María María Acha-Kutscher es una artista visual peruana (nacida en Lima en 1968, vive en Madrid, España) que tiene a la mujer como eje central de su trabajo. Su historia, la lucha por la emancipación y la igualdad, y la construcción cultural de lo femenino.

© María María Acha-Kutscher

En el caso de la serie Indignadas, cuando muestro a una mujer en plena acción política estoy representando a una mujer empoderada que transgrede el espacio tradicional creado por el patriarcado. Sale de la esfera doméstica para entrar a la pública, un espacio que todavía sigue dominado por los hombres. Mi trabajo cumple una doble función: la de ser un objeto artístico que opera dentro de la institución arte y la de contribuir a las transformaciones sociales y políticas, especialmente en la mujer.

Biografía

María María Acha-Kutscher estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Enseguida se fue a Ciudad de México, donde estuvo 10 años trabajando como directora artística de agencias de publicidad. En 2001 se trasladó a Madrid donde comenzó a desarrollar su trabajo artístico. Co-dirige con Tomás Ruiz-Rivas el proyecto Antimuseo.

Posiblemente sea una de las pocas artistas de su generación que se define como feminista. Y esta decisión es particularmente acertada por la dimensión política de su obra y porque ésta no se adscribe a ningún lenguaje, estética o estilo, ni se identifica con técnicas o formatos específicos. Organiza su trabajo en proyectos de largo plazo, para cada uno de los cuales desarrolla un lenguaje y una metodología propios.

Womankind es la obra más íntima e intuitiva de la artista, donde emerge su compleja identidad cultural, con raíces criollas, chinas y africanas por un lado, y por otro un mundo legendario, con tintes oníricos, transmitido por su abuela Irmgard, alemana de origen y exiliada del nazismo.

A partir de imágenes provenientes de revistas femeninas, de Internet, revistas, libros y fotografías tomadas por la artista, María María construye de manera digital una serie de collages fotográficos, ambientados en dos de los momentos más importantes en la historia de las mujeres: el movimiento sufragista británico de principios de siglo XX y la introducción masiva de la pastilla anticonceptiva en los años 60. Estos collages retratan no sólo ámbitos femeninos, sino que funcionan como registros de la historia de la representación de la mujer en el arte y el diseño

La serie más singular dentro de este proyecto es Les Spectaculaires, 10 collages fotográficos cuyas protagonistas son mujeres que estuvieron afectadas por algún tipo de “anormalidad”. Mujeres con una condición física excepcional que las hacía únicas, como la carencia de brazos o piernas, la estatura mínima o exagerada, un rostro cubierto de pelo o los cuerpos unidos de las siamesas. Las fotografías originales, sobre las que ha trabajado la artista, son de finales del siglo XIX y principios del XX, cuando estas mujeres aún trabajaban en circos, donde se exhibían como rarezas humanas.

Ha recibido numerosos reconocimientos entre los que destacan: Beca a la Creación Contemporánea-Matadero (2012), mención de honor en el Premio Iberoamericano Cortes de Cádiz (2012) y Beca para la Promoción del Arte Español Contemporáneo del Ministerio de Cultura (2010).

Ayudas a la creación contemporánea del Ayuntamiento de Madrid (2008 y 2012), Ayudas a la Producción de Artes Plásticas 2012 de la Comunidad de Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León - MUSAC - VI Edición Becas de Creación Artística 2011, Ayudas a la Promoción del Arte Contemporáneo Español 2010 - Ministerio de Cultura de España.

Referencias

• su página web acha-kutscher.com (EN, ES [?f]),
• María María Acha-Kutscher en bajaartists (EN [19f]),
• María María Acha- Kutscher expone en el CC Inca Garcilaso de Lima en vocesdelima [1f],
• María María Acha-Kutscher en fotografiaperuana [51f],
• María María Acha-Kutscher. Indignadas en museosantandermas [7f],
• How Women Are Changing The World, Shown In Gorgeous Illustrations en huffingtonpost (EN [7f]),
• Surreal digital collages by feminist artist María María Acha-Kutscher en itsnicethat [9f],
• María María Acha-Kutscher en museodelasmujeres [13f],
• Entrevista a María María Acha-Kutscher en lareplica [5f],
• María María Acha-Kutscher en facebook [?f].

Libros

• Les spectaculaires. 2012.

Gabrielle Duplantier es una fotógrafa francesa (nacida en 1978 en Bayona) cuyo mundo fotográfico parece separarse voluntariamente de toda la realidad temporal o social. Siempre está buscando imágenes hermosas que existan fuera de cualquier contexto.

© Gabrielle Duplantier

Biografía

Gabrielle Duplantier realizó estudios de pintura y de historia del arte en la Facultad de Artes Plásticas de Burdeos y, para ella la fotografía era una afición que iba aprendiendo de forma autodidacta. En sus fotografías aparecían sus amigos, personas cercanas con las que compartía la vida. Las imágenes las elaboraba en su laboratorio utilizando un particular tratamiento estético, inspirado en la noble belleza de los secretos femeninos.

Después de sus estudios universitarios, decidió dedicarse a la fotografía y se fue a París, donde trabajó como asistente de varios fotógrafos y, tras regresar al País Vasco Francés hacia 2002, se dejó inspirar por este país rico y enigmático y publicó una serie sobreIparralde, donde paisajes, animales o seres humanos se revelan como visiones impresionistas en espacios interminables. La densidad del blanco y negro da a menudo a sus imágenes un aire sobrio y abstracto, una profundidad enigmática.

Ha publicado 3 libros, su fotografía aparece en prensa, en el mundo editorial o en el musical, como en Photos Nouvelles, Shots Magazine, Gente di fotografia, Le Festin, Pays basque magazine, Geokompakt, Philosophy magazine… y también se expone con regularidad. En 2012, apareció en MONO, una monografía de los mejores fotógrafos en blanco y negro de estilo contemporáneo con artistas como Michael Ackerman, Trent Parke, Anders PetersenoRoger Ballen.

Su estilo fotográfico personal está inspirado en la pintura, y es un universo íntimo, principalmente femenino, que busca eliminar de las escenas lo ordinario, con un tratamiento oscuro del blanco y negro. Gabrielle hoy continúa trabajando en el retrato femenino, uno de sus temas preferidos, y en Portugal, el país de sus raíces, a donde viaja regularmente.

Referencias

• su página web www.gabrielleduplantier.com (EN, FR [350f]),
• Gabrielle Duplantier en staingallery (EN [22f]),
• Gabrielle Duplantier, face aux mystères de Volta en eklektika (FR [17f]),
• Interview with Gabrielle Duplantier en gommamag (EN [8f]),
• Gabrielle Duplantier en all-about-photo (EN [17f]),
• Gabrielle Duplantier en ivasfot [21f],
• Exclusive interview with Gabrielle Duplantier en gojirabrasil (EN [5f]),
• Volta en lamaindonne (FR [1f]),
• Gabrielle Duplantier en artandproject (FR [12f]),
• Gabrielle Duplantier en facebook (EN [?f]).

Libros

• Chapelles du Pays Basque2009
• La mer console toutes les laideurs2012
• Les enfants d’ici, 2012
• MONO (varios) 2012
• Volta 2014.

Toni Amengual es un fotógrafo balear (nacido en Mallorca en 1980, con base en Barcelona) que utiliza la fotografía como  herramienta de exploración, un viaje de ida y vuelta, de dentro a fuera, centrándose en la fotografía documental contemporánea y los límites de la fotografía como medio para representar y entender el mundo en el que vive.

© Toni Amengual

El mundo es un teatro y el flash me ayuda a potenciar esa teatralidad.

Biografía

Toni Amengual es licenciado en Biología y postgraduado en Fotoperiodismo. Empezó su formación fotográfica en el año 2000, recibiendo enseguida diferentes premios y becas. Ha sido investigador, cooperante y fotógrafo para contenidos relacionados con el medio ambiente y la salud en países como Guatemala, Camerún, Finlandia, Tanzania y República Dominicana. Actualmente trabaja como fotógrafo independiente.

Entre los años 2010 y 2012, Amengual fotografió casi compulsivamente a personas con el sufrimiento reflejado en su rostro. Es su manera de estudiar la situación de crisis en España. Un día cualquiera, en Barcelona, Madrid o Mallorca, da igual el lugar; unos ojos ocultos tras unas enormes gafas de sol, el luto en el abrigo, un pelo en blanco y negro y un gesto de tristeza llamaron poderosamente la atención del fotógrafo que no pudo contenerse, necesitaba retratar a esa mujer que cruzaba la calle; no llevaba la cámara, sacó el móvil y con un clic hizo el primer retrato que desencadena PAIN.

Después de dos años, con más de 2500 personajes fotografiados con el móvil y la idea clara de ver su trabajo impreso se presentó en el estudio de diseño Atlas, y en colaboración con Astrid Stavro y Pablo Martín (Premio Nacional de Diseño 2013) desarrolló de su libro cuyo diseño y fotografía forman una irresistible pareja, consiguiendo el premio al Mejor Libro Autoeditado en PhotoEspaña 2015, formando parte de la colección de libros del MOMA de Nueva York al ser finalista del Premio Anamorphosis, y opta al primer premio como mejor libro autoeditado del año. En 2015 ha publicado su libro Devotos, que sigue la estela de éxito de PAIN.

Amengual fue seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2010 y en Talent Latent en el Scan Tarragona 2010. También fue el ganador del Absolut Portfolios Nuevo Documentalismo en 2013.

Enseñó de 2009 a 2012 fotografía en la Escola Superior Balear de Palma de Mallorca y posteriormente en la escuela de fotografía IDEP de Barcelona. Creó el foto festival Visionaris 2008 en la fundación Pilar i Joan Miró en Palma de Mallorca. Desde 2009 trabaja como comisario y organizador de los talleres del Es Baluard Modern and Contemporary Art Museum de Palma de Mallorca. 

Referencias

• su página web www.toniamengual.com (EN [+350f]),
• Toni Amengual - Majorcan Souvenirs en 30y3 [17f],
• Toni Amengual. La sombra del valle en beristain [15f],
• DE VOTOS: El crudo retrato del bipartidismo en konbini [3f 1v],
• Toni Amengual: El morbo es ... en quesabesde [18f],
• Fotografía: La Fiesta Del Bipartidismo, por Toni Amengual en codigonuevo [4f],
• Premios PHotoEspaña al mejor libro de fotografía del año en ivasfot [3f],
• El fotolibro PAIN de Toni Amengual, de Idep Foto, en el MoMA en idep [1f],
• Toni Amengual en elpatiodeldiablo [13f],
• Entrevista a Toni Amengual en foto321 [3f],
• Entrevista a Toni Amengual de QuesabesdeTV en youtube [1v],
• Toni Amengual. El mundo es un teatro en quesabesde [?f],
• Sobre "PAIN", de Toni Amengual en tener-cultura [8f],
• Toni Amengual en pousta [33f],
• Toni Amengual en facebook [?f].

Libros

• PAIN2014
• Devotos 2015

Elena Vizerskaya es una fotógrafa, creadora digital y dibujante ucraniana (nacida en Kiev, donde vive) cuya obra tiene una enorme carga emocional, con escenarios surrealistas en los que la figura femenina y su sensualidad sirven como impulsor de emociones.

© Elena Vizerskaya

Biografía

Elena Vizerskaya, más conocida como Kassandra, estudió en el instituto de Arte y Diseño de Kiev, en la especialidad de Diseño de Medio Ambiente, en lo que nunca ha trabajado. Comenzó a crear sus obras en 2004, sin ninguna intención comercial. A partir de 2009 se planteó la posibilidad de vender sus fotos, y lo hace en istockphoto, con una obra no convencional, pero que obtiene gran aceptación.

Su pasión por la fotografía y la creación de collages comenzó espontáneamente en la infancia y se convirtió en una posibilidad de auto-expresión y una la manera de decir algo que no se puede decir con palabras. Sus obras a veces se pueden comparar con las de Dalí y Magritte, debido a la complejidad de las figuras artísticas y al gran número de capas de percepción, aunque es sin duda un lenguaje artístico original y absolutamente impredecible.

La figura femenina es la protagonista principal en la mayor parte de su trabajo. El erotismo y la sensualidad van implícitas en sus fotografías, aceptando la desnudez como vehículo comunicativo y transmisor de sensaciones y sentimientos y alejándose claramente de una definición más sexualmente explícita.

Sus trabajos se han utilizado en portadas de revistas e ilustraciones, grabados de ropa y campañas publicitarias.

Referencias

• su página web www.levitazio.com (EN [280f 7v]),
• Elena Vizerskaya en livejournal (RU [?f]),
• Elena Vizerskaya en photosight (RU [270f]),
• Elena Vizerskaya en photodom (RU [+240f]),
• Elena “KaSSandrA” Vizerskaya – Energía Emocional en enkil [20f],
• Elena Vizerskaya en mymicrostock [66f 1v],
• Entrevista a Elena Vizerskaya en istockphoto [6f],
• Elena Vizerskaya en istockphoto (EN [+1.400f]),
• Elena Vizerskaya - La liberación de los sueños en fotografía en nutremagazine [39f],
• Elena Vizerskaya en woblog (EN [16f 1v]),
• Elena Vizerskaya es una tejedora de sueños en culturainquieta [24f],
• Meet KaSSandrA: Metaphysical space from Elena Vizerskaya en photigy (EN [15f]),
• Elena Vizerskaya Art en facebook (EN [?f]).

Libros

• Elena Vizerskaya Nights & Mornings, (disponible en Amazon) 2015.

Montserrat Soto es una artista catalana (nacida en Barcelona en 1961) cuya obra se ha desarrollado a través de fotografías e instalaciones en diferentes series. Se centra en el espacio, el lugar y el paisaje, con el vacío como elemento preponderante. Los almacenes de museos y las casas de coleccionistas han sido el eje de algunas de sus series en que analiza el lugar del arte.

© Montserrat Soto

Biografía

Montserrat Soto se formó como pintora en la Escola Massana de Barcelona. Posteriormente, estudió Bellas Artes en Grenoble (Francia). Durante su aprendizaje realizó una estancia en el PS1 de Nueva York. En 1989 tuvo lugar su primera exposición en la Sala D’art Municipal Can Massallera de Sant Boi de Llobregat, Barcelona, y desde entonces se ha servido de la fotografía y el vídeo como medio expresivo habitual.

Trabaja principalmente la fotografía y las instalaciones, sobre todo en formato de series. Trabaja el espacio, el lugar y el paisaje, analizando el vacío como un elemento destacado. Partiendo de esta base, cobra especial interés el lugar que ocupa el espectador, que funciona como el referente humano latente. Son frecuentes en sus imágenes las puertas y ventanas, elementos delimitadores de los espacios por los que invita al público a transitar y reflexionar sobre el paisaje, la ciudad, el espacio y el arte. Algunas de sus series más exitosas documentan almacenes de museos y/o casas de coleccionistas.

En este sentido se inscribe una de las líneas que marcan su carrera: el registro de espacios dedicados al arte. Series como Silencios (1997), en la que retrata los almacenes vacíos de algunos museos españoles, y Paisaje secreto (1998-2002), en la que se adentra en las casas de coleccionistas, dan cuenta de la dialéctica entre el espacio expositivo y su trastienda. También ha abordado el registro reflexivo del paisaje contemporáneo mediante el viaje en trabajos como Invernaderos (2002-03), Huellas (2004), un trabajo dedicado a los paisajes industriales, Escrito sobre Piedra donde aborda el tema del paso del tiempo a partir de lugares aparentemente abandonados y desolados, y el proyecto en curso Doom City, iniciado en 2005, y del que presentó la serie The People on the Edge en La Fábrica en Madrid en 2011.

Destacan igualmente sus exposiciones Tracking Madrid en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 2005, Paisaje secreto en Photo España 2004 y en el Museo Patio Herreriano de Valladolid en 2007 y Diálogos a la intemperie en el Museo de Bellas Artes Emilio Caraffa de Córdoba, Argentina, en 2010.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Comunidad de Madrid y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

Referencias

• su página web montserratsoto.com (EN, ES [?f]),
• Montserrat Soto en wikipedia.
• Montserrat Soto en colectania [1f].
• Montserrat Soto. Tracking Madrid en museoreinasofia [1f].
• Montserrat Soto en oralmemories [15f 1v].
• Montserrat Soto: del umbral al límite en gipuzkoakultura [1f].
• Montserrat Soto. Paisaje Secreto en museoph [1f].
• Montserrat Soto. Tiempo roto en juanadeaizpuru [16f].
• Montserrat Soto en elcultural [1f].
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [3f].

Libros y catálogos

• Sin nombre, 1996
• Anónimo, 1996
• Puertas traseras, 1997
• Paisajes y otras cosas, 2000
• Fuerteventura. Revisitar Canarias, 2003
• Escrito sobre piedra, 2004.
• Paisaje secreto, 2004
• Del umbral al límite, 2004
• Huellas, 2004
• Tracking Madrid, 2005.
• Archivo de archivos, 2006
• Dato primitivo 4. 1781: Caso Goya 2009
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Thomas Wrede es un fotógrafo alemán (nacido en Iserlohn-Letmathe, Westphalia, en 1963) que, con sus paisajes, juega con la realidad y las perspectivas. A partir de pequeños escenarios en miniatura consigue crear grandes realidades.

© Thomas Wrede

Caminar por el mundo es importante para mí, para llegar a ser inspirado por el paisaje y su iluminación diferente. Luego utilizo métodos sencillos para crear nuevos mundos en mis fotos: mundos que sólo puede existir en la fotografía, y que se funden con las imágenes memorizadas del observador.

Biografía

Thomas Wrede estudió arte y realizó un master en la Academia de Bellas Artes de Münster, donde también daría clases años después. En 1990 estudió con Dieter Appelt en Salzburgo y Berlín. Desde 2015 es profesor de fotografía y medios de comunicación en la HBK de Essen.

Es nuestra relación con la naturaleza lo que le interesa: nuestro anhelo por la naturaleza y su descripción misma. Con su cámara observa cómo la naturaleza artificial se recibe de la misma forma que la naturaleza real. Esto es bien conocido en la filosofía alemana, donde filósofos como Immanuel Kant y Hegel Friedrich estudiaron la relación dialéctica de la naturaleza. Wrede continúa esta tradición alemana como fotógrafo, cuestionando nuestra percepción de la naturaleza.

Su última serie Real Landscapes está formada por manipulaciones de paisajes. Mediante la adición de detalles artificiales en una naturaleza real crea una escena que parece auténtica al principio, pero que el observador siente al poco tiempo que es irreal aunque parezca real. Son escenas oníricas  o  incluso pesadillas.

Durante los últimos años ha realizado numerosas exposiciones presentando sus obras dentro y fuera de Alemania. Como ejemplo de sus exposiciones individuales podemos citar las del Museum Kunst der Westkueste en Alkersum (2010), Kunsthalle Bielefeld (2010) y el Wallraf-Richartz-Museum, de Colonia (2007) y entre las colectivas las del National Museum for History and Art en Luxemburgo (2013), Seoul Museum of Art en Corea del Sur (2011)  y el Art Museum de Wuhan, China (2009). 

Su obra forma parte de colecciones como la Staatsgalerie de Stuttgart, Landesmuseum en Münster, The West Collection en Filadelfia, Kunst-am-Bau-projects en Berlín, UBS en Zúrich y  Lucerna, DZ-Bank de Frankfurt. También ha obtenido algunos premios importantes, como el Karl-Hofer-Preis del Hochschule der Kuenste en Berlín.

Referencias

• su página web thomas-wrede.de (DE [+35f]),
• Thomas Wrede en wikipedia (EN),
• Thomas Wrede en galerie-wagner-partner (DE, EN [26f]),
• Thomas Wrede en f56 (EN [48f]),
• Thomas Wrede en mikekarstens (EN [13f]),
• Thomas Wrede en beck-eggeling (EN [10f]),
• Thomas Wrede en photoandcontemporary (IT [31f]),
• Thomas Wrede en kopeikingallery (EN [+170f]),
• Thomas Wrede en all-about-photo (EN [17f]),
• Thomas Wrede en artdiscover [8f],
• Paisajes reales, Thomas Wrede en adfphoto [1f],
• Thomas Wrede en re-title (EN [3f]),
• Thomas Wrede en 500photographers (EN [8f 1v]),
• Thomas Wrede en designboom (EN [6f]),
• Thomas Wrede en fototv (DE [1v]).

Libros

• Inszenierung und Wirklichkeit 2013
• Panorama, 2010
• Anywhere 2010
• Manhattan Picture Worlds 2009
• Hotel California, Dolron & Wrede, 2007
• Strange Paradise 2005
• Magic Worlds, 2000
• Samsö, 1996
• Birds Hang in the Air and Crey, 1995
• Places and Constellations, 1991.

Laura Silleras es una fotógrafa española (nacida en Valencia en 1979) que muestra en su obra una mirada fascinada hacia la extravagancia que anida en cada uno de nosotros, una mirada que descubre el encanto de la naturaleza humana en lo que nos es extraño.

© Laura Silleras

Biografía

Laura Silleras Salcedo se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universidad San Pablo CEU de Valencia. Empezó a fotografiar de manera autodidacta. A los 19 años se fue a Londres a trabajar y ahorró para comprarse una cámara Hasselblad con la que no ha dejado de disparar desde entonces. Aún utiliza película. Compaginó sus estudios en la Universidad con sus trabajos fotográficos, aunque ha sido durante los últimos seis años, después de obtener la licenciatura, cuando la fotografía ha determinado su manera de vivir.

Desde 2007 ha vivido periodos en Berlín, México y, más recientemente, en Nueva York, ciudades que han marcado y modelado su mirada fotográfica. Lanzarse a la deriva, con todas sus consecuencias, ha sido crucial para el desarrollo de su persona y de su obra.

Laura Silleras ha publicado en diversas revistas como Ojo de Pez, El Replicante y Vice Magazine, y ha expuesto colectiva e individualmente, principalmente en Berlín.

Recientemente se trasladó a Nueva York donde ha trabajado en el International Center of Photography (ICP). Laura pasó cerca de dos semanas en 2013 explorando la vida más allá de la "ilusión del paraíso", donde las playas de arena blanca, los chiringuitos de mariscos y las competiciones de minigolf se transforman en suburbios, comunidades de jubilados en campos de golf y parques de caravanas, sin aceras o el centro de la ciudad, "donde los jóvenes piensan que están en el lugar más aburrido en la Tierra."

Entre sus trabajos más destacados se encuentran las series:

• Chimuelos.- Laura pasa todos los inviernos en un rancho de un pueblo del estado de Veracruz. Ahí solía cruzarse y trabar conversación con hombres desdentados (en México les llaman chimuelos), muchos, y no paró hasta que convenció a unos cuantos para que se dejaran retratar.
• Zircus circus cirque.-  Donde muestra un mundo de farándula entre bastidores, sin público ni escenario, en el que tragadoras de sables, domadores, payasos, contorsionistas y enanos ensayan una y otra vez esa habilidad que los hace únicos al tiempo que los lastra.

Referencias

• su página web laurasilleras.com (EN [+110f]),
• su blog [?f],
• Paradise in a ‘place past its prime’ en cnnphotos (EN [40f]),
• Laura Silleras en revistaojosrojos [11f],
• Laura Silleras, lo que la fotografía revela en setdart [9f],
• Laura Silleras ‘Daytona Beach’ Photographs Reveal The Banality Of Life Behind Tourism Spin en mutantspace (EN [7f]),
• Laura Silleras: Chimuelos en vice [8f],
• El fotógrafo como contador de historias en tallerdefotodocumental [4f],
• Zirkus circus cirque. Retratos de Laura Silleras en revistareplicante [13f],
• Laura Silleras en facebook [?f].

Yusuf Sevinçli es un fotógrafo turco (nacido en Zonguldak en 1980, vive y trabaja en Estambul) cuyos contrastados blancos y negros, con grano grueso y superficies rayadas, tienen una dimensión atemporal que confiere fugacidad de nuestra vida cotidiana.

© Yusuf Sevinçli

Biografía

Yusuf Sevincli se graduado de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Marmara en Estambul en 2002. Trabajó como fotógrafo para varios periódicos y revistas entre 2000 y 2004, pero su fotografía dura y descentrada en su composición estaba fuera de los cánones de la fotografía de prensa, que no le llenaba. A punto de abandonar la fotografía, realizó un curso intensivo de 4 meses de  fotografía documental en la Nordens Fotoskola de Estocolmo en 2004, que marcó un punto de intersección dejando la fotografía documental y centrándose en una fotografía personal y subjetiva.

Usa imágenes en blanco y negro intenso con una mirada cargada de poesía. Fotografía escenas cotidianas en la ciudad que le fascina: Estambul, una ciudad que se ata con carne y sangre. Cada fotografía que toma es un fragmento íntimo, muchas veces casi nada, pero ya es todo, un íntimo diario visual. En cada esquina de los callejones sin salida de Beyoglu, el distrito que Sevincli recorre día y noche, puede palparse la nostalgia, pero también la vida del día a día contemporánea.

Llegó a la ciudad como un joven estudiante y ha vivido allí durante los últimos quince años, rodeado de una comunidad de artistas, la mayoría de ellos fotógrafos con los que comparte una pasión común por la imagen.

Construye su trabajo a través de varias series, como Good Dog, que ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas en Turquía, Europa y en todo el mundo (Mes de la foto en Moscú, Photobiennale Festival de Tesalónica,  festival Fotografia Europa Reggio Emilia en Italia, Fotografie Noorderlicht en Holanda, FotoFreo en Australia, ...).

Desde 2008, su trabajo se ha publicado en obras colectivas como Image Makers, Image Takers: The Essential Guide to Photography, etc. En 2011, fue seleccionado para participar en el programa
internacional Reflexions Masterclass en Venecia.

Su obra forma parte de las colecciones del Musée Français de la Photographie y del Istanbul Modern Museum.

Referencias

• su página web yusufsevincli.com (EN [46f]),
• Yusuf Sevinçli en fillesducalvaire (FR [+150f]),
• Yusuf Sevinçli: Good Dog en arsivfotoritim (TR [15f]),
• Street Haunting in Vichy en newyorker (EN [12f]),
• Yusuf Sevinçli en fkmagazine (EN [32f]),
• Pulse. Yusuf Sevinçli en noorderlicht (EN [5f]),
• Yusuf Sevinçli en festival-circulations (EN [24f]),
• Yusuf Sevinçli en parisphoto (EN [5f]),
• Yusuf Sevinçli en file-magazine (EN [7f]),
• Yusuf Sevinçli en svrta (EN [9f]),
• Yusuf Sevinçli: Good Dog en monovisions (EN [10f]),
• Yusuf Sevinçli. Walking en vimeo (EN [1v]),
• 100 Words: Yusuf Sevincli On Returning Home en npr (EN [9f]),
• Yusuf Sevinçli en facebook (EN [?f]).

Libros

• Good Dog 2012
• Marseille(s) 2014
• Walking

Chang Tsai fue un fotógrafo chino (nacido en 1916 en área de Dadaocheng en la ciudad de Taipei, fallecido en 1995) considerado uno de los “3 mosqueteros” de Taiwán en las décadas de los 30 a los 50. Sus imágenes eran íntimas, puras y poderosas, y se convirtió en un modelo para la fotografía documental taiwanesa.

© Chang Tsai

No estoy muy educado. Yo sólo uso mi cámara para observar a la gente y las cosas. No tiene que parecer artística.

Biografía

Chang Tsai tenía un hermano mayor, Chang Wei-Hsian, que estaba apasionadamente comprometido con Movimiento de la Nueva Cultura de Taiwán. Su infancia estaba llena de recuerdos de subir al escenario para actuar en Drama Study Society que su hermano fundó, y de viajar lejos para participar en eventos interesantes. Esto despertó en él un sentimiento de preocupación y empatía por las vidas de la gente común.

En 1934, su hermano consiguió que estudiara fotografía en Japón, con algunos amigos que su hermano había hecho en el Pequeño Teatro de Tsukiji, que eran vanguardistas y partidarios de la Nueva fotografía. Se cambió a la Escuela Musashino de fotografía bajo la dirección de Senichi Kimura, y después de graduarse, continuó sus estudios en la Escuela Kudou de Fotografía, donde se especializó en el retrato.

En 1936 regresó a Taiwán, abrió un estudio de fotografía en Taipei. Entre 1942 y 1946, viajó a Shanghái tres veces, y con su cámara Leica documentó escenas callejeras urbanas de Shanghái. En esta serie de fotos no sólo exhibió un altísimo grado de maestría, sino también llenó en un espacio en blanco en la historia fotográfica de China durante la década de los 40.

Después de que el gobierno nacionalista chino se trasladó a Taiwán tras su derrota en la guerra civil china, Chang Tsai no pudo regresar a Shanghái. En cambio, participó en un estudio de campo de indígenas realizados por un grupo de profesores de antropología de la Universidad Nacional de Taiwán, realizando una célebre serie de fotografías de la Isla Orquídea y sus habitantes nativos, capturando su estilo de vida y personalidad sencilla y sincera.

Durante el mismo período, también fue profundamente fascinado con las celebraciones de los templos y de los grupos de ópera taiwanesa que agasajaba a los dioses en estos festivales. Su cámara capturó vivas imágenes de las bulliciosos fiestas populares religiosas taiwanesas de la década de los 50, adoradores solemnes, ofrendas, sacrificios de cerdos, y conmovedoras imágenes de bambalinas de intérpretes de ópera

Después montó una tienda de fotografía en 1957, concentrándose en el negocio de las fotos en color y comprometiéndose con menos frecuencia en la creación fotográfica. Durante la década de los 90, cogió su cámara de nuevo realizando una serie de coloridas fotos panorámicas de sus viajes por el extranjero. A través de un estilo abstracto, expresó simbólicamente las dimensiones psicológicas de sus últimos años y sus sentimientos acerca de la vida.

En 2010 se montó una exposición retrospectiva con más de 200 fotografías en blanco y negro, que abarca sus series Shanghai 1942 a 1946, Retratos de los aborígenes, Reflexiones de los Tiempos, Festival del sacrificio del cerdo, Sansia, Festival del Señor Dazhong, Sinjhuang, Bambalinas de la ópera taiwanesa, Un líder en la era de las Asociaciones Fotográficas y Ying Xin 1987-1989, además de su cámara Leica, fotos que tomó de escenas cotidianas de su vida y una colección de grabados originales.

Referencias

• Chang Tsai Retrospective Photography Exhibition en tfam (EN, ZN [12f]),
• 20 Most Influential Asian Photographers en invisiblephotographer (EN [1f]),
• Chang Tsai en tfam (EN, ZN [4f]),

Kieran Kesner es un fotógrafo estadounidense (con base en Nueva York y Boston) que realiza fotografía documental.

© Kieran Kesner

Biografía

Kieran Kesner es un galardonado fotógrafo, camarógrafo y narrador visual. Tiene experiencia en fotoperiodismo, fotografía documental, editorial y comercial y está disponible para encargos internacionales, nacionales y regionales.

Kieran ha ganado recientemente un Webby a la mejor utilización de la fotografía y también obtuvo el primer lugar en Noticias Internacionales en los premios NPPA de fotoperiodismo.

Entre sus trabajos documentales podemos citar la crisis del ébola en Liberia, la vida de los gitanos en la Europa del Este e Irlanda y las recientes revueltas en Ucrania.

Referencias

• su página web kierankesner.com (EN [+150f]),
• su blog (EN [?f]),
• Kieran Kesner en behance (EN [?f]),Following An Ebola Burial Team In Liberia en huffingtonpost (EN [10f]),
• Perspectives: Ukraine en passionpassport (EN [17f]),
• Interview with Kieran Kesner en worldphoto (EN [9f]),
• Kieran Kesner’s Photographs From ‘Traveling By Train’ en mutantspace (EN [7f]),
• Kieran Kesner’s ‘The Roma Project’ en mutantspace (EN [8f]),
• Ebola, the Invisible Threat en wsj (EN [11f]),
• Kieran Kesner en all-about-photo (EN [9f]),
• Kieran Kesner: Gripping Protest Portraits On Assignment In Ukraine en konbini (EN [11f]),
• Steps of glory en mashable (EN [27f]),
• Boston buried: The city before and after colossal snowstorms en mashable (EN [14f]).

Lu Yanpeng es un fotógrafo chino (nacido en 1984 en la provincia de Fujian, vive y trabaja en Pekín) que realiza fotografía de larga exposición.

© Lu Yanpeng

Cuando no puedo dibujar, escribo poemas para registrar mis sentimientos.
Cuando no sé qué escribir, dibujo imágenes que se forman a partir de mis recuerdos.
Pero cuando descubrí la cámara, fue como si yo ya no pudiera escribir ni dibujar.
Desde entonces, todos mis sentimientos convergen dentro de los 30 ó 60 segundos.
Tal vez la mayoría de la gente se embriague a sí misma en un torrente de sentimientos o estados de ánimo.
Pero lo que quiero hacer son simplemente cosas que a menudo se pasan por alto, acaso los recuerdos que se olvidan.
Tal vez ellos no duren mucho tiempo, pero siempre existirán.

Biografía

Lu Yanpeng se graduó en el Instituto de Arte de la Universidad de Fujian en 2005. Al día siguiente de graduarse Lu se subió al tren de Fujian a Pekín, con sus sueños para películas. Nunca pensó que un día iba a caer en la fotografía. En realidad, aún hoy en día, para él, la fotografía es todavía sólo un verso de un poema, o una escena de una película.

Fue nominado para el premio FOAM Paul Huf en Holanda en 2011 y recibió el primer premio del Festival Internacional de Fotografíade Pingyao 2011 para el mejor fotógrafo por su trabajo en Open Air, siendo el artista más joven en recibir este premio, y la gente comenzó a prestar atención a este joven poco conocido que acababa de cumplir 27 años.

Lu y otros fotógrafos de la nueva generación son como una nueva ola en el mundo de la fotografía en China. En comparación con la expresión más solemne y el sentido de la misión en las obras de sus predecesores, pueden recurrir a las habilidades artísticas que han aprendido en las escuelas profesionales de arte, y tienden a centrarse en una expresión individual que es más ideal, buscando el alma de lo que fotografían. Tales características llevan la luz del post-modernismo al poco sombría fotografía china. Estos fotógrafos añaden un toque de ternura, poesía, placer, extravagancia e incluso algo  de absurdo en sus obras, sin comprometer la siempre presente reflexión y la exploración de la cultura tradicional china.

Sus obras están realizadas por la noche utilizando largos tiempos de exposición. Ha participado en numerosas exposiciones tanto en China como internacionalmente.

Referencias

• Lu Yanpeng en m97gallery (EN [38f]),
• Lu Yanpeng en galeriedumonde (EN [18f]),
• Photography of Lu Yanpeng. Sense of Presence en cafa (EN [18f]),
• Huang Xiaoliang and Lu Yanpeng en timeoutshanghai (EN [18f]).

Libros

• Sense of Presence.

David Zimmerman es un fotógrafo estadounidense (vive en la ciudad de Nueva York y en Taos, Nuevo México) cuyo trabajo se ha centrado durante las últimas dos décadas en paisajes y culturas en peligro de extinción por causas políticas, ambientales, sociales o económicas.

© David Zimmerman

Biografía

David Zimmerman se graduó con honores en el Brooks Institute en 1981. Ya en 1982 se trasladó con su familia a la ciudad de Nueva York y comenzó su carrera fotografiando paisajes, proyectos ambientales y conceptuales, además de trabajos comerciales para Pepsi, Mercedez-Benz, Seagram, American Express, Unilever y otros.

Su estudio vid en fue construido con los estándares certificados LEED para la sostenibilidad. Su estudio está totalmente alimentado por energía solar, utiliza el agua de captación y es climatizado con energía solar.

Su trabajo ha ganado  numerosos premios y realiza exposiciones a nivel internacional. Consiguió el L'Iris D'or en los Sony World Photography Awards de 2009 por su trabajo en los desiertos del suroeste de los Estados Unidos.

Ha realizado proyectos fotográficos en los desiertos del suroeste de Estados Unidos, el Mar de Salton en el sur de California y un trabajo documental a lo largo del río Ganges en el norte de la India. Después de haber pasado 15 años trabajando en la India, su trabajo reciente se ha centrado en la comunidad tibetana en el exilio. Además de fotografiar el trabajo en los asentamientos urbanos y remotos, David ha llevado a cabo talleres de fotografía para estudiantes tibetanos refugiados como medio de comunicación y de preservación cultural.

Referencias

• su página web www.davidzimmerman.com (EN [45f 1v),
• David Zimmerman en souslesetoilesgallery (EN [12f]),
• David Zimmerman en susanspiritusgallery (EN [10f]),
• David Zimmerman’s ‘Last Refuge’ en time (EN [8f]),
• David Zimmerman en emptykingdom (EN [10f]),
• Entrevista a David Zimmerman en ephotozine (EN [1f]),
• David Zimmerman en betterphotography (EN [10f]),
• David Zimmerman en wird (EN [8f]),
• David Zimmerman en cnnphotos (EN [11f]),
• David Zimmerman en featureshoot (EN [8f 1v]).

David Hockney es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo inglés (nacido en Bradford el 9 de julio de 1937, vive en Bridlington, Yorkshire del Este, y Kensington, Londres) que fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de los 60, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.

Para ver la foto pinche en el enlace –> Pearblossom highway © David Hockney

Los árboles son la manifestación más poderosa de la fuerza vital que podamos contemplar. No hay dos iguales, como ocurre con las personas.

Biografía

David Hockney creció en una familia modesta, y decidió a la edad de 11 años que quería ser un  artista, publicando dibujos animados y carteles. Asistió a la Bradford School of Art antes de entrar en el Royal College of Art, donde coincidió con Peter Blake y R.B. Kitaj. La celebridad le llegó mientras aún estudiaba, cuando su obra fue incluida en la exposición Young Contemporaries, que marcó el surgir del arte pop británico, aunque rápidamente fue tocado por la abstracción de Bacon y Picasso.

A comienzos de los años sesenta visitó Los Ángeles y a finales de 1963 se estableció en aquella ciudad, donde comenzó a pintar con la novedosa técnica de la pintura acrílica sus Love Paintings, escenas de la vida sensual desinhibida de jóvenes atléticos, en  piscinas, con palmeras y sol perpetuo.

A principios de los 80, Hockney comenzó a producir sus joiners, que son collages hechos de fotografías, que primero eran instantáneas Polaroid y luego simples copias de 35mm impresas comercialmente. Debido a que las fotografías están tomadas desde diferentes perspectivas y en momentos ligeramente distintos, el trabajo resultante es afín al Cubismo, en una discusión de como trabaja la vista humana. Algunas piezas son paisajes, otras son retratos, como el de su madre.

Comenzó a trabajar más con la fotografía después de su descubrimiento y dejó de pintar por un tiempo para desarrollar esta nueva técnica. Frustrado con las limitaciones inherentes de la fotografía y su enfoque unilateral, regresó a la pintura.

Hockney pintó retratos en diferentes periodos de su carrera. Desde 1968 ha pintado a sus amigos, amantes y parientes por medio de fotografías que los representaran. Realizaba cortas estancias en Yorkshire en los noventa para visitar a su madre, pero poco a poco fue alargándolas para pintar sus entornos locales, creando pinturas hechas a base de varios lienzos de menor tamaño, ayudándose de reproducciones fotográficas digitales.

Artista polifacético, ha trabajado con el dibujo y la pintura manual, grabados en aguafuerte  y dibujos utilizando tecnología de vanguardia, como máquinas de fax, fotocopiadoras láser, con Quantel Paintbox en ordenadores, e incluso en iPhones e iPads con Brushes, para pintar digitalmente.

Hockney también diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House en Nueva York. El artista nació con sinestesia (ve colores en respuesta a estímulos musicales), y aunque esto no se ve reflejado en sus pinturas ni en su trabajo fotográfico, es uno de los principios que utilizó para el diseño de escenografías para óperas y ballet, basando los colores del decorado y la iluminación en los colores que veía mientras escuchaba las piezas musicales.

En 1991 fue nombrado miembro de la Royal Academy.

Referencias

• su página web hockneypictures.com (EN [+350f]),
• David Hockney en wikipedia [1f],
• David Hockney en tate (EN [120f]),
• David Hockney:  Una visión más amplia en guggenheim-bilbao [?f],
• David Hockney en pacegallery (EN [6f]),
• David Hockney portraits to go on show at Royal Academy en theguardian (EN [3f]),
• David Hockney en bbc (EN [34f]),
• David Hockney. The Arrival of Spring en annelyjudafineart (EN [23f]),
• Hockney cambia el sol por los bosques en elpais (EN [1f 1v]),
• David Hockney en rtve [1f],
• David Hockney en royalacademy (EN [?f]),
• David Hockney's iPad Art en pcmag (EN [1f 1v]).

Libros

• …
• David Hockney: Cameraworks, 1984.
• Hockney fotógrafo, 1985.
• David Hockney, 1992.
• Así lo veo yo, 1994.
• David Hockney: Flowers, Faces and Spaces, 1997 (2 vols.).
• El conocimiento secreto: el redescubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes maestros, 2001.
• David Hockney. Retratos, 2003.
• David Hockney. Una visión más amplia, 2012.
• …

Jianwei Yang es un fotógrafo canadiense (nacido en Pekín en 1969, vive en Vancouver, Canadá) que realiza fotografía de calle.

© Jianwei Yang

Biografía

Jianwei Yang estudió Ciencias de la Computación en la Universidad de Tecnología de Pekín y en la Universidad de Tsukuba. Trabaja en una compañía de software en Vancouver. La fotografía es su afición y empezó a hacer fotografía de calle desde finales de 2010. Le encanta caminar por las calles del centro de Vancouver y capturar momentos interesantes en lugares familiares.

La geometría urbana, luces y sombras, un fuerte contraste y el momento preciso son los elementos que busca en una fotografía.

Ha obtenido diversos premios como el American Aperture Awards (AX3) 2014 en la categoría Street, y su fotografía ha aparecido en diversas revistas online, en los libros anuales de 1x.com en 2014 y Black And White Street Group en 2013, y en 2015 en las revistas SHOT! Magazine, Amateur Photographer August 22/2015 – “Street Life” y Arte Fotográfica Magazine #74.

Referencias

• su página web www.jianweiyang.com (EN [85f]),
• Jianwei Yang en flickr (EN [+500f]),
• Jianwei Yang en 500px (EN [+100f]),
• Jianwei Yang en tuchong (EN [+1000f]),
• Jianwei Yang en nationalgeographic (EN [15f]),
• Jianwei Yang en all-about-photo (EN [17f]),
• Jianwei Yang en streetviewphotography (EN [17f]),
• Jianwei Yang en 121clicks (EN [31f]),
• Jianwei Yang en 1x.com (EN [39f]),
• Jianwei Yang en google+ (EN [?f]),
• Jianwei Yang en facebook. (EN [?f]).

Carrie Mae Weems es una video artista y fotógrafa estadounidense (nacida en Portland, Oregón, en 1953, vive y trabaja en Siracusa, Nueva York) que es considerada una de las más influyentes artistas estadounidenses contemporáneas. Ha investigado relaciones familiares, identidad cultural, sexismo, clase, sistemas políticos y las consecuencias del poder, sosteniendo un diálogo permanente en el discurso contemporáneo durante más de treinta años, a través de un complejo cuerpo de arte que incluye fotografías, texto, tela, audio, imágenes digitales, instalación y vídeo.

© Carrie Mae Weems

Mi responsabilidad como artista es trabajar, cantar en mi cena, hacer arte, bello y poderoso que sume y revele, para embellecer el desorden de un mundo desordenado, sanar a los enfermos y alimentar a los desamparados; es gritar con valentía a los cuatro vientos y hacerse eco de la especificidad de nuestro momento histórico.

Biografía

Carrie Mae Weems obtuvo un BFA en el California Institute of the Arts de Valencia (1981), y un master por la Universidad de California en San Diego (1984), continuando sus estudios con el Programa de Posgrado en Folclore de la Universidad de California en Berkeley (1984-1987).

Weems desacredita etiquetas racistas y sexistas, examina la relación entre el poder y la estética, y utiliza la biografía personal para articular verdades más amplias. Adaptando o apropiándose de imágenes de archivo, de fotografías de noticias de famosos, o creando totalmente escenas nuevas traza una historia indirecta de la representación de los afroamericanos a lo largo de más de un siglo.

Ha recibido numerosos premios, subvenciones y becas, incluyendo el prestigioso Prix de Roma, The National Endowment of the Arts, Alpert, Anonymous was a Woman  y Tiffany Awards. En 2012, Weems consiguió una de las primeras Medals of Arts del Departamento de Estado de EEUU en reconocimiento a su compromiso con el arte en el programa de embajadas.

En 2013 recibió la beca “Genius” MacArthur, así como el Lifetime Achievement Award del Congressional Black Caucus Foundation. En 2014 recibió el premio BET Honors Visual Artist, Lucie Award for Fine Art photography y fue uno de los 4 artistas honrados en la Gala International Guggenheim.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en importantes museos nacionales e internacionales, entre ellos el The Metropolitan Museum of Art, The Frist Center for Visual Art, Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, Prospect.3 de Nueva Orleans y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, incluyendo el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, The Museum of Fine Arts en Houston, Museum of Modern Art en Nueva York y Museum of Contemporary Art en Los Ángeles.

Referencias

• su página web carriemaeweems.net (EN [?f]),
• Carrie Mae Weems en wikipedia (EN [1f]),
• Carrie Mae Weems en jackshainman (EN [37f]),
• Carrie Mae Weems en art21 (EN [59f 9v]),
• Carrie Mae Weems en macfound (EN [1v 4f]),
• Carrie Mae Weems en guggenheim (EN [1f]),
• Testimony of a Cleareyed Witness en nytimes (EN [13f]),
• Carrie Mae Weems en washington (EN [17f]),
• Carrie Mae Weems en clevelandart (EN [13f]),
• Carrie Mae Weems en bombmagazine (EN [6f]),
• Carrie Mae Weems en nathanielturner (EN [3f]),
• Carrie Mae Weems en womeninphotography (EN [6f]),
• Carrie Mae Weems en facebook (EN [?f]).

Libros

• Family Pictures and Stories: A photographic installation
• Vanishing Cream
• Blues and Pines
• Then what? Photographs and Folklore
• Carrie Mae Weems
• And 22 million. Very tired and very angry people
• In these islands. South Carolina. Georgia
• Ritual and Revolution
• Carrie Mae Weems. Recent work, 1992-1998
• The Hampton Project
• Beacon
• Social Studies
• The Louisiana Project
• Sited for the record
• To be continued
• Carrie Mae Weems. Social Studies.

Biografía

Referencias

• su página web www.lauratorrado.net (EN, ES [50f] 7v),
• El lado oscuro de la vida según Laura Torrado en quesabesde [6f],
• Laura Torrado en revistasculturales [1pdf],
• Laura Torrado en lafabrica [1f],
• Metrópolis: Laura Torrado en tve [1v],
• Laura Torrado, romper el estereotipo femenino en elasombrario [9f],
• Laura Torrado, la oscuridad natural de las cosas en hoyesarte [1f],
• Laura Torrado en m-arteyculturavisual [1f],
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [1f].

Libros

• Vanitas, canto líquido,  2000
• Laura Torrado PHotoBolsillo, 2005
• Cien fotógrafos españoles. Exit, 2005
• The insides 2008
• Laura Torrado. La oscuridad natural de las cosas 2013
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2014.

Ana Torralva es una fotógrafa andaluza (nacida en San Fernando, Cádiz, en 1957, vive en Madrid) considerada una de las mejores retratistas de España. El flamenco es uno de sus temas preferidos fuera del encargo profesional que le permite experimentar y acercarse a su tierra natal.

© Ana Torralva

Lo descriptivo no es sólo un documento. También es arte.

Biografía

Ana Torralva aprendió el manejo de la cámara con 13 años. Realizó estudios de Pintura en Valencia y se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha colaborado en la creación de la edición valenciana de El País, viviendo y trabajando en Valencia durante toda una década a caballo entre los años setenta y ochenta,  trabajando en ese diario durante diez años y publicando sus reportajes en El País Semanal. En la actualidad colabora con el suplemento cultural Babelia y enseña fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca.

El retrato le ha otorgado su mayor reconocimiento artístico y profesional. Ha publicado en medios de prensa general o especializada  retratos de multitud de escritores, músicos y personas vinculadas con el espectáculo. Así, realizó una serie de retratos de mujeres escritoras. Ha sido la encargada de la Galería de Retratos de los Magistrados del TribunalConstitucional en Madrid, y va a realizar los retratos del Consejo de Estado.

El flamenco y más concretamente el Festival de Cante de las Minas, Murcia, se ha convertido en su trabajo central, que ha expuesto en casi todo el mundo. Retratos limpios, sin escenografía y realizados en estudio, así como fuertes contrastes de blanco y negro son su sello característico.  Con una fotografía intimista, iluminada lateralmente para agudizar los rasgos del personaje, retrata el sentido más dramático del flamenco y la expresividad de sus personajes.

Así, desde hace más de 13 años trabaja en Ha pasado un duende, serie abierta a la que va incorporando fotografías y para la que han posado figuras representantes del arte flamenco como María Pagés, La Paquera, Chano Lobato, El Pelao, … Veinte de estas imágenes se expusieron en 2003 en la Roger Smith Lobby Gallery de Nueva York, en el marco del III Flamenco Festival.

Ha recibido tres premios FotoPres en la categoría de Retrato por sus fotografías El cigarrillo de Monseñor Tarancón (Tercer Premio en 1984), Cinco mujeres y su entorno (Primer Premio en 1989) y Poli Díaz, fuerza y ternura (Segundo Premio en 1990).

Referencias

• Ana Torralva en dosconsiete [4f],
• Ana Torralva en centroandaluzdelafotografia [3f],
• Ana Torralva en centroandaluzdelafotografia [1pdf],
• La estética jonda llega a EE UU con dos fotógrafos en elpais [1f],
• Ana Torralva reúne en 37 imágenes el cante y las minas de La Unión en elpais,
• Ana Torralva en espinasyazucenas [1f],
• Ana Torralva: El cante y la mina. La Unión en mestizo [3f],
• Ana Torralva en elegirhoy,
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI [2f].

Libros

• El cante y la mina, La Unión, 1999
• Seis manifestaciones artísticas, seis creadoras actuales: Icíar Bollaín, Almudena Guzmán, Angélica Liddell, Carmen Linares, Clara Sánchez, Ana Torralva,  2006.
• Diccionario de fotógrafos españoles. Del siglo XIX al XXI,  2013.

Charalampos Kydonakis es un arquitecto y fotógrafo griego (nacido en Heraklion en la isla de Creta, vive y trabaja en Rethymno) que realiza fotografía de calle y también de paisaje.

© Charalampos Kydonakis

Cuantas más fotos hago, más me doy cuenta de lo que quiero de la fotografía y al mismo tiempo, más confundido estoy acerca de lo que quiero.

Mis imágenes pueden parecer surrealistas, pero es mi esfuerzo por interpretar la realidad. Lo que quiero decir es: vemos algo real y luego lo metamorfoseamos. Si no hay metamorfosis, entonces estamos documentando la vida. La documentación es de alguna manera objetiva y yo quiero que sea subjetiva. Quiero contar mi historia. No estoy interesado en documentar la vida.

Biografía

Charalampos Kydonakis nació en Heraklion en la isla de Creta, y se crió en Rethymno, también en esta isla. Estudió arquitectura en Tesalónica. Compró su primera cámara analógica en 1997 mientras estaba en la universidad, pues la necesitaba para sus estudios y trabajo, fotografiando edificios y espacios urbanos. En 2008 se compró una cámara digital y empezó a disparar más. Entonces vio algunas fotos de Magnum y se dio cuenta de que le gustaría hacer fotos para contar historias humanas. La fotografía de calle es lo que le da más adrenalina. Pero últimamente ha empezado a fotografiar cualquier cosa y todo, no sólo la calle.

Su fotografía de calle es en color o en blanco y negro y un poco macabra y fuerte. De ahí su pseudónimo Dirty Harry (Harry el Sucio). Disparaba con flash como Bruce Gilden, pero no quiere encasillarse y también juega con exposiciones múltiples y velocidad de obturación larga, creando un estado de ánimo etéreo y nebuloso en sus fotografías. También ha utilizado un objetivo pinhole de plástico.

Kydonakis es muy prolífico, con varias exposiciones, posee una galería muy amplia que se puede ver en Flickr y define su pasión por la fotografía de calle como una forma de observar el mundo y escribir sus pensamientos. En su blog mezcla su fotografía con la de otros fotógrafos: fotografías y poco texto.

Ha visitado algunas ciudades europeas y es agradable para él disparar en cualquier lugar. Pero como el mejor trabajo de todos es resultado del tiempo que has pasado en algún lugar, sus fotos favoritas son las que ha realizado en su ciudad, Rethymno.

Referencias

• su página web www.dirtyharrry.com (EN [?f]),
• Charalampos Kydonakis en flickr (EN [+500f]),
• Charalampos Kydonakis en instagram (EN [+50f]),
• Charalampos Kydonakis en in-public (EN [30f]),
• Charalampos Kydonakis. Rethymnon Street Photographer en leicaliker (EN [26f]),
• Charalampos Kydonakis en wertn (EN [26f]),
• Charalampos Kydonakis’ Dreams Are Your Nightmare en resourcemagonline (EN [15f]),
• Charalampos Kydonakis aka DirtyHarry en japancamerahunter (EN [8f]),
• Charalampos Kydonakis en shooterfiles (EN [14f]),
• Charalampos Kydonakis en pelagica (EN [9f]),
• Charalampos Kydonakis en themavens (EN [10f]),
• Charalampos Kydonakis en notcommonpeople (EN [8f]),
• Photography by Charalampos Kydonakis en photogrist (EN [12f]),
• Charalampos Kydonakis – Palms of Crete en cfye (EN [6f]),
• Charalampos Kydonakis en google+ (EN [?f]),
• Charalampos Kydonakis en facebook (EN [?f]).

Libros

• Colour Candids
• Black & White Candids.

En esta reseña están incluidos todos aquellos fotógrafos publicados cuyo año de nacimiento se cita en su biografía en este blog.

Abelardo Morell es un fotógrafo cubano (nacido en 1948 en La Habana, vive en Brook­line, Massachusetts) reconocido en la comunidad fotográfica para crear imágenes de cámara oscura en varios lugares del mundo y fotografiarlas.

© Abelardo Morell

Los artistas, los buenos, tienden a recrear el mundo para nosotros.

Biografía

Abelardo Morell emigró con sus padres a los Estados Unidos a la ciudad de Nueva York en 1962. Obtuvo su licenciatura en 1977 en el Bowdoin College y un master en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale en 1981.

Siempre intrigado con la óptica y en cómo la imagen se construye, comenzó su carrera fotográfica en el más firme de los géneros, la naturaleza muerta. Sus imágenes se centraban en cosas simples y cotidianas: una botella de vidrio, una página dentro de un libro, un juguete para niños. En 1991, Morell, queriendo ilustrar a sus alumnos el principio básico de fotografía - luz que pasa a través de una abertura y su imagen proyectada - tropezó con lo que resultó ser un punto de inflexión: cualquier sitio, cualquier espacio puede convertirse en una cámara. Durante años perfeccionó la técnica y continúa utilizando hoy lo que es fundamentalmente una de las maneras más primitivas y antiguas de crear una imagen.

Al principio, sus fotografías requerían exposiciones de varias horas, pero con la tecnología digital, ahora son más rápidas. Continúa experimentando, creando collages, cliché-verre sobre vidrio, y ha adaptado una tienda de campaña para poder realizar sus imágenes al aire libre. Los efectos de estas imágenes se remontan a la pintura impresionista, donde a veces las vistas famosas se yuxtaponen con superficies no tradicionales e inesperadas.

Ha recibido numerosos premios y becas, incluyendo la beca Cintas en 1992, una beca Guggenheim en 1994, el premio Rappaport en 2006 y una beca Alturas Foun­da­tion en 2009 para fotografiar el paisaje del oeste de Texas. También obtuvo el premio Cen­ter of Pho­tog­ra­phy 2011 Infin­ity.

Su trabajo se ha expuesto y coleccionado en muchas galerías, instituciones y museos, como el Museum of Mod­ern Art, The Whit­ney Museum of Amer­i­can Art, Met­ro­pol­i­tan Art Museum de Nueva York, The Chicago Art Insti­tute, The San Fran­cisco Museum of Mod­ern Art, The Hous­ton Museum of Art, The Boston Museum of Fine Art, The Vic­to­ria & Albert Museum  y hasta más de setenta museos de los Estados Unidos y del extranjero.

Morell enseñó como profesor emérito de fotografía en el Massachusetts College of Art. Es representado en exclusiva por Houk Gallery. En 2007 se realizó el documental Shadow of the House, sobre su vida y obra.

En 2013 se realizó una retrospectiva de su obra, Abelardo Morell: The Universe Next Door, organizada conjuntamente por el Instituto de Arte de Chicago, The Getty y el High Museum de Atlanta.

Referencias

• su página web www.abelardomorell.net (EN [+250f 1v]),
• Abelardo Morell en wikipedia (EN),
• Abelardo Morell en houkgallery (EN [12f]),
• Abelardo Morell: Tent Camera en houkgallery (EN [20f]),
• Abelardo Morell: Camera Obscura en houkgallery (EN [38f]),
• Abelardo Morell en jacksonfineart (EN [+100f]),
• Abelardo Morell en soskine (EN [10f]),
• Abelardo Morell en moma (EN [11f]),
• Abelardo Morell: The Universe Next Door en artic (EN [6f 1v]),
• Abelardo Morell on Capturing Dreams en nationalgeographic (EN [1f]),
• Abelardo Morell: The Universe Next Door en getty (EN [6f]),
• Outside-in, upside-down - and now in color! en lensculture (EN [20f]),
• Abelardo Morell en malditoinsolente [34f],
• Abelardo Morell en lafabrica [5f],
• Abelardo Morell en identitytheory (EN [1f]),
• Abelardo Morell en elhurgador [18f],
• Abelardo Morell y la cámara oscura en dresslab [7f],
• Abelardo Morell en facebook (EN [?f]).

Libros

• A Camera in a Room 1995.
• Face a Face, 1998.
• Alice’s Adven­tures in Won­der­land  1998.
• Abelardo Morell and the Camera Eye. 1999.
• A Book of Books 2002.
• Mirada interior,  2003.
• Cuba on the Verge: An Island in Transition,  2003.
• Camera Obscura 2004.
• Abelardo Morell 2006.
• Cliché Verre.
• Abelardo Morell: The Universe Next Door2013.