrade

Biografía

Alécio de Andrade estudio derecho entre los años 1957 y 1959. Entre 1960 y 1963 publicó poemas en diversos suplementos literarios en Brasil. En 1961 mientras ganaba premios por su poesía empezó a interesarse por la fotografía.

En 1964 recibió una beca del gobierno de París y comienza a dedicarse a la fotografía de manera profesional. Desde 1966 hasta 1973 fue corresponsal del semanal brasileño Manchete. Entre los años 1970 y 1976 fue miembro asociado de la agencia Magnum Photos.

Entre 1965 y 2002 publicó regularmente con la prensa: Elle, Madame Figaro, Geo, Le Nouvel Observateur, Lui, Marie-Claire, Realities, Il Tempo, Nuova Fotografia, Progresso Fotografico (Italia), Popa (Alemania), Fortune, Newsweek, Fatos e Fotos, Isto É, Jornal do Brasil, Veja (Brasil), …

Alécio focalizó su mirada sobre los visitantes del Museo del Louvre: un público variopinto y con actitudes muy diversas sin el que las obras de arte y la propia pinacoteca carecerían de sentido. Entre 1964 y 2002 hizo unas 12.000 fotos que han dado lugar a la exposición El Louvre y sus visitantes que ha recorrido España en esta década. Cada imagen semeja una escena de teatro que contemplamos por encima de los hombros del artista, mientras los visitantes ofician de actores. Una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los espacios del museo por el público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte.

Referencias

su desaparecida web Alécio de Andrade (FR [?f]),
Alécio de Andrade en ims (PT [?f]),
Alécio de Andrade: El Louvre desde la nuca en estetica-del-arte [10f],
Alécio de Andrade en teatenerife [30f],
Alécio de Andrade en famososfotografos [8f],
Los visitantes del Louvre en hoyesarte [19f],
Alécio de Andrade en culturainquieta [15f],
El Louvre y sus visitantes en laregenta [1f],
Alécio de Andrade en elhurgador [19f],
Exposición de Alécio de Andrade en la Casa de América en sientateyobserva [3f],
Alécio de Andrade en artnet (EN [5f]),
Mostra reúne retratos de personalidades feitos por Alécio de Andrade, fotógrafo da Magnum en oglobo (PT [4f]),
La viuda del fotógrafo Alécio de Andrade dona 27 obras al TEA en europapress [1f],

Libros

Alécio de Andrade – Fotografías, 1979.
Paris ou la vocation de l’image (con texto de Julio Cortazar), 1981.
Enfances, 1986.
Paris: ritmos de una ciudad, 1981.
Alécio De Andrade - Um Momento De Fraternidade, 2008.
Le Louvre et ses visiteurs, 2009.
Chiens Cachorros Dogs, 2017.

Adam Von Mack es un fotógrafo húngaro (nacido en Budapest en 1981, vive en Londres) que realiza fotografía comercial y de moda.

© Adam Von Mack

Biografía

Adam Von Mack nació en Hungría en una familia de origen alemán. Estudió biología, pero después realizó sus estudios de fotografía en Hungría. Se trasladó a Londres, donde trabajo como asistente para fotógrafos de éxito como Ellen vonUnwerteh o Luis Monteiro en Londres, antes de empezar por su carrera personal, centrándose en un estilo que mezcla el arte con los valores comerciales, trabajando principalmente en lencería, belleza y retratos.

Es un conocido admirador de la fotografía tradicional muy influenciado por el fenómeno de las supermodelos de los 90 y la intensa pero respetuosa relación que se establece entre ésta y el fotógrafo. En sus fotografías intenta ser honesto, buscando simplicidad, intimidad, elegancia y energía.

Su trabajo ha experimentado una larga evolución desde sus bellas fotos iniciales en blanco y negro, pasando por un período de trabajos en moda, hasta lo que ahora es su estilo favorito (sonrisas, energía, juventud y un enfoque lúdico) en belleza, estilo de vida y moda.

Divide su tiempo principalmente entre Londres, Alemania, Hungría y Sudáfrica, y cuando puede desarrolla sus proyectos personales de filmación de documentales y trabaja en un libro de retratos Men at Sea.

Fue galardonado por la Asociación Húngara de Fotógrafos en 2003 y nominado para el Hasselblad Masters Award en 2008. Entre sus clientes podemos citar a Lavera Cosmetics Germany, US Polo Assn., Taylor&Hart Jewellery, Wolford, Rimmel, Silhouette Eyewear, Wonderland Magazine, Metal Magazine, Schon Magazine, Tatler, Vulkan Magazine, Marie Claire, Costume Magazine, Cosmopolitan, …

Referencias

su página web www.adamvonmack.com (EN [+100f]),
Adam Von Mack Studio en instagram (EN 170f]),
Adam Von Mack en vimeo (EN [2v]),
su fotoblog (EN [?f]),
Adam Von Mack en productionparadise (EN [13f]),
MiLK signing Emma Frick basks in the sun en wonderlandmagazine (EN [12f]),
Adam Von Mack en famososfotografos [4f],
Adam Von Mack en Fotógrafo Famoso del Día en youtube [1v],
Adam Von Mack en selectedviews (EN [8f]),
Adam Von Mack en ddjpublicidad (EN [6f]),
Little thief of eggs en knotsmagazine (EN [6f]),
Sophie Olsson shot by Adam Von Mack en promod (EN [5f]),
Vika Mironova shot by Adam Von Mack en justwm (EN [4f]),
Angelika Skulimowska shot by Adam Von Mack en justwm (EN [3f]),
Adam Von Mack en twitter (EN [?f]),
Adam Von Mack en facebook (EN [?f]).

Alfonso Ohnur es un fotógrafo de moda español (nacido en Madrid) al que influyen notablemente en su fotografía el diseño, el arte, la arquitectura y el cine aunque, sin duda, lo que le más le mueve es el instinto. Instinto que ha conquistado a Dior, a Carolina Herrera, a Loewe y a Louis Vuitton.

© Alfonso Ohnur

Biografía

Alfonso Ohnur es un fotógrafo de origen uzbeko con más de 20 años de experiencia en la industria de la moda. Ha colaborado con algunos de los fotógrafos de moda más relevantes como Javier Vallhonrat, Alexi Lubomerski, Paola Kudacki, Giampaolo Sgura, Mariano Vivanco, Danny Clinch, … y publicado en publicaciones nacionales e internacionales como Vogue, Esquire, Glamour, Harper's Bazaar, Marie Claire, L'Officiel, Madame Figaro y ha trabajado para marcas como Zara Woman, Zara Men, Zara Home, Carolina Herrera, Cartier, Carrera y Carrera, Massimo Dutti, Uterqüe, Custo, Sfera, Pedro del hierro, Hoss Intropia, Pepsi Worldwide y un largo etcétera.

Influenciado por el diseño, el arte, la arquitectura y el cine, Alfonso crea fotografías con atmósferas que recuerdan los fotogramas de las películas.

Referencias

su fotoblog [?f],
Alfonso Ohnur en instagram [+25f],
Alfonso Ohnur en models [?f],
Alfonso Ohnur en thefashionisto (EN [?f]),
Alfonso Ohnur en karmende [22f],
Ghost Festival en neo2 [9f],
Alfonso Ohnur en lh-photoagency (EN [17f]),
Alfonso Ohnur en famososfotografos [9f],
Alfonso Ohnur en fotógrafo famoso del día en youtube [1v],
Alfonso Ohnur y ‘Masters’, la fotografía del instinto en lofficiel [2f],
Alfonso Ohnur en fashionproduction [9f],
Un viaje por el desierto en pedrodelhierro [20f],
Harper's Bazaar España | Winter at the Pier en lebook (EN [7f]),
Elsa Pataky muy sensual para Citizen K en 20minutos [7f],
Appaloosa Girl de Alfonso Ohnur en fotos-iran [11f].

Hermenegildo Otero fue un fotógrafo vasco (nacido en 1841 en San Sebastián, donde murió en 1905) cuya obra ha dado lugar a una estimadísima colección de fotografías en que se perpetúan recuerdos del San Sebastián del tiempo de las murallas y cuadros típicos de costumbres locales y cuantos sucesos de importancia se registraron en esta ciudad en la segunda mitad del siglo XIX.

Arco de Triunfo, Avenida de la Libertad Hermenegildo Otero

Biografía

Hermenegildo Otero comenzó a hacer fotografías hacia 1862 en el taller del pamplonés Valentín Marín, al cual se asociaría, para quedar posteriormente como único dueño del gabinete una vez que Marín se trasladó a Pamplona.

A comienzos de 1870 comenzó una relación profesional con el fotógrafo Miguel Aguirre Aristiguieta lo que unido a la afición de Otero por su tierra y sus fiestas populares, dio lugar a una estimada colección de fotografías que perpetúan las costumbres locales y cuantos sucesos de importancia tuvieron lugar en el San Sebastián del tiempo de las murallas y posterior. También realizaron fotografías de otros pueblos y ciudades españolas, como las andaluzas.

En aquella época, San Sebastián era una plaza fuerte, una pequeña población de pescadores amurallada, que marcaba la vida cotidiana de sus vecinos y la fisonomía del entorno. Los de intramuros, la gente que vivía en el interior se recogían al toque de queda. Los del exterior, dispersados en cientos de caseríos, se expandían por la vega del Urumea y las marismas que llegaban hasta Añorga.

Cuando se retiró la primera piedra de la muralla en 1863, el espacio urbano fue alcanzando, poco a poco, el entorno que hoy conocemos. Los fotógrafos de la época, como Otero y los citados Marín y Aguirre dejaron constancia de esa fusión de áreas humanas y de la transformación de una población atrapada durante siglos en el interior de una ciudad amurallada, en una metrópoli cosmopolita.

Retratistas de estudio y documentalistas, el trabajo de estos fotógrafos refleja sobre todo la ciudad de San Sebastián del último tercio del siglo XIX. Por delante de sus cámaras desfilaron desde las familias más distinguidas hasta los tipos populares y los militares de la II Guerra Carlista. Realizaron decenas de retratos de la sociedad donostiarra y fueron los primeros en reflejar de una manera sistemática los deportes vascos. En sus placas han quedado inmortalizados elementos urbanos ya desaparecidos como el antiguo Puente de Santa Catalina o la Puerta de Tierra, así como los bombardeos de Durango y escenas de la defensa de San Sebastián, en las Guerras Carlistas.

En 1992, la exposición Las fuentes de la memoria I incluyó el trabajo de Otero y Aguirre. Ambos fotógrafos tienen obra en el Museo de San Telmo, en San Sebastián; también en la colección Iñaqui Aguirre, donde se conserva un autorretrato de ambos con la cámara, a orillas del río Urumea, realizado hacia 1880. También obras de ambos formaron parte de la colección Rafael Munoa que ahora pertenece a la Kutxateka.

Referencias

Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].
Hermenegildo Otero en kutxateka [6f],
Vista de Sn Sn desde el macho, colección Hermenegildo Otero en euskadi [1f],
La fábrica de vidrio de Ondarreta. Valentín Marín y Hermenegildo Otero, 1880 en santelmomuseoa [1f],
Itsas marruma. Viejas imágenes fotográficas del litoral vasco. 1850-1960- en itsasmuseoa [6f],
Evolución urbana de la ciudad de Donostia-San Sebastián en la primera época de la historia de la fotografía (1839-1874). Fondo Fotográfico Rafael Munoa en euskonews [2f],
Fondo Fotográfico RAFAEL MUNOA ROIZ. Construcción de una capital en sala-kubo-aretoa [12f],
Raimundo Sarriegi, Donostiako bandaren buruan en naiz (EU [1pdf]),
Album fotográfico de Francisco López Alén (parte 1ª) en comedurasdetarro [7f],
Album fotográfico de Francisco López Alén (parte 3ª) en comedurasdetarro [2f].

Libros

Las fuentes de la memoria I, Publio López Mondéjar, 1991.
Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Alejandro Kirchuk es un fotógrafo y videoperiodista argentino (nacido en 1987 en Buenos Aires, donde se reside) cuyo trabajo se centra principalmente en proyectos documentales personales a largo plazo en Argentina y Sudamérica.

© Alejandro Kirchuk

Biografía

Alejandro Kirchuk descubrió la fotografía a finales de 2006, cuando apenas contaba con 19 años. Se graduó en la escuela de fotografía de Andy Goldstein, en Buenos aires. Hoy es un fotógrafo documentalista freelance, cuyo trabajo está enfocado en proyectos documentales a largo plazo en Argentina y América Latina.

Entre 2011 y 2012 fue becado por los Fondos Nacionales para las Artes en Argentina (FNA). Ganador en 2012 del World Press Photo Award en historias de la vida diaria, por su trabajo Never let you go sobre la enfermedad de alzheimer de su abuela. En 2017, fue seleccionado para participar en la Joop Swart Masterclass del World Press Photo.

Sus trabajos han sido también reconocidos por múltiples organizaciones como POYi, Magnum Expression Award, Ian Parry Scholarship, PhotoEspaña, NPPA, Premio Terry O'Neill, Lumix FotoFestival, entre otras. Sus fotos se publican regularmente en distintos medios internacionales como The New York Times, The Wall Street Journal, The Guardian, Stern, ESPN Magazine, Sports Illustrated China, ...

Referencias

su página web www.alejandrokirchuk.com (EN, ES [+140f]),
Alejandro Kirchuk en instagram [+200f],
Alejandro Kirchuk en flickr [+180f],
Alejandro Kirchuk en vimeo [7f],
Río invisible [?f],
Alejandro's Stories en phmuseum (EN [+50f]),
Life Along a Poisoned River en newyorker (EN [17f]),
Alejandro Kirchuk. The City Without Rivers en worldpressphoto (EN [11f]),
Little Kingdom en espacioshabitados [9f],
Alejandro Kirchuk en zonezero [18f],
Alejandro Kirchuk en famososfotografos [4f],
Alejandro Kirchuk en fotógrafo famoso del día en youtube [1v],
Alejandro Kirchuk en ivasfot [4f],
Alejandro Kirchuk. “Never let you go”, World Press Photo 2012 en fotografiaanonima [12f],
La noche que me quieras, de Alejandro Kirchuk: un World Press Photo con Alzheimer en rebecapardo [3f],
Se conocieron los ganadores de las Becas Fulbright convocadas por el Fondo Nacional de las Artes en diariodecultura,
El fotógrafo de lo que no se ve en blogdeblogs [6f].

Pawel Bajew es un fotógrafo polaco (nacido en 1981, vive en Pulawy) que se caracteriza por un estilo surrealista, con toques humorísticos y satíricos, a través del retrato y del autorretrato.

© Pawel Bajew

Biografía

Pawel Bajew es un fotógrafo autodidacta que comenzó su aventura con la fotografía en 2007. Se caracteriza por un estilo surrealista, con toques humorísticos y satíricos, a través del retrato y del autorretrato. Su serie más conocida trata, precisamente, de autoretratos manipulados digitalmente que dejan entrever su lado más irónico.

Entre sus proyectos, Bajew realiza series de extraños retratos que representan a todo tipo de personajes, tanto divertidos como perturbadores. Algunas de las fotografías utilizan objetos inanimados, como soportes de jabón, para crear la apariencia de extrañas criaturas vivientes. Otras fotos también presentan seres humanos, pero no son retratos, utilizando las distintas partes del cuerpo de la persona de una manera abstracta para crear una imagen sorprendente. Brazos y manos se convierten en cuello y cara alienígenas, con botellas como ojos. Incluso las imágenes que muestran formas humanas reconocibles todavía tienen giros surrealistas, como un cuerpo sin cabeza colgando de la ropa en un tendedero o un hombre cuya cabeza es reemplazada por un fregadero. La mayor parte de los trucos visuales están realizados por composición, y no a través de la edición y están realizados con cámaras viejas.

Ha realizado numerosas exposiciones, como Świat według Bajewa en la ZPAF Gallery de Varsovia en 2008, Dziwadła(Caminando en el techo) en Puławy en 2009, consiguió un 3er lugar en el Festival Internacional de Fotografía Joven en Jarosław en 2009, obtuvo el primer lugar en el concurso Bandera de la República de Polonia en la lente organizado por la Oficina de Seguridad Nacional, publicó sus fotografías en el libro New Nude Polish Photography en 2009.

Ganó la sección ShowOff del Photomonth en Cracovia con su serie Autorretratos comisariada por Tomek Sikora en 2010, que se expondría posteriormente en la Galería Pauza de Cracovia y en el Instituto Polaco en Bulgaria en 2011. Realizó una sesión de fotos para la banda Illusion en 2011, presentó su trabajo en forma de proyección multimedia durante el 8º Festival Internacional de Fotografía en Rybnik, expuso en 2012 su serie Portraits en Varsovia, Poznań, Gdańsk, Puławy, Lublin y otras ciudades. Paweł es también el autor de 12 portadas consecutivas para la revista Zoom.

Referencias

Pawel Bajew en instagram [+600f],
Pawel Bajew en facebook (PL [?f]),
Pawel Bajew en behance [?f],
Pawel Bajew en plfoto (PL [+300f]),
Pawel Bajew en galerialeonardo (PL [4f 1v]),
Pawel Bajew en oldskull [22f],
Pawel Bajew en czytajniepytaj (PL [16f]),
Paweł Bajew. Zdjęcia mentalnego pornografa. en fotodinoza (PL [24f]),
Strange Portraits by Pawel Bajew en fubiz (EN [21f]),
Pawel Bajew, un indigente en la corte en makamo [13f],
Pawel Bajew's Photos en myarthaus (EN [12f]),
Pawel Bajew’s Comedic Self-Portraits en myarthaus (EN [11f]),
Pawel Bajew en famososfotografos [5f],
Pawel Bajew en beslow (PL [3f]),
Pawel Bajew en zeutch (FR [5f]),
Pawel Bajew Portrait Project en madamehunter (EN, ES [3f]).

Ramón Serras es un pastelero y fotógrafo vasco (nacido en 1943 en Zarautz, Gipuzkoa, donde vive) cuya obra se fundamenta en la villa costera de Zarautz, plasmando en imágenes a personalidades locales, recogiendo con carácter artístico miles de imágenes de la playa, del malecón, acontecimientos deportivos o culturales de esta localidad.

© Ramón Serras

Biografía

Ramón Serras nació en el seno de una familia dedicada a la pastelería. Pronto se aficionó a la fotografía con la máquina fotográfica de su padre. Autodidacta, comenzó no solo a fotografiar de forma documental o histórica su localidad natal, sino que buscó nuevas formas de desarrollo artístico y creativo. La curiosidad le llevó a practicar todos los temas y métodos desde el daguerrotipo a la goma bicromatada pasando por cibacrome, estenopeicas, fotografía con anilinas, … y sobre todo las Polaroids manipuladas, que con sus obras sobre la temática de la mujer han sido su obra más característica dentro de un estilo muy personal.

Sus primeros trabajos pronto alcanzaron reconocimiento tanto a nivel estatal como en el extranjero, siendo expuestos en numerosas salas como el Museo de San Telmo, Museo Bellas Artes de Bilbao y la Galería Contraluz de Pamplona. Ha expuesto de forma individual, desde 1982, en Zarautz, Donostia, Oñati, Bergara, Eibar, Ermua, Elgoibar, Deba, Lekeitio, Bilbao, Durango, Zumaia, Zaragoza, Barcelona, Salamanca, Valencia, Córdoba, entre otros lugares, así como en Italia y Austria. Participante asimismo en muestras colectivas en el País Vasco, España y en Estados Unidos, Francia, Alemania y Bélgica, entre otros países.

Maestro por la Federación Internacional de Arte Fotográfico (FIAP) en 1989, tiene en su haber premios internacionales como el de Birkenead (Inglaterra) en 1985 y 1986, Europicamera (Bélgica) en 1987, el Venus de Cracovia (Polonia) en 1987 y 1988, y el XXXIV Camera Luxembourg de 1989, y los Trofeo Gipuzkoa Internacional de 1986, 1990 y 1991. Bernardo Atxaga, Anjel Lertxundi y Pello Esnal son solo algunos de los escritores o músicos que quisieron ilustrar alguna de sus portadas de sus libros o discos con una de sus imágenes.

Otra de las facetas destacadas de su vida ha sido la de dinamizador de la vida cultural y social de Zarautz. Desde su fundación participó activamente en la Asociación de Padres de Familia, en 1980 creó la Zarauzko Argazkizale Elkartea-Sociedad Fotográfica de Zarautz, siendo nombrado primer presidente de la misma, impulsando de esta forma la formación fotográfica entre los zarauztarras. Con la ayuda de Kutxa publicó el libro Zarauzko Argazkiak 1866-1936, publicación fundamental y básica para conocer la historia fotográfica de la villa de Zarautz a través de fotografías antiguas.

Como amante de la fotografía, además de creador y divulgador, también se convirtió en coleccionista fotográfico, tanto de instantáneas como de cámaras e instrumentos. Empezó comprando imágenes antiguas de Zarautz y alrededores, y terminó montando en 1993 junto con el promotor cultural Leopoldo Zugaza, y con la colaboración del Ayuntamiento de Zarautz fundó el Photomuseum de Zarautz, el primer museo especializado en fotografía del Estado español.

Referencias

Serras Aizpurua, Ramón en aunamendi,
Ramón Serras en euskonews (EU [?f]),
Medalla al Mérito cultural para Ramón Serras en diariovasco [1f],
Ramón Serras en euskonews [8f],
Ramón Serras en kulturazarautz (EU [6f]),
Fotógrafo nº 6 Ramón Serras, el pastelero que era fotógrafo en importancioso [4f],
La fotografía es mucho más que hacer fotos con una máquina en diariovasco [1f],
Medalla al mérito cultural (Ramón Serras) en sfg-ss [1f],
Ramón Serras. Retrato de Jorge Oteiza en artesubastasbilbao [1f],
Exposición: Zarautz (Ramón Serras) en turtzioz [1f],
Exposición de Ramón Serras en la SFG en digimag [1f],
Museo Vasco de la Fotografía en bilbao [1pdf],
Ramón Serras. Zarauzko Argazkiak. Polaroid 1988-1998 en llibresdelmirall [4f],
Medalla al Mérito de Cultura para Ramón Serras en noticiasdegipuzkoa [1f].

Libros

Zarauzko Argazkiak, (Polaroid).
Zabalbideak (Panorámicas) con texto de Bernardo Atxaga, 2003.
Photo Álbum. Galería de retratos.
Lanak eta Egunak/Los trabajos y los días (Polaroid).
Zarauzko Argazkiak 1866-1936. (Colección de fotografías históricas de Zarautz).
Oteizak Zarautzeri (Oteiza en Zarautz).

Damian Milczarek es un fotógrafo polaco (nacido en 1984 en Sochaczew) que realiza fotografía de calle (principalmente) y de viajes.

© Damian Milczarek

Biografía

Damian Milczarek se graduó en el Departamento de relaciones internacionales de la Universidad de Lazarski en Varsovia y en el Departamento de Sociología de la Universidad SWPS. Es especialista en tecnologías de la Información y gerente en el sector de las telecomunicaciones.

Comenzó su aventura con la fotografía en 2009. Le apasiona el paisaje y la fotografía de viajes, pero especialmente la fotografía de calle desde 2016. Desde entonces, ha estado constantemente estudiando sus secretos y todos los días recorre el mundo con la cámara en la mano, en busca de historias inusuales, personas interesantes y situaciones con un cierto humor. Dos ciudades inspiradoras y muy diferentes, a las que a menudo vuelve en busca de escenas excitantes son la bulliciosa Londres y la tranquila y melancólica Oslo.

La fotografía de calle es un desafío tanto para el ojo como para la mente para controlar simultáneamente el espacio, los diferentes planos y las personas en movimiento. Por ello, en la calle apaga su pensamiento, se pone auriculares y escucha sus álbumes favoritos, Queen o Guns N 'Roses, llegando al trance, intentando sentir el momento en el que vale la pena detenerse y capturarlo.

Le inspiran los fotógrafos tailandeses contemporáneos, en especial Tavepong Pratoomwong y los polacos asociados en el colectivo Un-Posed.

Ha sido premiado en concursos de fotografía de calle y finalista en los Siena International Photo Awards, Leica Street Photo, StreetFoto San Francisco, Miami Street Photography Festival, Interphoto Białystok Festival Street Art Photo, ...

Referencias

su página web www.damianmilczarek.pl (EN [?f]),
Damian Milczarek en instagram (EN [+60f]),
Damian Milczarek en 500px (EN [+350f]),
Damian Milczarek en medium (PL [?f]),
Damian Milczarek en behance [11f],
Damian Milczarek en nationalgeographic (EN [1f]),
Damian Milczarek en eyeshotstreetphotography (EN [12f]),
Damian Milczarek en fotoblogia (PL [16f 1v]),
Damian Milczarek en streetphotography (EN [20f]),
Damian Milczarek en szerokikadr (PL [8f]),
Announcing the Phos Athens Street Photography Festival 2018 Singles Contest Winners en streethunters (EN [1f]),
1st Place: Street - Damian Milczarek, Poland en chromaticawards (EN [1f]),
Damian Milczarek en leica-gallery (PL [1f]),
Oto wyniki Leica Street Photo 2018 - zobacz najlepsze polskie zdjęcia uliczne en fotopolis (PL [1f]),
Damian Milczarek en bspfestival (EN [1f]).

Gabriel Valansi es un artista visual y fotógrafo argentino (nacido en 1959 en Buenos Aires, donde vive y trabaja) que utiliza varios medios de expresión artística como son el vídeo, la instalación y la fotografía.

© Gabriel Valansi

Biografía

Gabriel Valansi estudió física e ingeniería y, en la actualidad, utiliza varios medios de expresión artística como el vídeo, la instalación y la fotografía. Es profesor de Diseño audiovisual y Medios expresivos en las carreras de Diseño Gráfico y Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires. También ha realizado labores como crítico, comisario y jurado en distintos premios de fotografía y Artes Visuales.

Sus participaciones y exposiciones más recientes han sido la XI Bienal de La Habana en Cuba en 2012 (también en 2003), Les Recontres d´Arles en 2012, Ushuaia en 2001 y Babel en la Fundación YPF en Buenos Aires en 2010.

En el 2001 recibió la distinción al artista del año otorgada por la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, que en 2005 consideraría a su muestra Abstract en el Museo De Arte Moderno de Buenos Aires como la mejor muestra multimedia del año. También en 2005 consiguió el The OSDE Foundation Award for Visual Arts.

Su trabajo ha sido mostrado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, España, Francia, Austria, Alemania, Israel, Suiza, Estados Unidos, Brasil, Colombia y Paraguay, y en importantes publicaciones nacionales e internacionales.

Su obra forma parte de importantes colecciones nacionales e internacionales como el Museo de las Artes Modernas de Buenos Aires (MAMBA),Museo de Artes Contemporáneas de Rosario (MACRO), Museo Emilio Caraffa (MEC) en Córdoba, Argentina, Museo de Bellas Artes en Houston, Bibliothèque Nationale en París, Museo de Arte Moderno de Sao Paulo en Brasil, Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y Casa de las Américas en La Habana, entre otros.

Referencias

su página web gabrielvalansi.com [?f],
Gabriel Valansi en instagram [+450f],
Gabriel Valansi en youtube [1v],
Gabriel Valansi en rolfart [+180f],
Gabriel Valansi en arteba [1f],
Gabriel Valansi en boladenieve [8f],
Gabriel Valansihttps: "La historia es una ficción" en telam [?f],
Gabriel Valansi en rencontres-arles (EN [4f]),
Gabriel Valansi. Transformación de una imagen en lanacion [2f 1v],
El futuro de la memoria olvidada en alphavilles [5f],
Gabriel Valansi en zibilia [1f],
Gabriel Valansi en Santa fe: de Witkin al libro de Génesis. Un viaje al mundo de la fotografía en luzdeciudad [3f],
Babel, de Gabriel Valansi en martinwullich [5f],
Gabriel Valansi - Work en cargocollective [6f],
La mirada oculta de Silvia Rivas, Marcelo Brodsky, Gabriel Valansi, Alejandro Thornton, Narcisa Hirsch, Javier Olivera en Rolf en ramona [7f],
Sinister Beauty: A Conversation with Gabriel Valansi en sculpture (EN [1f]),
Gabriel Valansi: “El arte debe replantearse cosas” en radionacional [1v].

Libros

GABRIEL VALANSI. Amateur
Work. 1999-2012, 2013.

Daniel Castonguay es un fotógrafo canadiense (nacido en 1965 en Dolbeau, Quebec, vive en Montreal) que realiza fotografía callejera como un modo de expresión. Transmitir una emoción y que el espectador viaje en un mundo de ensueño dejando todo el espacio a la imaginación es la esencia de su trabajo fotográfico.

© Daniel Castonguay

Para mí, la fotografía callejera es más que "hacer fotos", y forma parte de un boceto teatral continuo donde represento el papel del observador.

Biografía

Daniel Castonguay comenzó con la fotografía en 1979 como una actividad extracurricular. Se trasladó a Montreal en 1989 y viviendo en el animado, dinámico, artístico, cosmopolita y en constante evolución distrito Plateau Mont-Royal de Montreal, escenario de una agitada vida cotidiana donde se celebran ferias, espectáculos y animaciones de todo tipo, fue conducido naturalmente a la fotografía callejera para representar la vida cotidiana en su forma más simple y temperamental, aunque saltándose las reglas que rodean este tipo de fotografía en el sentido puro de su definición.

A principios de los años 80 comenzó a trabajar en un cuarto oscuro haciendo impresiones convencionales. Con el fin de añadir un estilo más temperamental a su trabajo, decidió ir más allá de la impresión directa y usó diferentes técnicas como las máscaras, difusión, quemados, exposición múltiple y el efecto Sabattier (solarización). Hoy en día, en la era digital, Daniel procesa su trabajo en Photoshop de la misma manera que en los años 80.

Su trabajo de postproducción le permite poner el énfasis en el estado de ánimo, la atmósfera en la que se encontraba cuando disparó el obturador. Con ello da a su fotografía callejera un nivel de fantasía y esto le permite no sólo mostrar imágenes, sino también su estado de ánimo, creando un mundo inspirador lleno de poesía.

Referencias

su página web www.dancastudios.com (EN [?f]),
Daniel Castonguay en instagram (EN [+70f]),
Daniel Castonguay en artlimited (EN [+120f]),
Daniel Castonguay en photographize (EN [20f]),
Daniel Castonguay en 1x.com (EN [+50f]),
Daniel Castonguay en behance (EN [?f]),
Daniel Castonguay en bell-gallery (EN [7f]),
Daniel Castonguay en lensculture (EN [11f]),
Daniel Castonguay: Photographer of the week en 1x.com (EN [16f]),
Spacende foto's van Daniel Castonguay en haerlemsbodem (NL [3f]),
Quotidian Life by Daniel Castonguay en dodho (EN [16f]),
Daniel Castonguay en photoshopandphotography (EN [7f]),
Daniel Castonguay en facebook (EN [?f]).

Eugene Vardanyan es un poeta, músico, escritor, artista, diseñador, psicólogo y fotógrafo armenio (nacido en 1978 en Moscú, Rusia) considerado uno de los fotógrafos más escandalosos que trabajan en diferentes estilos: gótico alternativo, glamour punk, retrato de género, portafolios para modelos, fotografía erótica artística y fotografía clásica. Sus obras pueden causar admiración o repulsa, pero no dejan a nadie indiferente.

© Eugene Vardanyan

Biografía

Eugene Vardanyan, alias Leda, nació en una familia de médicos y maestros. Ya de niño empezó a hacer fotos y a experimentar con la fotografía. Con su abuelo revelaron fotos en el baño y hacía todo tipo de trucos divertidos cubriendo algunas partes del papel fotográfico con juguetes, letras del alfabeto y otras cosas.

En 1998 renunció a la música y a la lingüística y se volvió hacia el diseño web, y tuvo que lidiar con fotos de otros para crear collages y así a los dos años empezó a usar una máquina de fotos mala con la que conseguía fotos que no estaban mal. Luego con una cámara profesional llegó a otro nivel a pesar de ser autodidacta.

Fundó el portal más grande sobre el tema de la magia y los sueños en Runet dreamer.ru. También es el autor de una serie de artículos de éxito sobre el tema del diseño y la tecnología para la creación de collages.

Fue uno de los fundadores del género darkwave en fotografía, dentro del que realizó varias exposiciones, en solitario y en grupo. Sus obras de arte y publicitarias han sido publicadas en diversos periódicos y revistas en Rusia y en el extranjero. Han hablado de él en televisión, le temen, lo aman, lo odian, pero continúan mirándolo y discutiéndolo, porque es imposible apartar los ojos de sus obras.

Muchas de sus obras se encuentran en colecciones privadas en Moscú, Viena, Praga, La Haya y Vilna. Eugene tiene una visión no estándar y la capacidad de mostrar otra realidad, el lado místico de las cosas ordinarias y naturales. En sus obras, mucha subestimación, ambigüedad, indignación, ridiculización por sobre moda y glamour. No contienen gráficos de computadora, todo lo que ve es un ejemplo de exposición múltiple compleja de múltiples capas. Un alto nivel técnico y detalles bien pensados permiten considerar un trabajo durante mucho tiempo, y solo así verlo como el autor quería mostrarlo, sentir su música, emociones y energía, lo que, curiosamente, dependerá del estado de ánimo y del estado.

Eugene encuentra sus modelos entre la gente común que no está relacionada con el negocio de los modelos, y prefiere la naturalidad y las emociones vivaces de una persona a una representación modelada de modelos profesionales brillantes. Tal vez sea una de las pocas personas que pueden permitirse hacer el trabajo de lo que él quiere, no enfocándose en los aspectos morales y éticos de la sociedad, pero permaneciendo dentro de ella.

Referencias

su página web www.art-ev.ru (RU [?f]),
Eugene Vardanyan en photosight (RU [+700f]),
Eugene Vardanyan en deviantart (EN [14f]),
Eugene Vardanyan en lascerezasdexondicar [44f],
Eugene Vardanyan en post35mm (EN [+50f]),
Eugene Vardanyan – Realidad Diferente en enkil [12f],
Eugene Vardanyan en photoforum (RU [5f]),
Eugene Vardanyan en all-art (EN [11f]),
Eugene Vardanyan en famososfotografos [3f],
Eugene Vardanyan en lacanciondelasirena [9f],
Eugene Vardanyan en pigtailsinpaint (EN [6f]),
Eugene Vardanyan en rojocinabrio [9f],
Feel the Freedom by Eugene Vardanyan en acriacao (PT [5f]),
Eugene Vardanyan en altaionline (RU [7f]),
Eugene Vardanyan en pozoblock (EN [9f]).

Libros

Armenian Contemporary Nude Photography, varios, 2010.

Germán Gracia fue un pintor y fotógrafo español (nacido en 1862 en Agres, Alicante, fallecido en 1942) que durante más de 4 décadas documentó a las gentes y eventos de la ciudad de León y sus alrededores.

© Germán Gracia

Biografía

Germán Gracia estudió pintura en el taller de José Estruch, maestro también de Sorolla, antes de instalarse con 25 años en León y abrir allí un estudio que era un taller de pintura y fotografía moderna especializado en ampliaciones y reproducciones. Posteriormente comenzó a anunciarse como creador de fotografía artística de primer orden, pintura y taller de dorador. En 1910 se incorporó al negocio su hijo Pepe Gracia, otro destacado de la fotografía leonesa, que trabajó con él como ayudante de laboratorio y como fotógrafo hasta que después de contraer matrimonio se estableció por su propia cuenta en la misma ciudad de León.

Hombre de fuerte personalidad y marcado temperamento artístico, practicó tanto el retrato de gabinete como el reportaje de calle, y pronto se convirtió en uno de los primeros en documentar el desarrollo y la evolución de la provincia y la capital leonesa. En su estudio realizó fotografías familiares, conmemorativas y retratos de deportistas, intelectuales y autoridades de la ciudad. Llevado por un interés permanente por los aspectos etnográficos, recorrió toda la geografía regional fotografiando el paisaje, las ciudades, los pueblos, las ferias, fiestas y los tipos populares. Sus imágenes más impactantes son las de los carboneros de 1895, las emotivas anovenarias de la Virgen del Camino de 1900 y la Semana Santa leonesa de 1906.

La fiebre de las postales que llegó a España a finales del siglo XIX y principios del XX, coincidió con la reapertura al culto de la Catedral de León en 1900 y generó una oleada de imágenes comercializadas por diversas empresas y realizadas en parte por autores locales como Germán o su discípulo Winocio Testera, y que documentaron las arterias ciudadanas, el estado de los monumentos y a los habitantes de León. El álbum León, vistas y monumentos de la ciudad que Germán regaló al Rey Alfonso XIII en 1898 recoge también fotografías de la ciudad editadas como postales.

Fue premiado en la Exposición Universal de París de 1900, como hizo constar en el reverso de sus cartas de visita. A su muerte dejó un importante legado, cuyo mayor volumen se encuentra repartido entre las colecciones privadas de José Luis García Maraña y Ninfa Gracia, nieta del fotógrafo.

En 2011, la Concejalía de Cultura Leonesa organizó una muestra con más de 300 fotografías y postales del autor, El León de Germán Gracia. Paisajes y personajes, que pudo verse en el Palacio de Don Gutierre. Esta muestra dibuja un retrato evocador de gran parte de la historia de León, desde finales del XIX hasta principios del XX, y narra de alguna manera, también, la evolución que ha experimentado la capital leonesa y sus gentes. Incluye también autorretratos del propio Germán, así como monumentos, calles y rincones de la ciudad en muchos casos ya irreconocibles.

Referencias

Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f].
Germán Gracia en wikimedia (EN [2f]),
Germán Gracia en todocoleccion [9f],
Fotografía antigua León. Germán Gracia. Actualización de datos. La fotografía en León. 1839-1900. Tesis . Isabel Barrionuevo en alonsorobisco [3f],
El tiempo y los ritos. Sueños de plata. Fotografía y antropología en Castilla y León en museo-etnografico [4f],
El León que fotografió Germán Gracia en diariodeleon [9f],
Recuerdos de León, en formato digital en leonoticias [3f],
Recuerdos de León, en formato digital en leonoticias [3f],
El Archivo Histórico busca fotografías para capturar la esencia del León antiguo en ileon [1f],
Paisajes y personajes de León antiguo en imágenes de Germán Gracia en elmundo [3f].

Libros

León, 1895.
Las fuentes de la memoria, de Publio López Mondéjar, 1991.
El León de Germán Gracia. Paisajes y Personajes, 2011.
Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Natalia Baluta es una fotógrafa rusa (nacida en Moscú, donde vive y trabaja) que trabaja con fotografía, collage, instalaciones y libros de artista. También investiga y colecciona photobooks, especialmente álbumes soviéticos de 1940 a 1980.

© Natalia Baluta

Biografía

Natalia Baluta se graduó de la Universidad Estatal de Electrónica de Moscú en 1998. En 2012-2015 estuvo emprendiendo el curso Fotografía como estudio en el Instituto FotoDepartament de San Petersburgo. En 2015 realizó el curso Arts, Entertainment y Media Management de la Universität Lüneburg y el Goethe Institut.

Natalia trabaja con fotografía, collage, instalaciones y libros de artista. También investiga y colecciona photobooks, especialmente álbumes soviéticos de 1940 a 1980. En 2015, cofundó el colectivo Autopublicación Independiente Rusa para representar libros de artistas y fotógrafos de Rusia en festivales y ferias internacionales.

Su práctica artística se centra en cuestiones de interconexión e influencia mutua del espacio, el tiempo y la información, la mitología local, la decodificación y la creación de nuevos rituales y mitos. En sus obras combina los métodos de arte y ciencia, empleando diversas metodologías de investigación.

Sus obras han sido incluidas en diversas exposiciones colectivas y sus libros se encuentran en colecciones privadas e institucionales y bibliotecas de Rusia y del extranjero, incluyendo Beinecke Rare Book & Manuscript Library de la Yale University, biblioteca del Thomas J. Watson Metropolitan Museum of Art en Nueva York, biblioteca del John Flaxman Art Institute de Chicago, etc.

Referencias

su página web nataliabaluta.viewbook.com (EN [?f]),
Natalia Baluta en instagram (EN [+100f]),
Sea I become by degrees by Natalia Baluta en vimeo (EN [1v]),
Natalia Baluta. Runes en archivoplatform [4f],
ПОТОМ/after a while/ Natalia Baluta en gabrielacendoya [41f],
Natalia's Stories en phmuseum (EN [14f]),
Natalia Baluta en fotofilmic (EN [15f]),
Sea I Become by Degrees en gupmagazine (EN [5f]),
2017 SHORTLIST en anamorphosisprize (EN [1v]),
Natalia Baluta - After a while en josefchladek (EN [11f]),
Natalia Baluta - Sea I become by degrees en josefchladek (EN [19f]),
Natalia Baluta joins World PhotoBook Day celebrations en photobookday (EN, RU [1f]),
BALUTA, Natalia. Magma en cultjones (EN [5f]),
Natalia Baluta - Sea I become by degrees en theangrybat (EN [9f]),

Libros

Live even for 100 years, 2018.
Sea I become by degrees, 2017.
Magma, 2015.
After a while, 2014.

© Germán Gracia

Biografía

Referencias

Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f].
Germán Gracia en wikimedia (EN [2f]),
Germán Gracia en todocoleccion [9f],
Fotografía antigua León. Germán Gracia. Actualización de datos. La fotografía en León. 1839-1900. Tesis . Isabel Barrionuevo en alonsorobisco [3f],
El tiempo y los ritos. Sueños de plata. Fotografía y antropología en Castilla y León en museo-etnografico [4f],
El León que fotografió Germán Gracia en diariodeleon [9f],
Recuerdos de León, en formato digital en leonoticias [3f],
Recuerdos de León, en formato digital en leonoticias [3f],
El Archivo Histórico busca fotografías para capturar la esencia del León antiguo en ileon [1f],
Paisajes y personajes de León antiguo en imágenes de Germán Gracia en elmundo [3f].

Libros

León, 1895.
Las fuentes de la memoria, de Publio López Mondéjar, 1991.
El León de Germán Gracia. Paisajes y Personajes, 2011.
Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI, 2013.

Alfred Cheney Johnston fue un fotógrafo estadounidense (nacido el 8 de abril de 1885 en Nueva York, fallecido el 17 de abril de 1971 en Connecticut) conocido por sus retratos de las Showgirls de Ziegfeld Follies, así como de actores y actrices de los mundos del escenario y del cine.

Biografía

Alfred Cheney Johnston nació en una próspera familia de banqueros de Nueva York, que posteriormente se trasladó a Mount Vernon, Nueva York. Inicialmente estudió pintura e ilustración en la National Academy of Design en Nueva York, pero después de graduarse en 1908 (y casarse con su compañera de estudios Doris Gernon el año siguiente), sus esfuerzos para ganarse la vida como pintor de retratos no tuvieron éxito, comenzando a emplear la cámara fotográfica que utilizada de apoyo a sus pinturas como su medio creativo básico, según la sugerencia del viejo amigo de la familia y famoso ilustrador Charles Dana Gibson.

Hacia 1917, fue contratado por el famoso showman de teatro en vivo de Nueva York y productor Florenz Ziegfeld como fotógrafo para sus Ziegfeld Follies durante más de 15 años. Ziegfeld fue quizás el empresario del mundo del espectáculo más famoso de Broadway, y sus Ziegfeld Follies se celebraron cada año desde 1907 a 1931 inspiradas en los espectáculos del Folies Bergère de París, combinando el vodevil clásico con un vestuario exuberante y su ingrediente especial: unas bellísimas protagonistas que el mismo Ziegfeld se encargaba de escoger personalmente, las Ziegfeld Girls.

También mantuvo con gran éxito su propio estudio fotográfico en los alrededor de Ciudad de Nueva York, fotografiando desde aspirantes a actrices hasta una amplia gama de productos comerciales minoristas de lujo para anuncios de revistas.

Para su trabajo de estudio en interiores, Johnston a menudo empleó una cámara Century de gran formato con negativos de 11x14 en placa de vidrio, por lo que una impresión fotográfica estándar era en realidad hecha como contacto, sin ampliación alguna, con lo que conseguía un detalle de imagen extremadamente fino, lo que unido a su formación artística, con dominio de la luz y la composición, confería a sus imágenes una gran calidad.

El crack estadounidense de 1929 y la subsiguiente gran depresión causaron la quiebra de Ziegfeld, y la carrera de Cheney se truncó, teniendo que trasladarse a Connecticut al final de la década, aunque sus estudios fotográficos allí no tuvieron éxito.

Su trabajo principal había sido el utilizado por Flo Ziegfeld para fines publicitarios y promocionales de sus Follies, y los retratos de celebridades del teatro y cine. Sin embargo, después de la muerte se encontró un enorme tesoro de fotos de estudio de figuras femeninas desnudas y semidesnudas en una granja donde vivió Cheney, la mayoría de chicas de las Ziegfeld Follies, que no podían ser publicadas en la década de 1920-1930, y que se especula si eran simplemente trabajo artístico personal o hechas a petición de Ziegfeld para su disfrute personal.

En 1960, Cheney donó un conjunto de 245 grandes copias de su trabajo a la Library of Congress en Washington, D.C. Años más tarde, un número considerable de copias fotográficas originales impresas (y a veces autografiadas) y muchos negativos originales fueron comprados en varias subastas por al menos 4 coleccionistas/empresarios estadounidenses diferentes.

Referencias

Alfred Cheney Johnston en wikipedia (EN [14f]),
Alfred Cheney Johnston en wikimedia (EN [+200f]),
Alfred Cheney Johnston Photographer en youtube [1v],

[Ziegfeld girl Jean Ackerman] / Alfred Cheney Johnston en loc (EN [6f]),
Alfred Cheney Johnston – Glamour y Sensualidad en enkil [26f],
Alfred Cheney Johnston en broadway (EN [17f]),
Alfred Cheney Johnston, el retratista de las Ziegfeld Girls en xatakafoto [6f 1v],
Alfred Cheney Johnston en famososfotografos [8f],
Alfred Cheney Johnston en labellesa (CA [20f]),
Alfred Cheney Johnston. Fotógrafo del glamour en revistadeartes [10f],
Alfred Cheney Johnston en artnet (EN [+200f]),
Alfred Cheney Johnston en etsy (EN [+60f]),
Alfred Cheney Johnston en invaluable (EN [+120f]),
Alfred Cheney Johnston en artsy (EN [11f]),
64 Glamorous Portrait Photos of Ziegfeld Girls by Alfred Cheney Johnston From the Late 1910s to Early 1930s en vintagenewsdaily (EN [64f]),
Alfred Cheney Johnston, fotógrafo del glamour de Hollywood en disonancias-zapata [+60f 1v],
Alfred Cheney Johnston en lacma (EN [13f]).

Libros

Jazz Age Beauties, 2006.
Enchanting Beauty, 1937.

Ilse Ruppert es una fotógrafa alemana (nacida en Mespelbrum, vive en Berlín) que, desde los 80, ha fotografiado la escena de Nueva York, Los Ángeles, Berlín y París. Es parte de esos artistas que enmarcan la realidad y la transforman en arte. Pocos fotógrafos tienen un don como ella para expresar la esencia de los espectáculos en vivo. Sus fotografías tienen la belleza de los sueños y la crueldad de las pesadillas. Sus fotografías expresan toda la dualidad de su trabajo: escenas siempre muy diseñadas que revelan un profundo realismo documental.

Biografía

Ilse Ruppert nació en Mespelbrum, una pequeña aldea en la Alemania occidental en la década de los 50, donde tuvo una infancia feliz. Sin embargo, un acontecimiento la hizo desviarse de este camino tranquilo y trazado: su primer concierto, Screaming Lord Sutch y su macabra puesta en escena. A partir de entonces, la música se convirtió en su nueva religión, no el pop aséptico, sino el lado oscuro del rock'n roll y el modo de vida que lo rodeaba.

Ilse se enamoró de la fotografía en 1976, al ver un retrato suyo hecho por un amigo mexicano, estudiante de Bellas Artes. Al día siguiente se compró una cámara y se lanzó a la carretera. Autodidacta, sus primeros experimentos se centran en los paisajes de México, las Islas Canarias y Marruecos. Fascinada por la fotógrafa y revolucionaria Tina Modotti, se vuelve hacia los seres humanos y sus retratos. En 1978, aprendió las técnicas de blanco y negro e instaló su propio laboratorio.

El éxito es inmediato: los actores la exigen como fotógrafo de cabecera. La revista Interview utiliza su retrato de Fassbinder, su carrera en la fotografía está en marcha, …

… y llegó el período punk, con sus excesos, su furia, sus emblemáticos bares y clubs que verán toda la escena underground tocando. Ilse se mueve de caza por los bastidores, los músicos y su universo. Le gusta llamarse a sí misma "adicta a la adrenalina" y le gusta esperar el momento mágico, lista para cualquier cosa, para finalmente conseguir el disparo en el momento perfecto. Como la noche en 1980, cuando Joe Strummer de los Clash todavía tiene en sus manos su guitarra Stratocaster que acaba de reventar en la cabeza de un miembro del público, preludio del famoso motín de Hamburgo entre los policías y punks que comienza ante sus ojos, encaramada en los enormes amplificadores, buscando el encuadre perfecto.

Ha fotografiado a The Clash, Dead Kennedys, Christiane F, Nick Cave, Blixa Bargeld, Einstürzende Neubauten, F.M. Einheit, Mona Mur, Kraftwerk, Alan Vega, Iggy Pop, los ocupas punks de Berlín-Este, Kathryn Bigelow, Plasmatics, Nina Hagen, Psychic TV, The Ramones, Klaus Nomi, Frank Zappa, Dennis Hopper, The Stranglers, …

Su trabajo se ha expuesto en París, Zagreb, Berlín, Cannes, New York City, Múnich, Hamburgo, Los Angeles, Schwerin, Atenas, Düsseldorf, …

Referencias

su página web www.ilseruppert.de (EN [?f]),
Ilse Ruppert en photo12 (EN [+280f]),
Ilse Ruppert « PUNKS & TRIBES » en laspirale (FR [30f]),
Ilse Ruppert en shotnlust (EN [20f]),
Ilse Ruppert – Imágenes de leyenda en revistadesbandada [18f],
Photos by Ilse Ruppert en livejournal (EN, RU [22f]),
Ilse Ruppert. Nina Hagen, West-Berlin, 1984 en mediascape (EN [2f]),
Ilse Ruppert en famososfotografos [8f],
13 Best Fashion Looks From 80s Berlin Cult Heroes, As Chosen By Ilse Ruppert en sleek-mag (EN [13f]),
EAST END! – Punk in East Germany (Photographs from 1980 – 84) en mdf-berlin (EN [1f]),
Analog Photography by Ilse Ruppert en photogrist (EN [10f]),
Ilse Ruppert Photography en oktanabyraskolnick (EN [22f]),
Ilse Ruppert en cozettemccreery (EN [4f]),
Ilse Ruppert en facebook (EN [?f]).

Julie Méndez Ezcurra fue una fotógrafa argentina (nacida el 28 de abril 1949 en Buenos Aires, donde murió el 2 de septiembre de 1991) con una carrera de éxito en el reportaje y el retrato en su Argentina natal.

Biografía

Julie Méndez Ezcurra tuvo una educación humanista y de idiomas muy amplia, incluyendo el Profesorado de Ciencias Sagradas, Lengua y Literatura Hispanoamericana, Literatura Española Contemporánea, cursos de arte en el Museo del Prado, Literatura del Antiguo Testamento y Arte Hispano Arábigo, lengua y literatura inglesas en el West London College de Londres, y clases de artes plásticas en el British Museum, Tate Gallery y The National Gallery. De regreso a Buenos Aires, en 1972, trabajó haciendo traducciones y dando clases de religión e inglés.

A partir de 1974 se incorporó como redactora y traductora de inglés y francés en la Agencia Periodística y Fotográfica Internacional Argenpress, donde continuó como fotógrafa, tras formarse en fotografía en el Foto Club Buenos Aires. Eduardo Comesaña le enseñó visión fotográfica y el sistema de zonas de Ansel Adams y Barabino Devoto fotografía de estudio.

Julie tenía por lo menos tres vertientes:

como reportera gráfica era capaz de descubrir el detalle íntimo y único en el interior de un trabajo dirigido al mero elemento testimonial. Colaboró en diferentes diarios y revistas, como La Nación, La Prensa, Convicción, Tiempo Argentino y Los Principios de Córdoba. Y en las revistas Gente, 7 días, Vigencia de la Universidad de Belgrano, y en Summa con fotografía de arquitectura. Efectuó distintos viajes por el país: Tucumán, San Luis, Mendoza, Río Negro, Buenos Aires, Entre Ríos, Chaco, Formosa, Misiones. También viajó a Bolivia (a Oruro para la Diablada, fiesta que dejó plasmada en su artículo Oruro: el Carnaval de los Diablos publicado en la revista italiana L' Europeo y Siete Días de Argentina), Estados Unidos (pasó tres meses fotografiando la ciudad de Nueva York y su gente, y realizó un reportaje gráfico y escrito sobre los principales restaurantes de Manhattan para la revista Diners de Argentina), Brasil (a Río de Janeiro y San Pablo para fotografiar los Festivales Internacionales de Jazz, que luego exhibiría en diferentes espacios, como en su muestra individual, Músicos en La Trastienda, en Palermo Viejo, Buenos Aires), Paraguay, Portugal y Uruguay (donde en 1987 reveló la obra de Joaquín Torres García y fotografió la inauguración de su museo).
Como paisajista, buscaba elementos nimios que volvían la imagen casi estoica, y jamás se permitió extorsionar el crepúsculo o el otoño.
Como retratista, su vertiente más reconocida, podía encontrar la expresión excepcional en celebridades cien veces retratadas, como un Jorge LuisBorges felicísimo con un jazmín en la solapa diferente a las habituales, donde se abusa de las representaciones melancólicas favorecidas por su mirada ciega. Retrató a muchos de los grandes del arte y la cultura, entre los que podemos citar, además de Borges a los escritores Silvina Ocampo, Mario Vargas Llosa y fotógrafos como Grete Stern, Sara Facio, Alicia D'Amico, André Kertesz, Sebastiao Salgado, … Muy reflexiva, realizó también una indagación del propio yo con una serie de autorretratos que delinean su personalidad multifacética, llena de humor, sensibilidad y encanto.

Simultáneamente realizó exposiciones (como la muestra individual Quioscos y Periodismo en la Argentina en Lisboa) y fue una asidua participante de las convocatorias del Consejo Argentino de Fotografía a partir de 1982. En 1980 obtuvo el premio a mejor fotografía de autora femenina en diapositiva color en el concurso Buenos Aires, Buenos Aires. Participó en la 1ª Bienal Internacional de Arte Fotográfica de Sao Paulo, Brasil, en donde la premiaron con mención de honor.

Su vida se vio trucada en plena evolución artística luego de una corta enfermedad. Pero su obra sigue vigente y visualizándose. Su madre Julia y sus hermanos y amigos, decidieron encargar un libro para mantener la vigencia de su obra. El fotógrafo Facundo de Zuviría hizo la primera reorganización de su archivo, seleccionando imágenes que se publican en el libro Julie Méndez Ezcurra – Fotografías que se presentó junto a la exposición individual Retrato de lo eterno, en 1994, en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco.

Desde 1994 Patricia Viaña, amiga y compañera de colegio, custodia el Archivo Julie Méndez Ezcurra, y comienza a realizar exposiciones individuales con la asesoría del fotógrafo Luis Martin, como son Músicos de Jazz en el salón Casa Vieja y Julie Méndez Ezcurra Fotografías en Uruguay, Visión de Brasil, Julie Méndez Ezcurra – La gente, su aire… y siempre Buenos Aires, Julie Méndez Ezcurra Fotografías en la Fotogalería del Teatro San Martín, … También ceden fotos para colectivas como 258 muestras /20 años y Borges entre los rostros el rostro, el libro Jorge Luis Borges en Adrogué y donan algunas fotos a colecciones como la Colección Fotográfica del Museo Nacional de Bellas Artes.

Referencias

Julie Méndez Ezcurra en wikipedia [2f],
La socarrona en pagina12 [4f],
Julie Méndez Ezcurra en bellasartes [1f],
Cirilo. Julie Méndez Ezcurra en bellasartes [1f],
“BORGES EN ADROGUÉ”, por Julie Méndez Ezcurra en fotorevista [1f],
28 de abril es el cumpleaños de ... Julie Méndez Ezcurra en elhurgador [1f],
Muestra fotográfica Celebridades en el Museo Nacional de Bellas Artes en quadernsdigitals [1f],
Borges. Develaciones en malba [?f].

Libros

1890/1990 Centenario de la Cervecería Quilmes, 1990.
Julie Méndez Ezcurra. Fotografías, 1994.
Borges. Develaciones, (varios), 1999.

Melvin Sokolsky es un fotógrafo y director cinematográfico estadounidense (nacido el 9 de octubre de 1933 en Ciudad de Nueva York, vive en Los Angeles) que ha sido galardonado con veinticinco premios Clio por su trabajo en el campo de la publicidad. Su obra se caracteriza por su sentido de fantasía e invención; el surrealismo es una influencia en su obra.

Sabiendo que era propenso a vivir en mi propia cabeza gran parte del tiempo e inclinado a la autocrítica más severa, empecé a dudar de si podría crear imágenes en película que reflejaran las imágenes que tenía en mi cabeza.

Biografía

Melvin Sokolsky fue criado en el Lower East Side de Nueva York, donde comenzó a usar la cámara de su padre con 10 años. Sin formación formal en fotografía, pero siempre analítico, descubrió que la fotografía publicitaria se pagaba muy bien, y la idea de escapar de su casa se convirtió en un sueño increíble y en una gran inspiración.

Melvin comenzó su carrera en Harper's Bazaar con 21 años, al ser reclutado por su prolífico director artístico, Henry Wolf. Con 25 ya era un colaborador regular, y para esta publicación produjo su serie más icónica e inventiva en 1963. Su rodaje de la colección 1963 de París, que más tarde se conocería como la serie Bubble, presenta a modelos flotando en burbujas de plástico transparentes gigantes, aparentemente suspendidas en el aire sobre las calles de París. Esta innovadora serie anticipó el cambio de lenguaje que más tarde emergería en la fotografía de moda. La serie combina el surrealismo y el mundo de la alta costura, con un guiño a la creciente popularidad de la fotografía callejera.

En los siguientes años trabajó como colaborador principal en cuatro prestigiosas revistas: Esquire, McCall’s Magazine, Newsweek y Show. También trabajaría para Vogue y New York Times. Sus fotografías de personalidades internacionalmente famosas han aparecido en muchos de los principales museos y revistas de todo el mundo: Candice Bergen, Marisa Berenson, Naomi Campbell, Joan Collins, Bill Cosby, Julie Christie, Tony Curtis, Danny Devito, Linda Evans, Mia Farrow, Joan Fontaine, Jane Fonda, Zsa Zsa Gabor, Andy Garcia, Mark Harmon, Dustin Hoffman, Anthony Hopkins, Ali MacGraw, Jane Mansfield, Ricardo Montalban, Vincent Price, Mickey Rooney, Peter Ustinov, Barbara Streisand, Twiggy, Liv Ulmam, Robert Wagner, Raquel Welch, Robin Williams,…

Pero la obra de Sokolsky no se limita a ese campo, y tres cuartas partes de su fotografía ha sido para publicidad, y siempre ha intentado no establecer diferencia en su estilo trabajara en editorial o en publicidad. Hacia el final de la década de los 60, Sokolsky trabajó como director comercial y camarógrafo, pero sin embargo, no abandonó el mundo de la fotografía impresa: en 1962 se le pidió fotografiar todo el contenido editorial de la revista McCall, una oportunidad única para cualquier fotógrafo.

Sokolsky versó en todas las fases de efectos especiales y cinematografía, presentando en 1972 una lente de zoom computarizado que diseñó para la Academia de las artes y las ciencias. El sistema fue nominado posteriormente para un Oscar. Realiza conferencias internacionales. Es Canon Explorador de la luz a nivel internacional. Entre los museos que han expuesto su obra se encuentran The Museum of Modern Art y el Victoria & Albert Museum, donde fue incluido en Shots of Style, una retrospectiva de los principales fotógrafos de moda del mundo.

Referencias

su página web www.sokolsky.com (EN [?f]),
su blog (EN [?f]),
Leafcar Editions (EN [?f]),
Melvin Sokolsky en wikipedia (EN),
Melvin Sokolsky en faheykleingallery (EN [+30f]),
Melvin Sokolsky en peterfetterman (EN [+140f]),
Melvin Sokolsky en gilmancontemporary (EN [23f]),
Melvin Sokolsky en phillips (EN [11f]),
Melvin Sokolsky en huxleyparlour (EN [4f]),
Melvin Sokolsky en 1stdibs (EN [98f]),
La burbuja de París en hunterartmagazine (EN [26f]),
Interview with Melvin Sokolsky en lenscratch (EN [23f]),
Melvin Sokolsky en mouchegallery (EN [11f]),
Melvin Sokolsky en artnet (EN [+120f]),
Melvin Sokolsky en paddle8 (EN [8f]),
How they did it: The Bubble Girl in Paris, 1963 en messynessychic (EN [14f]),
Melvin Sokolsky’s Affinities en digitaljournalist (EN [4f]),
Melvin Sokolsky 1963 Bubble Series en iso50 (EN [9f]),
Melvin Sokolsky: Ideas Trump Technical Advantage en bowhaus (EN [13f]).

Libros

Melvin Sokolosky: Seeing Fashion, 2000.
Archive, 2009.
Paris 1963 / Paris 1965, 2011.

Hirano Aichi es un artista multimedia y fotógrafo japonés (nacido en 1977 en Tokio, donde vive) que trabaja en los campos de la publicidad, los retratos y documentales. Desde 2009 aparece en numerosas listas de los mejores fotógrafos.

Biografía

Hirano Aichi comenzó a hacer fotos a la edad de 20 años, cuando estropeó una foto de un templo sintoísta con la cámara de su padre, para el el paisaje que se le mostraba fuera más realista que lo que capturó la cámara. Ha trabajado en los campos de la publicidad, del retratos y realizando documentales fotográficos que ha presentado en exposiciones y, tanto en su trabajo comercial como su obra artística, busca capturar la mayor cantidad de energía posible en una sola imagen.

Después del gran terremoto más reciente de la historia de Japón , Aichi repartió 50 cámaras desechables a las victimas para documentar sus vidas después del incidente, y así creo la documentación de la tragedia sin intermediarios, sin terceros y desde los ojos de las verdaderas víctimas. Hizo esto inmediatamente después del desastre, y de nuevo dos meses después, dando a las víctimas del tsunami la oportunidad de contar su propia historia, que ha visto la luz en exposiciones y en la página Rolls tohoku.

Acompañando a la cámara desechable, entregó esta nota “Por favor, haga fotos de las cosas que ve con sus ojos, cosas que desea grabar, recuerde, la gente cerca de usted, sus seres queridos, cosas que desea transmitir... por favor, hágalo libremente. Y por favor, disfrute del proceso si puede, incluso si es sólo un poco.“

Además de su trabajo como fotógrafo, Hirano ha creado video, cine y música.

Referencias

su página web www.hiranoaichi.com (JP [?f]), no funciona actualmente,
Rolls tohoku (EN [+20f]),
Aichi Hirano Gives Japan's Tsunami Victims Disposable Cameras en trendhunter (EN [+40f]),
Hirano Aichi en famososfotografos [4f],
Las fotos del hombre más cool del mundo: Hirano Aichi en openrevista [6f],
New Rolls: More Incredible Photographs From Japan's Tsunami Victims en popphoto (EN [27f]),
11. Hirano Aichi en droneytan-pnd (EN [7f]),
Photos From Disposable Cameras Distributed After the Japanese Tsunami en petapixel (EN [12f]).