Lua Ribeira es una fotógrafa gallega (nacida en 1986, vive en Bristol, Inglaterra) que realiza trabajos documentales con una plástica muy personal sobre culturas minoritarias que coexisten con otras dominantes y que las intentan asimilar.

© Lua Ribeira

En las celebraciones del dancehall, se produce una representación espectacular de la identidad jamaicana, donde el rendimiento, el ritual y la autoexpresión alcanzan altos niveles de sofisticación. No pretendo que las imágenes sean comentarios del Dancehall, sino que se conviertan en el ritual en sí. El poder de la transformación de las mujeres y la innovación y provocación que implican, a menudo chocan con las ideas occidentales de feminidad. Los poderes mitológicos, el concepto de divinidad femenina y la sacralidad en la cultura afrocaribeña, estuvieron muy presentes en mi búsqueda visual. Alimentados por su folclore y mi imaginación, temas universales como el nacimiento, el amor, la muerte y el sexo son centrales en estos encuentros.

Biografía

Lua Ribeira Cendán estudió Ciencias de la Información en la Universidad de Vigo, se graduó en Diseño Gráfico en BAU,Escola Superior de Disseny en Barcelona en 2011, y estudió Fotografía Documental en la University of South Wales en Newport, terminando en 2016 y trasladándose a Londres. Su trayectoria es impresionante, pues estando estudiando allí fue galardonada con la beca Firecracker en 2015 y acaba de ser nominada para entrar en la agencia Magnum Photos, tras ganar el Magnum Graduate Photographers Award en 2017.

Hasta el momento, su trabajo más conocido es Noises in the Blood, publicado como libro y expuesto en Argentea Gallery en Birmingham en 2018, Fishbar Gallery en Londres en 2017 y en 2016 en Kickplate Gallery en Abertillery, Gales, y en Fotoraum Gallery en Colonia, Alemania.

Este proyecto está inspirado en el ritual de danza contemporánea de Jamaica. Realizada en colaboración con un grupo de mujeres jamaicanas británicas en Birmingham, Lúa recrea escenas de danza en los hogares de los participantes. Al abrazar la imposibilidad de comprender completamente esta expresión cultural tan diferente de la suya, disecciona las ideas de feminidad y sexualidad dentro de las actuaciones.

Ribeira también está trabajando en The Aristocrats, un proyecto sobre una comunidad en su provincia natal de Galicia. El paisaje de la región, el cristianismo y el paganismo constituyen fuentes ricas de inspiración para su búsqueda de lo elemental y lo mitológico.

Sus imágenes han sido exhibidas en festivales internacionales, incluyendo Photo España en 2014, el British Journal of Photography, Ian Parry Scholarship 2015, Emcontros da Imagem Discovery Awards 2015, Gazebook Photobook Festival, A Fine Beginning, Contemporary Welsh Photography, …  También ha sido galardonada con diversas becas, incluyendo una Jerwood Photoworks para proyectos futuros en 2018, la beca Ditto Press y el Reginald Salisbury Fund en 2016, además de la ya citada Firecracker en 2015. También ha participado en la residencia The Independent Air en Dinamarca en 2015 y en varias exposiciones colectivas en el Reino Unido, España, Italia y Alemania.

Su trabajo fue seleccionado recientemente por Susan Meiselas para aparecer en el número Women Looking at Women de la revista Raw View. También está realizando encargos comerciales, como los realizados para la diseñadora de bolsos Carla Lopez y con clientes editoriales como Wired.

Referencias

• su página web www.luaribeira.com (EN [?f]),
• Lua Ribeira en instagram (EN [+400f]),
• Lua Ribeira en fire-cracker (EN [32f]),
• Lua Ribeira en grafik (EN [28f]),
• Lua Ribeira en carlalopez (EN [5f]),
• Ones to Watch: Lua Ribeira en bjp-online (EN [6f]),
• Show: Noises in the Blood by Lua Ribeira en bjp-online (EN [5f]),
• Lua Ribeira and Sebastian Bruno: Come on Feel the Noise! en colinpantall (EN [5f]),
• La agencia internacional de fotografía Magnum ficha a la pontesa Lua Ribeira en elprogreso [1f],
• Lua Ribeira – Noises in the Blood en paper-journal (EN [12f]),
• The Amazing Women of the UK Jamaican Dancehall Scene en refinery29 (EN [9f]),
• Outside The Common Circuits With Lua Ribeira en ignant (EN [14f]),
• Vigilance, Struggle, Pride: Through Her Eyes en photography-in (EN [1f]),
• @LuaRibeira en twitter (EN [?f]).

Libros

• Noises in the Blood, 2017

Otras publicaciones:

• Firecrackers Female Photographer Now. 2017
• British Journal of Photography, Ones to Watch 2017 (Noises in the Blood), 2016.
• Raw View Magazine, Women looking at Women comisariado por Susan Meiselas, 2016.

Erica Simone es una fotógrafa y artista francoamericana (con sede en Ciudad de Nueva York, París y Los Ángeles) que produce imágenes para clientes comerciales del mundo de la moda, editoriales y ONGs de todo el mundo y sus galardonadas imágenes han sido ampliamente publicadas en medios internacionales.

© Erica Simone

El mundo comenzó a moldearse en una composición geométrica, dibujándose en mi ojo en reflejos de luz y combinaciones complejas de color. Las arrugas de los ancianos se convirtieron en misteriosas novelas históricas, la arquitectura a mi alrededor comenzó a dar forma a patrones abstractos, los flujos claustrofóbicos de personas en la calle trajeron quietud a mis propias observaciones: me encontré mirando el mundo de una forma completamente nueva.

Biografía

Erica Simone creció en Los Angeles, California. Pasó sus años de formación en París, Francia, rodeada de una fotografía de bellas artes prominente y excéntrica, lo que le llevó a su propia pasión en la toma de fotografías. Desde 2002, Simone ha estado viajando por el mundo capturando retratos y trabajando en las artes fotográficas, lo que le ha permitido experimentar muchos extremos de humanidad: desde los trasfondos de los desfiles de Nueva York hasta los bosques tranquilos y profundos de Camboya; desde celebridades de Hollywood a tribus de las montañas en el Himalaya, o desde orfanatos en Sudamérica hasta extravagantes eventos de alfombra roja. La fotografía le ayuda a satisfacer una increíble curiosidad por la vida, mientras la adorna con una diversidad inolvidable.

Erica trabaja en asignaciones para clientes comerciales y editoriales de todo el mundo y es colaboradora frecuente de Huffington Post. Sus galardonadas imágenes han aparecido en publicaciones como National Geographic, New York Mag, Marie Claire, Elle, The NY Daily News, PHOTO, PDN, Town & Country, Le Parisien, Cosmopolitan, El Mundo, WhiteWall, Resource, MY Arts Magazine y muchas otras.

Sus fotografías se han exhibido en todo el mundo en exposiciones individuales, espectáculos grupales y festivales, además de aparecer en televisión y en documentales.

Simone también es embajadora activa de la organización sin fines de lucro Beauty for Freedom, que trabaja directamente con sobrevivientes internacionales de la trata de personas.

Sin embargo, su mayor popularidad, fue hacia 2011 con un proyecto de autorretrato con fotografías que muestran a Simone en Nueva York realizando actividades cotidianas familiares para casi todos los neoyorquinos: tomar un taxi, comprar cigarrillos en una bodega, retozar en Central Park y desplazarse por Midtown, con la particularidad única de que ella está completamente desnuda mientras todos los que la rodean están vestidos. Este proyecto ha sido mostrado en diversas exposiciones y publicado como libro, con el nombre Nue York: Self-Portraits of a Bare Urban Citizen, y con él Simone espera cuestionar el papel de la moda en la sociedad contemporánea, ya que la ropa obviamente hace mucho más que satisfacer nuestra necesidad física de calidez y protección.

Referencias

• su página web www.ericasimone.com (EN [?f]),
• Erica Simone en instagram (EN [+3.000f]),
• Erica Simone en vimeo (EN [3v]),
• Erica Simone en huffingtonpost (EN [?f]),
• Erica Simone en lensculture (EN [+130f]),
• Naked ambition: Photographer lays herself bare in nude poses on the streets of NYC en dailymail (EN [7f]),
• Photographer Gets Naked in New York to Transcend Taboo en artnet (EN [5f]),
• This Woman Is Exploring New York City Completely Naked to Prove That Fashion Is Bullshit en cosmopolitan (EN [11f]),
• Erica Simone en loeildelaphotographie (FR [20f]),
• 'Naked in New York' photo project asks: 'Why the hell do we need clothes?' en independent (EN [10f]),
• Photographer Erica Simone Runs Naked In 'Nue York' Photo Series en konbini (EN [11f]),
• 'Una ciudadana desnuda de Nueva York', en imágenes en que [5f],
• Foto: Sin ropa no hay prejuicios en garuyo (EN [11f]),
• Interview: Erica Simone talks “Nue York” en beautifulsavage (EN [8f]),
• Nude in NY en reportersmagazine (EN [9f]),
• Erica Simone en facebook (EN [?f]).

Libros

• Nue York: Self-Portraits of a Bare Urban Citizen.
• A Greater Hope. Portraits from a Rural Cambodian Orphanage, 2011.

Luis Lainsa es un fotógrafo vasco (nacido el 30 de octubre de 1939 en Irún, donde vive) que a lo largo de dilatada trayectoria ha realizado documentales en 8mm y fotografía de montaña, paisaje, calle, arquitectura, … hasta llegar a la fotografía abstracta donde se encuentra más a gusto.

© Luis Lainsa

Biografía

Luis Lainsa Arnáiz se inició en la fotografía a los 14 años, con una máquina Kodak de formato 6x6, muy elemental pero buena para aquella época, con visor a la altura de la cintura y totalmente manual, la cual desgraciadamente se despeñó en un monte de los Pirineos. Desde entonces no ha dejado de hacer fotografía, primero familiar, de viajes y de montaña, de la que ha sido gran aficionado, subiendo al Mont Blanc y a los principales picos de Pirineos, Picos de Europa, Sierra Nevada, Teide,  etc., siempre con la cámara a cuestas.

Posteriormente su fotografía evolucionó al reportaje social y de calle, a la arquitectura geométrica y finalmente a la abstracción, siendo pionero en fotografiar abstracciones de las rocas de Jaizkibel desde 1980 (con exposiciones en Hondarribia e Irún en 1983 y 1985, y fotografías suyas en portada e interior en el libro Jaizkibel Amaharri de 2013.

Aficionado al cine, fue socio fundador del Cine Club Irun y practicó en 8 mm,  participando en concursos y proyecciones y asistiendo a cursos de fotografía y cine, entre otros el Seminario de Dirección Cinematográfica, impartido por Ana Mariscal. TVE proyectó su documental La Ruta del Salmón en 1967.

Gran aficionado al ciclismo, ha practicado el cicloturismo y lo sigue haciendo a los 78 años, habiendo subido a los principales picos del Tour de France, Tourmalet (13 veces), Aubisque, Galibier, Alpe de Huez, etc. y al mas modesto Jaizkibel (+1.000 veces).

Socio de la Asociación Fotográfica Irunesa (AFI) desde 1993, ha sido miembro de la Junta Directiva 25 años, actuando varios años como profesor de fotografía en los cursos de la asociación.

Aunque de formación inicial autodidacta, tiene una gran formación cultural y artística, por sus estudios de la Historia de Bellas Artes, siendo un gran aficionado a la pintura, escultura y arquitectura. Ha realizado más de 40 exposiciones en el País Vasco y el sur de Francia, ha obtenido diversos premios en concursos locales, nacionales e internacionales, como en el XXVII Trofeo Gipuzkoa Internacional en el 2000. También ha colaborado con sus fotografías en libros, revistas, catálogos, carteles y calendarios.

Su archivo consta de unas 20.000 diapositivas, 20.000 negativos en color y blanco y negro y unas 20.000 fotografías digitales.

Referencias

• Luis Lainsa en facebook [?f],
• Luis Lainsa en flickr [+6.000f],
• Luis Lainsa en 500px [+250f],
• luis.lainsa en instagram [+30f],
• Luis Lainsa en jaizkibelamaharri [24f], 
• El irunés Luis Lainsa expone la colección 'Mujeres' en un centro de arte del norte de Francia en diariovasco [1f],
• Exposición fotográfica: Luis Lainsa en diariovasco [1f],
• Luis Lainsa. Paisajes imaginarios. en afi-iae [1f],
• Luis Lainsa premiado en el concurso del Club Vasco de Camping en afi-iae [2f],
• Concurso de fotografía Abstracciones en phe.

Libros

• Jaizkibel Amaharri (varios), 2013.
• Marinas en abstracto, 2003.

Yukari Sasaki, alias Unleash, es una fotógrafa japonesa que realiza fotografía de calle.

Smoking Time © Yukari Sasaki

Biografía

Yukari Sasaki es una fotógrafa japonesa que realiza fotografía de calle en Tokio. Forma parte del colectivo VoidTokyo, una comunidad de fotógrafos de la calle de Tokio completamente dedicado a capturar la magia de su ciudad, y cuyo objetivo es crear un nuevo magazine impreso para documentar y almacenar en papel un artefacto parecido a una biblioteca sobre se muestre y documente cómo cambiará esta metrópolis para los Juegos Olímpicos de 2020.

Referencias

• Yukari Sasaki en world-street.photography (EN [222f]),
• Yukari Sasaki en voidtokyo (EN [10f]),
• unleash_ys en instagram (EN [+300f]),
• su fotoblog (EN, JP [?f]),
• Yukari Sasaki en eyeem (EN [+40f]),
• “Something Here” — Japanese Street Photographers en huffingtonpost (EN [2f]),
• void-tokyo en mirroredsociety (EN [1f]),
• Artists of the Floating World: Tokyo Street Photographers Go Print en birdinflight (EN [?f]),
• @ys_unleash en twitter (JP [?f]),
• Yukari Sasaki en facebook (EN [?f]).

Elinor Carucci es una fotógrafa israelí (nacida el 11 de junio de 1971 en Jerusalén, vive en Nueva York) que realiza trabajos editoriales, de publicidad y personales en los que fotografía los detalles a menudo pasados por alto de la vida cotidiana en expresiones convincentes de emoción e intimidad.

© Elinor Carucci

Biografía

Elinor Carucci comenzó a experimentar con la fotografía cuando tenía 15 años y se graduó en 1995 de la Bezalel Academy of Arts and Design con una licenciatura en fotografía, y se mudó a Nueva York ese mismo año. 

Al principio fotografiaba a su madre, padre y hermano, y luego al resto de la familia.  Eran fotos en blanco y negro posando. Su segunda etapa fue filmar en color y sin posado, con improvisación.

Durante diez años, Elinor fue una bailarina profesional de danza del vientre. Durante un período de tres años, trabajó en una serie de imágenes, mientras bailaba en los cinco condados de Nueva York y parte de Nueva Jersey. Como fugaces destellos, estas imágenes reflejan la forma en que realmente experimentó ese viaje y se publicaron en el libro Diary of a Dancer.

En 2004, después de un feliz embarazo, fue madre con una cesárea de emergencia que le dejó herida, débil y dolorida. De vuelta a casa como madre de gemelos, la fotografía le ayudó a lidiar con todo esto, creando otra impactante serie, Mother, de su  proyecto de maternidad durante casi 10 años, que ha exhibido individualmente en la galería Edwynn Houk en Nueva York en 2014 y posteriormente en el MoCP de Chicago.

En un período de tiempo relativamente corto, su trabajo ha sido incluido en una impresionante cantidad de exposiciones individuales como en la galería Edwynn Houk, Fifty One Fine Art Gallery, James Hyman y Gagosian Gallery de Londres , …,  y en grupo como en The Museum of Modern Art New York y The Photographers' Gallery en Londres.

Sus fotografías están incluidas en las colecciones del The Museum of Modern Art New York, Brooklyn Museum of Art, Houston Museum of Fine Art, …, y su obra ha sido publicada en The New York Times Magazine, The New Yorker, Details, New York Magazine , W, Aperture, ARTnews y otras muchas publicaciones.

Fue galardonada con el International Center of Photography Infinity Award para Jovenes Fotógrafos en 2001, The Guggenheim Fellowship en 2002 y NYFA en 2010.

Carucci actualmente enseña en el programa de postgrado de fotografía de la School of Visual Arts y representada por  Edwynn Houk Gallery.

Referencias

• su página web elinorcarucci.com (EN +600f]),
• Elinor Carucci en instagram (EN [+200f]),
• Elinor Carucci en wikipedia (EN [1f]),
• Elinor Carucci - Photographer en youtube (EN [1v]),
• Elinor Carucci en houkgallery (EN [?f]),
• Elinor Carucci en gallery51 (EN [30f]),
• Elinor Carucci en ilford (EN [1f 1v]),
• The Most Intimate Dance: Elinor Carucci's Photos of Motherhood en time (EN [18f]),
• Elinor Carucci: the mother of all photographers en telegraph (EN [2f]),
• Elinor Carucci: Closer en telegraph (EN [?f]),
• Elinor Carucci On How to Get Close en americanphotomag (EN [7f]),
• A Studio Visit with Elinor Carucci en bhphotovideo (EN [9f]),
• The Story Behind the “Cat Person” Photo Published By The New Yorker en lensculture (EN [4f]),
• Getting Closer, Becoming Mother: About Intimacy and Family. en cortonaonthemove (EN [3f]),
• A retrospective en visuramagazine (EN [20f]),
• Elinor Carucci’s ‘Mother’ Series Captures The Stunning Highs And Lows Of Being A New Parent (NSFW) en huffingtonpost (EN [13f]),
• Elinor Carucci en ellastraselobjetivo [3f],
• Elinor Carucci en facebook (EN [?f]).

Libros

• Closer, 2002.
• Diary of a Dancer, 2005.
• Mother, 2013.

Nico Chiapperini es un fotógrafo italiano (nacido en 1978 en Novi Ligure, vive en Amersfoort, Holanda) que realiza fotografía callejera buscando imágenes impredecibles y surrealistas.

© Nico Chiapperini

Una foto puede ser un documento, un recuerdo, una impresión, pero creo firmemente que a veces podría ser incluso un poema, en el que la composición y la luz congelaran los sentimientos durante toda la eternidad. La fotografía es el lugar donde mi alma tiene ojos llenos de asombro y de misterio, donde mis pensamientos se ven reflejados en un caleidoscopio de recuerdos y visiones futuras: a menudo son preguntas, a veces respuestas, pero siempre son emociones.

Biografía

Nico Chiapperini tuvo su primer contacto con la fotografía cuando tenía ocho años y se llevó la cámara de su padre a un viaje escolar e hizo varias fotos de falsos dinosaurios en un Parque Jurásico para niños, pero su padre le dijo que podría haber comprado bonitas postales en lugar de malgastar el dinero en película y copias en papel. Como era un niño sensible, esta experiencia fotográfica fue fuerte, agradable pero muy breve, y le llevó a no tocar una cámara fotográfica en mucho tiempo.

En 2004 se licenció en Ingeniería Aeroespacial y algunos amigos le obsequiaron una cámara digital compacta, con lo que comenzó a hacer fotos de nuevo y a llevar su cámara a todas partes, esta vez sin la preocupación de tener un presupuesto limitado debido al coste de la película.

Su formación, principalmente autodidacta, se enriqueció con la asistencia a tres talleres. La primera con David Alan Harvey, gracias a la cual se concretó uno de sus proyectos más queridos, Moments in Between. El segundo con Stefano Pensotti, una persona que le enseñó mucho, y el último con Richard Kalvar, fotógrafo Magnum de gran experiencia y modestia, una fuente de nuevas ideas y confirmaciones importantes.

Para él la fotografía de calle es un escenario en el que las personas no son conscientes de que son actores que recrean comedias o dramas. Le fascina descubrir sus conexiones accidentales y sus relaciones con los lugares donde están de pie o en movimiento. Hay infinitas configuraciones y posibilidades, hay muchos momentos especiales que esperan ser preservados del olvido y cuando los ve y los captura siente una gran alegría y satisfacción. Ha desarrollado un interés particular por las imágenes impredecibles y surrealistas, porque era (y sigue siendo) una buena forma de disfrutar de la realidad que le rodea, pero también una gran ayuda para escapar de los horribles recuerdos de su pasado.

En los últimos años, su interés por la fotografía callejera ha crecido aún más debido a algunos proyectos personales y a algunos encargos. En 2011 tuvo su primera exposición individual en la Galería ABC Treehut en Den Haag, Holanda, participando posteriormente en numerosas exposiciones colectivas en Europa y Estados Unidos. Sus fotos han sido publicadas en diversas revistas y sitios web.

Referencias

• su página web www.nicochiapperini.com (EN [+140f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• Nico Chiapperini en instagram (EN [+150f]),
• Streettogs Gallery Feature: “Surreally” by Nico Chiapperini en erickimphotography (EN [10f]),
• Gimnasio de Boxeo: A story about boxing in Cuba en positive-magazine (EN [19f]),
• Focus On Nico Chiapperini ~ The Quest For The Magic Moment en digital-photography-school (EN [9f]),
• Nico Chiapperini e la solitudine in ogni luogo – Ubique Solitudo en artwort (IT [9f]),
• Kaleidoscope Of Memories en artofcreativephotography (EN [5f]),
• Surreally by Nico Chiapperini en dodho (EN [20f]),
• Consigli di fotografia: Nico Chiapperini e la street photography en travelonart (IT [7f]),
• Capturing the Comedy and Drama of Everyday Life: The Street Photography of Nico Chiapperini en erickimphotography (EN [9f]),
• Street photography, intervista a Nico Chiapperini en mag72 (IT [7f]),
• @NicoChiapperini en twitter (EN [?f]),
• Nico Chiapperini en facebook (EN [?f]).

A partir de hoy día 26 de julio de 2018, y hasta el 15 de agosto, este blog se tomará unas merecidas vacaciones sin publicar nuevos fotógrafos cada día.

Espero volver con renovados esfuerzos a la dura tarea, y con algo más de alegría e ilusión ya que la Confederación Española de Fotografía (CEF) ha otorgado al blog Cada día un Fotógrafo el premio nacional al Mejor Medio de Difusión 2018.

Tadashi Onishi es un fotógrafo japonés (nacido en Tokio en 1973) que fotografía las calles y el paisaje urbano abarrotado de vida social, buscando un terreno común entre la calle y la fotografía documental.

© Tadashi Onishi

Shinjuku es una ciudad donde pasan más de 3,4 millones de personas todos los días. Yo soy uno de ellos. Shinjuku es un lugar donde paso parte de mi vida personal y laboral. Fotografío esta ciudad todos los días como parte de mi vida. Este proyecto se centra en el vacío de la vida de Tokio, o el que surge cuando la fluctuación de mis sentimientos se mezcla con el olor de la vida en la ciudad.

Biografía

Tadashi Onishi realiza una fotografía callejera que combina con la fotografía documental, mostrando una descripción personal y un testimonio de la vida urbana y de la sociedad japonesa.

En su trabajo Lost in Shinjuku muestra una capacidad visual muy expresiva, fuerte y profunda que está casi en contraste con su actitud amable, educada y tímida, típica de la cultura japonesa. Estas fotografías fueron tomadas en el camino al  trabajo, un camino que dura casi 5 horas al día, y en ellas, el uso de fuertes contrastes con el predominio del negro, a través de objetos, sujetos, sombras, símbolos y la falta de color, nos permite sentir la sensación de desesperación, opresión, ansiedad y perturbación del tokiota medio. Es un trabajo fuerte, lleno de sentimientos, emocionante, que no puede evitar reflexionar sobre la condición humana.

Los hombres son para Tadashi como fantasmas en su otra serie Ghost in the Tokyo Shell, que relata una relación entre las personas y Tokio: viven en la ciudad y no saben si su existencia es real; de repente pueden desaparecer y mezclarse con la ciudad, trasmitiendo un sentido de vacío y pérdida de identidad que puede, en algunos aspectos, generalizarse a cualquier gran ciudad y a la condición humana.

Es miembro del colectivo VoidTokyo.  Ha realizado exposiciones en solitario de su serie Zebra The City en la Konica Minolta Gallery yNikon Salon Ginza en Tokio y Nikon Salon Osaka. Su libro Lost in Shinjuku y sus fotografías han obtenido diversos premios, como PX3 en París, MIFA en Rusia, Konika y FAPA en Japón, TPD en Italia por su libro, Photoplus en EEUU, …

Referencias

• su página web www.tadashionishi.com (EN, JP [?f]),
• Tadashi Onishi en instagram (EN [+350f]),
• Tadashi Onishi en flickr (EN [16f]),
• Tadashi Onishi en voidtokyo (EN [8f]),
• su fotoblog (EN, JP [?f]),
• Tadashi Onishi en urbanpicnic-streetphotography (EN [+150f]),
• Tadashi Onishi en blackandwhitestreet (EN [28f]),
• Tadashi Onishi en nationalgeographic (EN [+150f]),
• Tadashi Onishi en lensculture (EN [+50f]),
• Stripes and the city: the great zebra print takeover of Tokyo – in pictures en theguardian (EN [16f]),
• “Lost in Shinjuku” di Tadashi Onishi vincitore del TPD Book Award 2017 en triestephotodays (EN, IT [1f]),
• Tadashi Onishi en gomuroiwa (EN, JP [6f]),
• Black and White Street Photography by Tadashi Onishi en photogrist (EN [10f]),
• @tadashionishiz en twitter (JP [?f]),
• Tadashi Onishi en facebook (EN, JP [?f]).

Libros

• Exhibition catalogue - Transit station, 2018.
• Lost in Shinjuku, 2017.
• Exhibition catalogue - Zebra The City, 2016.

Sylvie Blum es una fotógrafa austriaca (nacida en 1967 en Taxenbach, Austria, vive en Los Angeles, EEUU) que realiza trabajos comerciales de moda y fotografía de desnudo artístico.

© Sylvie Blum

Biografía

Sylvie Blum nació en Austria, pero se crio en Alemania. Desde los 4 años supo que quería convertirse en artista, y mientras estaba en la escuela, comenzó a trabajar como modelo. Durante su carrera de 16 años en este campo viajó por todo el mundo: Asia, África, Australia, Medio Oriente, Europa, América del Sur y los Estados Unidos. En 1991 conoció al legendario artista y fotógrafo erótico Guenter Blum y se convirtió en su modelo y musa favorita, y en 1995 su esposa.

Interesada en el arte, la moda, la arquitectura, el diseño, el arte pop, la música, la creación de películas y la fotografía se convirtieron en pasiones de por vida.

Guenter fue su mentor y maestro, enseñándole iluminación, composición, técnicas de cuarto oscuro y de fotografía.
También trabajó con otros fotógrafos internacionales conocidos como Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Jan Saudek, Andreas Bitesnich y otros.

Sylvie cuidó a Guenter en su enfermedad terminal hasta su muerte en 1997. Con el corazón roto y devastado por la pérdida, dejó el estudio que compartían y se mudó al edificio antiguo de una fábrica, que convirtió en estudio fotográfico y comenzó a trabajar en varios proyectos fotográficos, que le llevaron a publicar varios libros de arte y a ser conocida internacionalmente.

En 2005 se casó por segunda vez en Las Vegas y se mudó a California, donde vive y trabaja en Los Ángeles en su estudio The White Box. En 2011, publicó su libro Naked Beauty que ha sido distribuido con gran éxito por todo el mundo. En 2012 su exposición del mismo nombre se inauguró junto con Herb Ritts en la Galería Fahey Klein de Los Ángeles. Esta galería  representa a Sylvie Blum.

Referencias

• su página web www.sylvie-blum.com (EN [+280f 14v]),
• Sylvie Blum en vimeo (EN [14v]),
• su blog (EN [?f]),
• Sylvie Blum en faheykleingallery (EN [+50f]),
• Sylvie Blum en lumierephoto (RU [6f]),
• Sylvie Blum en opiomgallery (FR [31f]),
• Sylvie Blum en immagis (EN [45f]),
• Sylvie Blum en opusreps (EN [?f]),
• Sylvie Blum en photovogue (EN [4f]),
• Sylvie Blum en lumas (EN 15?f]),
• Sylvie Blum – Naked Beauty en enkil [18f],
• Sylvie Blum en ashcroft-art (EN [6f]),
• Sylvie Blum – Naked Beauty en fotografr (DE [5f]),
• Sylvie Blum en top-fashion-photographers (EN [15f]),
• Sylvie Blum Studio en facebook (EN [?f]).

Libros

• Venus selbst. 87 Autoportraits von Sylvie Blum, 2000.
• Hotel Orient, 2002.
• Nudes, 2002.
• M, 2004.
• Naked Beauty, 2012.

Gonzalo Bénard es un artista portugués (nacido en 1969 en Portugal, vive en París) que ha trabajado y se ha expresado desde muy joven en varios medios: pintura, dibujo, fotografía y escritura, todos ellos con un significado especial para él, pero la fotografía y la pintura son su principal forma de expresar su existencia en los últimos años: lo que le rodea, o lo que siente por la sociedad. Con profundas raíces en el chamanismo y las viejas religiones, rompe las principales reglas de la sociedad moderna, recordándole los orígenes de la vida.

Double Smoke © Gonzalo Bénard

Biografía

Gonzalo Bénard pasó las vacaciones de verano de niño y adolescente junto a un campo inmenso en el que solía correr libre, la mayoría de las veces desnudo, a veces con el cuerpo pintado y jugando a los indios con la presencia de su hermano ya muerto. También solían recolectar pedazos de madera y esculpirlos creando rituales de vida y ritos de la muerte en ceremoniales en la naturaleza, al aire libre, actuando como lobos, aves, árboles  y viento, sintiendo los elementos: Tierra, Fuego, Agua, Aire.

Siempre ha trabajado y se ha expresado en varios medios: desde la pintura hasta el dibujo, pasando por la escritura. Cuando estos media ya no le satisfacían como creador, la fotografía llegó inesperadamente a su vida, permitiéndole jugar con luz y sentimientos, culturas y personas, sin distraer colores, fondos o ropa. A menudo usándose a él mismo como parte al frente y detrás de la cámara, Gonzalo puede crear e involucrarse en los rituales y las culturas de la vida: como unidad, como naturaleza, como la luz misma, es un creador de retratos humanos.

Su cuerpo de trabajo trata sobre asuntos de vida o muerte, sobre la conciencia, la espiritualidad, la sociología, la antropología, la filosofía y la psicología. Investiga acerca de rituales y ritos de varias culturas: viejas y nuevas.

Bénard trabajó como coordinador editorial en el Centro Cultural de Belém y fue invitado por el ministro de cultura a la Bienal de Venecia de 2001. Ha mezclado sus estudios y trabajos en Europa Occidental con estancias de 3 años en Tibet y en Yolmo, en el Himalaya, con monjes tibetanos en una escuela monástica de artes, danza y filosofía, y en Sahara Occidental, donde vivió y aprendió con maestros espirituales, filosóficos y chamánicos.

Estaba viviendo en Barcelona en 2008 estudiando fotografía, justo en el centro de la ciudad, en un edificio muy parecido a cualquier otro, rodeado de concreto y de gente concreta, con ventanas que permitían ver más cemento, cuando estuvo 3 días en coma y la falta de oxígeno en su cerebro le hizo perder su memoria cronológica. Pero ​​nunca ha trabajado para recuperarla ya que no cree que sea necesaria para vivir, pues el tiempo simplemente no existe, sólo hay un momento importante llamado vida.

Como artista, ya ha pasado de su exposición número 50, ha publicados en revistas de arte y libros, como Eyemazing o Tames & Hudson y tiene su obra en colecciones en diversas colecciones de arte, públicas y privadas, como la Fundación Serralves en Oporto, y la colección de arte contemporáneo de Sir Elton John.

Como autor, principalmente escribe sobre el chamanismo, la meditación y la conciencia, como su libro On Consciousness - journeys, rituals and meditations que se centra principalmente en la curación natural y el chamanismo. También ha aparecido en varias películas y series de televisión de Hollywood, como recientemente Rogue, o Agent X de Sharon Stone, y es tutor de jóvenes con autismo de alto funcionamiento.

Referencias

• su página web www.gbenard.com (EN [?f]),
• Gonzalo Bénard en instagram (EN [+500f]),
• su fotoblog (EN [?f]),
• su blog (EN [?f]),
• Gonzalo Bénard en youtube (EN [10v]),
• Gonzalo Bénard en behance (EN [?f]),
• Gonzalo Bénard en eyemazingeditions (EN [14f]),
• Gonzalo Bénard en saatchiart (EN [45f]),
• Gonzalo Bénard. Una mirada intensa y surrealista en arteaunclick [13f],
• The Dolmens en grahamhancock (EN [8f 3v]),
• Bringing The Taboo To Beauty en artofcreativephotography (EN [3f]),
• B Shot by a Stranger, by Gonzalo Bénard en co-mag (EN [13f]),
• Oneness, by Gonzalo Bénard en co-mag (EN [20f]),
• Gonzalo Bénard Photo Series, ‘B Shoot by A Stranger’ Is All Done Via Webcam en mutantspace (EN [9f]),
• Wiredscapes. Gonzalo Bénard en phasesmag (EN [7f]),
• Gonzalo Bénard en emptykingdom (EN [21f]),
• Gonzalo Bénard Revisit en emptykingdom (EN [16f]),
• Gonzalo Bénard. The Imaginary Beings en medium (EN [4f]),
• Valentim Quaresma (Designer) and Gonzalo Bérnard (Photographer): Seduction on line! en fashionheroines (EN [6f]),
• Gonzalo Bénard en portfoliobox (EN [7f]),
• @GBenard en twitter (EN [?f]),
• Gonzalo Bénard en facebook (EN [?f]).

Libros

• On Consciousness.
• MPower the Shaman.
• I, Energy.   
• NUDE.
• Oneness.
• B Shot by a Stranger.

Masumi Hayashi fue una fotógrafa y artista estadounidense de origen japonés (nacida el 3 de septiembre de 1945 en Rivers, Arizona, fallecida el 17 de agosto de 2006 en Cleveland, Ohio) que creó collages fotográficos panorámicos con fotografías ensambladas sobre temas como campos de internamiento de la Segunda Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, paisajes postindustriales, prisiones abandonadas, obras en la ciudad y arquitecturas sagradas.

© Masumi Hayashi

Biografía

Masumi Hayashi nació en el campamento de reubicación del río Gila en Arizona en 1945, un campo de internamiento de personas de origen japonés en EEUU durante la II Guerra Mundial estudió en UCLA y en la UEF, donde obtuvo  su master en Bellas Artes en 1977. Su principal obra son los collages fotográficos panorámicos artísticos realizados cada uno con unas 100 fotografías realizadas desde un trípode con una vista de más o menos de 360 ​​grados.

De las más de 200 piezas que creó en este formato, el tema principal generalmente encaja en la siguiente serie: campos de internamiento de la II Guerra Mundial de estadounidenses de ascendencia japonesa, un tema como hemos visto muy personal, paisajes postindustriales,  prisiones abandonadas, lugares militares, ciudades en obras y arquitecturas sagradas. Su trabajo es una profunda meditación sobre la discriminación racial, la guerra y violencia, la explotación del hombre de la naturaleza y su búsqueda de espiritualidad y paz como budista practicante.

La serie American Concentration Camps enfoca el internamiento en EEUU y también en Canadá de estadounidenses de ascendencia japonesa durante la II Guerra Mundial, de 1942 a 1945, incluyendo entrevistas a internos de los campos.
Otras series presentan sus collages panorámicos de sitios postindustriales en el Medio Oeste (1986-1991), EPA. Superfund Sites (1989-1993), prisiones abandonadas (1987-1996), CityWorks (1987-1994).

Obtuvo diversos galardones, como el Cleveland Arts Prize, 3 premios Ohio Arts Council, una beca Fulbright, premios  del National Endowment for the Arts, Arts Midwest y Florida Arts Council, así como la beca Civil Liberties Educational Fund en 1997. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como DoubleTake, Aperture , See y Mother Jones.

Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas como las del  International Center of Photography de Nueva York, Tokyo Metropolitan Museum of Photography, Los Angeles County Museum of Art, Cleveland Museum of Art, George Eastman House en Rochester, Nueva York, Columbus Museum of Art, el Victoria and Albert Museum en Londres y el Ludwig Forum for International Art en  Coblenza, Alemania.

En 2004, lanzó Masumimuseum.com, que ahora es un archivo on-line de su trabajo. La Dra. Masumi Hayashi enseñó arte en la Cleveland State University, en Cleveland, Ohio, durante 24 años.

Masumi falleció asesinada por un vecino en 2006. En 2007 el Akron Art Museum, la Cleveland State University Art Gallery y el Museum of Contemporary Art Cleveland montaron grandes exhibiciones para homenajear su trabajo. En 2015 The Galleries de la Cleveland State University presentó una retrospectiva de su obra con el título Place and Vision: El legado artístico de Masumi Hayashi.

Referencias

• su página web www.masumihayashi.com (EN [?f]),
• The Masumi Hayashi Museum (EN [177f]),
• Masumi Hayashi Foundation (EN [?f]),
• Masumi Hayashi en wikipedia (EN),   
• Place and Vision: The Artistic Legacy of Masumi Hayashi en lenscratch (EN [15f]),
• Masumi Hayashi en clevelandartsprize (EN [4f]),
• Masumi Hayashi en upenn (EN [5f]),
• Masumi Hayashi, el arte del foto-collage en xatakafoto [2f 1v],
• La sociedad como collage, Masumi Hayashi en galeriafotocreativa [4f],
• Masumi Hayashi en coldbacon (EN [2f]),   
• Masumi Hayashi en thewhiskyladies [5f],
• Masumi Hayashi en densho (EN),       
• Masumi-Hayashi Legacy-Project en facebook (EN [?f]).

Libros

• Masumi Hayashi: Panoramic Photo Collages 1976-2006, 2017.

Henry Wessel es un fotógrafo estadounidense (nacido el 28 de julio de 1942 en Teaneck, Nueva Jersey, vive en Point Richmond, California) conocido por sus fotografías descriptivas pero al mismo tiempo poéticas del entorno humano. Sus imágenes continúan creciendo y evolucionando y su obra se considera una importante contribución individual a la fotografía estadounidense del siglo XX.

© Henry Wessel

Biografía

Henry Wessel Junior llegó a la fotografía casi accidentalmente durante sus años en la Pennsylvania State University, pero inmediatamente se enganchó después de descubrir por primera vez, con una Leica prestada, cómo se veía el mundo a través de la lente de la cámara. Comenzó a fotografiar seriamente en 1967, inspirado en el trabajo de Wright Morris, Robert Frank y Garry Winogrand, y en 1971 consiguió una beca Guggenheim para documentar el paisaje que flanquea el sistema de autopistas estadounidense, un terreno otrora natural profundamente transformado por la presencia humana.

En la década de los 70, Wessel se convirtió en parte de una generación de artistas (los New Topographics) que desafiaron y ampliaron las categorías de paisaje y fotografía documental, renunciando a las visiones tradicionales de la naturaleza prístina en favor de representaciones directas y personales del entorno construido. Durante cuatro décadas, ha observado y documentado la luz brillante, la arquitectura vernácula y el paisaje social del norte y el sur de California.

Su primera exposición individual fue comisariada por John Szarkowski en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1972 y fue uno de los diez fotógrafos incluidos en la influyente exposición en grupo New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape en la George Eastman House en 1975.

Desde entonces, su trabajo ha sido exhibido con frecuencia y ampliamente, incluyendo exposiciones individuales en la Tate Modern de Londres, el Museum of Modern Art de Nueva York, Museum of Contemporary Art de Los Angeles y el San Francisco Museum of Modern Art.

Obtuvo dos becas Guggenheim y tres becas National Endowment for the Arts.

Sus fotografías están incluidas en las colecciones permanentes de los principales museos estadounidenses, europeos y asiáticos, como el Museum of Fine Arts de Boston y el de Houston, Whitney Museum of American Art y Museum of Modern Art en Nueva York, National Gallery of Art en Washington DC, National Gallery of Canada en Ottawa, Tate Modern y Victoria and Albert Museum en Londres, Tokyo Metropolitan Museum of Photography en Japón, …

Referencias

• Henry Wessel en wikipedia (EN [1f]),
• Henry Wessel en tate (EN [27f 1v]),
• Henry Wessel en moma (EN [31f]),
• Henry Wessel en sfmoma (EN [99f 2v]),
• Henry Wessel, Jr. en ethertongallery (EN [12f]),
• Henry Wessel's Californication en time (EN [12f]),
• Henry Wessel en oscarenfotos [43f],
• Henry Wessel: Traffic/Sunset Park/Continental Divide en monovisions (EN [10f]),
• Henry Wessel’s Incidents en anothermag (EN [10f]),
• ‘Henry Wessel: Continental Divide & Traffic’ at Galerie Thomas Zander en artnews (EN [9f]),
• Henry Wessel's best photograph: a mystery in a California garden en theguardian (EN [1f]),
• Henry Wessel: “Vista Del Mar” (1995) en americansuburbx (EN [1f]),
• Incidents en steidl (EN [6f]).

Libros

• House Pictures, 1992.
• Night Walk, 2000.
• Henry Wessel: Rena Bransten Gallery Exhibition Catalogue, 2000.
• California and the West / Odd Photos / Las Vegas / Real Estate Photographs / Night Walk, 2006.
• Henry Wessel, 2007.
• Waikiki, 2012.
• Incidents, 2013.
• Sunset Park, 2016.
• Continental Divide, 2016.
• Traffic, 2016.
• Traffic / Sunset Park / Continental Divide, 2016.

Publicaciones con contribuciones de Wessel:

• Looking at Photographs: 100 Pictures from the Collection of The Museum of Modern Art, 1973.
• New Topographics: Roberts Adams, Lewis Baltz, Bernd and Hilla Becher, Joe Deal, Frank Gohlke, Nicholas Nixon, John Schott, Stephen Shore, Henry Wessel, Jr, 2009.
• Closer than Fiction: American Visual Worlds around 1970, 2011.
• Under the Big Black Sun: California Art, 1974-1981, 2011.
• Here, 2011.
• About Face, 2012.
• About Face, 2014.

Anne Geddes es una artista y fotógrafa australiana (nacida el 13 de septiembre de 1956 en Queensland, Australia, vive en Nueva York, EEUU) cuya obra capta la belleza, la pureza y la vulnerabilidad de los niños.

© Anne Geddes

Biografía

Anne Geddes pasó su infancia en la granja de ganado de su familia en Queensland. Abandonó la escuela a los 17 años y se fue de casa. Más tarde, conoció y se casó con Kel, y se mudó a Hong Kong en 1983 por el trabajo de éste en televisión. Aprendió fotografía usando la cámara Pentax K1000 de 35 mm de su marido. Siempre había estado interesada en la fotografía, pero no había tenido ocasión de aprenderla en la escuela.

En 1988, después de mudarse a Auckland, Nueva Zelanda con su esposo Kel (quien lanzó la primera cadena de televisión comercial de Nueva Zelanda) Anne estableció su primer estudio profesional, especializado en retratos clásicos de niños y familias, continuando con este trabajo durante los primeros 10 años de su carrera. En 1992 publicó y vendió su primera colección de tarjetas de felicitación de Navidad y calendarios en Nueva Zelanda. Ambos se convirtieron en un éxito instantáneo. Con el calendario de 2018 lleva 27 años haciéndolos con gran éxito.

La habilidad de Anne es suministrar un contenido emocional a la imagen que permite que la gente se sienta atraída. Sus mundos imaginarios de bebes-abejas, mariposas, duendes, hadas, flores y otros curiosos elementos conquistan a gran parte de la población. Utiliza una imagen natural y sencilla, con una iluminación suave y muy agradable. No usa demasiado la postproducción de imagen, prefiere usar mucho atrezzo de distintos tamaños. Los protagonistas de sus imágenes suelen ser bebés de cuatro semanas a seis meses por comodidad, normalmente en sesiones cortas por la mañana, cuando están más descansados.

Sus imágenes se han materializado en tarjetas postales, sellos, muñecos, ropa infantil, calendarios, posters, libros, relojes, puzzles, ropa de cama, bolsas de regalo, aplicaciones informáticas e incluso tarjetas de crédito. Tiene un gran éxito comercial internacional: sus tarjetas de felicitación, diarios para bebés y calendarios se publican en más 50 países.

Con su marido creó su propio programa filantrópico llamado Geddes Philanthropic Trust, con el foco en la creación de conciencia sobre el abuso y las negligencias con los niños. Su programa filantrópico ha generado muchas oportunidades habiendo repartido más de 7M de dólares.

Su primer libro en 1996, Down in the Garden, un cuento de hadas contado a través de fotografías, fue uno de los best-sellers del New York Times. Desde entonces, sus libros se han publicado en 83 países y se han traducido a 23 idiomas distintos. Ha vendido más de 18 millones de libros y 13 millones de calendarios.

En 1997, Anne recibió una Beca Honoraria por parte del New Zealand Institute of Professional Photographers (NZIPP). En 2009, Professional Photographers of America (PPA) le  honraron con su prestigioso Lifetime Achievement Award. Sus libros en gran formato Until Now de 1998, Pure en 1999, Miracle en 2004, Beginnings en 2011, han obtenido diversos premios y han sido líderes en ventas.

Durante este tiempo, Anne tuvo el honor de ser nombrada Member of the New Zealand Order of Merit por sus servicios a la fotografía y la comunidad. Su fundación y ella han recibido diversos premios y honores por sus trabajos a favor de los niños. En 2017 Anne fue incluida en el International Photographic Hall of Fame. 

Referencias

• su página web www.annegeddes.com (EN [?f]),
• Anne Geddes en instagram (EN [+650f]),
• Anne Geddes en wikipedia (EN),
• Anne Geddes turns her lens to a new subject: survivors of meningitis en theglobeandmail (EN [5f]),
• Anne Geddes – “Photographing babies is my passion.” en thecreativemind (EN [2f 1v]),
• World's Most Famous Baby Photographer on the Power of Motherhood en time (EN),
• Anne Geddes en ellastraselobjetivo [3f],
• Anne Geddes en etsy [+100f],
• La fotógrafa de bebés Anne Geddes muestra cómo son esos niños años después en elperiodico [5f],
• La fotógrafa Anne Geddes comparte algunas de las historias de los bebés que fotografió años atrás en bebesymas [24f],
• Marca bebé. El fenómeno Anne Geddes en taschen [9f],
• Anne Geddes, la fotógrafa de niños más famosa del mundo (no apta para diabéticos) en elconfidencial [13f],
• Anne Geddes: 'Los bebés nos recuerdan de dónde venimos. El origen de todo' en elmundo [5f],
• Historia de la Fotografía (Anne Geddes) en jorgevictoria [3f],
• Fotógrafa: Anne Geddes, la fotógrafa de los niños en hipertextual [20f],
• @annegeddestweet en twitter (EN [?f]),
• Anne Geddes en facebook (EN [?f]).

Libros

• Down in the Garden, 1996.
• Children's collection: Garden Friends, Garden Families, Garden Colors, Color, Faces, Dress ups, 1996.
• Birthdays and Anniversaries: Orchid Babies, 1997.
• The Twelve Days of Christmas, 1997.
• Until Now, 1998.
• 10 in the Bed, 2000.
• Pure, 2002,
• Until Now, 2003.
• Miracle: A Celebration of New, con Celine Dion, 2004.
• Shapes, 2005.
• Colors, 2005.
• A Labor of Love: An Autobiography, 2007.
• Beginnings, 2010.
• Little Blessings, 2014.
• Small World, 2018.
• …

Sigfrido Koch Arruti fue un escritor y fotógrafo vasco (nacido el 28 de febrero de 1936 en San Sebastián, fallecido el 27 de abril de 1992) que abordó temas como paisajes, escenas rurales y marineras alejado de la estética de su época, trabajando a contracorriente, y evolucionando en su última época a una explosión de expresividad cromática y abstracta.

© Sigfrido Koch Arruti

Biografía

Sigfrido Koch Arruti nació en el seno de una familia de artistas y fotógrafos, estudiando la técnica de la fotografía en Alemania, Bélgica y Holanda y formándose principalmente al lado de su padre y maestro, Sigfrido Koch Bengoetxea. Su abuelo Willy Koch Schoneweiss fue un fotógrafo y pintor de origen alemán llegado a San Sebastián, gran retratista de personalidades de la cultura de los años 20 y fundador del Festival de Cine de San Sebastián.

Gran deportista también,  fue campeón de España en la 400 metros vallas, y su formación fue completada con cuatro años de estudios de pintura y dibujo en la desaparecida Escuela de Artes y Oficios de San Sebastián, bajo la dirección de Vicente Cobreros. Por el consejo de su padre, también recibió clases del escultor y artesano Joshe Lopetegi, a cuyo taller asistió durante tres años. Se formó técnicamente en la empresa Ballet, de Barcelona, viajando posteriormente a Alemania para ampliar sus conocimientos de fotografía, y a Bélgica, en la empresa Agfa-Gevaert, trabajando en fotografía en color. Inquieto y procurando aportar su propias ideas, durante ese tiempo investigó el proceso de revelado en color de material sensible, fabricando sus propios filtros.

En paralelo a su trabajo en publicidad, con el que conseguiría el Premio Internacional de Fotografía Publicitaria en 1980 en Montevideo (Uruguay), abarcó la temática tradicional del folklore en el entorno marino y rural además de retratar a amigos artistas como Jorge Oteiza, Eduardo Txillida, Gabriel Celaya, Txillardegi, …

Sus imágenes más características muestran una realidad difusa y consiguen con ese difuminado alejar a los personajes de su individualidad para abordar lo general. Al privar al espectador de detalles topográficos o de una situación concreta, conseguía generalizar la condición rural o marinera del ámbito general del País Vasco en un tiempo difuso. El clima norteño del País Vasco, su luz tamizada por la humedad ambiente, la suavidad de los colores envuelve los paisajes, personajes e interiores de su fotografía. Su obra fotográfica recoge en su interior buena parte del legado y la experiencia del siglo XX, desde ciertos elementos del fotoperiodismo, hasta aspectos de la objetividad alemana de los años 20 y 30.

También optó por una fotografía construida y una realidad intensificada, por “naturalezas artificiales” que tan certeramente valoró su amigo Jorge Oteiza, montadas en el estudio o en la propia naturaleza, para que las piedras “fueran más piedras”. Después de muchos años de claroscuro, equilibrio y sobriedad, su obra evolucionó a una explosión de expresividad cromática. Prescindió de los personajes y paisajes para evolucionar a una fotografía abstracta, colorista y contundente, acercándolo a una estética de pura construcción con luz.

En 1984 presentó en San Sebastián y Bilbao su audiovisual Orreaga, calificado por algunos como un discurso excesivamente político, aunque el autor quería expresar en él su encuentro con una realidad, Euskalherria, que le preocupaba, tanto como amaba. Promotor y animador del movimiento de ikastolas en Vizcaya, Koch participó en distintas exposiciones en favor de causas dignas. Fue jurado en muchos concursos, como la Muestra Internacional de Carteles de Barcelona en 1981. Desde 1970, realizó numerosas exposiciones en el País Vasco, Francia y España.

Un homenaje a la Sala Kutxa de San Francisco en 2010 incluyó doce fotografías del linaje Koch: Willy Koch , Sigfrido Koch Bengoetxea , Carmen Koch Bengoetxea, Pablo Koch Bengoetxea, Willy Koch Bengoetxea, Alberto Schommer , Alberto Schommer García, Sigfrido Koch Arruti, Edurne Koch Elizegi, Nagore Koch Elizegi, Willy Koch Louvelli y Marco Bialon Koch.

Referencias

• su página web sigfridokoch.wordpress.com,
• Sigfrido Koch en wikipedia (EU [?f]),
• Sigfrido Koch, GipuzkoaKultura en guregipuzkoa [1000f],
• Entrevista a Sigfrido Koch Arruti (1936-1992) en gorkazumeta [5f],
• "Harrapatutako uneak" Sigfrido Koch Arrutiri bihotzetiko omenaldia en youtube [1v], 
• Sigfrido Koch, en el Photomuseum en diariovasco [1f],
• Sigfrido Koch en dfg,
• Homenaje de la S.F.G. a Sigfrido Koch Arruti en sfg-ss [1f],
• Sigfrido Koch. 25 años de fotografía en errenteria [1pdf],
• Koch Arruti, Sigfrido en aunamendi,
• La Casa Xenpelar acoge desde hoy fotografías de Sigfrido Koch Arruti en herribizia [1f],
• Sigfrido Koch, irudiaren poeta en gaztezulo (EU [1f]),
• Sigfrido Kock Arruti, retratista onírico de la vida popular vasca en eitb,
• La mirada de Koch en noticiasdegipuzkoa [1f].
  

Libros

• Harrapatutako Uneak/Instantes Atrapados, 2000.
• La Nostalgia Acumulada, 1997.
• Cien años de Rioja alta (1890-1990), 1990.
• Itxaskaria, 1990.
• Gure Sagardoa, 1989.
• San Sebastian Ciudad Abierta, texto de Gabriel Celaya, 1989.
• Gaviota, 1987.
• Txakolina, 1985.
• Misterio de Vizcaya, 1981.
• Itxaskaria: Los euskaros y el mar, 1978. 
• Euskalerria Neure Ametza, 1977.     

Marina Gondra es una fotógrafa vasca (nacida en Bilbao en 1989) que crea historias a través de sus imágenes, con sus mejores aliados: su cámara y Photoshop.

© Marina Gondra

A través de mis imágenes, podrás atreverte a soñar despierto, sumergirte en lo mejor de tus sueños o en tus peores pesadillas, y reír de nuevo como cuando eras niño.

Biografía

Marina Gondra mostró habilidades desde muy joven con el dibujo y las manualidades. A los 15 años empezó a interesarse por las fotografía, y comenzó a hacer sus primeras fotos, siempre alegres y muy coloridas. A los 18 años ingresó en la facultad de Bellas Artes para estudiar pintura, lo cual le ayudó mucho a la hora de jugar con los colores. Durante sus 5 años de carrera ha desarrollado una faceta como pintora, pero su verdadera pasión siempre ha sido la fotografía, la cual ha aprendido de forma autodidacta.

A través de sus imágenes intenta que consigamos atrevernos a soñar despiertos, a sumergirnos en lo mejor de nuestros sueños o en nuestras peores pesadillas, y a reír de nuevo como cuando éramos niños. Examina sus primeros recuerdos y busca inspiración en los sueños más profundos.

Realiza fotografía de viajes, de retratos de niños, de surf y artística/creativa donde crea historias que trasladan al espectador a mundos irreales en unas imágenes inspiradoras gracias al uso creativo del Photoshop y la inclusión de ella misma en autorretratos.

Referencias

• su página web marinagondra.com (EN [+40f]),
• su blog [?f],
• su fotoblog [?f],
• Marina Gondra en instagram [+500f],
• Marina Gondra en 500px [+200f],
• Marina Gondra en flickr [+550f],
• Marina Gondra en youtube [49v],
• Marina Gondra en baffest [1f],
• Marina Gondra en bitacoradefotografia [9f 1v],
• El mundo, a través del objetivo de ocho mujeres en elcorreo [23f],
• Marina Gondra's Magical Photo Stories Dare You to Daydream en 500px (EN [17f]),
• Marina Gondra en thewhiskyladies [3f],
• @Marina_Gondra en twitter (EN [?f]),
• Marina Gondra en google+ [?f],
• Marina Gondra en facebook [?f].

Misha Gravenor es un fotógrafo estadounidense (nacido en San Francisco, vive en Los Angeles, California) que realiza retratos, fotografía de viajes y de comida, publicando sus fotografías en numerosas revistas y magazines en papel y en línea.

© Misha Gravenor

Biografía

Misha Gravenor nació en San Francisco, creció en Santa Bárbara y actualmente vive en Los Angeles, California. Se interesó en la fotografía desde niño, cuando su madre le regaló una cámara de caja Kodak.

Después de estudiar en el Art Center de Pasadena, Gravenor comenzó su carrera en la fotografía, recibiendo elogios de PDN, Communication Arts y American Photography. Fotografiando principalmente comida, viajes y haciendo retratos ha publicado trabajos en Dwell y Bon Appetite, entre otras muchas publicaciones donde su fotografía es el complemente del texto de muchos artículos.

Entre sus clientes, además de los ya citados, podemos citar a Apple, Bloomberg, ESPN, Fortune, HP, IBM, Mazda, Microsoft, Newsweek, Time, Travel & Leisure, Wallpaper Magazine, Wired, …

Referencias

• su página web www.mishagravenor.com (EN [+150f]),
• Misha Gravenor en instagram (EN [+250f]),
• su trabajo con iphone (EN [?f]),
• 1 Gallon of Gas, 100 Miles — $10 Million: The Race to Build the Supergreen Car en wired (EN [4f]),
• Style and Bourbon go Hand-in-Hand en bonappetit (EN [1f]),
• Healthy and Hungry in Las Vegas en cookinglight (EN [5f]),
• Variety’s 10 brits to watch en variety (EN [10f]),
• We Built This City: Oakland's Changing Landscape en travelandleisure (EN [16f]),
• The 25 Greatest Travel Photographers Right Now en complex (EN [1f]),
• Empire of the Bun en lamag (EN [2f]),
• Little Beast en timeout (EN [6f]),
• And virus makes four en stanmed (EN [1f]),
• This Top-Secret Food Will Change the Way You Eat en outsideonline (EN [3f]),
• Frothy and Dark en palmspringslife (EN [1f]),
• How to Do a Magic Trick en scientificamerican (EN [6f]),
• El señor de las máscaras en robbreport [3f],
• @mishagravenor en twitter (EN [?f]).

J Bennett Fitts es un fotógrafo estadounidense (nacido en 1977 en Kansas City, Missouri, vive en Los Angeles, California) cuya obra intenta retratar las ruinas menores de una nación, a través de fotografías de paisajes alterados (por el hombre).

© J Bennett Fitts

Biografía

John Bennett Fitts estudió en el Art Center College of Design de Pasadena, California. Su obra está desarrollada en la tradición de los artistas del paisaje occidental que incluye pintores del siglo XIX y fotógrafos posteriores como Robert Adams, Richard Misrach y Stephen Shore.

Es un fotógrafo con un enfoque en el vacío. En su serie No Lifeguard On Duty hizo grandes fotografías a color de piscinas vacías de moteles de la década de los 60. Para ello viajó más de 20.000 millas por el sur de los Estados Unidos, desde los desiertos de Arizona hasta las costas de Florida, descubriendo moteles abandonados y capturando imágenes melancólicas de estos lugares ahora vacíos, creando un cuerpo de trabajo deprimente, y al mismo tiempo elegíaco. Estas arquitecturas olvidadas están fotografiadas al atardecer en un estilo que hace de las piscinas una especie de paraíso perdido cargado de colores nostálgicos y tonos con atmósferas románticas y decadentes.

En su serie Industrial Landscape [ing] se centra en entornos extrañamente cuidados y experimentados, entornos fabricados que parecen cuantificar la experiencia humana del espacio literal y cómo se utiliza como un paisaje extrañamente disociativo donde falta todo rastro de interacción humana.

J. Bennett Fitts ha exhibido ampliamente tanto a nivel nacional como internacional y su trabajo está incluido en muchas colecciones notables, así como también ha sido ampliamente revisado y publicado.

Referencias

• su página web www.jbennettfitts.com (EN [+90f]),
• J Bennett Fitts en behance (EN [?f]),
• J Bennett Fitts en kopeikingallery (EN [7f]),
• Swimming pools abandoned motels American South en dailymail (EN [8f]),
• J Bennett Fitts en thedreambeing (EN [5f]),
• J Bennett Fitts en 500photographers (EN [9f]),
• J. Bennett Fitts en newlandscapephotograph (EN [1f]),
• Drinking in L. A. en a-desperate-lifestyle [6f],
• No Lifeguard on Duty / J Bennett Fitts en thesuperslice (EN [6f]),
• Piscine abbandonate en ilpost (IT [15f]),
• Pictures of abandoned swimming pools en desertedplaces (EN [16f]),
• no lifeguard on duty by J Bennett Fitts en archaic-mag (EN [12f]),
• J Bennett Fitts en creaconfusion [10f],
• J Bennett Fitts en mutualart (EN [18f]).

Libros

• J Bennett Fitts: No Lifeguard on Duty, 2006.

Peter Beste es un fotógrafo estadounidense (nacido en Houston en 1978, vive en Oregón) cuyo trabajo documental abarca una variedad de subculturas que pueden considerarse controvertidas, como el Black Metal y el Rap.

© Peter Beste

Biografía

Peter Beste ha estado interesado desde muy joven (desde los 8 años) en distintas subculturas musicales como el heavy metal, el punk rock, el hip hop y otros. En su adolescencia, descubrió el Black Metal noruego y al instante se sintió atraído por él a muchos niveles, sobre todo por su conexión con la naturaleza y con la antigua mitología nórdica. Estando en los finales de los 90 en la universidad pensó que éste podría ser un proyecto fotográfico ideal, por su importancia cultural casi antropológica y por el poder de las imágenes de esos artistas en un entorno exuberante y mágico.

Evidentemente fue un proceso largo y delicado. Al principio contactó con varios grupos por email. Los primeros fueron Gorgoroth y Enslaved, y tuvo la suerte de que Gorgoroth y Dimmu Borgir realizaran un concierto en el Milwaukee Metalfest de 2001. Peter hizo allí fotografías que les encantaron, así que accedieron a dedicarle algo de su tiempo si visitaba Noruega.

En 2002 hizo su primer viaje a Noruega, que duró seis semanas. A través de estos primeros contactos, conoció a otros miembros de la escena y lentamente comenzó a relacionarse con ellos. Como allí es todo muy caro tenía que volver a EEUU y ahorrar medio año para poder volver y retomar el trabajo, que le ocupó casi siete años de su vida y numerosos viajes a Noruega. Este trabajo dio origen a su libro True Norwegian Black Metal en 2008 y a exposiciones individuales en Londres, Nueva York, San Francisco, Austin, Atlanta, Los Ángeles, Tokio, Osaka, Oslo, Madrid  y Bergen.

También ha documentado la escena rap en Houston publicando con el escritor Lance Scott Walker los libros Houston Rapy Houston Rap Tapesen 2013.

Está ultimando su libro Dans Med Meg centrado en la importancia de las chaquetas de combate, cut-off o Kutte, en la cultura del metal y el punk.

Referencias

• su página web www.peterbeste.com  (EN [?f]),
• Peter Beste  en instagram (EN [+1.400f]),
• Peter Beste  en wikipedia (NL),
• Peter Beste  en stevenkasher (EN [6f]),
• Hablamos con Peter Beste: el fotógrafo de culto del metal  en vice [14f],
• Entrevista con Peter Beste  en elpais [6f],
• Peter Beste’s ‘True Norwegian Black Metal’ (2008)  en americansuburbx (EN [3f]),
• True Norwegian Black Metal by Peter Beste  en newhumanist (EN [4f]),
• Full Metal Jackets  en redbullmusicacademy (EN [16f]),
• Peter Beste  en itsnicethat (EN [7f]),
• Battle Jackets Galore! A preview of peter Beste´s upcoming book PT.2  en cvltnation (EN [25f]),
• The Gang-Inspired Battle Jackets Of Punk And Metal By Peter Beste  en konbini (EN [7f]),
• Houston Rap/Houston Rap Tapes by Peter Beste & Lance Scott Walker en powerhousearena (EN [1f 1a]),
• La Bestia Negra del Metal  en joiamagazine,
• Peter Beste  en twitter (EN [?f]),
• Peter Beste  en facebook (EN [?f]).

Libros

• True Norwegian Black Metal, 2008.
• Houston Rap, con Lance Scott Walker, 2013.
• Houston Rap Tapes, con Lance Scott Walker, 2013.